Muestra de ilustración: cómo hacer un periódico de pizarra

emblema del partido

, bandera del partido y otras ilustraciones simbólicas. Un buen diseño de diseño debe tener una jerarquía clara de artículos, bloques de texto e imágenes animados y cambiantes, y un sentido de unidad, y los colores deben ser coordinados y llamativos.

Periódico de pizarra

4. Diseño de la columna y la imagen del título

El contenido de la columna de la imagen y la imagen del título deben ser preferiblemente algunos personajes abstractos, accesorios, escenas, etc., y coopere con el texto para formar toda la cabecera. En términos de

coincidencia de colores

, intente mantener los dos en una relación unificada y contrastante, como por ejemplo: rojo. y azul, azul y verde, amarillo y rojo, etc.

5. Extrae manuscritos y dibuja ilustraciones.

En primer lugar, además de tener un encabezado y un título bonitos, la escritura también es muy importante. Una buena caligrafía con tiza no sólo puede aumentar la belleza del diseño, sino también atraer lectores. Por lo tanto, si la escritura en la pizarra es hermosa o no afectará directamente el efecto publicitario. Al extraer un manuscrito, la letra debe ser clara y ordenada, y las ilustraciones deben complementar el manuscrito y servir como toque final.

6. Dibujar los bordes de la cola y el encaje

Cuando se copia el artículo, a veces se deja algo de espacio en la página para llenar estos espacios en la página, se necesitan algunas flores de cola. . La flor de la cola se puede combinar con texto o se puede organizar de manera flexible independientemente del contenido del texto. La flor de la cola es un patrón separado y el contenido puede ser flores, paisajes, edificios, etc. La flor de la cola debe ser de estructura sencilla y muy decorativa, y su tamaño no puede exceder el de la cabecera y las ilustraciones.

Periódico de pizarra

7. Procesamiento en blanco

Cuando todo el trabajo de diseño está básicamente completado, es necesario ver si hay áreas insatisfactorias y agregar pulido. . , retocar y algunas áreas pequeñas de espacio en blanco se pueden llenar con pequeños patrones para que el diseño sea más completo y completo. Ilustración de moda: El "diablo de la moda" con 500 años de historia

La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años. Desde la aparición de la ropa, es necesario transformar las ideas o imágenes del diseño de ropa. ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura, y también se la conoce como “dibujo de moda”. Los diseñadores de moda utilizan principalmente los "bocetos de moda" para intercambiar ideas en papel o digitalmente; su función principal en el diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.

A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el “diablo de la moda” con una historia de 500 años, por etapas.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas en varios países del mundo. Se imprimieron libros que ilustraban lo que era apropiado para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que estas ilustraciones sean utilizadas por diseñadores de vestimenta, modistas y sus clientes para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de trajes y trajes de época.

Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. . Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las femeninas.

2. La placa de moda en el siglo XIX

La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. "Conjunto incroyable de Merveilleuses", etc. Los objetos, así como una serie de fotografías de moda en acuarela grabadas por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I, se hicieron famosas durante un tiempo.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.

En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El diseñador esbozará el nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.

A finales del siglo XIX, la impresión a mano en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

3. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX

En las primeras décadas del siglo XX, floreció por primera vez la ilustración de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una carrera. La moda, que antes era obra de artistas individuales, se está convirtiendo ahora en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es la cultura de compras.

La revista francesa de lujo Gazettedubonton, publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda.

Iribe fue una figura destacada entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevas variaciones del estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren tendencias en ocasiones sociales así como ropa contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista Vogue siempre contó con ilustraciones en sus portadas. Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape, F.X.

Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas son capaces de representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.

Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la opción preferida de las revistas; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, y revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda tanto como sea posible a los lectores. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas, interesados ​​principalmente en obtener efectos pictóricos y decorativos interesantes, se sienten agobiados y, por tanto, aburridos de reflejar fielmente cualquier cosa que esté en el espíritu de la moda contemporánea".

El "New Look" de Dior " de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a tiempos más alegres y optimistas.

5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda habían destinado una mayor parte de sus presupuestos a la comunicación editorial de la fotografía. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.

Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas para adolescentes dirigidas a adultos jóvenes, de las cuales muchas se publicaron en la década de 1960, todas Todas las ilustraciones se centran en la ilustración como una alternativa económica a la fotografía.

Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este período. Su carrera comenzó en "Women's Wear Daily".

Durante la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda luchó por sobrevivir hasta que comenzó un resurgimiento en la década de 1980. La nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1982), Conde Nast's Vanity (1981) y Visionaire (1991). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, específicamente a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.

6. La ilustración de moda hoy

En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Dado que la belleza y la elegancia han pasado de moda tanto en la moda como en el arte, la ilustración de moda a veces puede parecer un retroceso a una época anterior.

La fotografía es tan buena para registrar los detalles de una prenda que el foco del ilustrador ya no está en una representación exacta de la prenda, sino en explicar la prenda y su posible portador. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una variedad de estilos artísticos únicos, habilitados por herramientas digitales y plataformas de redes sociales. En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a surgir en el campo de los gráficos por computadora.

Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo miran hacia atrás a los maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las creadas mediante procesos más modernos.

La ilustración se ha vuelto popular recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda están empezando a llamar la atención. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones intrincados y una personalidad infinita que causan una impresión duradera.

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