El arte de la pintura es una combinación de connotación espiritual y lenguaje pictórico, es el portador del que depende la cultura espiritual, impregnando el pulso de los tiempos. Los siguientes son ejemplos relevantes de tesis de graduación sobre pintura artística que he recopilado para usted. ¡Puede leerlos y consultarlos!
Ejemplos de tesis de graduación sobre pintura artística 1
Sobre la fantasía y la pintura
Resumen: Todas las personas esperan tener una vida hermosa e ideal. Muchos filósofos y pensadores como Platón y Aristóteles siempre creen en la existencia de un país ideal y perfecto cuando hablan de ideales. La realidad no siempre es perfecta, ni siquiera sucia, desordenada y fea. El trabajo del artista es reparar esta vida y realidad imperfectas a través de los sueños, una forma de expresión de la inconsciencia humana, restaurarla a la perfección y preservar este estado de vida ideal a través de imágenes.
Palabras clave: ensoñación; vida; arte; belleza; pintura
1. Fantasía y vida, el significado de los inventos tecnológicos y la creación artística
Comencemos por El Comienza la Edad Media, considerada durante mucho tiempo el período más oscuro y deprimente. Tanto la vida espiritual como la vida secular en la Edad Media son inseparables del núcleo de la cultura hebrea. Aunque pensamos que toda la era medieval fue sucia, caótica y fea, el Cristo hebreo también dio origen a ideales de vida. Este ideal social es la caballerosidad.
En la cultura griega antigua, los humanos ocupaban una posición suprema en las leyes de la naturaleza, porque los griegos creían que tenían la relación más estrecha con los dioses. (Casi todos los griegos pensaban eso). Colocaron a las personas en una posición muy alta, pero se dieron cuenta dolorosamente de que la grandeza humana y el valor potencial humano tienen limitaciones. Combina la exageración de la grandeza de la realidad con las limitaciones del ser humano (la mayor limitación es que la vida es limitada). Las palabras "Conócete a ti mismo" y "nada en exceso" están inscritas en el Partenón. La implicación de estas dos frases es que tú no eres Dios. La combinación de ambos constituye la comprensión griega de las trágicas perspectivas de la humanidad. Frente a las limitaciones humanas, el significado de los sueños se hace evidente. Es un medio para que los seres humanos superen las limitaciones de sus ideales y promuevan la realización de sus aspiraciones.
Los sueños no son sólo una continuación de nuestras actividades en la vida, sino que su propósito es hacernos trascender la vida diaria y alcanzar nuestros deseos. En la vida, cuando estamos preocupados y afligidos, o cuando hacemos todo lo posible para resolver problemas, o cuando estamos inmersos en la felicidad y la dulzura, los sueños no sólo muestran sentimientos y símbolos realistas, sino que también tienen un profundo impacto en la vida. El contenido que se complementa con la realidad fortalece nuestro anhelo y sentimientos sobre la vida.
2. El significado de la fantasía para el arte de la pintura
Para la vida, soñar despierto satisface el deseo de vivir y hace que la vida esté llena de anhelo y pasión. Deje que la creatividad de todos los ideales de la vida estalle y deje fluir todas las fantasías apasionadas de la vida. Muchos filósofos y pensadores como Platón y Aristóteles siempre creyeron en la existencia de un país ideal y perfecto cuando se habla de ideales, pero la realidad es siempre imperfecta e incluso sucia, caótica y fea. El trabajo del artista es reparar esta vida y realidad imperfectas, hacerlas perfectas nuevamente y preservar este estado de vida ideal a través de imágenes.
Durante el Renacimiento, especialmente a partir de Alberti, poco a poco se puso de moda que los artistas hablaran de arte, y el arte rompió con las simples "habilidades" antes de la Edad Media. El estatus del artista como artesano decayó gradualmente, mientras que su estatus como intelectual aumentó gradualmente. Especialmente después de la publicación de la "Biografía del artista" de Vasari, se estableció aún más el estatus histórico del artista. Durante este período, existían principalmente guías técnicas. Con la profundización del Renacimiento, la teoría del arte, por un lado, heredó las teorías literarias y artísticas de la antigua Grecia y Roma, como Platón y Aristóteles, y por otro lado, combinó la tecnología y. práctica del arte. Se han obtenido nuevos resultados de desarrollo que han profundizado aún más la comprensión de la gente sobre el arte y la pintura.
