El ballet se originó en Italia y evolucionó a partir de representaciones palaciegas aristocráticas en el siglo XV. Los temas en esa época eran principalmente leyendas antiguas, incluyendo danza, pantomima, canciones y recitados, así como actuaciones de lujo. Escenografía y acompañamiento musical. Durante el período de Luis XIV en Francia, el ballet se desarrolló rápidamente. Se estableció la primera Academia Real de Danza, que estandarizó el entrenamiento del ballet y estableció un sistema de movimientos de ballet que todavía se utiliza en la actualidad.
El ballet es un ejercicio anaeróbico. Utiliza los movimientos básicos del ballet como contenido de entrenamiento. Su fuerza no tiene comparación con otros ejercicios físicos. Saltar, saltar, estar de pie y estar de pie son los cuatro elementos principales del ballet. Tiene la función de contraer las fibras musculares, haciendo que todas las partes del cuerpo se desarrollen de forma equilibrada, y la postura sea grácil y recta. Al mismo tiempo, con el acompañamiento de música melodiosa, se puede mostrar la belleza de forma intuitiva e implícita. La danza moderna no se trata sólo de pasión y audacia. Sus pasos de baile relajantes y relajantes son exactamente compatibles con la elegancia del ballet.
1. "De pie" significa que el cuerpo debe estar erguido y recto, ¡y el cuerpo debe estar de pie! El centro de gravedad del cuerpo debe estar colocado con precisión. Cuando se coloca en el centro de gravedad de dos o una pierna, el espacio ocupado se siente como un palacio clásico, de pie con orgullo y majestuosidad. Este estilo es consistente con el estilo del ballet clásico que se originó en la corte real. Su propósito es mostrar el estilo de los aristócratas reales, no el sabor de los sirvientes y la gente común. Se requiere que los actores metan el abdomen, levanten el pecho, eleven su centro de gravedad y se lancen a gran altura para completar con precisión varios movimientos y técnicas de danza. Es uno de los estándares fundamentales de la estética del ballet clásico.
2. "Preciso" se refiere a completar con precisión las especificaciones de cada movimiento y postura de baile, de modo que la ruta del movimiento y la posición del movimiento sean precisas. Alguien hizo un experimento durante el entrenamiento, un bailarín experto hizo Battement tendu (limpiar el suelo) 100 veces. Sus dedos de los pies tocaron un punto cada vez, y su recorrido no estuvo nada mal. Incluso los movimientos muy técnicos no son una excepción. Otro ejemplo: haz dos giros (720 grados) en el aire. Después de que el bailarín despega con cinco pies en el aire y mantiene una buena postura de baile, aún aterriza con precisión en la quinta posición cuando aterriza. ballet, incluso si el contenido técnico es No importa cuán altos sean los movimientos, deben realizarse con precisión; de lo contrario, las especificaciones de movimiento del ballet clásico se deformarán y pronto perderán su brillo.
3. "Belleza" El ballet, como otras danzas, también es un arte visual altamente ornamental. Requiere belleza en cada movimiento. El ballet tiene requisitos de belleza extremadamente altos. Es "música que fluye y escultura en movimiento". Al igual que la música, está limitada por el tiempo y, al igual que la escultura, se ve afectada por el espacio. El coreógrafo descubre la belleza y utiliza hermosas formas de danza para reflejar la hermosa vida, mientras el público imagina y crea a través de la percepción de la belleza de la danza, provocando así resonancia emocional. .
4. "Estiramiento" se refiere a la rectitud de los tobillos y empeines del bailarín, que es uno de los estándares estéticos fundamentales del ballet clásico. El entrenamiento de enderezamiento implica principalmente la práctica de Battement tendu (limpiar el suelo) y tensar las extremidades inferiores durante diversos procesos de salto. Los talones, las plantas y los dedos empujan el suelo y saltan alto en el aire para alargar las líneas del cuerpo. . Tomemos como ejemplo el Battement tendu (limpiar el suelo). Durante la acción, el talón empuja el empeine y los dedos se frotan hacia afuera hasta que llegan al punto más alejado. Los dedos se enganchan hacia las plantas de los pies manteniendo una sensación de extensión. como si se fueran a desgastar. El piso roto continuó. El ballet es un arte lineal. Sólo estirando todas las partes el público puede tener la sensación visual de extender las líneas del cuerpo. Sólo estirando las extremidades se pueden hacer radiantes en un espacio limitado, haciendo que la danza sea más estirada. El ballet ha estado buscando el "espacio espiritual" durante un tiempo. Los bailarines deben tener el encanto artístico para hacer que la danza sea ligera y elegante, y sólo mediante el estiramiento se pueden tensar los músculos y producir el impulso ascendente.
