Henri Matisse (1869-1954)
El mayor pintor del siglo XX, bueno en el uso del color y representante del fauvismo.
En su juventud estudió en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1895 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París y estudió con el pintor simbolista Moreau. Posteriormente, recibió la influencia del postimpresionismo. Absorbió los métodos de expresión del arte oriental y africano. La forma de estilo de pintura de "simplificación integral" propone la idea de "pintura pura". Las obras posteriores a 1906 tienen formas exageradas y en su mayoría utilizan dibujos lineales simples y combinaciones de bloques de colores. Formar un estilo de pintura decorativa, persiguiendo la decoración y el sentido formal, es la esencia del arte de Matisse.
Es también un destacado escultor. Es uno de los pioneros de la escultura moderna. Sus esculturas persiguen un estilo sencillo y sólido.
Matisse y el fauvismo
La palabra "fauvismo" se refiere específicamente a colores brillantes y aplicación aleatoria. Este tipo de color es más fuerte que el color científico del neoimpresionismo, el color no descriptivo de Gauguin y Van Gogh, y el tipo de método de pintura de mezcla directa de colores y deformación. Matisse y sus amigos continuaron experimentando con este método de pintura. Los pintores fauvistas finalmente lograron la liberación del color, que Gauguin, Van Gogh, Seurat, los Nabis y el neoimpresionismo exploraron de diferentes maneras. Los pintores fauvistas utilizaron medios similares, dedicados a diversos fines. Pretendían utilizar colores intensos directamente del tubo de pintura, en lugar de representar objetos naturales. No se trata sólo de provocar vibraciones en la retina y enfatizar temas románticos o misteriosos, sino, lo que es más importante, de establecer nuevos principios pictóricos que son completamente diferentes a esto. De esta manera, en cierto sentido, utilizaban los colores de Gauguin y Seurat y los combinaban libremente con sus propios ritmos lineales para lograr un efecto similar al que Cézanne buscaba constantemente.
Matisse poco a poco fue avanzando desde sus primeros tonos oscuros y temas banales. En 1896, estaba mirando a Degas, Lautrec, el impresionismo y los grabados japoneses, y luego a Renoir y Cézanne. En 1899, Matisse estaba estudiando en el estudio de Carriere. Carriere estaba relacionado con el simbolismo, por lo que conoció a Derain aquí. Ese mismo año, comenzó a experimentar pintando figuras utilizando colores no descriptivos y directamente mezclados. Poco después también hizo sus primeros intentos en la escultura, y demostró su talento en este ámbito, que le convirtió en uno de los más grandes pintores y escultores del siglo XX. En 1901, Matisse conoció a Vlaminck a través de Derain, y así casi se formó el grupo fauvista.
Los pintores fauvistas que expusieron sus obras en el Salón de Otoño de 1905 fueron brillantes entre ellos Matisse, Derain, Vlaminck, Ruard, Marche, Mangan, Van... Dongen, Friyets, Biy y Varto, allí. No hay duda de que el líder entre ellos es Matisse, que tiene extraordinarios y grandes talentos.
En el Salón de Otoño de 1905, Matisse expuso "Ventana abierta, Collioure" y un retrato de Madame Matisse titulado "Mujer con sombrero" 》. La ventana abierta es quizás el primer ejemplo del desarrollo pleno de un tema que seguiría siendo la preferencia de Matisse por el resto de su vida. Es sólo una pequeña parte de la pared y las ventanas ocupan mucho espacio. Las ventanas se abrían de par en par al mundo exterior: el balcón con sus macetas y enredaderas, y luego el mar, el cielo, los barcos. Las paredes interiores y las ventanas aquí se componen de amplias franjas verticales en verde brillante, azul, morado y naranja; el mundo exterior es un patrón magníficamente decorado compuesto de pequeñas pinceladas brillantes. Las pinceladas se expanden desde pequeños puntos verdes hasta trazos más amplios de rojo claro, blanco y el azul del mar y el cielo. En esta pintura, Matisse ha ido mucho más allá de cualquiera que fuera hasta Bonnard o los neoimpresionistas, y hay signos sutiles de abstracción del color. Pero la sensación de espectáculo real y momentáneo que siempre acompañó a Matisse fue muy fuerte.
