Es imposible saber cuándo empezó a existir la música en la sociedad humana. Sin embargo, la música no hace distinción entre fronteras nacionales y razas desde la antigüedad. Los llamados instrumentos musicales son herramientas para tocar música. Como se mencionó anteriormente, el origen de la música es el “cantar” con las cuerdas vocales como instrumentos musicales, pero con el desarrollo de la sabiduría, el ser humano comenzó a utilizar herramientas. No sólo cantar con la voz, sino también tocar música como un juego, perforando tuberías o tocando cuerdas, dio lugar a los instrumentos musicales.
1. La leyenda del origen de los instrumentos de cuerda: Mercurio es el mensajero de los dioses en la mitología griega. Se dice que mientras caminaba por el Nilo, su pie chocó con algo que emitió un hermoso sonido. Cuando lo recogió, descubrió que era un caparazón de tortuga vacío con una costilla seca en su interior. Mercurio se inspiró para inventar instrumentos de cuerda. Aunque las generaciones posteriores tuvieron instrumentos de cuerda antes de Mercurio, es posible que se hayan inspirado en él.
2. La leyenda del origen de los instrumentos de viento: La historia antigua china registra que en la era Huangdi, hace cinco mil años, un músico llamado Ling Lun entró en las montañas Kunhua en Occidente para recolectar bambú para flautas. Resultó que había cinco fénix volando en el cielo en ese momento y él estaba en sintonía con Francia. Aunque esta historia no se puede creer del todo, se puede considerar como una misteriosa leyenda sobre el origen de los instrumentos de viento.
3. Música China Antigua: El primer emperador de China, el Emperador Amarillo, fue un famoso monarca que creó el calendario y la escritura hace 5.000 años. En ese momento, además del mencionado Ling Lun, también había un músico llamado "Fuxi". Se dice que Fuxi es una serpiente con cabeza humana que fue concebida en el útero de su madre durante doce años. Tocaba un piano de 50 cuerdas. Como el sonido era demasiado triste, Huang Di lo cortó por la mitad y lo cambió a 25 cuerdas.
Además, en la leyenda del Emperador Amarillo, había un músico llamado Shen Nong que enseñaba a la gente a cultivar y descubrió la medicina, que se decía que era una cabeza de buey. Creó el banjo, lo cual es un hecho si se supone que la música de la época utilizaba la escala pentatónica.
Se dice que existen nada menos que 300 libros sobre música antigua china. Confucio vivió hace unos 2.500 años. Soy músico y escribo muchos ensayos sobre música. Una vez practicó formalmente el piano, lo acariciaba y consolaba cuando estaba triste y feliz, y se lo enseñaba a sus discípulos. Se dice que tuvo 3.000 discípulos, 72 de los cuales dominaban las Seis Artes. Lo que enseñó Confucio se puede llamar "poesía, caligrafía, etiqueta y música". "Li" se refiere al orden del yin y el yang en el cielo y la tierra, y "alegría" se refiere a lograr la armonía. Es decir, en su filosofía la moral y la música están en la misma posición, intentando utilizar la música para mejorar la moral. A Confucio le gustaba mucho el guqin y podía componer su propia música. También hay comentarios sobre música en Las Analectas.
Por otro lado, la mayor parte de la música de la corte en la antigua China era música de baile, que integraba poesía, danza y música, lo cual es completamente diferente a la danza actual.
Cuatro. Música Antigua de Egipto y Arabia: La civilización egipcia es una de las más antiguas del mundo. Desde las esculturas en las paredes de piedra dentro de la pirámide que sirvió como tumbas de los emperadores, podemos ver la grandeza de la música interpretada y la procesión de los músicos. Las esculturas presentan instrumentos de cuerda en forma de arpa que se tocan con los dedos y varios instrumentos de flauta.
La música instrumental en zonas como Arabia también está bastante desarrollada. Desde la antigüedad, la gente ha utilizado una escala musical especial, dividida en 17 nombres dentro de una octava.
Verbo (abreviatura de verbo) Música griega antigua: El origen de la música griega también está envuelto en un velo de mito. Apolo está a cargo de la música y hay nueve musas bajo su mando, llamadas música o Musik. Entre los instrumentos griegos se encontraban la flauta doble en forma de V llamada Aouros, la Lyra y la Zittel, un instrumento de cuerda parecido a una guitarra, todos importados de Egipto o Arabia.
