Justo cuando el poder de la ciencia y la tecnología arrasaba con todo y las élites y el arte puro estaban agotados, surgieron nuevas actividades artísticas. Estas actividades fueron muy diferentes de las tendencias de la época, lo que supuso un punto de inflexión en el arte occidental y abrió una nueva situación. A continuación se detallan varias actividades artísticas novedosas en aquel momento:
(1) LandArt (Landart o land art) puede verse como el resultado del desarrollo de trabajos de instalación de interiores a exteriores. Los primeros estilos se remontan a las pirámides del antiguo Egipto y los pilares redondos de piedra de Inglaterra. La vasta tierra de América ofrece un escenario para que los artistas contemporáneos muestren sus talentos. Utilizar desiertos, montañas y praderas como materiales originales, modificar o unir enormes formas geométricas es una de las primeras características del arte terrestre. La obra más famosa es "Spiral Jetty" de Robert Smithson. La presa tiene 65,438+05 pies de ancho y los espectadores pueden caminar a lo largo de ella varias veces, pero no tiene ninguna función real.
(2) La instalación no es un material artístico. Los museos rara vez recopilan exhibiciones tridimensionales que se pueden exhibir en interiores durante un corto período de tiempo. Son una forma de organizar exhibiciones, no características o estilos artísticos, por lo que pueden servir a muchas escuelas de arte. La instalación original surgió del descarte de los materiales escultóricos tradicionales, siendo su definición principal: "(1) Están ensamblados, en lugar de pintados, descritos, moldeados o esculpidos; (2) Sus partes componentes son total o parcialmente materiales naturales o artificiales preformados. , objetos o fragmentos, distintos de los materiales artísticos”. Uno de los primeros representantes de las instalaciones fue el artista dadaísta alemán Kllrt Schw-Itter, que en los años 20 llenó su casa con diversos materiales.
(3) El arte BodV se refiere al creador que utiliza su propio cuerpo como material para la expresión artística, combinado con pintura, fotografía, vídeo u otros métodos de grabación in situ. Un arte escénico no teatral, "no teatral" significa la ausencia de ficción, actuación y afectación. Por ejemplo, el trabajo de Barry Lewa consiste en correr entre dos paredes separadas por más de diez metros hasta quedar exhausto. Otro, Vito Acconci, era un poeta que tenía tendencia a sufrir abusos psicológicos. Por ejemplo, intentaba morder las partes de su cuerpo que podía morder, y no paraba hasta dejar marcas. También se masturbaba en público y colocaba un altavoz para difundir el sonido, obligando al público a convertirse en "voyeurs" en un intento de romper tabúes sociales. El otro es Chris Burton. Otra obra maestra del "disparo" fue que su amigo le disparara en el brazo izquierdo desde dos metros de distancia. Esta asombrosa técnica le valió inmediatamente fama mundial.
(4) El arte conceptual, que se originó a partir del arte dadaísta a principios de la década de 1920, cree que el arte no tiene un valor sagrado y duradero. Su esencia son las ideas o conceptos, y las obras específicas en forma física no son importantes. por eso también se le llama arte conceptual, arte post-objetual o arte desmaterializado. Los artistas conceptuales exploran la relación entre arte y pensamiento o arte y conocimiento. El punto final de esta investigación es la escritura, las matemáticas o la estética y la filosofía. En teoría, este tipo de obras no son realmente visibles y los formatos de exposición tradicionales no son adecuados. Pero expresar pensamientos internos y evitar formas externas sigue siendo un problema a largo plazo. Aquellas obras que se consideran arte conceptual son en su mayoría instalaciones temporales en lugares públicos como galerías de arte, como montones aleatorios de madera, ladrillos u otros escombros. Un ejemplo es una jaula de pájaros gigante con algunos pájaros vivos y otros objetos en su interior, otro grupo de arte conceptual está formado por personas que trabajan en ensayos. Entre las figuras representativas se encuentran Joseph Kossuth, May Bochner, Hanne Dabofen, etc.