5. "Recta" significa que las rodillas de la pierna principal y de la pierna de potencia están rectas, y la espalda vertical, es decir, los músculos de todo el cuerpo se alargan, de modo que el ballet. La postura de baile se estira y las líneas largas son perfectas. Este es uno de los estándares fundamentales de la estética del ballet clásico. También hay un dicho que dice que el ballet es un arte lineal y que la ruta del movimiento en el escenario es mayoritariamente lineal, lo que también concuerda con la forma de pensar en los países occidentales. Esto es muy diferente de los estándares estéticos de “círculos y curvas” de China. Mantener el cuerpo perpendicular al suelo también es necesario para las técnicas de ballet clásico, como las técnicas de giro. Además de tensar todo el cuerpo y lanzarse al cielo durante el movimiento, lo más importante es que el cuello, la espalda, la cintura y las caderas estén perpendiculares. al suelo, de modo que el poder se concentre en la línea central del cuerpo. Sólo de esta manera podrás hacer que tu rotación se mueva, de lo contrario toda rotación será imposible.
6. "Ligero" se refiere a los movimientos ligeros y libres del bailarín, tales como: movimientos de salto, fortaleciendo la capacidad de control del cuerpo al despegar y aterrizar. Todo el cuerpo se ve relajado y se mueve libremente, especialmente al aterrizar. Se necesitan los dedos de los pies, las plantas de los pies y los talones aterrizaron en el suelo en secuencia y se agacharon ligeramente, como un gatito con almohadillas carnosas en los pies, sin emitir ningún sonido. Como dijo la ex maestra de ballet soviética Ulanlova: "Es el bailarín quien hace que la danza sea ligera, y la ligereza es el bailarín". Un excelente bailarín de ballet puede controlar bien su cuerpo y su respiración incluso cuando está muy cansado, y siempre muestra posturas de baile elegantes y ligeras al público. Brinda a las personas un hermoso disfrute visual y placer espiritual.
7. "Estable" significa que los movimientos no sólo deben ser precisos sino también firmes y sólidos. Por ejemplo, existen muchas técnicas de levantamiento en el paso de dos en el ballet, que requieren un entendimiento tácito entre hombre y mujer. actores y no dejar que el público sienta que la actriz parecía estar a punto de caer, y los movimientos eran erráticos, haciendo que el público mirara con miedo. En este caso, sería mejor ver una actuación acrobática emocionante. Además, al realizar movimientos giratorios, los actores deben mantener una buena estabilidad durante la rotación. Al final, la postura de danza debe detenerse de manera precisa y constante en un punto, junto con la interpretación de la música, la expresión artística de la obra. El público responde entre cálidos aplausos.
8. "Abierto" significa que los bailarines, independientemente del género, deben abrir los hombros, el pecho, la extensión, las rodillas y los tobillos simétricamente de izquierda a derecha, especialmente los pies que están en un ángulo de 180 grados hacia afuera. extiende las líneas del cuerpo del bailarín al máximo, amplía el rango de movimiento de los movimientos de danza, mejora la expresión y también mejora la capacidad de equilibrio del cuerpo y la flexibilidad de movimiento. La famosa crítica de danza estadounidense Jenny Cohen señaló que "el estilo clásico del ballet se basa en las cinco posiciones de los pies. La esencia de la separación en estas cinco posiciones significa que las piernas giran hacia afuera en las articulaciones de la cadera. Durante la actuación, para mostrar y publicitar el estilo aristocrático en el espacio limitado del escenario." (Como alguien dijo, la primera posición del ballet muestra atención, la segunda posición muestra confianza, la tercera posición es modestia, la cuarta posición es orgullo y la quinta La posición es arte.) El porte aristocrático no es solo una manifestación histórica importante del ballet, sino también una parte importante de los estándares estéticos. A través del entrenamiento sistemático y científico, el cuerpo puede alcanzar un estado que los bailarines no profesionales no pueden, haciendo el cuerpo. ideal y profesional.
