Preludio: pieza breve de estructura libre, muchas veces colocada como prefacio ante música o suites de estructura estricta. Por ejemplo, el "Clave bien temperado" de Bach.
Studi: Hay dos tipos: (1) uno es la música compuesta para la formación técnica de instrumentos musicales, a menudo con fines técnicos específicos, como Czerny (2) uno se compone para conciertos Los estudios, derivados; del primero, evolucionaron paulatinamente hasta convertirse en deslumbrantes obras de arte, como las de Chopin, Liszt, Debussy, Streya Bing, etc.
Polonesa: Originalmente se utilizaba como acompañamiento en los salones aristocráticos, y posteriormente fue trasplantada a la música de piano por compositores urbanos. La forma musical de Chopin es de tres tiempos, velocidad media, simétrica, rigurosa en la forma y rica en textura de piano.
Sonata: suite instrumental de múltiples movimientos, también llamada "suite sonata". Consta de tres o cuatro movimientos contrastantes, tocados en un instrumento solista o en conjunto con piano. Las características básicas y estructura musical de cada movimiento son las siguientes: el primer movimiento es Allegro, en forma de sonata; el segundo movimiento es Adagio, en forma de variaciones, trilogía compleja o sonata libre; el tercer movimiento es un minueto; o scherzo, la forma es una trilogía compleja; el cuarto movimiento es Allegro o Allegro, forma sonata o rondó.
Concierto: Uno o dos instrumentos compitiendo con la orquesta. La palabra "concierto" tiene dos significados: uno es "competencia"; el otro es "trabajar juntos". Esto muestra las características del concierto. Hay una cadencia al final del primer movimiento que enfatiza la técnica del solista.
Los conciertos para iglesia aparecieron en el siglo XVI y los conciertos para instrumento solista se finalizaron básicamente a finales del siglo XVIII. Mozart compuso conciertos para diferentes instrumentos solistas y estableció la estructura musical de los conciertos que todavía se utiliza en la actualidad. A principios del siglo XIX, Beethoven utilizó la técnica colaborativa conocida como música country para elevar el nivel artístico del concierto a un nuevo nivel. Los conciertos generalmente constan de tres movimientos. El primer movimiento, Allegro, tiene forma de sonata y suele estar decorado con pasajes coloridos. El segundo movimiento es principalmente un adagio lírico; el allegro del tercer movimiento suele estar en forma de rondó o sonata. A veces se inserta una cadencia entre el segundo y tercer movimiento. Además, hay un concierto en un solo movimiento.
Poesía sinfónica: música orquestal de un solo movimiento, compuesta por primera vez por Liszt. Abogó por combinar literatura y música y utilizar títulos para recordarlo a los oyentes. Liszt escribió 65.438+03 poemas sinfónicos. Posteriormente, muchos compositores también utilizaron este género para componer, como Smetana, Richard? Los poemas sinfónicos, las pinturas sinfónicas, los cuentos de hadas sinfónicos y las fantasías sinfónicas de Strauss pertenecen todos a esta categoría.
Sinfonía: Suite de gran escala que da pleno juego a diversas funciones esperadas y expresividad para dar forma a la imagen musical, y es interpretada por una orquesta sinfónica.
Obertura: Canción de apertura de óperas, oratorios, ballets y otras músicas dramáticas, suites vocales e instrumentales. Scarlatti - obertura italiana; tempo rápido-lento-rápido; Lurie - obertura francesa, lento-rápido-lento; después del siglo XVIII, las oberturas clásicas adoptaron en su mayoría la estructura dramática de estilo sonata. Los músicos románticos del siglo XIX desarrollaron la obertura hasta convertirla en un título independiente para la apreciación orquestal.
Variaciones: Obra musical formada por una serie de cambios y repeticiones de un tema musical. Según las diferentes variaciones, se divide en dos tipos: variaciones estrictas (incluidas variaciones de bajos fijos y variaciones decorativas) y variaciones libres. Las variaciones pueden tener un tema musical o dos temas musicales (es decir, variaciones dobles).