La "Guía de Arte" de Cenini fue la primera en colocar "fantasía" y "artesanía" en la misma posición importante, porque el arte se ha producido tradicionalmente como artesanía desde la antigua Grecia hasta la Edad Media. El énfasis en la "fantasía" o la imaginación son el surgimiento de las características románticas del arte renacentista. "Sobre la bola" de Nicolás de Cusa expresa la misma idea: una bola visible es la imagen de una bola invisible que existió por primera vez en la mente del artista. Sólo la mente tiene el poder de crear cosas imaginarias. La mente tiene la capacidad de crear ideas y luego desarrollar esta capacidad para expresarlas.
La teoría del arte de Leonardo da Vinci se encuentra principalmente en su "Sobre la pintura". Leonardo da Vinci creía que el concepto de "concepción" (disegno) es el alma del arte y por tanto tiene divinidad. Es una reproducción de las obras visibles de Dios al más alto nivel. "Concepción" es un concepto central utilizado repetidamente por los artistas y estetas del Renacimiento, empezando por Alberti, convirtiéndose casi en un mantra cuando se habla de arte y belleza. Alberti ya definió la "concepción" como algo que surge del espíritu, utilizando líneas y ángulos para expresar un plan claro. En "La vida del artista", Vasari creyó por primera vez que la creación del artista se refleja primero en la cuidadosa concepción. se exterioriza, de modo que la obra no sólo refleja la naturaleza, sino que también refleja la forma o concepción perfecta en la mente del artista. La conceptualización es una forma de comprensión y realización con las manos. De hecho, tiene en cuenta los dos conceptos de concepción y boceto o dibujo.
En la teoría de Freud, especialmente en "Leonardo Da Vinci y un recuerdo de su infancia", promovió aún más el valor espiritual del arte. Creía que el instinto sexual inconsciente es la verdadera fuente del artista. concepción y creación. El inconsciente es una de las tres partes estructurales psicológicas humanas propuestas por Freud: conciencia, preconciencia e inconsciencia. El inconsciente es el producto de una gran cantidad de cosas directamente necesarias por el instinto que son suprimidas por la conciencia. Creía que los grandes logros de Leonardo da Vinci en el arte se debían a la transferencia de su complejo de Edipo y de su propio instinto sexual cuando era niño, de modo que el instinto sexual inconsciente se convirtió en el motor fundamental y la razón más profunda de la creación artística.
Freud creía que los sueños son una manifestación de la inconsciencia humana. Sólo en los sueños las personas pueden relajarse por completo y los instintos inconscientes humanos pueden liberarse sin ser reprimidos por la conciencia. Los artistas son personas impulsadas por instintos sexuales excesivos y necesidades inconscientes. La creación de artistas es lo mismo que soñar. Una fantasía es una manifestación de un deseo y una satisfacción de deseos inconscientes puede hacer realidad la vida y los deseos que no pueden satisfacerse. Liberado en la creación.
Los artistas son como niños, que tienen un gran entusiasmo por crear un mundo de fantasía. Es precisamente porque los artistas tienen muchos instintos inconscientes que no se pueden realizar y deben utilizar la creación de fantasía para reemplazar la satisfacción.
Referencias:
[1] "Historia general de la estética occidental" Volumen 1: Estética griega y romana antigua. Fan Mingsheng. Editorial del Pueblo de Shanghai.
[2] "Historia general de la estética occidental" Volumen 2 Renacimiento medieval. Editorial del Pueblo de Shanghai.
[3] "La decadencia de la Edad Media Huizinga".
[4] “Interpretación de los Sueños”. Freud. Prensa Comercial.
[5] “Guía de Arte”.
[6]" Sobre la pintura". Leonardo da Vinci.
[7] "Poetas y ensueños". Freud. BasicBook Company.
[8] "La Historia de la Historia del Arte" 》.Winnie Hyde Minet. Editorial del Pueblo de Shanghai
Ejemplos de tesis de graduación sobre pintura artística 2
Una breve discusión sobre la pintura digital
Resumen: La pintura tradicional es un arte antiguo. categoría El proceso de creación artística ha evolucionado desde la simple imitación de medios tradicionales hasta el uso de programas informáticos para crear o generar automáticamente pinturas en la computadora para lograr ciertos efectos artísticos. Las nuevas tecnologías han creado nuevos medios. El rápido desarrollo del arte digital, un medio emergente, ha cambiado la forma de creación y apreciación del arte.
Palabras clave: creación artística, pintura, pintura digital digital
En 1946 se lanzó en el Universidad de Pensilvania en Estados Unidos. En los últimos 60 años, con el avance de la ciencia y la tecnología, las computadoras personales han ingresado a los hogares, el campo del diseño asistido por computadora con inteligencia artificial se ha desarrollado continuamente, el hardware de las computadoras se ha actualizado y la digitalización de las computadoras también se ha desarrollado rápidamente. han aplicado la tecnología digital a la creación artística. Esto ha cambiado el método tradicional de creación de pintura artística y también ha cambiado el gusto estético del arte.