(5) El arte de proceso (Process art) cree que el proceso de producción del arte es más importante que la concepción previa. Es mejor experimentar el paso del tiempo que observar objetos estáticos y duraderos en un intento. para expresar una existencia fugaz. Este tipo de arte utiliza principalmente materiales blandos que pueden reflejar fácilmente los cambios en el tiempo. La fuente original es la salpicadura accidental de pintura de Pollock y de Kooning durante su creación. El proceso de creación se compone principalmente de cambios arbitrarios del autor en los materiales de exhibición. La figura representativa es Robert Morris. Una de sus obras consiste en apilar materiales mezclados sin valor en la sala de exposiciones. Cambia la ubicación de estos materiales diariamente y los guarda al final de la exposición.
Hay muchas razones por las que el arte moderno occidental no se transformó en la década de 1960. Generalmente se cree que está relacionado con el siguiente trasfondo social:
(1) El fracaso de los Estados Unidos. Los estados unidos en la guerra de Vietnam provocaron una reacción El sentimiento de guerra fue alto.
Sumado al frío ambiente internacional, la gente no tiene muchas esperanzas en la sociedad humana y la vida real, y además comienza a despreciar las normas existentes de la vida humana. En el campo cultural, existe una tendencia a oponerse a la corriente principal y negar los valores eternos.
(2) Efectos secundarios del desarrollo industrial. El progreso industrial ha mostrado un futuro brillante para la sociedad humana, pero los efectos secundarios son cada vez más evidentes. La contaminación ambiental, la escasez de energía, los desechos tóxicos y los peligros de las armas nucleares han hecho que la gente se dé cuenta de que, si bien la ciencia y la tecnología pueden resolver algunos problemas, también plantean nuevos problemas. La gente ha comenzado a considerar claramente los pros y los contras del progreso industrial. Dudas sobre los métodos científicos.
(3) Los problemas sociales son destacados. La vida material abundante no puede resolver los problemas espirituales, y la "Generación Beat" surgió después de la guerra. Desde 65438 hasta 0968, hubo un aumento de los movimientos estudiantiles en Europa y Estados Unidos.
(4) La aparición de nuevas ideas. Muchos filósofos europeos han propuesto nuevas visiones de la cultura contemporánea y han tenido un impacto en el mundo del arte. Estos filósofos incluyen a Roland Barthes, Foucault, Derrida, Lacan, Lyotard y otros. Cuestionan las teorías existentes sobre el temblor social, lo que genera dudas sobre cualquier marco teórico único y juicio final. En el campo del arte, su reafirmación de valores concretos llevó a una separación de la búsqueda metafísica del arte moderno.
Las nuevas ideas artísticas se difunden rápidamente. En los alrededores de Sichuan, las revistas de arte estadounidenses ya no estaban llenas de plástico, acero y figuras geométricas. Los materiales naturales, los procesos de acción, la participación del entorno y de la audiencia, el análisis semántico y la documentación fotográfica se convirtieron gradualmente en la principal cobertura de los medios artísticos. En este punto, los conceptos, métodos y formas del arte moderno han sufrido grandes cambios, y en esta época comienza lo que la gente llama arte posmoderno. Pero los cambios en la historia del arte no fueron transiciones militares. La próxima reunión crearía todo lo contrario. Lo llamado nuevo y viejo, el final y el comienzo a menudo existen al mismo tiempo, sólo por conveniencia de la narrativa, y los comentaristas están acostumbrados a separar los hechos entrelazados. Por eso, a menudo vemos que los académicos tienen muchas opiniones sobre los inicios de muchos de los llamados movimientos de género. Este artículo analiza el arte posmoderno porque tenemos que buscar deliberadamente el orden del tiempo y no podemos tener en cuenta la división del espacio al mismo tiempo. Los lectores deben prestar atención a esto.
Además de los factores externos antes mencionados, el exceso de racionalidad y tecnología son las razones internas del cambio de dirección artística. Debemos saber que el mundo espiritual humano es tan cambiante y equilibrado como la ecología natural. Si uno de los prisioneros se sobredesarrolla, habrá una fuerza opuesta para superarlo. Si la ciencia interviene principalmente en el arte, habrá fuerzas anticientíficas. Después de la década de 1980, con Estados Unidos como centro, el arte posmoderno surgió y se convirtió en una nueva tendencia artística global. A partir de estos fenómenos artísticos, podemos percibir claramente que ahora están creciendo nuevos valores, principalmente en los siguientes aspectos:
(1) Sin perseguir la pureza, el arte contemporáneo no se limita a la forma visual y lenguaje, teatro musical, medios de comunicación. Películas digitales, electrificación del sonido y la luz, todo lo que pueda transmitir información específica está disponible. Las pinturas trascienden los límites de los planos, las esculturas fusionan paisaje y arquitectura, y los lugares de exposición no se limitan a galerías y museos. En el Occidente contemporáneo, el llamado arte visual se ha vuelto difícil de distinguir de otros tipos de arte.