6. El surgimiento de la ley pura: En el siglo VI a.C., el gran filósofo y matemático griego Pitágoras explicó por primera vez la teoría de la ley pura utilizando un instrumento de una sola cuerda llamado monocorde. Este es un método para calcular todos los intervalos utilizados en ese momento en función de la longitud de la cuerda, tomando uno a dos como la octava completa y dos a tres como la quinta completa.
Capítulo 2 Música Medieval
1. El cristianismo y la música en la Edad Media: En la Europa medieval, la iglesia tenía un poder gobernante más poderoso que el estado u otros grupos sociales.
En aquella época, todo tipo de conocimientos y artes, incluida la filosofía, servían a la Iglesia, y la música medieval también experimentó un extraordinario desarrollo gracias al cristianismo. En la música religiosa se creó la forma de la polifonía y se completó el contrapunto. La partitura original impresa se utilizó en las iglesias para las misas. El auge de los instrumentos de teclado y sus métodos de enseñanza, nada se puede producir sin la iglesia. Desde toda la teoría musical hasta la notación, el coro y el conjunto, gran parte es un legado de la iglesia medieval. Aunque la mayoría de las sinfonías y óperas actuales son seculares, no se puede decir que no tengan nada que ver con la iglesia medieval.
La música de la iglesia probablemente adoptó intacta al principio la forma del Reino judío, es decir, cantar himnos y recitar la Biblia. Se puede imaginar como música puramente vocal. La música religiosa siempre ha estado dominada por la música vocal, porque la música vocal tiene letra. En cambio, la música instrumental se desarrolló principalmente como música secular.
2. Música románica: La palabra “románico” proviene principalmente de la terminología arquitectónica de esa época. Uno de los mayores artefactos monumentales en la historia del arte mundial, la música románica es una música sin armonía ni acompañamiento, caracterizada por coros y creando una sensación de armonía solemne a través de los ecos de los patios de las iglesias. Sus sentimientos religiosos simples y hermosos son completamente consistentes con la arquitectura de la iglesia de estilo romano.
La música románica fue una de las formas musicales importantes durante este período de la Edad Media, representada por el canto gregoriano, una música típica católica. Durante la larga Edad Media, el canto gregoriano desempeñó el papel más importante en la música, que era el canto puro de una sola melodía. En el canto gregoriano, hay cuatro modos eclesiásticos y sus estilos variantes: modo dórico, modo frigio, modo lidio y modo lidio mixto. El modo jónico y el modo aria aparecieron en el siglo XVI, formando las escalas mayores y menores actuales. En la época de Gregorio I, se estableció en Roma una escuela llamada "Clase de Canto", que puede considerarse como una de las primeras escuelas de música del mundo.
Ambrosio (340-397) recopiló canciones cantadas en las iglesias, formuló cuatro modos eclesiásticos para la música religiosa que constan de siete tonos y creó la forma de dúo. En los himnos, la relación entre la letra y la situación del lenguaje, el tono y el ritmo se resuelve de forma ideal. Expresan de forma natural y perfecta los sentimientos religiosos y pueden considerarse como un resumen del arte musical de esta época.
Capítulo 3 Música renacentista
1. Estilo gótico y renacimiento: Desde mediados y finales del siglo XIII hasta el siglo XIV, la sociedad europea entró en el Renacimiento y el norte de Europa emergió del gótico. Estilo artístico, el estilo gótico es más evidente en la arquitectura. En la música, el estilo gótico nunca se formó claramente como una forma que representara una época, sino que comenzó con las formas polifónicas de Oganam, que exhibían claramente las características del estilo gótico. Entre las muchas canciones clásicas del siglo XII, además de las melodías fijas de los cantos gregorianos solemnes, también hay melodías de danza y canciones de amor con diferentes letras y ritmos.
Renacimiento y música: El Renacimiento en la música es ligeramente posterior a otras formas literarias como la literatura y el arte. Un compositor representativo puede ser en primer lugar Francescl Landino (Francescl Landino, 1325(? )-1397), que adoptó. la audaz técnica de cantar tres letras diferentes al mismo tiempo, dejando atrás muchos madrigales y baladas. Guillaume Dufay completó la tetralogía de las técnicas. La polifonía de Oganam condujo a la finalización de la teoría del contrapunto con Bach como culminación.
