De hecho, hubo bastantes dramas a principios y mediados de la época victoriana. Las representaciones teatrales en Londres fueron muy espectaculares y el arte dramático también experimentó cambios profundos. A mediados del período victoriano, algunos dramaturgos comenzaron a explorar el drama realista que reflejaba temas serios, lo que dio lugar al surgimiento del nuevo drama que defendía Archer. Pero los nuevos dramas que se hicieron populares después de 1890 no abordaron los profundos problemas sociales de la época victoriana. Por el contrario, Oscar Wilde (1854-1900), un genio alternativo alejado de la sociedad mayoritaria, utilizó su humor e ironía para combinar a la perfección la comedia costumbrista con temas realistas, aportando un soplo de aire fresco a los escenarios teatrales londinenses. Todo ello proporcionó un terreno fértil para las obras de Bernard Shaw (1856-1950). Desde la primera obra "The Widower's Manor" (1892) hasta la muerte de la reina Victoria en 1901, Bernard Shaw * * * hizo representar o publicar 11 obras, liderando con éxito el drama británico en el camino hacia el drama moderno durante 20 años.
A
Ver y comentar obras de teatro siempre ha sido una parte importante de la vida cultural británica, y la época victoriana no fue una excepción. Además de los guiones de dramas extranjeros que se utilizan a menudo en los cines, los guionistas británicos escribieron más de 30.000 obras durante la era victoriana temprana y media. La mayoría de estos guiones están adaptados arbitrariamente o compilados en base a otros guiones o novelas y tienen escaso valor literario. Los escenarios londinenses estaban dominados por melodramas exóticos y farsas superficiales muy alejadas de la vida real. Las obras tradicionales de Shakespeare y Richard Brinsley Sheridan a menudo se mezclan. "El público que se reunía en los teatros en el siglo XIX carecía de la inteligencia y la imaginación de quienes acudían al Globe Theatre o al Black Monk Theatre para ver a Shakespeare y sus contemporáneos. Los guionistas de esa época escribían principalmente guiones para algunos teatros o actores para conocer". las necesidades del negocio. El escritor, actor y productor de mayor éxito en este campo fue Dion Bushgoller (1820-1890). Escribió más de 400 obras de teatro durante su vida, pero el dramaturgo de origen irlandés consideraba poético su melodrama. Aunque no tenía una gran opinión de sus obras, sus obras tuvieron mucho éxito como representaciones comerciales en ese momento. Además de adherirse a las tradiciones y costumbres en términos de temas y habilidades de escritura de guiones, también aprovechó al máximo los logros científicos y tecnológicos en rápido desarrollo de la época para crear efectos escénicos audaces y emocionantes y trató la escenografía con tratamientos ricos y lujosos. . El realismo de las escenas escénicas y los efectos de la música y la iluminación cautivaron al público. En la representación de "Las calles de Nueva York" de 1857, Dean Bushko también utilizó con éxito el primer foco de la historia de la escenografía.
El crítico dramático Michael R. Booth cree en el artículo "En defensa del drama británico en el siglo XIX": "No es tanto que el drama haya decaído, sino que el drama ha jugado un papel importante en la nueva sociedad." Hubo un cambio drástico en la cultura. "Para crear escenas más realistas de la vida real en el escenario, se utilizaron muchos medios tecnológicos avanzados de la época. Por ejemplo, en la década de 1980, se usaban luces eléctricas en lugar de luces de gas para crear diferentes ambientes climáticos en el escenario; algunos dispositivos mecánicos hidráulicos pueden crear cascadas artificiales en el escenario, y los actores también pueden correr por la cascada según la trama. A medida que los estudiosos realizaron investigaciones en profundidad sobre el arte dramático del siglo XIX, descubrieron que la etapa de "autenticidad arqueológica" que surgió en Alemania también jugó un papel importante en la era victoriana. La llamada etapa de "autenticidad arqueológica" se refiere a la presentación escénica que prevaleció en Alemania, Francia y Gran Bretaña en el siglo XIX. Los diseñadores de arte escénico utilizan métodos meticulosos de investigación arqueológica para restaurar el alcance del arte escénico, como escenografía, utilería, vestuario, etc., a la realidad histórica tanto como sea posible para lograr efectos realistas o confusos y crear un escenario real fascinante para el público. el escenario la ilusión.
