Antes de animar un personaje, los animadores suelen hacerse varias preguntas sobre el personaje, como por ejemplo: ¿Qué tipo de personaje es este? ¿Qué papel juega este personaje en la película? ¿Qué tipo de personalidad y características tiene el personaje? ¿Cuál es el trasfondo histórico del personaje? ¿Cómo se relaciona este personaje con otros personajes? Y el punto más importante es: ¿cuál es la motivación del personaje? La mayoría de estas preguntas pueden ser respondidas por un director de cine, director de animación o animador. Pero a veces las respuestas hay que encontrarlas en la propia acción de animación. Por lo tanto, los animadores deben comprender las características internas y externas del personaje antes de realizar animaciones.
Las siguientes son algunas técnicas de regularidad de animación desarrolladas por Disney y ahora utilizadas por la mayoría de los animadores del mundo.
1. Apretar y estirar
Esta debería ser la técnica más importante en la animación. Esta técnica puede ficcionalizar objetos o personajes, reflejando su naturaleza orgánica o pasada por alto. Lo que pasa es que esta regla no se aplica a objetos o personajes rígidos (como bolas de bolos o robots). El movimiento del software o del cuerpo siempre enfatiza la compresión y el estiramiento. Esta tecnología permite a los animadores crear personajes más realistas. La parte apretada suele indicar que el objeto fue aplastado por presión o por su propia fuerza. El estiramiento representa la extracción de un objeto o la reacción del objeto ante la inercia y la colisión. Agregar estas técnicas al movimiento de un objeto o personaje puede ayudar a determinar qué tipo de sustancia te parece el objeto o personaje, ayudando así a mantener el movimiento orgánico y creíble. El ejemplo más simple es una pelota de goma elástica. Cuando la pelota rebota, se apretará cuando golpee el suelo, pero cuando rebote, se estirará debido a la colisión y la inercia. El cuerpo de un objeto o personaje en general debe volver a su forma original sin cambiar su masa después de ser comprimido o estirado.
2. Ritmo Sincronización
La importancia del tiempo es increíble. Puede describir el movimiento, peso, tamaño, estructura y personalidad de un personaje u objeto. El tiempo también se puede utilizar para crear un patrón de movimiento único, desde rápido hasta estancado. El tiempo incluye no sólo las acciones del personaje, sino también las emociones del personaje. Por ejemplo, hay dos movimientos extremos de la cabeza, mirando hacia adelante y girando hacia un lado. Dependiendo del número de transiciones entre dos conductas extremas, podemos manifestar diferentes caracteres y estados emocionales. (Una transición intermedia es la transición de una pose clave a la siguiente).
No hay transiciones ni puntos intermedios: el personaje recibe un fuerte golpe con una fuerza tremenda. Mi cabeza está casi rota.
Un personaje de transición en el medio: el personaje es golpeado por un objeto pesado como un ladrillo.
Las dos figuras intermedias de estas transiciones presentan tics nerviosos, pausas o espasmos musculares.
Tres transiciones y tres puntos intermedios: los personajes evitan los ladrillos voladores.
Cuatro Transiciones Cuatro Medio - Un personaje escucha una orden clara o reacciona con sorpresa.
Cinco transiciones y cinco medios, amigables con los personajes. Ven aquí.
Seis Transiciones Seis Medios - El personaje ve algo que le gusta o le interesa.
Siete transiciones intermedias de siete: el personaje intenta observar más de cerca algo que le gusta o le interesa.
Ocho transiciones y ocho medios: el personaje busca algo en el estante.
Nueve transiciones y nueve medios: el personaje admira las cosas con atención.
Diez transiciones, diez medios: doloroso estiramiento de los músculos del cuello del personaje.
Ahora deberías ver que puedes expresar diferentes personajes, acciones y emociones cambiando el tiempo entre los gestos clave de tu personaje.
2. Proceder por etapas
Es cómo hacer que los pensamientos y acciones de los personajes sean claros y fáciles de entender. La personalidad de un personaje es la etapa en la que se le reconoce. Los gestos o expresiones faciales deben colocarse donde mejor transmitan énfasis y emoción. Si un escenario de animación no está bien organizado, el público nunca verá los movimientos que los animadores añaden a los personajes. La puesta en escena es donde quieres captar la atención del público, donde quieres que la vean y donde no quieres que la vean. Si hay varios personajes en una escena o toma, no querrás que un personaje se destaque entre la multitud, sino que querrás llevar a la audiencia de un personaje a otro, disfrutando de la actuación de cada personaje uno por uno. En este momento la puesta en escena también juega un papel importante. También puedes utilizar la puesta en escena de la postura del personaje para que la postura del personaje sea lo más clara posible. Una forma sencilla de comprobar si un personaje está bien interpretado es observar su silueta.
La silueta es cómo el espacio positivo del gesto coincide con el espacio negativo del entorno. Al posar a un personaje, imagina que se eliminan todos los detalles, haciéndolo negro puro en tu mente, y luego mira su contorno. Si puedes entender esta postura claramente, es una postura bien dividida en una fase. Si no puede determinar qué postura es esta, la puesta en escena no es buena y es necesario cambiarla.