Debido a que "La mujer del sombrero" hizo cambios drásticos en la forma, causó una sensación más fuerte que "La ventana abierta". La pintura se extiende por la pintura indiscriminadamente, no sólo el fondo y el sombrero, sino también el rostro y los rasgos de la mujer, todo delineado con atrevidos trazos verdes y bermellones.
Poco después, Matisse pintó otro retrato de Madame Matisse.
En cierto sentido, esta pintura es más tosca precisamente porque está representada de forma más cercana y cuidadosa. La pieza, titulada "Green Stripes", presenta una línea verde distintiva que separa la cara desde el contorno del peinado hasta la barbilla. En este punto, Matisse y sus colegas estaban estableciendo el argumento propuesto por Gauguin, los simbolistas y los nabis: que los artistas podían utilizar libremente el color para establecer una abstracción independientemente de la estructura natural de las formas y líneas de los bloques de color. Esta estructura no tiene nada que ver con mujeres, árboles o naturalezas muertas que se consideran estructuras básicas. Quizás lo que hace que el enfoque de Matisse sea tan impactante es que su tema es tan simple y familiar. Este uso del color es más popular que las escenas exóticas pintadas por Gauguin.
Al igual que Gauguin, Cézanne y los pintores venecianos y Poussin antes que ellos, Matisse continuó explorando composiciones de carácter pastoral. En "Pastoral" de 1905, reutilizó los patrones de color mutados de los impresionistas. Luego, en la gran "Alegría de vivir", combinó sus diversos experimentos para formar una de las mejores pinturas de paisajes. "Joy of Life" está llena de infinitos recuerdos, con las líneas sinuosas de los personajes y los árboles, aunque la perspectiva se reduce deliberadamente, todavía existen como un patrón en la imagen. Este es un auténtico poema pastoral, inmerso en un estado de ánimo mundano de hastío y alegría pastoral. Al igual que "Las señoritas de Aviñón", creada por Picasso al año siguiente, es también el antepasado de la abstracción en la pintura moderna. Su influencia supera incluso a la de la gran obra de Picasso.
El ritmo curvilíneo de "Joy of Life" la entronca con la tradición del Art Nouveau, aunque supera en esencia esta pintura tradicional. Relacionados con este trabajo hubo muchos estudios de desnudos, algunos de los cuales luego desarrolló en otras pinturas y esculturas. De hecho, el placer de Matisse por sus bocetos de desnudos y pinturas en color parece haber obtenido su gran impulso del estudio de "La alegría de vivir". A principios de 1907, exploró la "posición de torsión" y pintó "Desnudo azul", que fijó en una forma y aplicó a esculturas de arcilla y bronce, así como esculturas de figuras desnudas y vestidas. Este ejemplo típico aparece en el personaje central de "La alegría de vivir". Sin embargo, la forma de "Blue Nude" es más escultórica y el "giro" en la escultura es aún más activo.
Los estilos varían según los intereses y habilidades personales, y diferentes pintores fauvistas lograron sus objetivos aparentes en su propio estilo. Además, para un grupo como este, el tiempo para reuniones habituales es limitado. Al cabo de unos años, cada pintor empezó a seguir su propio camino, algunos consiguiendo mayor éxito, otros siendo enterrados porque ya no recibían el apoyo entusiasta de sus líderes.
La revolución fauvista fue la primera explosión violenta del arte del siglo XX y sentó un precedente para una serie de revoluciones. Estas revoluciones han caracterizado la historia del arte desde principios del siglo XX. Sin embargo, el fauvismo fue un fenómeno curioso, fundamentalmente diferente de movimientos como el cubismo, la abstracción y el surrealismo. El movimiento brutalista duró sólo unos pocos años. Aunque los artistas asociados con esto estaban creando pinturas consideradas fauvismo ya en 1903, no se formó como movimiento hasta 1905 o 1906. Los miembros de este grupo comenzaron a explorar otras direcciones en dos o tres años y, en 1908, el brutalismo como movimiento dejó de existir. De hecho, los pintores fauvistas no aportaron conceptos nuevos a la pintura del siglo XX. Más bien, se puede decir que los llevaron a una conclusión lógica y, en el proceso, destruyeron los conceptos de los grandes innovadores predecesores, como Gauguin, Van Gogh y Seurat. El mundo del arte todavía está dominado por los académicos, pero lo que los académicos afirman se está socavando en secreto.