La puesta en escena de la "autenticidad arqueológica" es popular en las producciones del West End de Londres. Charles Keane (1811-1868) fue director del Princess Theatre durante nueve años, de 1850 a 1859, ensayando las obras de Shakespeare en un escenario "arqueológicamente auténtico". En "Enrique VIII", la recreación de escenas callejeras de Londres durante el reinado de Enrique VIII obtuvo elogios unánimes del público. El escenario de "autenticidad arqueológica" no sólo tiene requisitos estrictos para el diseño del escenario y el vestuario, sino que también requiere que los actores parezcan figuras históricas. Cuando Henry Irving interpretó a Ricardo I en Rey de Inglaterra, estudió cuidadosamente el retrato pintado por Van Dyck y se maquilló para reflejar el retrato. Después de ver la actuación de Owen, algunos críticos dijeron: "Parecía haber salido del marco de un retrato de Van Dyke y haber recibido vida". Otro actor de finales de la época victoriana, John Ryder Zeng, se quejó: "¿Crees que me contrató porque yo?". ¿Tiene potencial para ser actor? ¡Para nada! Me contrató porque tengo una figura que se adapta a la muestra arqueológica". Se puede ver que en la etapa de escenografía y retrato En la búsqueda de la "autenticidad arqueológica" de los personajes, los actores. y los guiones pasan a un segundo plano, y la vitalidad y la poesía del arte dramático son reemplazadas por decorados y vestuario realistas. En ese momento, muchas personas en la comunidad teatral desafiaron abiertamente esta forma de representación escénica que ignoraba guiones y actores.
II
De 1860 a 1890, muchos dramaturgos intentaron encontrar formas de salvar el drama británico y comenzaron a escribir algunos temas relacionados con la vida real de aquella época. Las obras de Robertson no son satisfactorias ahora, pero su "Grade", escrito en 1867, reveló el tema de los matrimonios mixtos entre diferentes clases a través de las diferencias de clase de una manera audaz y realista sin precedentes, mostró la verdadera vida británica y abrió la realidad británica. La atmósfera de socialismo drama.
A finales del siglo XIX, hubo una tendencia de nuevo drama en Gran Bretaña, liderada por el crítico dramático Archer y que también incluía a Bernard Shaw, William Pio y Harry Granville Barker Esperando al dramaturgo. Los defensores del nuevo drama utilizan a Ibsen como guía y defienden que el drama debe reflejar la verdad de la vida, revelar cuestiones sociales y morales contemporáneas y permitir al público comprender la realidad y tomar decisiones correctas. Archer criticó el drama del siglo XIX por permitirse intereses superficiales y, al mismo tiempo, propuso un nuevo modelo dramático basado en métodos creativos realistas, técnicas dramáticas de "drama bien hecho" y el tema del "drama problemático".
En 1882, Archer mencionó a dos dramaturgos prometedores: Pinheiro y Jones en "British Playwrights Today". Pinheiro nació en Londres y comenzó a escribir obras de teatro en 1874. Trató de deshacerse de la influencia del melodrama que era popular en ese momento, exploró constantemente personajes y se esforzó por lograr más profundidad y diversidad en temas y tramas. Su tema favorito es "mujeres con historias vergonzosas". Su "La Segunda Dama de Tanglier" es una obra maestra del drama social británico. La señora Patrick Campbell, una actriz popular en ese momento, interpretó a Paula, la segunda esposa de Tan Gurry. Pinheiro buscó los mejores efectos escénicos y temas acordes con las costumbres morales tradicionales, lo que hizo que la actuación fuera un gran éxito. Una historia interesante sin mucho pensamiento filosófico sobre el significado de la vida, sin un deseo de educar a la audiencia, o incluso un dilema personal profundo y oscuro, convierte a Pinheiro en el escritor representativo del nuevo drama defendido por Archer. 1895 trata sobre la infame señora Abby Smith, con la señora Campbell nuevamente protagonizando el papel principal. Pinheiro pronto se ganó el título de "dramaturgo social".