(2) Tradición de buen servicio. La humanidad tiene ricos recursos culturales tradicionales y sería una lástima abandonarlos. Los artistas contemporáneos no se oponen a la tradición sino que utilizan el pasado para renovarse. Los símbolos antiguos pueden tener nuevos significados después de cambios en el tiempo y el entorno, como el "Libro Celestial" de dividir el hielo y "tomar prestadas flechas de un barco de paja" de Cai Guoqiang. Siempre es así.
(3) Impersonal. En cuanto al arte, excepto en el período comprendido entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX, la "expresión personal" no fue el objetivo principal de la creación y explosión. El arte posmoderno enfatiza las funciones sociales, lo que permite al arte salir de la torre de marfil y acercarse a la vida pública. Los artistas toman el mundo como su propia responsabilidad, se preocupan por los problemas sociales, participan activamente en actividades sociales y ya no son inconformistas.
(4) Múltiples estándares, la "diversidad" es el concepto central del arte contemporáneo. Aunque todavía existen tendencias artísticas dominantes en el mundo, ya no se juzgan con estándares unificados, como el reconocimiento de diferentes países. El valor artístico de las naciones y regiones, el arte de las mujeres, el arte indígena y el arte de los países subdesarrollados. Pero también hay situaciones complejas y caóticas que son difíciles de sistematizar.
Basándonos en la discusión anterior, tal vez podamos tener una comprensión aproximada del arte posmoderno: se originó a partir de la rebelión contra el arte moderno, desarrolló nuevos métodos para expresar ideas y transmitir información, y cambió conceptos y tecnologías. la conciencia popular, los valores pluralistas y el espíritu creativo libre que representa reflejan la tendencia de desarrollo de la cultura occidental contemporánea.
Sin embargo, debido a diferencias regionales, culturales e institucionales, el mundo del arte chino no pudo integrarse a este movimiento artístico global en un corto período de tiempo. "El hielo comienza con agua, es más frío que el agua y brilla sobre ti más que el azul". El posmodernismo es un contramovimiento derivado del modernismo y una rebelión contra la racionalidad pura del modernismo. La gente está cansada de enfrentarse a diseños fríos y rígidos todo el día. Expresa el deseo de la gente por productos humanizados y humanizados. El modernismo y el posmodernismo son dos extremos de estilo, pero tienen similitudes y diferencias en muchos aspectos. Por ejemplo, Hassan hizo la siguiente comparación entre las dos partes en "El giro del posmodernismo":
Filosófico
El modernismo se basa en el racionalismo y el realismo, y el posmodernismo se basa en el romanticismo y el individualismo. .
Internamente
El modernismo enfatiza el culto a la tecnología y la racionalidad y lógica de las funciones, mientras que el posmodernismo aboga por la alta tecnología, las altas emociones y la orientación a las personas.
En términos metodológicos
El modernismo sigue el papel absoluto de los atributos físicos, la estandarización, la integración, la industrialización, la alta eficiencia y la alta tecnología. El posmodernismo sigue el dominio de la experiencia humana, la unidad y continuidad del tiempo y el espacio, la interpenetración de la historia, la individualización, la dispersión y la liberalización.