Expansión: Desarrollo y características del ballet
Respecto al ballet, los poetas exclamaban: "¡Camina sobre el cáliz y no puede doblar el tallo!". su postura de baile es ligera. El famoso escritor francés Théophile Gautier elogió: "La señorita Taglioni es la única bailarina que puede encarnar en la danza un sueño que creemos imposible incluso para los poetas". El escritor Hugo también escribió una inscripción para la obra pionera de la bailarina Taglioni: "¡Dedicado a tus mágicos pies, dedicado a tus mágicas alas!" ¡Éste es el encanto del ballet!
El origen del "ballet" En Italia, floreció en Francia El origen de la palabra "ballet". es la traducción al inglés de ballet "francés", que significa "saltar" o "bailar". El ballet era originalmente una danza que se realizaba para el entretenimiento masivo o para espectáculos cuadrados en Europa. En el proceso de desarrollo, se formaron normas estrictas y formas deconstruidas. Su característica principal es que la actriz tiene que ponerse zapatos de punta especiales y ponerse de puntillas. bailar. Como arte escénico integral, el ballet se formó en la corte francesa en el siglo XVII. En 1661, el rey francés Luis XIV ordenó el establecimiento de la primera Escuela Real de Danza del mundo en París, estableciendo las cinco posiciones básicas de los pies y las siete posiciones de las manos del ballet, dotando al ballet de un conjunto completo de movimientos y sistemas. Estas cinco posiciones básicas de los pies todavía se utilizan hoy en día.
El ballet utiliza la música, la danza y la mímica para interpretar tramas dramáticas. Las actrices suelen tocar el suelo con los dedos de los pies cuando bailan. Significado:
① Una forma de danza escénica, es decir, danza clásica europea, comúnmente conocida como ballet. Se trata de un arte de danza tradicional europea con estrictas especificaciones y formas estructurales, que se formó después de siglos de continuo procesamiento, enriquecimiento y desarrollo a partir de danzas folclóricas de diversas partes de Europa. Después del siglo XIX, una característica técnica importante fue que las actrices tenían que usar zapatos de baile especiales para bailar con las puntas de los dedos de los pies, por lo que algunas personas también lo llamaban baile con los dedos.
②La danza dramática originalmente se refiere a un arte dramático que utiliza la danza clásica europea como principal medio de expresión e integra música, pantomima, arte escénico y literatura para expresar una historia o una trama. Se llama ballet clásico. (o teatro de danza clásica). Tras el surgimiento de la danza moderna en el siglo XX, la danza moderna combinada con técnicas de danza clásica como principal medio de expresión para expresar el contenido o la trama de la historia se denomina ballet moderno.
Poco a poco, la palabra ballet también se utiliza para referirse a danzas dramáticas que utilizan otras danzas como principal medio de expresión, aunque se diferencian del ballet clásico o del ballet moderno en términos de estilo de danza, características estructurales y técnicas de expresión.
③Un número considerable de obras de danza creadas por coreógrafos modernos no tienen contenido narrativo ni trama. Los coreógrafos utilizan la danza clásica europea o la danza moderna, o una combinación de ambas, para expresar ciertas emociones, concepciones artísticas o. expresar la comprensión del autor sobre una determinada obra musical, etc. También se denominan ballet.
La palabra ballet proviene del latín antiguo ballo. Inicialmente, la palabra sólo significaba bailar o realizar danza en público, y no tenía el significado de una representación teatral. Como arte escénico, el ballet nació en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento en Italia durante el Renacimiento. Se formó en la corte francesa en el siglo XVII. Este tipo de ballet de la corte es en realidad una danza, canto y música poco estructurados. un tema unificado. Una actuación integral de recitaciones, recitados y dramas, diseñada por profesores de danza profesionales, con reyes y nobles como actores, y papeles femeninos también interpretados por hombres. El lugar de la actuación está en el centro del salón del palacio y el público. observa la sala; los actores usan máscaras de cuero con diferentes signos de rol, por eso también se le llama ballet de máscaras.