El trabajo de Jones, un contemporáneo de Pinheiro, es el más cercano al estándar de drama de realidad social tipo juego bien hecho defendido por Archer. Jones comenzó a escribir obras de teatro en 1869 y se hizo popular en 1882 con The Silver King. Las obras de Jones eran muy adecuadas para representaciones comerciales en ese momento, pero sus temas eran más serios que las representaciones comerciales, por lo que fueron más populares entre el público. "Lady Dane's Defense" y "Susan's Box" establecieron la posición de Jones en el nuevo movimiento dramático. La obra hace un uso extensivo de la narrativa, el monólogo, las escuchas ilegales y otras técnicas de escritura de guiones comúnmente utilizadas en la tradición dramática británica. La obra reproduce vívidamente algunos temas como el comportamiento sexual injusto, los matrimonios mixtos entre diferentes clases sociales y la oposición secreta de los jóvenes a sus mayores. Algunos críticos lo consideran un verdadero victoriano. ?
Aunque Pinheiro y Jones observaron y registraron la época en la que vivieron, y a juzgar por sus exitosas actuaciones comerciales, no es exagerado decir que atendieron los hábitos de apreciación y las necesidades estéticas del público. También permitió a los dos dramaturgos lograr el objetivo de toda su vida de ser aceptados socialmente. Los dos dramaturgos que elogió Archer tenían miedo de ser excluidos y alienados por el público.
Mientras buscaban el éxito comercial, abandonaron sus actividades artísticas. En cierta medida, estos dos dramaturgos registraron la época que vivieron, y al mismo tiempo también participaron en la construcción de tendencias morales de su época, incluidas algunas costumbres y morales corruptas que iban en contra de la naturaleza humana. Sus obras son productos de consumo de arte estándar que cumplen con los requisitos sociales. Una poderosa moral social y costumbres tradicionales controlan y cambian silenciosamente a la audiencia y a los propios artistas.
Tres
Por un lado, la clase media que surgió en el siglo XIX participaba activamente en actividades comerciales con fines de lucro y, por otro lado, planteaba el lema de "decencia", que era muy coherente con una ética y una moral sociales rígidas. Muchos artistas encuentran que este aburrido estándar moral social suprime la creatividad, obstaculiza la verdadera búsqueda de la individualidad y obstaculiza el desarrollo social. Para mantener la innovación artística, muchos artistas de mentalidad modernista del siglo XIX optaron primero por alejarse de la sociedad de esa época. La forma en que estos artistas lucharon contra la clase media les hizo sufrir mucho.
Wilde, contemporáneo de Pinheiro y Jones, tomó un camino completamente diferente al de ellos. Para expresar sus sentimientos únicos y capturar la sutil experiencia de la vida, Wilde buscó activamente una vida alejada de la sociedad. Estaba constantemente innovando para mostrar su profunda comprensión y sus comentarios ingeniosos. Oscar Wilde fue un talentoso artista británico con espíritu rebelde de finales del siglo XIX. Su producción incluyó obras de teatro, novelas, poesía, reseñas, ensayos y cuentos de hadas, pero fueron sus obras las que le valieron a Wilde su reputación. Se puede decir que cada una de sus obras ha sido calurosamente recibida. Durante un tiempo, tres de sus obras se representaron simultáneamente en Londres. Su drama ha sido considerado la mejor comedia desde "Rumour School" de Richard Brinsley Sheridan.