Los fauvistas quisieron liberarse del entorno que los restringía, por lo que volvieron a los principios de combinación de colores propuestos por Gauguin, Seurat y Van Gogh. Aunque continuaron representando el mundo objetivo, como paisajes, figuras, retratos y naturalezas muertas, abstrajeron estos temas y separaron por la fuerza la pintura y la función pictórica de la pintura. Trabajan con colores no modulados, lo que les permite trabajar de forma independiente. Todo esto fue defendido y puesto en práctica por Gauguin y Van Gogh y sus seguidores también lo hicieron de diferentes maneras.
El fauvismo, sin embargo, superó incluso a sus maestros en energía y audacia para poner estos principios en práctica. Su uso del color tiene expresión y estructura. Por lo tanto, el fauvismo puede considerarse una forma de expresionismo. Por supuesto, los fauves tuvieron la influencia más rápida y duradera en la escuela expresionista de arte moderno. Especialmente durante los primeros años del siglo XX, cuando el expresionismo alcanzó la mayoría de edad en Alemania.
Matisse después del fauvismo
Sólo entre 1905 y 1906 Matisse pareció introducir realmente los ricos colores y texturas de la pincelada en sus obras. Esto es evidente en sus obras "Ventana abierta, Collioure" y "Gitanos". Incluso al mismo tiempo, su mente analítica y sus amplias facultades perceptivas estaban ocupadas en otros asuntos. "Lujo, Tranquilidad y Placer" es una pasantía en técnicas del Neoimpresionismo; en "Alegría de vivir", ha comenzado a dominar la pincelada, utilizando grandes extensiones para ordenar los colores, y utilizando las curvas onduladas de personajes y árboles para definir el color. bloques. The Young Sailor 2 representa otra exploración de una amplia gama y puede haber sido influenciado por su creciente interés por la escultura. Usó grandes bloques de pintura para representar la ropa azul y los pantalones verdes del personaje, y se agregaron contornos gruesos alrededor de los grandes bloques de color, haciendo que la forma del personaje fuera simple y fuerte. El fondo es un plano rosa pálido del que sobresalen las figuras. En "Blue Nude", el tratamiento escultórico es más evidente, y la organización espacial de los planos de color alcanza un gran clímax por primera vez en "Luxury 2". Aquí, el artista logró con éxito su intención de crear un nuevo tipo de espacio pictórico mediante el uso de bloques de color contrastantes y yuxtapuestos. Aunque abandonó la perspectiva, este cuadro no es sólo una decoración superficial. Estas figuras, formadas únicamente por contornos, tienen contenido real; existen y se mueven en el espacio con la ilusión de profundidad, luz y aire. Esta ilusión, creada enteramente por el color y la forma, sustenta la integridad de la imagen. Así, mientras Picasso y Braque experimentaban con formas cubistas primitivas, o incluso antes de este experimento, Matisse ya estaba creando un nuevo espacio pictórico.
En "Harmony in Red", llevó la exploración del espacio unos pasos más allá. Ya en 1908 comenzó a pintar "Armonía en azul" y en la primavera de 1909 la volvió a pintar. Aquí Matisse recurrió a la fórmula de "La mesa del comedor", pintada en 1897. La comparación de estos dos cuadros revela dramáticamente la revolución que tuvo lugar en la obra del artista. De hecho, ésta fue la revolución que se produjo en la pintura moderna durante esa década. Obviamente, la primera pintura fue obra de un aprendiz. Relativamente hablando, siguió la luz, el color y el espacio cada vez más reducido del impresionismo. Fue una exploración mediocre y más tradicional que las pinturas creadas por los impresionistas veinte años antes. Incluso esta obra fue duramente criticada por los conservadores cuando fue presentada al Salón Nacional, diciendo que estaba contaminada por el impresionismo. En "Armonía en rojo", hemos entrado en un nuevo reino, más extraño y misterioso que cualquier cosa imaginada por los impresionistas o incluso Gauguin. Sólo utilizó un bloque rojo no moderado para definir el espacio interior de la habitación. Los patrones de plantas de vid se distribuyen uniformemente en la pared y la mesa y realzan la unión de los bloques rojos al cuadro. Los árboles y plantas abstractos resaltan el espacio verde y el cielo azul, definiendo el paisaje al aire libre. El edificio rojo en lo alto repite los colores de la habitación y, en cierto modo, establece la ilusión de profundidad en el paisaje. Matisse abandonó la perspectiva formal, pero añadió algunos toques de perspectiva, como el marco de la ventana, la silla en primer plano a la izquierda, los objetos sobre la mesa y la forma en que el arabesco de la mesa envuelve el borde de la mesa. Esencialmente, mediante el uso del color y las líneas, se crea un mundo de espacio pictórico más fresco y palpable que en Luxury 2.