Cadenza: sección de un aria de ópera italiana improvisada por el solista, normalmente insertada por el solista al final del movimiento del concierto. La cadencia es relativamente libre de tocar y más difícil. Los jugadores pueden aprovechar al máximo sus habilidades de interpretación y su interpretación del instrumento. Las cadencias fueron originalmente improvisadas por los intérpretes y luego se convirtieron en una parte integral del trabajo del compositor.
Suite: pieza para orquesta o piano compuesta por varios movimientos relativamente independientes. Una suite clásica china suele constar de cuatro piezas de danza con la misma melodía que la mostaza. Las suites modernas constan de varias piezas seleccionadas de ópera, ballet, música dramática o música de cine, así como suites sinfónicas tituladas.
Suite: Es un conjunto completo de música instrumental o acústica, que incluye varios fragmentos o movimientos, que se compone en forma de suite. Las suites instrumentales incluyen principalmente suites clásicas, suites modernas, sonatas, sinfonías, conciertos y sinfonías, como la suite sinfónica "My Motherland".
Las características morfológicas de la música griega antigua (melodía, ritmo, textura, sistema modal)
Melodía y ritmo: La música griega antigua es la trinidad de poesía, música y danza. Como el "Ge Zhilue" de China). El estatus de la poesía es mucho más alto que el de la música, por lo que la melodía y el ritmo se ven afectados por la cadencia y el ritmo largo y corto de la letra.
Las denominadas texturas se pueden dividir en tres categorías, a saber, texturas monofónicas (una sola melodía), texturas polifónicas (dos o más melodías que aparecen al mismo tiempo) y texturas tónicas (también conocidas como tónicas). texturas). Se llama textura armónica, que es una melodía más armonía). El arte musical de la antigua Grecia y Roma se encontraba en una etapa muy preliminar, por lo que todavía era una textura monofónica.
Sistema modal: En esta época los modos llevan el nombre de un nombre tribal, ordenados de arriba a abajo en octavas u octavas dobles, basándose en la serie de cuatro notas. Según los teóricos de la música de la antigua Grecia, cada modo tenía características éticas diferentes. Por ejemplo, Aristóteles creía que el modo dórico era firme y masculino, el modo frigio podía inspirar pasión y el modo lidio era sentimental. (Curiosamente, los antiguos músicos chinos estaban lejos de las antiguas Grecia y Roma, y no había comunicación cara a cara entre ellos, pero también creían que la música tenía características éticas... Más tarde, esta característica fue ignorada por la gente. Hasta ahora la gente se ha dado cuenta. Aunque su importancia no ha sido ampliamente reconocida, creo que la musicoterapia, que hasta ahora no se ha tomado en serio, será muy popular).
Los principales géneros musicales de la antigua Grecia. (respectivas características formales; relación con la literatura, los rituales religiosos y la vida):
Epopeyas heroicas de la época homérica (La Ilíada y Odiseo, etc.), música de culto religioso (como " "Oda al Sol ", "Oda a Dioniso"), tragedias y comedias griegas, letras solistas, coros en competiciones deportivas (no de naturaleza polifónica), música de baile y solos instrumentales.
En la música occidental, la lira es el símbolo y símbolo de la música. Lira, también conocida como lira.
La música occidental se refiere principalmente a la música europea. Dado que la clase dominante en la historia europea prestó más atención a la música, muchos músicos recibieron financiación y protección y desarrollaron teorías musicales relativamente completas. En la actualidad, la teoría musical occidental ocupa una posición dominante en la industria musical mundial, y los métodos de notación y procedimientos de composición desarrollados en la industria musical europea han sido reconocidos por el mundo.
La música occidental se divide en las siguientes ocho etapas:
1. Música de la antigua Grecia y Roma
La época es aproximadamente del 3200 a.C. al 400 d.C. Esta parte de los datos musicales sólo puede provenir de la arqueología, que se puede comprender a partir de pinturas, esculturas y un pequeño número de poemas, literatura y obras filosóficas desenterradas que se han transmitido de generación en generación, pero es casi imposible escucharlos y apreciarlos. Según las estadísticas, en esta etapa quedan menos de 10 piezas musicales. Pero en los numerosos patrimonios culturales, como las esculturas que quedaron, podemos ver la gloria y los logros del pasado. Los grandes filósofos de la antigua Grecia discutieron e investigaron la música, y las generaciones posteriores los consideraron la fuente de la música occidental.