Sobre el lenguaje del diseño
El modernismo sigue que la función determina la forma, "menos es más", "la decoración inútil es un crimen" (ruso) sigue la diversificación de la forma, la ambigüedad y irregularidad, una interpretación dual de lo uno o lo otro, enfatizando el contexto histórico, las metáforas de imágenes y "menos es aburrido". Cuando la inspiración de Duchamp involucra el tema del arte posmoderno occidental, no podemos dejar de mencionar que el pintor francés Marcel Duchamp es descrito como el padre del arte posmoderno occidental. Comprender su arte y su vida es de gran importancia para comprender muchos fenómenos maravillosos del arte posmoderno occidental. son de gran ayuda (pero comprender a Duchamp es un problema difícil) porque sus obras y su vida están tan alejadas de la gente común que es difícil de explicar;
Aunque la práctica artística de Duchamp terminó en 1930 d.C. y murió en 1968 d.C., sus breves actividades artísticas durante la sequía tuvieron un impacto duradero en las generaciones posteriores. En 1913, completó su primera obra de arte ready-made, "Rueda de bicicleta", para expresar su desdén por la estructura en las obras tradicionales. Esto también implica que el factor más importante en la creación artística es el concepto más que las habilidades de producción. "Chocolate Grinder No. 8" fue casi la última obra que Duchamp puso en las estanterías. Fue una burla de la pintura al óleo académica. Duchamp se instaló en Nueva York después de 1915 y lo completó como urinario en la primavera de 1917; otra obra es L.II.O.O.Q (1919), que añade un bigote al grabado de la Mona Lisa. La obra más importante de Duchamp es "El gran vaso", también conocida como "La novia desnudada por su hombre". La producción de esta obra comenzó en 1915 y permaneció inacabada hasta 1923. Después de 1920, el interés de Duchamp por la óptica y el cine aumentó día a día. Después de la era de Sichuan, centró su interés en el ajedrez.
La contribución más importante de Duchamp es el arte "ready-made". Aunque desde una perspectiva secular, es absurdo colocar productos industriales u otros objetos ya hechos en exposiciones de arte, de hecho, está cambiando toda la perspectiva de la humanidad. Sobre el arte y el mundo, la gente empezó a cuestionar la necesidad de, al menos, los valores y modelos tradicionales de creación artística. En el arte posmoderno occidental, la influencia de los "productos confeccionados" está en todas partes e inspira a las personas desde los siguientes aspectos:
La forma y la belleza no son importantes. Desde la antigüedad, los artistas han asumido como deber ineludible crear formas hermosas y han dotado a dichas obras de un estatus y valor elevados. Sin embargo, Duchamp creía que la belleza no existe y que no hay nada particularmente noble en el arte y las personas que lo crean. Le dijo a la gente que no hay diferencia entre los objetos ordinarios y las obras de arte. también hermoso. Si la mercancía normal no es hermosa, el arte no es mucho mejor. El llamado valor estético del arte no es más que el prejuicio de la gente. Jugó un papel importante a la hora de romper este prejuicio al enviar el orinal a la exposición.
(2) El entorno y el tiempo son más importantes que la obra Los factores decisivos para que el producto acabado se convierta en una obra de arte son el entorno y el tiempo. No tiene nada que ver con el trabajo en sí. Esto demuestra que bajo ciertas condiciones. Cualquier cosa, o incluso el comportamiento, puede ser arte; por otro lado, cuando las condiciones cambian, nada, ni siquiera el comportamiento, puede ser arte. Según los términos chinos, esto está bien y aquello está mal. Debido a que el entorno y el tiempo cambian constantemente, el clásico renacentista "Mona Lisa" podría pintarse en el siglo XX y convertirse en una broma.
Las ruedas de bicicleta y los taburetes colocados en galerías de arte equivalen a esculturas estructuralistas.
(3) Que el arte vuelva a un estado espontáneo y natural. Las actividades artísticas iniciales de los seres humanos son espontáneas y naturales, y no requieren una formación especial. No hay diferencia entre artistas y no artistas. Pero luego hubo una división del trabajo y el arte se convirtió en un trabajo especial, por lo que hubo un estándar especial para el arte. Obviamente, esta división del trabajo y los estándares fueron producto del sistema anterior. obstaculizar el sano desarrollo de la naturaleza humana. En condiciones sociales cambiantes, no es razonable considerar estas normas existentes como la ley suprema. El "arte ya hecho" ignora por completo los estándares artísticos e incluso culturales existentes, utilizando un pensamiento aparentemente divertido pero en realidad profundo para burlarse de la moderación y la artesanía humanas en el campo cultural, pidiendo así la llegada de una nueva era llena de libertad y espíritu creativo.