La gente ha hecho todo lo posible para rastrear el origen de la "danza" hasta las pinturas de vasijas griegas o las danzas campesinas. Este motivo en particular ya se había utilizado anteriormente en el contexto de "La alegría de vivir", pero en esa pintura las figuras giraban en una profundidad alucinatoria más completa. Los colores de "Dance" son limitados, el suelo es de un verde intenso, el cielo es de un azul igualmente intenso y los personajes son de color rojo ladrillo. Los bloques de color del cielo y el suelo cierran a los personajes en primer plano, pero aún así bailan tranquilamente en el espacio aireado. Este tipo de espacio se crea por el contraste y yuxtaposición de tonalidades, así como por sus propios contornos y formas, y su imparable sentido de rotación.
El brillo y la pureza de los colores cambian con las diferentes luces, provocando temblores visuales de vez en cuando. Este temblor hace bailar toda la imagen. "Music" resalta perfectamente el fanatismo de "Dance". Estos personajes, que están quietos y en poses frontales, no tienen relación entre sí, lo que crea un tono de trance y retraimiento. En estos dos cuadros cambió el mundo pastoral de los pintores que le precedieron e importó este cambio al siglo XX, conservando su encanto y misterio originales.
El arte de Matisse a lo largo de su vida tendió a alternar entre la simplificación extrema y el detalle decorativo. Después de pintar "Danza" y "Música", pintó varias obras que muestran interiores, especialmente el interior del estudio. En estas pinturas expresó plenamente su amor por los magníficos tapices orientales. Visitó España en 1910-1911; Marruecos en 1911-1912 y nuevamente en 1912-1913; Estas visitas le llevaron a crear algunos de los paisajes más ricos y exóticos de su vida, y parecieron solidificar su amor por la sensación soleada del color. Esta alegre sensación de color había aparecido antes en sus pinturas, y tal vez fuera una característica que distinguía su obra por encima de todas las demás.
En comparación con "Harmony in Red", "Red Studio" avanza enormemente en el principio de color simple y unificado. Dentro del estudio, hay un bloque uniforme de color rojo que cubre el piso y las paredes. Una línea blanca se extiende hacia adentro en ángulo con respecto a la imagen y se cruza con una segunda línea casi paralela a la imagen, formando una esquina de la habitación. Mesas, sillas, armarios y estanterías para esculturas están delimitadas con líneas blancas, lo que hace que estos muebles parezcan fantasmales. El toque final definitivo son las pinturas del artista, colgadas en las paredes o apiladas en la base, también hay cerámicas, esculturas, jarrones, vasos y lápices; En 1911, cuando Matisse pintó este cuadro, Picasso, Braque y otros pintores cubistas llevaban unos cinco años experimentando con sus propias formas de organizar y contraer el espacio pictórico. Matisse fue influenciado por estas ideas pero tuvo que encontrar sus propias soluciones. Sin embargo, probablemente debido al cubismo analítico, simplificó su organización en un rectángulo frontalizado. El Estudio Rojo marcó el comienzo de la forma de cubismo del propio Matisse, que seguiría fascinándolo en años posteriores. Es una forma geométricamente simplificada en la que los objetos son planos y frontalizados, pero nunca hasta el punto de fragmentación, movimiento o inclinación. En verdaderas obras cubistas, se ha producido en algunos espectadores una experiencia visual cambiante.