En 1661, Luis XIV ordenó la creación de la Real Academia de Danza en París. En la década de 1770, comenzaron a realizarse representaciones de ballet en el Teatro del Palacio Bishop Richelieu. Los cambios en los lugares de actuación y los ángulos de visión del público han provocado cambios en las técnicas de danza y las perspectivas estéticas. Las posturas de pie de los actores se han vuelto cada vez más hacia afuera, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies. Estas cinco posiciones hacia afuera se han convertido en los fundamentos del desarrollo. Técnica de ballet. Surgieron actores de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los actores aficionados aristocráticos. Las actrices de ballet profesionales también comenzaron a actuar en el escenario y la tecnología de la danza se desarrolló rápidamente. Las representaciones de ballet se han transformado gradualmente de una actividad social básicamente de entretenimiento personal a un arte escénico teatral. El ballet durante este período estaba subordinado a la ópera. El compositor de la corte J. B. Lully añadió escenas de ballet a la ópera. En realidad se trataba de una serie de espectáculos de danza, y el argumento parecía irrelevante en ese momento se llamaba ballet cantado o ballet de ópera. Esta situación duró hasta mediados del siglo XVIII. El maestro de ballet del siglo XVIII J.G. Nowell fue el innovador de la danza más influyente en la historia del ballet. Planteó por primera vez la idea del "ballet argumental" en sus "Cartas sobre la danza y la danza dramática" publicadas en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino una herramienta para la expresión dramática y el intercambio de ideas. La teoría de Nowell impulsó una ola de innovación en el ballet. Con el esfuerzo continuo de él y de muchos otros actores y coreógrafos, el ballet ha experimentado una serie de reformas en términos de contenido, temas, música, técnicas de danza, vestuario, etc. ballet Finalmente, puede separarse de la ópera y formar un arte teatral independiente.
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales que han estado presentes. Una opinión es que el ballet es "danza pura". B. de Beauroye, profesor de danza italiano del siglo XVI y coreógrafo de "The Queen's Comedy Ballet", cree que el ballet es "una combinación de patrones geométricos en los que varias personas bailan". juntos." Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la búsqueda pura de habilidades soberbias y belleza. Antes de mediados del siglo XVIII, esta visión dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza dramática", y la teoría del "ballet argumental" de Nowell representa más intensamente este punto de vista. Considera que en una obra de ballet, la danza debe expresar contenido dramático, "la trama y la coreografía deben estar unificadas, tener como tema central una historia lógica y comprensible, y los bailes solistas y segmentos de danza que no tienen nada que ver con la trama deben ser eliminado.", en el drama de danza, "no es sólo la técnica de baile deslumbrante, sino también la interpretación dramática lo que conmueve al público emocionalmente". Los dos puntos de vista principales anteriores todavía están vigentes en la actualidad. Muchos coreógrafos se dedican a crear obras de ballet dramáticas o con trama, mientras que algunos prefieren los ballets sin trama y se centran en la belleza formal. Los excelentes repertorios de ambos tipos de obras son bien recibidos por el público. Apreciado y, a menudo, interpretado como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias y artísticas en la creación del ballet se ha hecho cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos.
A la hora de crear una obra de ballet, el coreógrafo es la figura clave: concibe la estructura del drama de la danza o estructura de la danza a partir del guión literario (o de un cuento, un poema, una obra musical), y luego la estructura de la danza. los actores lo encarnan.
Tanto el director como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de usar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. El director debe tener una buena comprensión de lo que son buenos para expresar y. lo que no pueden expresar; mientras que los actores deben estar entrenados para hacerlo. La creación del ballet sólo puede realizarse y completarse si se cumplen estas condiciones básicas. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, danza a dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. El coreógrafo utiliza danza clásica, danza de personajes (danza étnica y danza folclórica escenificada), danza moderna, etc. Se pueden coreografiar múltiples actos según a las formas anteriores Ballet (dividido o no, como "El lago de los cisnes"), ballet en un acto (como "La Sílfide"), bocetos de ballet (como "La muerte del cisne"), etc. Esta forma estructural de ballet se desarrolló hasta un alto grado de estandarización y estilización a finales del siglo XIX, lo que afectó y restringió el desarrollo del ballet. En la gran cantidad de obras de ballet creadas por coreógrafos en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida y continúan ocurriendo nuevas exploraciones y creaciones.