Las Cruzadas tuvieron lugar en Europa desde finales del siglo XI hasta finales del siglo XIII. Este hecho histórico tuvo un impacto significativo en los intercambios culturales entre Oriente y Occidente. En materia de música, la manifestación más significativa fue el surgimiento de figuras como los bardos, bardos y cantantes líricos. Su poesía incluía canciones de amor, historias narrativas, de naturaleza. himnos, contenido religioso o moral, etc. Como instrumento musical se utiliza un pequeño clavecín a modo de arpa o un instrumento perteneciente a la antigua familia de los violines.
Capítulo 4 Música de la Época Barroca
1. Estilo Barroco: Cronológicamente se denomina música barroca a la música desde finales del siglo XVI hasta 1750. A finales del siglo XVI se representó en Florencia, Italia, la primera ópera de la historia de la música, también basada en Giovanni Gabrieli (1557).
)-1612) como centro de la "Escuela Veneciana" en su apogeo. 1750 fue el año en que murió el maestro polifónico Johann Sebastian Bach. Se puede considerar que la música de contrapunto, que representa la cúspide del barroco, terminó con la muerte de Bach.
La palabra barroco originalmente significaba perlas de forma irregular y originalmente se refería a una forma de arte en la arquitectura. El arte del Renacimiento se basó en la belleza formal de Grecia y Roma. Para él, el estilo barroco era una forma de expresión completamente nueva y la premisa para el posterior surgimiento del arte rococó.
La música europea durante el período barroco estuvo representada por Alemania, Italia y Francia. El arte musical de este período alcanzó un rápido desarrollo sin precedentes.
2. La música alemana en la época barroca: se puede decir que la música alemana en la época barroca está representada por Xu Ci, Bach y Handel. Si se comparara la polifonía desde la Edad Media con una pirámide, su música sería la cima. Absorbieron la nueva música italiana desde el Renacimiento y abrieron un nuevo camino.
Xu Ci (1585-1672) nació cien años antes que Bach y Handel Chacha. A la edad de 24 años viajó a Italia para estudiar bajo la dirección de Gabrieli (1557-1612), el maestro de la escuela de música veneciana. Después de regresar a Alemania, publicó la primera ópera alemana "Daphne" y también escribió muchas canciones apasionantes. El estilo de Xu Ci tuvo una influencia importante en la creación de dos maestros barrocos posteriores, Bach y Handel.
Las obras musicales de Handel y Bach brillan en la historia de la música, ya sean la fusión de música tradicional o el seguimiento de nuevas corrientes de pensamiento. Las obras de Handel son principalmente ópera y oratorio, y también hay fuertes elementos vocales en la música instrumental, que obviamente están influenciados por Italia. La música de Bach también contiene fuertes elementos instrumentales en las obras vocales, lo que presagia la llegada de la era clásica tardía.
Música italiana en la época barroca: La ópera, gran forma de arte, nació en Italia, la "cuna de la música", el antiguo país de la civilización europea. La antigua ciudad de Florencia tenía muchos grandes artistas y un grupo de nobles que estaban interesados en el arte griego antiguo. Estaban decididos a darle nueva vida al teatro griego. Estos nobles comenzaron a componer música para historias griegas antiguas y a vestirse. Toda la historia fue escrita por Cantando por el coro, este es sin duda el prototipo de la ópera. Más tarde, después del desarrollo, cada personaje de la historia fue cantado por un cantante, y entre las actuaciones corales, cantantes masculinos y femeninos cantaron solos. Cuando las palabras del personaje sean suaves, las líneas se cantarán y pronunciarán. Este estilo de canto es casi como un himno: se llama recital. Las emociones fuertes se expresan a través de melodías reales llamadas arias. Pronto, Arias estaba presumiendo la hermosa voz de la cantante. En aquella época, ya sea que una ópera se representara en Italia, Inglaterra o Alemania, sus arias siempre se cantaban en italiano y la parte recitativa en el idioma de ese país.
