A finales del siglo XIX, un pequeño grupo de artistas que trabajaban en Francia y Alemania comenzaron a reevaluar la función y el significado del arte. Durante el último siglo, el arte ha perdido muchas de sus funciones tradicionales. Ya no es una forma importante de grabar imágenes de cosas porque ese trabajo lo ha asumido la cámara. El artista intenta distinguir el arte del momento para definir su esencia única. Pintores y escultores se unieron a otros intelectuales para cuestionar los modelos clásicos y los ideales amplios basados en criterios racionalizados. Así, la visión del mundo de la década de 1890 cambió. A través de los caóticos cambios del siglo XIX, parece que el frío estilo clásico y la imagen estática y ordenada de las obras del Renacimiento ya no son adecuados para ese tipo de expresión.
En 1886, el pintor Van Gogh (1853-1890) llegó a Francia procedente de los Países Bajos, donde llevó a cabo una revolución en el uso del color. Usó colores más puros y brillantes que los artistas anteriores. También se dio cuenta de que el color, como otros vehículos normales, podía servir como lenguaje en sí mismo. Creía que el color nativo o "real" de un objeto no expresaba necesariamente la experiencia del artista. El artista, como decía Van Gogh, no debe aspirar a pintar un objeto basándose en su apariencia, sino en sentirlo a través del artista. En los jardines públicos de Arlés reina el verdadero color del jardín. Así que Van Gogh adquirió experiencia caminando solo en una tarde calurosa.
Prácticamente desconocido durante su vida, el arte de Van Gogh se volvió muy influyente poco después de su muerte en 1890. El primer artista influenciado por su estilo fue un artista noruego llamado Edward Chow (1863-1944), pionero en el descubrimiento y uso del color en París. En "La danza de la vida", Edward Chew utiliza líneas fuertes y simples y colores intensos para discutir el estrés y el conflicto sexual, lo que inspiró el estudio de Sigmund Freud. En Alemania, los artistas que tendían a utilizar el poder del color para expresar el poder psicológico en sus obras fueron llamados expresionistas alemanes.
Entre las revoluciones de color, otra revolución se produjo en el uso del espacio. Desde el Renacimiento, los artistas europeos han visto el exterior del borde de un cuadro como el marco de una ventana. Las cuatro esquinas de un marco forman un espacio cúbico imaginario: un mundo tridimensional en el que se reflejan objetos y fondos. A partir de 1880, Paul Cézanne (1839-1906) exploró nuevas formas de expresar la experiencia visual. Buscó crear pinturas con un diseño perfecto que fuera fiel tanto a las cosas mismas como a sus sentidos. También quería incluir y establecer nuevas tradiciones.
Entre 1909 y 1914, ¿Picasso (1881-1973) y Georges? Braque (1882-1963) *** colaboró con él para desarrollar una nueva forma de aprendizaje que se conoció como cubismo. Al igual que Cézanne, exploraron la interacción de los sentidos visuales del mundo plano y el arte de la pintura para percibir el mundo tridimensional. Los dos mundos se influyen mutuamente, por eso en el arte, como en un ascensor, un símbolo representa la confusión o la incapacidad de las pinturas y los objetos para mantenerse en pie en el mundo real. Esta experiencia de observación es tan clara como tocar el violín en una obra cubista. La ilustración de la fruta fue tomada de un libro pegado con cinta adhesiva en la esquina. Estas ilustraciones son imágenes o símbolos de presentación física. Pero estas ilustraciones también se basan en reproducciones de frutas reales.
En una pintura típica del Renacimiento y del Barroco, los cuerpos se sitúan en un espacio imaginario donde se reflejan desde un punto fijo de la visión. En el cubismo espacial, representan el espacio al tiempo desde una perspectiva fija. Sólo se puede entender el verdadero significado del cubo mirándolo desde múltiples ángulos. Por tanto, el arte cubista presenta los objetos desde muchos ángulos. Además, la visión está influenciada por el argumento, la memoria, el género y el momento en que ocurrió el evento. En la partitura para violín, se recortó parte del texto de periódicos reales, satirizando la vida del artista. Muchas imágenes fragmentadas permiten a las personas experimentar la compleja experiencia visual del arte cubista.
El uso del color en el arte cubista temprano era deliberadamente banal y sus temas debían representar cosas ordinarias de la vida cotidiana. Picasso y Braque querían eliminar colores llamativos y temas interesantes, para que sus espectadores se concentraran en observar las cosas.
Durante el período comprendido entre 1890 y 1914, los artistas de vanguardia restaron importancia a los objetos mismos y, en cambio, enfatizaron líneas, colores y espacios expresivos.
No sorprende que algunos artistas finalmente comiencen a crear arte que no tiene relación con nada de lo que ven en la realidad. Pierre Mondrian (1872-1944), pintor holandés, llegó a París poco antes de la Primera Guerra Mundial, donde vio el arte cubista de Picasso y Braque. Los artistas cubistas comprimieron la profundidad de la imaginación en sus pinturas de modo que todos los objetos parecían estar contenidos dentro de una pala de sólo unos pocos centímetros de profundidad. También reducen el tema a un nivel insignificante. El siguiente paso de Mondrian parecía ser la eliminación completa del espacio y la materia distorsionados. Su cuadro 7, por ejemplo, parece completamente plano.
Mondrian, como otros grandes maestros del arte moderno, era un idealista filosófico. Él cree que el objeto de la percepción es en realidad la esencia de un campo de actuación independiente e inmutable. Creía que el arte debería permitir a su público trascender el mundo superficial y entrar en una realidad más "real". Lógicamente, eliminó de sus pinturas cualquier referencia al mundo tangible.
Justo antes de la Primera Guerra Mundial, un joven artista francés llamado Marcel Duchamp (1887-1968) observó que cuando los artistas designaban objetos para colocarlos en entornos artísticos específicos, las cosas se convertían en arte. En otras palabras, el arte puede definirse como un modo de percepción. Como demostraron los artistas cubistas, los objetos siempre aparecen en un entorno con otros objetos. Antes de romperme el brazo, compré una pala de nieve real en la tienda. La gente sólo podría pensar en su eficiencia si lo vieran en una ferretería. Pero cuando aparece en la Galería de la Universidad de Yale, completa con plataforma y etiqueta, uno recuerda la forma escultórica de la pala, que, como la intención original de Marcel Duchamp, no era una escultura sensual. Su nombre recuerda mucho a palear nieve para evitar daños a las armas o enfermedades cardíacas. Entonces empiezas a darte cuenta de una forma especial de percibir la singularidad de la pala en el arte.
Esta revolución artística corrigió a sus rivales del siglo XX. Casi cien años después, estos maestros modernos siguen inspirando las pasiones y la imaginación del público.
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Estoy un poco inseguro,
Realmente no entiendo lo que dije antes de que el brazo roto fuera una raqueta de nieve real comprada en una tienda. , ni saber explicar en chino.
Y la primera frase del último párrafo. Mi traducción parece un poco rara, pero tampoco traduzco bien. Por favor, perdóname.
¡Guau! Después de traducir mi reloj, ¡son las dos de la mañana! ! ! Gracias por tu arduo trabajo. . .