(4) Eliminar restricciones técnicas. La gente está acostumbrada desde hace mucho tiempo a tratar la creación artística como una operación técnica especializada, por eso existen academias de arte y pintores profesionales. El arte "ready-made" no tiene nada que ver con las habilidades personales del autor. Sólo requiere una elección, y la elección es un proceso de pensamiento y no tiene nada que ver con la tecnología de producción de productos materiales. Duchamp dijo a la gente aquí que el valor del arte reside en el pensamiento. Con ideas, cualquier producto material puede convertirse en una obra de arte. Este método de equiparar el arte con las ideas cancela objetivamente la disciplina artística tradicional e implica el juicio teórico de que el arte y la historia del arte están a punto de terminar.
El pintor estadounidense De Koonig dijo: "El propio Duchamp inició un movimiento, un movimiento verdaderamente moderno, que lo implica todo: cada artista puede aprender de él "Inspírate", esto parece ser un "producto listo para usar". ", que fácilmente invirtió la dirección del desarrollo del arte occidental, y es la imagen de vanguardia que Duchamp dejó a las generaciones futuras. Después de Duchamp, se ha convertido en un consenso en el mundo del arte occidental oponerse a todos los modelos y estándares artísticos establecidos y tomar el espíritu desenfrenado de libertad como objetivo de la creación artística. El expresionismo abstracto, que se originó en la pintura estadounidense del siglo XX, marcó el desplazamiento del centro del arte moderno occidental de París a Nueva York. Si esta escuela de pintura es en realidad la continuación de la pintura modernista europea en los Estados Unidos, entonces las diversas escuelas de pintura que han aparecido en los Estados Unidos desde entonces fueron creadas enteramente por los propios estadounidenses. El arte pop es el género pictórico más antiguo con características estadounidenses. El arte pop apareció entre mediados y finales de los años cincuenta. Según Lichtenstein, "aplicar los temas del arte comercial a la pintura es arte pop. Sus materiales son populares, su imagen visual es simple y directa y excluye la expresión de la personalidad". El acrílico, el esmalte y otros materiales crean un efecto de textura suave en la pantalla, que recuerda a las portadas de revistas y tiene una atmósfera muy estilizada. A los ojos de los artistas pop, el arte es vida y la vida es arte. Los objetos de la vida real pueden usarse directamente como sujetos, y los objetos de la vida real también pueden usarse directamente como obras de arte pop. Después del Pop Art, surgieron diversas escuelas de pintura en el mundo de la pintura americana. Realismo fotográfico, efectos de luz, pintura de bordes duros, etc. Vienen uno tras otro, deslumbrando a la gente. El arte con efectos de luz fue popular en la década de 1960. Crea ilusiones visuales a través de disposiciones especiales de líneas, formas y colores, creando el efecto de movimiento en una imagen fija. El realismo fotográfico fue principalmente popular en la década de 1970. Hace dibujos basados en fotografías y las imágenes son vívidas y detalladas.
John es una figura representativa del Pop Art temprano. Nació en Carolina del Sur y se mudó a Nueva York en 1952. Sus pinturas abandonaron la expresión emocional a corto plazo del expresionismo abstracto y crearon un estilo "Neo-Dada" que utiliza formas de pintura pura e incluso objetos reales de la vida para tratar con delicadeza temas realistas cotidianos. Este estilo jugó un papel decisivo en el desarrollo del Pop Art. John eligió la bandera estadounidense como único tema de la pintura. El tema tiene un fuerte significado simbólico para el público estadounidense en general. "Ningún otro símbolo social ha resistido tan poderosamente la transformación estética como la bandera estadounidense". Sin embargo, insiste Johns, "no es una bandera". Esto recuerda una línea escrita por Magritte en una pipa en una pintura: "Esto. No es una pipa." De hecho, esto no es una pipa, sino simplemente una pintura. Johns debe estar diciendo lo mismo aquí. En este cuadro, en realidad quería expresar el límite entre imagen y realidad. Aunque utilizó una técnica muy realista para pintar las tres banderas de manera muy realista, no parecen naturales. No se sienten flotando ni caídos, parecen estar suspendidos en el aire. Se puede ver que hay cierta distancia y espacio entre ellos, pero no hay conexión entre ellos. Si se sintieron un poco conmovidos fue que los colores rojo, blanco y azul de la bandera nacional no eran planos, sino ligeramente ondulados.
Uno podría preguntarse si el artista estaba pintando un retrato de estas tres banderas, que debieron existir sólo en la mente del artista. Por lo tanto, lo que representa esta pintura no es de ninguna manera una realidad real, sino sólo una realidad de fantasía. Cuando vimos esta pintura por primera vez, nunca imaginamos que se sentiría tan extraña.
Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967, grabado, 90x90 cada uno, Hiroshima, Colección de Arte Moderno.
Dentro del Pop Art, el pintor más influyente y representativo es Andy Warhol (1927-1986). Es el fundador y principal defensor del movimiento Pop Art estadounidense. En 1962 se hizo famoso por la exposición de sus "Esculturas" de ollas soperas y jaboneras Brillo. Sus patrones de pintura son casi idénticos. Usó imágenes de los medios de comunicación, como las latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, billetes de un dólar, la Mona Lisa y la cabeza de Marilyn Monroe, como elementos básicos que se repiten en sus pinturas. Intentó eliminar por completo el elemento manual en la creación artística. Todas sus obras están realizadas mediante técnicas de serigrafía, donde las imágenes se pueden repetir innumerables veces, dando a la pintura un efecto plano único.
En cuanto a su trabajo, Harold Rosenberg dijo una vez en broma: "Una columna de repeticiones adormecedoras de latas de sopa Campbell es como una broma humorística que se ha contado una y otra vez". "Llevo veinte años desayunando lo mismo", explica. "Supongo que es lo mismo una y otra vez". Para él, no hay nada "original", sus obras son todas copias y solo quiere reemplazar el lugar original con innumerables copias. Eliminó deliberadamente los colores personales y emocionales de sus pinturas y enumeró discretamente las imágenes más comunes. Tiene un lema famoso: "Quiero ser una máquina", lo que contrasta marcadamente con la afirmación de Jason Brack de que quiere ser natural. Sus pinturas, casi inexplicablemente, "pueden despertar una curiosidad infinita: un vacío ligeramente aterrador que debe llenarse con charlas y palabras vacías". De hecho, las pinturas de Andy Warhol se caracterizan por la monotonía y el aburrimiento y la repetición transmiten una sensación de indiferencia y vacío. y alienación, que muestra los sentimientos internos de las personas en una sociedad comercial y civilizada altamente desarrollada.
El retrato de Marilyn Monroe es uno de los temas más interesantes de la obra de Warhol. En el cuadro "Marilyn Monroe", pintado en 1967, el pintor utilizó como elemento básico de la imagen la cabeza de la desafortunada estrella de cine sexy de Hollywood, colocándose repetidamente en fila. El retrato sencillo, pulcro y monótono de Monroe refleja el vacío impotente y la confusión de la gente en la sociedad comercial moderna.
Muchacha al piano, Lichtenstein, 1963, óleo sobre lienzo, Nueva York, Colección Privada.
Roy Lichtenstein (1923 I) es famoso por sus imágenes de dibujos animados. Al igual que Andy Warhol, no sólo prefería los asuntos triviales de la vida cotidiana y las imágenes vulgares de la sociedad comercializada moderna, sino que también le gustaba tratar estas imágenes de una manera impersonal y neutral. Para ellos, no los criticó ni los halagó, sino que simplemente afirmó: esta es la ciudad en la que estamos inmersos, y estas son las imágenes y símbolos que componen nuestras vidas. En 1961 empezó a incorporar imágenes de las historietas más humildes a sus cuadros más amplios. Le gustaba usar pintura al óleo o acrílica para ampliar esos cómics a medida que aparecían, incluso tomándose la molestia de replicar pequeños puntos en el barato proceso de impresión en color. En cuanto a cuadros exquisitos y producción rigurosa, su estilo pictórico es muy clásico.
"La muchacha al piano" es una obra con un estilo pictórico típico de Liechtenstein. Todo el cuadro reproduce un cómic y es más de 500 veces más grande que el original. El artista no sólo copió con precisión la composición y los personajes de la obra original, sino que también imitó cuidadosamente las pinceladas y los puntos de serigrafía del artista original. Tomó prestada la cuadrícula de ampliación de los pintores publicitarios y transfirió constantemente los gráficos de la tira cómica de la cuadrícula pequeña a la cuadrícula grande del lienzo, uno por uno. También utilizó un grabado especial en metal con orificios prolijos y puntos grandes dispuestos regularmente en una pantalla gigante, imitando deliberadamente los pequeños puntos del proceso de impresión para mostrar los matices de la cultura pop de sus cómics amplificados. Afirmó que este tipo de pintura no era una imitación mecánica y que su método de pintura era sólo por razones formales: "Creo que mi trabajo es diferente a las caricaturas de los periódicos... Lo que hago es modelar, y las caricaturas de los periódicos no son un modelado según mi interpretación "
Flow, de Riley, 1964, tablero y técnica mixta, 149,5x148,3 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York OPArt, también conocido como "arte de ilusión óptica" o "arte de efectos de luz". , fue popular en la década de 1960 del siglo XX.