1. Creación de arte pictórico tradicional
1. La creación de arte es un proceso de actividad cultural que crea eventos virtuales de la vida humana con el objetivo principal de satisfacer las necesidades de las personas en materia de juegos de entretenimiento. Los productos culturales creados se denominan obras de arte. Para crear obras de arte que adoren al público, los creadores deben mejorar continuamente las habilidades lingüísticas de la creación artística y crear nuevos estilos de lenguaje. Las habilidades lingüísticas de alto nivel y los estilos de lenguaje únicos pueden hacer que los eventos virtuales creados sean precisos, vívidos y únicos en su representación, haciendo así que el arte sea más expresivo y atractivo, y pueden crear efectivamente ciertos contenidos y características.
2. La pintura es una categoría de arte antigua y la forma de arte más importante en las bellas artes. Crea imágenes artísticas con la ayuda de los materiales disponibles y los métodos de producción correspondientes. Utiliza diversas herramientas de pintura, como bolígrafos, pinceles, cuchillos y dedos para utilizar diversos métodos de pintura, como balanceo, untado, frotamiento y grabado para transferir pigmentos. La tinta, la tinta y otras sustancias coloreadas se dibujan y transfieren a superficies planas como papel, textiles, tablas de madera, cuero, paredes o rocas, utilizando factores de modelado como líneas, bloques, colores y luces y sombras para formar imágenes visuales. o imágenes a través de la composición, para crear una imagen artística que se pueda ver directamente y que tenga una determinada forma, volumen, textura y sensación espacial. El arte de la pintura se divide en materiales y herramientas. Sus principales tipos incluyen: pintura con tinta, pintura al óleo, grabado, mural, pintura con acuarela, pintura con gouache, boceto, boceto, etc.
2. Historia
La llamada digitalización se refiere al uso de tecnología de procesamiento de información informática para convertir el sonido, la luz, la electricidad, el magnetismo y otras señales en señales digitales, o para convertir voz, texto, imágenes, etc. La información se convierte en códigos digitales para su transmisión y procesamiento, o se almacena en forma digital en una computadora para facilitar su manipulación y procesamiento en el futuro. La computadora se utiliza como herramienta de creación de arte pictórico. Al utilizar ciertos programas informáticos para procesar información de la computadora, cada píxel se codifica con una cantidad de números binarios para formar una imagen visual virtual y se realizan la entrada y la salida.
La primera computadora electrónica para aplicaciones comerciales se patentó en 1951. Además de una gran cantidad de investigaciones técnicas en profundidad, ocasionalmente también involucró música y artes visuales. Dado que la mayor parte del personal de I+D eran científicos y no habían recibido formación artística especializada, no se reconoció el valor estético del arte electrónico temprano. Noel, un joven investigador estadounidense, se encuentra entre los primeros "artistas digitales". Influenciado por el cubismo, utilizó un ordenador para dibujar el patrón abstracto "Ecuación cuadrática de Gauss" en 1963, intentando expresar un espacio tridimensional en dos. -imagen dimensional. En este momento, la computadora es una máquina técnicamente difícil de dominar para un gran número de artistas. Como nuevo medio, la pintura digital por computadora solo imita los medios tradicionales y no se utiliza para crear arte convencional o crear nuevas experiencias estéticas y un nuevo sistema de valores. .
A medida que las funciones de la computadora se desarrollan aún más, los artistas gradualmente utilizan las computadoras como herramientas de control de programas, usando el cielo como lienzo y los rayos láser como pinceles para crear arte, como el "Arco iris olímpico" del artista alemán Pini y el Visualizing Time del artista estadounidense Barad. Estrictamente hablando, todavía se centran en los medios tradicionales, en esencia no están explorando el arte y la tecnología, sino pensando en cómo satisfacer el gusto del público de ese momento mediante el uso de computadoras, una máquina de moda.
Desde 1990, los ordenadores personales se han vuelto cada vez más populares y más fáciles de usar. La nueva generación de artistas ya no está ajena al funcionamiento del ordenador y poco a poco lo ha convertido en una herramienta o medio creativo. El proceso de creación artística ha pasado de simplemente imitar los medios tradicionales a utilizar programas informáticos para crear o generar automáticamente en la computadora para lograr ciertos efectos artísticos. Las nuevas tecnologías han dado lugar a nuevos medios. La historia de la pintura y la escultura nos dice que cada revolución proviene de la exploración y actualización continua de conceptos y materiales. El rápido desarrollo del arte digital, un medio emergente, ha cambiado la forma en que se crea el arte. y también cambió la forma de apreciar el arte.
