Para más información, consulte La familia Van Gogh.
Apenas un año antes de que naciera Van Gogh, nació pero murió un hermano con el mismo nombre. Esto se convirtió en una sombra psicológica para Van Gogh, pero parece que se desconoce el alcance de su impacto en Van Gogh. .
Cuatro años después, nació el hermano menor de Van Gogh, Theo Van Gogh. Fue el más fiel partidario y admirador de Van Gogh durante toda su vida.
A Van Gogh no le gustaba estudiar cuando era niño, pero tenía mucho talento para los idiomas. Hablaba inglés, alemán y francés y podía escribir cartas en ellos. Además, posteriormente aprendió latín y griego mientras estudiaba religión, y su lengua materna era el holandés. Siempre supo seis idiomas. ¡Esto demuestra que Van Gogh era un hombre muy inteligente, no un loco! ¡Esto hay que aclararlo! Consulte el artículo "No se le puede describir como loco").
Henri Matisse nació en un pequeño pueblo llamado Lecade en el sur de Francia el 31 de febrero de 1869 65438.
Matisse estudió por primera vez con el pintor académico William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) y, debido a sus intereses personales y las reglas tradicionales seguidas por su maestro, pintó por primera vez en el "Salón de la Liga Nacional de Arte". Se dedicó a la pintura simbolista y lo consiguió. Dos años más tarde, el incipiente Matisse se casó con una mujer amable y sabia. El deseo tan anhelado por el pintor se hizo realidad y trató de crear esculturas entre pinturas.
El período comprendido entre 1896 y 1904 fue un período en el que los artistas buscaron nuevos rumbos. Matisse tenía ideas innovadoras en mente y comenzó a prestar atención a las obras del impresionismo, postimpresionismo y neoimpresionismo, con la esperanza de nutrirse de varios estilos. Durante un tiempo, salió a las calles, cafés y otros lugares a pintar innumerables cuadros; las técnicas de expresión de pintores como Pissarro, Gauguin, Van Gogh y Sinek lo familiarizaron con las características del color y las técnicas. de Cézanne Promocionarlo a la investigación de nuevas técnicas. Desde 65438 hasta 0899, las pinturas de paisajes, figuras y naturalezas muertas de Matisse fueron muy diferentes a las del pasado, con formas simples. Los colores brillantes sorprendieron al señor Moreau. A principios del siglo XX pareció despertarse en él el poder expresivo de los colores fuertes. Comenzó a esculpir el cuerpo con colores exagerados y pinceladas atrevidas. En 1903, en sus obras aparecieron de antemano obras con evidentes características "fauvistas". A primera vista, este tipo de trabajo parece descuidado y tosco. De hecho, muestra la sensibilidad y la rica creatividad del pintor en "doodle": el color extraído directamente del tubo de pintura no reproduce la realidad visual del objeto objetivo, sino que se convierte en la búsqueda del pintor de sentimientos internos y un medio de uno mismo. -expresión, en la forma explorando un nuevo espacio pictórico restringido por el movimiento del color. En última instancia, el fauvismo negó diversas formas occidentales tradicionales y hábitos estéticos relacionados, logró la liberación del color y promovió activamente la abstracción de las artes plásticas. Matisse también encontró su camino en una reforma fundamental de la forma.
Desafortunadamente, el fauvismo sólo duró tres años. Durante este período, los oponentes maldijeron uno tras otro y Mattis también fue objeto de fuertes críticas. Afortunadamente, algunos coleccionistas tuvieron una visión única y compraron una gran cantidad de sus obras, y el patrimonio neto de Matisse de repente se duplicó.
Después de 1906, la creación artística de Matisse entró en un período prolífico. Sus exposiciones individuales se han realizado en París, Nueva York, Moscú, Londres, Estocolmo, Berlín y otras ciudades. También aprovechó para viajar a Europa y el norte de África para ver el arte local y encontrar nuevas fuentes de inspiración. Se convirtió en uno de los pintores más activos de la comunidad pictórica internacional de la época. A partir de 1914, Matisse pasaba todos los años el invierno en el puerto sur de Niza, completando muchas obras en un tranquilo estudio. Las mujeres de interior y las naturalezas muertas eran sus temas favoritos. Los pintores se tomaron la molestia de estudiar la relación entre varios tonos y encontrar nuevas técnicas de modelado.
Los colores son hermosos pero no llamativos, las pinceladas son atrevidas pero no salvajes. Las fuertes imágenes en colores primarios de la era del fauvismo se transforman gradualmente en imágenes pacíficas y armoniosas, que son a la vez sabias, poéticas y agradables a la vista. Matisse también se ganó la reputación de "el jugador de la línea de color".
Después de la década de 1920, Matisse amplió sus campos creativos y sus logros en escultura, grabado, murales e ilustraciones también demostraron su talento. En la década de 1930, su arte alcanzó su apogeo y sus compañeros lo elogiaron como el maestro de arte más famoso de este siglo.