Las dos epopeyas del periodo homérico, del siglo XII a.C. al siglo VIII a.C., reflejan la cultura musical de la antigua Grecia. La epopeya en sí es una obra tanto literaria como musical. Lo acompaña un "asistente" profesional de un instrumento llamado kisala.
En el año 776 a.C. se empezaron a celebrar los antiguos Juegos Olímpicos. Las competiciones solían ir acompañadas de música, y posteriormente aparecieron los concursos de música.
Desde el siglo VII a.C. hasta el siglo VI a.C., Esparta consideró la música como un medio importante de actividades y educación nacionales, y la desarrolló aún más.
Después del 146 a.C., después de que la antigua Roma conquistara Grecia, su cultura se benefició principalmente de Grecia y, al mismo tiempo, absorbió los logros de civilización de Siria, Babilonia, Egipto y otros países.
2. Música Medieval
Tras el colapso del Imperio Romano en el 476 d.C., la civilización griega y romana decayó. Los alemanes gobernaron la mitad occidental de Europa, lo que históricamente se llamó el "Período Oscuro", es decir, el "Período Medieval".
La iglesia era el centro de la vida de la gente en ese momento y desempeñaba un papel importante. en política, economía y cultura. Los artistas vivían en la religión, por lo que el arte en aquella época estaba estrechamente relacionado con la religión.
Las actividades musicales durante este período estuvieron muy influenciadas por el cristianismo. La música se basaba principalmente en rituales religiosos o el canto de villancicos, y era principalmente funcional, como los himnos de Gregorio. La mayoría de las letras están tomadas de la Biblia.
Se caracteriza por pequeñas fluctuaciones melódicas, falta de base armónica y una interpretación sencilla.
Los mayores contribuyentes a la música medieval fueron el obispo Ambrosio de Milán y el papa Gregorio I.
Alrededor del 390 d.C., Ambrosio popularizó el coro de himnos en dos partes, introdujo la armonía y permitió a los laicos que no eran monjes ni sacerdotes participar en el canto. Fue el desarrollo y popularización de la música religiosa.
El Papa Gregorio I, que reinó del 590 al 604 d.C., compiló un conjunto de música para el culto solemne y estipuló por ley que la música debía incluirse en las ceremonias de oración, formando un conjunto de Cantos Gregorianos que se han convertido en un modelo de creación religiosa. Posteriormente desarrolló la notación musical. Aunque en ese momento no había líneas de compás ni pentagramas, el método de utilizar notación alta y baja proporcionó la base para la invención de los pentagramas. Este símbolo tiene sólo cuatro líneas, cada una precedida por tres líneas. También se establecieron escuelas para formar cantantes y se promovió vigorosamente la música dentro de la esfera de influencia de la iglesia, haciendo de la música religiosa la principal forma musical en Europa antes del siglo X.
3. Música del Renacimiento
El período del Renacimiento fue alrededor del 1450-1600 d.C. Basado en el "arte nuevo" de la Edad Media, persigue la liberación de la naturaleza humana y la expresión de las emociones internas de las personas. En esta época, impulsados por el humanismo, los músicos desarrollaron y reformaron la música polifónica, y la música vocal y la música instrumental gradualmente se separaron y desarrollaron de forma independiente. Durante este período se perfeccionó el pentagrama y también se utilizó la imprenta en las partituras musicales, haciendo más cómoda y generalizada la difusión de la música. Durante este período, hubo los siguientes géneros musicales influyentes:
Escuela de Música Holandesa
Un grupo de músicos cuyas principales actividades musicales se desarrollaban en los Países Bajos. El contenido creativo consiste principalmente en canciones en prosa, canciones clásicas y otra música religiosa, así como música profana. Las figuras representativas incluyen a Di Fei, Joskin, Bian Shuya, Okegamu, etc.