"La lección de piano" de Matisse es aún más seria, quizás la incursión más exitosa y característica del artista en el cubismo. Esta obra presenta arreglos grandes y abstractos de planos de color geométricos, como hermosos planos grises y verdes y planos inclinados de color rojo rosado. Las ventanas de celosía de hierro del balcón y el patrón curvo decorativo del atril del piano son toques refrescantes a estos planos. La cabeza del niño tiene forma de líneas, lo que le da una sensación escultórica. La figura sentada al fondo recuerda a la escultura "Figuras decoradas" de Matisse. Este fenómeno aparece en muchas de sus obras. Todo esto aclara el entorno. Aquí, la expresión del cubismo de Matisse tiene un fuerte estilo personal, sin vistas en movimiento y perspectiva oblicua, que son las principales características de Picasso, Braque y Gris. La frontalización de la pintura, los bloques geométricos de color y el plano unificado dominante sugieren que Matisse se basaba en las pinturas abstractas y no objetivas posteriores de Mondrian. Sin embargo, todavía tiene la conciencia de los objetos y el interés por un espacio lleno de vitalidad. En este tipo de espacio, los personajes pueden moverse y respirar, lo cual es obvio para todos. El sentimiento de nostalgia por el pasado y la contemplación es la esencia de esta pintura.
Matisse, como Picasso y muchas personas que se oponían a la figuración, parecía haber vuelto a caer en un "estado moderado" antes y después del final de la Primera Guerra Mundial, y parecía que necesitaba aprender de la naturaleza. de nuevo. Esforzarse constantemente por la superación personal. Incluso cuando estuvo más cerca del cubismo, nunca sintió la necesidad de abandonar la representación de la naturaleza. Al igual que Picasso, siguió pintando modelos y pintó algunos retratos y dibujos lineales de figuras hermosos y no exagerados. En su camino hacia el cubismo y el cambio de formas, pintó figuras con un estilo libre y rico en colores.
Estas figuras están en interiores o en el paisaje, que es muy similar a sus pinturas fauvistas. En 1919 realizó una serie de pinturas y dibujos en color, en particular algunas obras que eran más realistas que cualquier pintura desde principios de siglo. "White Feather" ilustra este nuevo período de relativo realismo, y también hay algunos dibujos lineales relacionados con él. La modelo viste de amarillo y lleva un sombrero de plumas. En el fondo rojo, se revela su contorno, dando a las personas una sensación tridimensional de la realidad. Esto se logra mediante el uso de figuras emocionales y la forma facial más singular. Es un retrato clásico y sus líneas estrictas recuerdan la tradición de Ingres. Era otra declaración, tan pura y simple como la que había hecho diez años antes en su gran composición. Condujo a otro auge decorativo a principios de la década de 1920, el de la esclava. En ese momento, los hermosos patrones de color de Matisse alcanzaron un pico que nunca había alcanzado en su vida. "Figuras decoradas sobre un fondo decorativo" encarna el estilo más rococó en sus obras aunque también utiliza una forma de desnudo escultórico para darle al cuadro un cambio muy personal, lo que sugiere que continuó y desarrolló su interés por la escultura. Durante este período, figuras tan sólidas aparecieron en sus esculturas, así como en las litografías en las que estaba trabajando.
Desde el momento en que las pinturas, dibujos y grabados en color de Matisse eran más plásticos, de repente recurrió al lineismo extremo. Esto puede haberse inspirado en un mural con temática de danza encargado por la Fundación Barnes en Merion, Pensilvania, en 1931. Mientras trabajaba en esta obra en 1931 y 1932, descubrió inesperadamente que las dimensiones del espacio no eran correctas, por lo que volvió a trabajar y completó el segundo mural en 1933. El primer mural se encuentra ahora en la Sala Petit de Exposiciones de París. Esta última pieza, "Dance 2", muestra un espíritu exploratorio en extrema simplificación, superando incluso el nivel de simplificación alcanzado en la pieza anterior. Los personajes están representados por contornos grises y planos, y planos abstractos de negro, azul brillante y rojo rosa resaltan estos contornos. De particular interés es el uso que hace el artista de recortes de papel de colores mientras experimentaba con las relaciones de color, una fase temprana de transición hacia el estilo de "pegatinas" que representa algunos de sus mejores trabajos en sus últimos años.