Como maestro del esteticismo que conmocionó al mundo con su concepto de "arte por el arte" y declaró que "todo arte es inmoral", la teoría de Wilde estaba tan llena de espíritu rebelde como su personaje. Sus creaciones están llenas de sabiduría e interés, llenas de paradojas de verdad. La valoración de Pearson lo resume mejor: "Nadie ha dicho tantas palabras sabias bajo la apariencia de una paradoja. Él amplía los límites de la verdad cambiando la perspectiva, obligando al público a ver la vida desde una perspectiva no habitual". sus cuatro comedias y una tragedia. Las obras que le dieron fama mundial se completaron en cuatro años, la mayoría de las cuales compuso durante sus vacaciones. "El abanico de Lady Windermere" fue escrita en 1892 cuando estaba de vacaciones en Windermere, al norte de Inglaterra, y el topónimo Windermere se convirtió en el nombre de su protagonista.
El abanico de Lady Windermere se estrenó en el Teatro Saint-Jean Metz un año después de su escritura, causando sensación en Londres. Pero al cabo de un año, "Salomé", escrita por Wilde en francés, no pudo representarse por motivos religiosos. No se representó en Londres hasta más de 30 años después de su muerte. Sin embargo, esto no afectó al estreno en Londres de su "Mujeres indiferentes", un marido ideal y la seriedad son importantes.
El abanico de Lady Windermere fue la primera comedia de Oscar Wilde y se convirtió en un éxito de la noche a la mañana en Londres. Se trata de una obra de cuatro actos que refleja la vida de la clase alta de Londres durante el período victoriano. La trama consta de una serie de malentendidos y engaños. Secretos y mentiras crean suspenso uno tras otro y favorecen el desarrollo de la trama. La obra revela de manera profunda e interesante la vida pública y privada de la clase alta de Victoria y critica el impacto de la moralidad hipócrita en la vida de las personas. En la obra, la señora Erlin le cuenta a la señora Windermere a través de su propia experiencia personal: Para una mujer, si comete un error en la moral familiar o en cuestiones de género, la sociedad la despreciará, la ridiculizará y la condenará al ostracismo. La moral victoriana era despiadada. Wilde expuso hábilmente la antihumanidad y la hipocresía de la moral victoriana.
Pero Wilde no sólo criticó implícitamente las costumbres sociales y los valores morales hipócritas de la clase alta, sino que también describió un mundo limitado de playboys. Además del significado de dandy, aquí el playboy se refiere principalmente a algunas personas bien educadas que están disgustadas con las estrictas e hipócritas costumbres morales de la época victoriana y eligen de forma activa y destacada vivir una vida alejada de la sociedad en general. El señor Darlington en la obra es una persona fuera de lugar. Abandonaron los juicios de valor éticos tradicionales, pero carecieron de la capacidad y el interés para construir un nuevo sistema ético. Finalmente, eligen un estilo de vida que parece inmoral pero que en realidad es una forma de psicología inversa que enfatiza la forma y el estilo. En sus obras posteriores, Wilde también creó algunas imágenes de playboy famosas en la historia del drama británico, y las generaciones futuras suelen citar sus ingeniosos y exagerados aforismos.
George Bernard Shaw elogió a Wilde: "En cierto sentido, creo que el señor Wilde es el único dramaturgo hábil de nuestro tiempo. Hace un uso magistral del ingenio, la filosofía, el drama, los actores y el público. Lo usa con facilidad. Cuando la obra de Wilde fue Realizada con éxito en Londres, Shaw ya era un conocido periodista y crítico, y una figura importante en el nuevo movimiento dramático de Archer. Sin embargo, el drama social realista que perseguía era muy diferente al de Archer. Poco después de que George Bernard Shaw apareciera en el escenario del teatro, observó con atención las limitaciones de las nuevas obras y descubrió que los "problemas sociales" reflejados en las nuevas obras eran demasiado limitados y únicos. Bernard Shaw creía que el drama social no sólo involucra la cuestión de si las mujeres caídas pueden regresar a la sociedad, sino también las cuestiones de la liberación femenina y la brecha entre ricos y pobres. Implica la mentalidad nacional británica y la moral nacional durante el período de transformación social, así como el conflicto entre la voluntad personal y el entorno social y las costumbres tradicionales. El nuevo drama elogia las bien elaboradas habilidades de escritura de guiones para atraer la atención del público hacia extraños eventos externos, que sólo pueden satisfacer la curiosidad del público pero no pueden tocar sus corazones. Además, el nuevo drama aboga por el uso de un lenguaje lírico exagerado y fuerte para expresar emociones, lo que se sospecha de lascivia y falta de moderación. Shaw creía que las técnicas de escritura de guiones de un drama bien producido no transmitían bien las ideas del dramaturgo y debían ser reemplazadas por técnicas "discutivas". Las discusiones pueden expresar pensamientos y personalidades subversivos, transmitir pensamiento filosófico y apelar a la racionalidad de la audiencia, logrando así el propósito de educar a la audiencia.