Escuela de Música de Venecia
Género musical instrumental de 1530-1620, caracterizado por un sonido amplio y majestuoso y efectos de contraste nítidos. Las composiciones incluyen conjuntos de metales y cuerdas, preludios de órgano, fantasías y tocatas. Entre las figuras representativas se encuentran Virat, A. Gabrieli, etc.
Escuela de Música Romana
Durante este periodo aparecen géneros musicales dedicados a crear y servir obras religiosas principalmente en forma de canto a capella. Entre las figuras representativas se encuentran Palestrina, G.M Nanino, F. Soriano, etc.
4. Música barroca
La música barroca se refiere al tipo de música que comenzó a surgir en Europa después del Renacimiento y fue popular antes de la formación de la música clásica. Duró aproximadamente desde 1600 hasta. 1750.
La palabra barroco proviene del vocablo portugués "Barocco", que significa perlas de forma imperfecta. Originalmente un término en el campo de la arquitectura, gradualmente se fue utilizando en los campos del arte y la música. En el campo del arte, el estilo barroco se caracteriza por una decoración exquisita y un estilo ornamentado. La razón principal de este fenómeno es que el período barroco fue una época en la que los aristócratas estaban en el poder, y la ostentación lujosa en el magnífico palacio fue el centro del desarrollo de una nueva cultura y arte. Este cambio en el entorno afectó directamente a la creación de. músicos. La mayoría de las obras musicales creadas por los músicos de la corte en los siglos XVII y VIII fueron compuestas para satisfacer las necesidades sociales de la clase alta. Para mostrar el poder y la riqueza de la nobleza, la música de la corte en ese momento tenía que mostrar la música y el comportamiento extraordinario para crear una atmósfera agradable.
La música barroca se caracteriza por un lujo extremo y una gran cantidad de sonidos decorativos. Ritmo fuerte, corto y rítmico, hermosa melodía. La polifonía (música polifónica) todavía dominaba, las tonalidades mayores y menores reemplazaron a los modos eclesiásticos y la música leitmotiv también floreció. Por eso las armonías polifónicas son cada vez más obvias. La música polifónica alcanzó su apogeo en la era de J.S.
El bajo digital y la improvisación son una parte importante del Barroco, y los arreglos orquestales aún no se han estandarizado.
5. Música clásica
La música clásica se refiere a la música dominante en Europa desde 1730 hasta 1820, también conocida como la Escuela de Música Clásica de Viena. Los tres compositores más famosos de este género son Haydn, Mozart y Beethoven.
La música clásica hereda el desarrollo de la música barroca y es un estilo musical o una época en la historia de la música europea. Esta época vio el surgimiento de sinfonías, conciertos para solistas, cuartetos de cuerda, sonatas de múltiples movimientos y otros géneros.
La forma sonata y el rondó se convirtieron en las formas musicales más comunes durante los períodos clásico y romántico, y tuvieron una profunda influencia hasta el siglo XX. En comparación con el período barroco, el número de orquestas aumentó y las orquestas dirigidas por directores se convirtieron gradualmente en la norma. El piano moderno apareció en el período clásico y gradualmente reemplazó al clavicémbalo.
Con el impacto de la Revolución Francesa en la sociedad, el sustento del compositor también se vio afectado, pasando de depender inicialmente del apoyo del palacio y la iglesia hasta convertirse en un operador independiente.
6. Música Romántica
El romanticismo se utiliza principalmente para describir la creación literaria durante el período 1830-1850 y la creación musical durante el período 1830-1900.
La música romántica es la continuación y desarrollo de la música clásica (Escuela Clásica de Viena). Es un estilo musical o una época en la historia de la música occidental.
La música romántica presta más atención a la expresión de la emoción y la imagen que la música anterior de la Escuela Clásica Vienesa, e ignora relativamente la consideración de la forma y la estructura. La música romántica es a menudo imaginativa y una parte considerable de la música romántica está influenciada por obras literarias poco realistas y tiene un considerable componente musical en el título. La creación musical desde la antigüedad hasta el presente contiene elementos de romanticismo, no solo en una época determinada, porque la creación musical en sí misma es una manifestación de la imaginación, y el romanticismo es la mejor encarnación de la imaginación.