Este arte crea principalmente ilusiones visuales a través de disposiciones especiales de líneas, formas y colores, dando así a las imágenes fijas un efecto dinámico deslumbrante y fluido. Proviene de la tradición de la Bauhaus y se basa en investigaciones de la psicología Gestalt. Es un arte abstracto que está estrechamente relacionado con la percepción visual del espectador.
La sensación de luz, ilusión y movimiento del arte con efectos de luz provienen de las características dinámicas especiales de la imagen misma. La disposición regular de líneas, como líneas verticales, líneas horizontales y curvas, la combinación periódica de formas, como círculos, cuadrados y rectángulos, y la yuxtaposición, superposición, envolvente y gradiente de colores aportan una estimulación especial a la retina. . Confunde la percepción visual de las personas y provoca ilusiones de movimiento como parpadeos, radiación, rotación y golpes. Esta incertidumbre visual puede incluso llevar al espectador a un estado de inconsciencia similar al de un trance. Se puede decir que es una especie de magia visual. Si bien sabemos que todo arte pictórico implica una brecha entre el hecho físico y el efecto psicológico, aquí nos maravillamos ante el efecto ilusorio de las ondulaciones en un plano estático.
La creación de cuadros con efectos de luz es un poco como un experimento científico visual y no tiene nada que ver con la emoción. Este tipo de pintura no se limita al cuadro en sí, sino que también exige la participación del espectador. Sólo cuando la gente lo mira puede ganar integridad y darse cuenta de su valor en la interacción con el espectador. De hecho, esta tendencia se remonta al impresionismo y al neoimpresionismo. Esos pintores intentaron evitar mezclar pinturas y, en cambio, permitieron que los colores primarios se yuxtapusieran en el lienzo. Cuando el espectador se retira a una distancia adecuada, la gente sentirá el parpadeo de la luz debido al efecto compuesto único de la retina. Los Light Painters llevan esta técnica un paso más allá, convirtiéndola en un tema y contenido práctico. El arte con efectos de luz puede despertar el interés de la gente. Se utiliza en diversos aspectos como diseño, decoración, publicidad, etc., y se ha convertido en una etiqueta popular. Entre las figuras representativas de los pintores de efectos de luz se encuentran Victor Vasarely y Bridget Reilly.
Bridget Louise Riley (1931-) es una pintora británica creativa. Antes de 1960, pintó principalmente figuras y paisajes. Posteriormente se dedicó al arte de los efectos de iluminación y creó numerosas obras dinámicas. "Liu" fue pintado en 1964 y es una de sus famosas series de pinturas en blanco y negro. La relación entre las líneas parece haber sido calculada y dispuesta cuidadosamente, lo que hace que la imagen se retuerza y gire. Cuando los ojos se fijan en ella, la imagen sigue fluctuando, creando la ilusión de "flujo".
John, de Close, 1971-1972, acrílico sobre lienzo, 254x228,6 cm, recopilado por Wildunstein Gallery, Nueva York. El realismo fotográfico, también conocido como hiperrealismo, es un estilo artístico popular en la década de 1970. Se basa casi en su totalidad en fotografías y se reproduce objetiva y claramente sobre lienzo. Como dijo Chuck Close: "Mi objetivo principal es traducir el mensaje de la fotografía en el mensaje de la pintura". Se logra un grado de realismo asombroso, peor que el de una cámara.
Los pintores fotorrealistas no dibujan directamente. A menudo capturan la imagen deseada con una cámara y luego copian la imagen en el lienzo paso a paso antes de tomar la foto. A veces usaban un proyector de diapositivas para proyectar la foto en una cortina, lo que daba como resultado una imagen más grande y precisa de lo que el ojo desnudo podía ver, y luego la describían exactamente igual. El artista también ha modificado algunos detalles poco claros del plano, que también son verdaderos y claros. Una imagen tan detallada y precisa se ha convertido en cierto sentido en una provocación a los métodos de observación convencionales de la gente.