En 1890, en una conferencia de verano organizada por la Sociedad Fabiana con el tema "El socialismo en la literatura contemporánea", Bernard Shaw pronunció un discurso sobre Ibsen, que más tarde se convertiría en su El contenido principal de la publicación "Esenciales de Ibsen", que es también el primer libro sobre Ibsen publicado en el Reino Unido. Fue gracias al cuidadoso estudio y comprensión de Ibsen que George Bernard Shaw se separó gradualmente de Archer, abriendo un nuevo camino para que el drama británico avanzara hacia la modernidad.
En 1892, el teatro independiente de J.T. Green necesitaba un guión, y Shaw completó apresuradamente "The Widower's Property", con la que no había colaborado con Archer siete años antes. La obra se representó en el Theatre Royal de Londres el 9 de febrero de 1943 y sólo se representó dos veces. Al exponer y atacar la respetabilidad de la vida de la clase media, Shaw desafió los hábitos de apreciación del público londinense, y sus actuaciones despertaron un feroz debate en Londres, con críticas mixtas. Para resistir las representaciones comerciales populares en Londres y promover mejor los guiones de nuevas obras, "Arms and Men", "The Man of the Year", "The Devil's Disciple" y otras obras de Bernard Shaw se representaron sucesivamente en Londres después de la Representación de "La propiedad del viudo". Las representaciones exitosas de "Candytan" en abril de 1904 y "Another Island of Britain" en octubre de 1908 atrajeron a un público aún mayor. Celebridades y políticos vinieron a ver la obra, y el propio Eduardo VII fue al teatro para verla. En ese momento, en los círculos intelectuales de Londres se creía generalmente que ver las obras de Shaw marcaba un progreso. El éxito de la obra de Shaw en el Palace Theatre condujo a la famosa temporada Weiderian-Barker de 1904-1907, en la que Shaw realizó 701 de 988 representaciones. Aunque hay diferentes valoraciones para cada actuación, todo el mundo tiene que admitir que Bernard Shaw sabe expresarse bien en forma de drama. El famoso crítico de teatro Max Bibham dijo de Shaw: "Shaw tenía un instinto dramático y era capaz de expresar sus puntos de vista fácil y eficazmente en forma de drama", escribió Glenn en el "Sunday Times": "Ahora se le considera como en casa y". en el extranjero como el dramaturgo británico más original, y Shaw puede correr riesgos que otros dramaturgos evitan".
La seriedad y profundidad de los temas de Bernard Shaw no tienen comparación con otros escritores victorianos. De 1892 a 1901, * * creó dos colecciones de teatro, "Dramas agradables y desagradables" y "Tres obras para los puritanos", 11 obras. Al revelar el conflicto entre realistas e idealistas, el drama de Xiao atacó sistemática y profundamente la hipocresía de la moral victoriana, señaló el hecho de que el llamado matrimonio y familia estables en la sociedad británica eran en realidad frágiles y, por lo tanto, exploró el derecho a la supervivencia y el valor. Orientación de los individuos en una sociedad industrial democrática. En la era del cambio en la intersección del siglo viejo y el nuevo, Bernard Shaw se dio cuenta de que el drama es "una fábrica de ideas, un recordatorio de la conciencia, una explicación del comportamiento social, un arma para ahuyentar la desesperación y el aburrimiento, y un palacio". para alabar el progreso humano." Heredó el método de "discusión" de la creación dramática de Ibsen, proporcionó al público victoriano métodos científicos para observar y reflejar el mundo y los guió a explorar continuamente la verdad del mundo.