Beethoven es el maestro y terminador de la música clásica y el pionero de la música romántica. La música romántica abandonó la unidad de la música clásica, enfatizó la diversidad, desarrolló el papel de la armonía, retrató las cualidades especiales de los personajes e hizo un mayor uso de los cambios de tono y los semitonos. El representante de la ópera romántica es Weber y el representante de la música es Schubert.
La música romántica refleja la tendencia de influencia generalizada y diferenciación nacional. En Francia estuvieron Berlioz, Rossini, Liszt, Chopin y Tchaikovsky. La música romántica entró gradualmente en la historia durante la era de Wagner y Brahms.
7. Música moderna
La música moderna, también conocida como música clásica del siglo XX, hace referencia a una era de la música que comenzó en 1900 y heredó la música clásica europea. Hay muchos géneros y estilos musicales. Antes de eso, la música moderna tuvo dos orígenes principales: la escuela posromántica de Gustav Mahler y Richard Strauss, y la escuela impresionista de Debussy. La amplia variedad de música bajo su mandato incluye secuencias bretonas y música minimalista, los acordes simples de tres notas utilizados por Steve Reich y Philip Glass, música específica de Pierre Schaefer, música diferencial de Harry Partey, Alois Haba y otros, música probabilística de John Jaula.
Antes de la música moderna, músicos clásicos europeos como Bartok Béla, Mahler, Richard Strauss, Puccini, Debussy, Ives, Elgar, Xunbeike, Rachmaninoff, Progofi, Stravinsky, Shostakovich, Britten, Copland, Nelson, etc. En aquella época, la música clásica también interactuaba con el jazz, y algunos músicos podían componer en ambos campos al mismo tiempo, como Gershwin y Bernstein.
Una característica muy importante de la música moderna es que existe una diferencia entre la llamada tradición y la vanguardia. Aquellos principios musicales que son extremadamente importantes por un lado, a menudo son menos importantes o menos aceptados por el otro. Por ejemplo, Weiburns, Carter, Wallis, Milton Babbitt y otros hicieron importantes contribuciones en el campo de los pioneros, pero a menudo fueron atacados fuera de este campo. Con el tiempo, el concepto de vanguardia se fue aceptando gradualmente y la división entre los dos campos ya no era tan clara y, sorprendentemente, estas técnicas de vanguardia se citaban a menudo en la música popular: The Beatles, Pink Floyd, Michael Oldfield, Transcendence, Radiohead y otros cantantes conocidos, así como bandas sonoras utilizadas en muchas películas.
Cabe señalar que este artículo sólo ofrece una visión general de la música del siglo XX. La aportación de un músico en un determinado aspecto no significa que actúe únicamente en este campo. Por ejemplo, Stravinsky fue considerado miembro de las escuelas Romántica, Moderna, Neoclásica y Secuencial en diferentes momentos de su carrera como compositor.
Los patrones económicos y sociales del siglo XX también tuvieron un gran impacto en la música. En la era de la industrialización, el mundo mejoró gradualmente los equipos de grabación y reproducción, desde cintas hasta CD, DVD, radio y televisión, y todo el contexto capitalista quedó integrado. La mayoría de la gente del siglo XIX componía su propia música o la escuchaba en conciertos.
8. La música New Age (inglés: música New Age) también se traduce como música New Age. Esta es una forma de música que apareció en la década de 1970. Originalmente se usaba para ayudar a meditar y purificar el alma. , pero muchos creadores posteriores ya no tenían este punto de partida. Otra forma de decirlo es que no se parece a ninguna música anterior debido a su riqueza y variedad, no solo un género, sino un género. Cualquier música reformada que simbolice los cambios de los tiempos y explique la connotación espiritual puede clasificarse en esta categoría, por eso se denomina New Era, es decir, Música de Nueva Era.