En la música barroca italiana, la música de cuerdas se puede comparar con la ópera antigua. Los instrumentos de cuerda como el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo siguen siendo instrumentos indispensables en la orquesta, y también son extremadamente importantes en la música de cámara y en los instrumentos solistas. En Italia, durante el período barroco, la música de cuerdas y la ópera se combinaron para convertirse en una antigua obertura. El preludio de una ópera debe estar compuesto de tres partes: un comienzo rápido, una parte media lenta y un final rápido, que luego se convirtió en la forma básica de los conciertos y sinfonías. En aquella época, las oberturas y conciertos antiguos se componían principalmente de instrumentos de cuerda. Hubo muchos violinistas italianos durante este período, como Giuseppe Torelli (1650-1708), Colleri (1653-1713), T. Antonio Vitali (1665-1735), Vitali Valdi (Antonio Vivaldi, 1675-17438). También se encuentran numerosos violinistas italianos, como Amati, Gneri y Stradivari, todos ellos procedentes de Cremona, en los Alpes del norte de Italia. Sus violines cuidadosamente elaborados todavía están activos en el escenario hoy en día, mostrando un encanto artístico sin precedentes.
4. La música francesa en la época barroca: Durante este período, en Francia, con París como centro y los palacios de los nobles en todas partes como fondo, la ópera y la música de clavicordio eran extremadamente populares.
La ópera francesa en ese momento se separó de la tradición de la ópera italiana, creció de manera independiente y se acercó a la forma del ballet.
En la época barroca, el compositor de ópera francés más representativo fue Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Sus óperas son concisas, claras, melodiosas, con fuertes rasgos de danza y contenido profundo, y utilizan muchas técnicas picantes y humorísticas.
Al mismo tiempo que la ópera, se popularizó la música para clavicordio. El clavicordio es un instrumento musical que suele estar decorado con adornos representativos de la cultura barroca. Junto con el clavecín, es el predecesor del piano actual. Los maestros más famosos en este campo son François Couperin (1668-1733) y J.P. Jean Philippe Rameau (1683-1764), muchas de cuyas obras fueron escritas para partituras para piano antiguas. La "Introducción a la acústica armónica" de Mora se publicó en 1722 y es el trabajo teórico más antiguo sobre acústica armónica en la historia de la música.
Capítulo 5 Música Clásica
1. El Clasicismo en la música: La germinación del clasicismo se produjo en Italia durante el período Barroco. Posteriormente, con la aparición de Haydn, Mozart y Beethoven en Viena, se formó la música clásica. Por lo tanto, la "escuela clásica" en música en realidad se refiere a la "Escuela clásica vienesa". El arte clásico, que surgió por primera vez en el campo de la literatura y el arte, tiene como objetivo restaurar el arte clásico de Grecia y Roma, presta atención a la simetría y armonía formales y se centra principalmente en la búsqueda de la belleza objetiva.
2. Música clásica antigua: La nueva música en forma de temas principales apareció en Italia después del Renacimiento y floreció en Alemania y Austria en el contexto de la sociedad aristocrática. Al principio había tres escuelas de música principales: la primera escuela de música de Berlín centrada en el segundo hijo de Bach; la segunda escuela fue la Escuela de Mannheim (1717-1757) centrada en Johann Stamitz; La tercera escuela es la antigua Escuela de Música de Viena centrada en Wagenza y Moon.
En la música clásica, aunque la ópera también tiene una parte importante, en general la música clásica se caracteriza por la música instrumental, especialmente en forma de sonatas y sinfonías. La música de cámara y la sinfonía de la Escuela de Mannheim no sólo influyeron en la Escuela de Viena, sino que también influyeron directamente en el joven Beethoven de Bonn.
La forma sonata es una forma muy representativa de la música clásica. Es decir, la parte de presentación tiene un contraste entre el primer y segundo tema, una parte de desarrollo en el medio, y luego una parte de reproducción donde se repiten los dos temas. El Conservatorio de Mannheim ya tenía en aquel momento un formato bastante completo. La Escuela de Música de Mannheim también incorporó el minueto a la forma sinfónica y los instrumentos de viento adoptaron arreglos de doble tubo en su orquestación sinfónica. Mozart añadió el clarinete a su sinfonía, que aprendió después de escuchar tocar a su banda en Mannheim.
Escuela Clásica de Viena: La Escuela Clásica de Viena, representada por Haydn, el padre de la sinfonía, y los genios musicales Mozart y Beethoven, ha erigido un monumento inmortal en la historia de la música. Las principales características de este género musical son reflejar las exigencias ideológicas universales de la humanidad, perseguir el concepto de belleza, enfatizar la elegancia del estilo y dar a las personas un espíritu optimista y emprendedor.