Porque en circunstancias normales, la percepción visual de las imágenes por parte de las personas no es detallada y no pierde ningún detalle. Normalmente, los ojos responderán selectivamente a las imágenes debido a diversas influencias como la ocupación, las emociones, la personalidad, el pragmatismo, etc. Algunas pueden ser impresiones claras obtenidas después de una cuidadosa observación, otras pueden ser simplemente pasajeras, e incluso muchas veces, los ojos humanos sólo son aproximadamente claros. La autenticidad del realismo fotográfico puede resultar confusa, pero su manejo claro de todos los detalles también implica su distanciamiento de la realidad y de la irrealidad que hay debajo de la realidad. Además, los pintores fotorrealistas ocultan deliberadamente todo rastro de personalidad, emoción y actitud, creando silenciosamente una imagen insulsa e indiferente. Bajo esta indiferencia superficial, en realidad hay un cierto concepto social que refleja la alienación y la indiferencia entre las personas en la sociedad postindustrial.
Las obras fotorrealistas suelen tener un tamaño enorme y aportan cierto impacto visual. Según Chades Bell, "Cambiar en gran medida el tamaño de los objetos cotidianos nos permite entrar en ellos más fácilmente y explorar su superficie y estructura. Las pinturas a gran escala se realizan de formas únicas".
Los pintores a menudo dividen la fotografía en muchas cuadrículas pequeñas y luego la reproducen cuidadosamente en partes más pequeñas en proporción. Obviamente, no podrás ver el efecto general de la imagen hasta que esté completa. El realismo fotográfico tiene una amplia gama de temas e imágenes vívidas, y se abandonan todos los factores subjetivos sin excepción. A primera vista es una respuesta al realismo, pero en realidad es una inspiración para la sociedad contemporánea. Aquí el realismo se ha convertido en una técnica artística moderna junto con la abstracción.
La aparición del realismo fotográfico ha atraído críticas y ataques imaginables. Con el apoyo de los marchantes de arte y el entusiasmo del público, se afianzó y se hizo famoso de un solo golpe. Entre los pintores de este estilo, Close tomó el retrato como su único tema, a Esther le gustaba pintar escenas callejeras de la ciudad, a Goines le interesaban los cafés y los restaurantes de comida rápida, Charles Bell dedicaba su energía a representar juguetes y Robert Bechtel se comprometía a equilibrar el relación entre fotografía y pintura... Aunque no mucha gente se dedica a la pintura fotorrealista, su influencia es infinita, y algunos incluso se interesan por ella.
ChuckClose (1940 I) es una figura representativa del realismo fotográfico. Nacido en Washington, estudió en la Universidad de Washington, la Universidad de Yale y la Academia de Artes Plásticas de Viena. Cuando se dedicó al expresionismo abstracto en sus inicios, descubrió que sus obras eran exactamente iguales a las demás y carecían de características propias. Para perseguir su propia visión e ideas, recurrió a pintar personas, utilizando fotografías para pintarlas. Comenzó a pintar retratos en 1964 y dos años más tarde pintó a partir de fotografías. Bromeó: "Los pintores expresionistas abstractos pintaban muy bien, así que usé los más estúpidos. Sus pinturas eran muy coloridas, así que solo usé blanco y negro y pinté muy finamente". Por supuesto, también usé color más tarde. "Finalmente se encontró a sí mismo e hizo cambios. Close representa a familiares y amigos que conoce. Conoce sus voces, sonrisas y psicología de personalidad. Pero en la imagen, los personajes no sólo no tienen expresión, sino que no transmiten nada de sus propias características, Close también borró sus sentimientos y no mostró ninguna inclinación. Usó un aerógrafo y un borrador eléctrico en lugar de un pincel que pudiera revelar su personalidad, perdiendo tiempo y energía en su trabajo. principios de los años 1970. El retrato es realista y muy sutil. Piel, cabello, ojos, gafas, etc. Todos están representados con ricas texturas. Una escala tan grande, junto con un sentido de realidad tan fuerte, dará a la gente una sensación real "como falsa".