Desde Dusan, la frontera entre el arte y la vida se ha desdibujado; desde el arte digital, la frontera entre la realidad real y la realidad virtual se ha desdibujado. El arte digital es un nuevo medio en la era electrónica respaldado por la tecnología informática. Es un gran paso adelante en el proceso de liberación del arte de las limitaciones de estar centrado en la visión. El desarrollo de la tecnología promueve el desarrollo de los medios. El concepto, contenido y forma tradicionales de los diagramas ya no son prominentes. El valor de las obras de arte radica en el intercambio de información transmitida a través de los medios, y los artistas utilizarán Internet como la galería de arte más grande para exhibir sus obras y como herramienta para comunicarlas directamente al público.
3. Selección de herramientas de pintura
La digitalización del arte pictórico incluye básicamente dos aspectos uno es la actualización de los métodos de diseño, que está directamente relacionado con el desarrollo de la tecnología digital; el otro es la creación de conceptos. La actualización se refiere principalmente a los cambios en el gusto estético del creador. La tecnología es hardware de computadora y software de pintura. El software de pintura se divide en dos categorías: gráficos vectoriales y mapas de bits, el software Illustrator de Adobe, CorelDRAW y Painter de Corel son los mejores entre muchos programas de diseño y dibujo de gráficos vectoriales. imágenes de mapa de bits. La mayor ventaja de los gráficos vectoriales es que no se distorsionarán sin importar si se amplían, reducen o giran; la mayor desventaja es que es difícil expresar efectos de imagen realistas con niveles de color ricos. Las imágenes de mapa de bits pueden expresar imágenes con calidad fotográfica con capas ricas y colores realistas. La desventaja es que se producirá un fenómeno de "mosaico" después de ampliarse varias veces. La calidad de la imagen depende de la resolución establecida (la cantidad de píxeles contenidos en una unidad de área). Cuanto mayor sea la resolución, más clara será la imagen, mayor será la cantidad de información y más grande será el archivo. Aunque aumentar la resolución puede hacer que la imagen sea más clara, el tamaño se reducirá a medida que aumenta la resolución; a la inversa, reducir la resolución hará que la imagen sea más grande y la calidad de la imagen será más irregular; El número de píxeles, la resolución y el tamaño de la imagen se pueden entender mediante la siguiente fórmula. ¿Número de píxeles? Resolución=tamaño de imagen. De acuerdo con los requisitos de salida de imagen, el modo bajo se puede configurar en el modo de visualización de video de 72 ppp, el modo alto se puede configurar en el modo de impresora de 300 ppp y el modo del equipo de fotocomposición se puede configurar en hasta 2570 ppp. Por lo tanto, la mayoría de los artistas utilizan el software Photoshop para crear.
Conclusión
Actualmente, los humanos y las computadoras mantienen una relación contradictoria pero cooperativa. Las computadoras todavía cooperan con los humanos bajo el mando de los humanos. En comparación con los medios tradicionales, aunque la pintura digital tiene su propio lenguaje artístico único, los principios básicos (principios de perspectiva, relaciones de luz y oscuridad, relaciones de color, etc.) son los mismos que los de otras formas de arte. En la historia del desarrollo de la pintura han surgido diversos medios de expresión, técnicas formales y características estilísticas, sea cual sea la forma, lo más importante es apoyarse en la visión para sentir y apreciar las artes plásticas, lo que requiere del conocimiento ideológico y artístico del artista. La creación de arte debe combinarse perfectamente. No solo es un reflejo de la vida real, sino que también contiene los sentimientos del autor sobre la vida real. Refleja los pensamientos, sentimientos y cosmovisión del pintor, y también tiene un sentido de belleza. En la creación de arte de pintura digital, el hardware y el software de pintura seguirán actualizándose y depreciándose. Deberíamos prestar más atención al impacto de la digitalización en los conceptos creativos. Sólo mediante el estudio de la tecnología y una investigación en profundidad sobre los cambios en los conceptos creativos se puede lograr. ser valioso, para que las personas puedan recibir educación y disfrutar del hermoso arte.
Referencias:
[1] Escrito por Fei Qing: "Hypermedia" China Construction Industry Press
[2] Escrito por Contagious Image: "Dibujo de escena con Photoshop 》Beijing Hope Electronic Publishing House
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