Matisse era un hombre modesto y elegante. No tenía ambiciones por la gloria y la riqueza de la vida y no tenía ambiciones en la pintura. Su personalidad era muy diferente a la de Picasso, otro maestro de la pintura del mismo período. . Durante la Segunda Guerra Mundial, todos participaron en el movimiento de resistencia contra el fascismo alemán, se unieron al Partido Productor Francés y participaron en actividades políticas progresistas. Pero Matisse no expresó nada en su arte, ni utilizó la pintura como arma. Creía firmemente en la teoría del filósofo griego Platón de que "la belleza brinda placer a las personas" y explicó en su autobiografía su búsqueda de toda la vida: "El arte que espero es un arte equilibrado, puro y tranquilo. Evito tocar el cosas que hacen feliz a la gente." Cuando se trata de la angustia o la asfixia de las personas, las obras de arte deberían hacer que las personas se sientan en paz y reconfortadas como un sillón. ”
Matisse sufrió una enfermedad en sus últimos años, pero aún así insistió sobre la creación de arte cortado en papel, o acostado en la cama, o siéntese en una silla de ruedas y trabaje recortando varias imágenes de papel predibujado. Sus obras todavía están llenas de un espíritu audaz, perfecto, alegre y optimista, que recuerda fácilmente su amor y perseverancia por la belleza formal en la era fauvista. El fauvismo experimentó una crisis en 1907. Ante el abandono del fauvismo por parte de sus socios uno a uno, Matisse creyó firmemente y se mantuvo firme a lo largo de su carrera artística de casi medio siglo, convirtiéndose en la única persona que mantuvo el estilo de pintura fauvista durante toda su vida.
1954 165438 El 3 de octubre, Matisse falleció en Niza, donde había vivido durante muchos años, a la edad de 85 años.
1. Auguste Rodin
(Auguste Rodin 1840~1917)
Introducción
Un famoso escultor francés. Nació en una familia cristiana pobre. Su padre era un mensajero de la policía y su madre era una mujer civil pobre. A Rodin le encantaba el arte desde pequeño, pero en otras clases era terrible. Con el apoyo de su hermana Marie, su decepcionado padre tuvo que aceptar enviarlo a la Escuela de Artes y Oficios de París. Su hermana Marie usó el dinero que ganó para pagar su alojamiento y comida, por lo que Rodin amó profundamente a su hermana desde que era un niño. 65,438 A la edad de 04 años, estudió pintura con Lezonde Boisbodlain y luego estudió escultura con Beyer. También trabajó como asistente de Bayless y fue a Bruselas para crear esculturas decorativas durante cinco años. Visitó Italia del 65438 al 0875 y se inspiró profundamente en las obras de Miguel Ángel, estableciendo así la técnica creativa realista. Sus obras como "La Edad del Bronce", "El Pensador", "Hugo", "Los Ciudadanos de Calais" y Balzac tienen todas nuevas creaciones y han sido criticadas por la escuela académica francesa. El diseño de la Puerta del Infierno, que contiene 186 esculturas, no se realizó según lo previsto debido a obstrucciones oficiales en ese momento. Sólo se completaron algunas obras como "El Pensador", "El Beso" y "Eva". Es bueno utilizando técnicas de pintura ricas y diversas para crear imágenes artísticas vívidas y poderosas. Realizó muchos bocetos a lo largo de su vida, con un estilo único, y su teoría artística se transmitió de generación en generación. El estatus de Rodin en la historia de la escultura europea es similar al estatus del poeta Dante en Europa. Rodin y sus dos alumnos Maillol y Boudel son conocidos como los "tres pilares" de la escultura europea.
Para la gente moderna, es el último escultor de la era antigua (período del clasicismo) y el primer escultor de la nueva era (período del modernismo). Le queda un pie en el patio clásico, pero el otro ha cruzado el umbral del modernismo. Se puede decir que Rodin abrió la puerta a la escultura moderna en la nueva era con sus manos maduras y poderosas entrenadas durante el período del clasicismo y su espíritu creativo que no estaba limitado por la tradición. Cuando el joven artista entró corriendo y corrió hacia adelante, ya estaba en su vejez y no podía caminar. Sus creaciones tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la escultura europea moderna.
La vida de Rodan fue una vida de ser atacado y ridiculizado, pero también una vida de ser comprendido y apoyado por los demás.
Pero siempre lo afrontó todo acertadamente y con una gran personalidad. Rodin fue escalando a lo largo de su vida y finalmente alcanzó otra cima después de Miguel Ángel. Rodin creía firmemente que "el arte es emoción". Todas sus obras demuestran este concepto, revelando profundamente la riqueza de las emociones humanas. Rodin prefería los temas trágicos y sabía descubrir la contribución y la belleza en el quebrantamiento, lo que le dio a su arte un carácter profundo y profundo. Marcó el comienzo de una nueva era y creó un nuevo enfoque artístico. El encanto ideológico y espiritual reflejado en sus obras siempre brindará a las personas un profundo sentido de belleza e inspirará a las personas a seguir pensando.
Una vida
La Escuela de Artes y Oficios de Rodin King fue fundada en 1765 por Bessie Riel, la pintora amada por Madame Pompadour, donde los estudiantes aprendieron encuadernación y el arte de la pintura. Aquí conoció a Horace Laycock, el primer maestro al que admiró a lo largo de su vida. Laycock era un profesor de arte corriente, pero animó a Rodin desde el principio a ser fiel a su verdadero sentimiento artístico en lugar de seguir dogmas académicos. Quizás fue esta enseñanza la que influyó en la vida de Rodin. Durante este período, iba a menudo al Louvre para copiar cuadros famosos de maestros. Al no poder pagar las pinturas al óleo, Rodin se matriculó en una clase de escultura y se enamoró de la escultura. Lecoq también le presentó al famoso escultor de animales francés Barye (Barye 1796 ~ 1875), quien le brindó una buena formación básica. Después de tres años de estudio duro y diligente, Rodin estaba seguro y listo para ingresar a la Escuela de Bellas Artes de París. Lecoq presentó a Rodin al famoso escultor de la época (Hippolyte Maindron 1801 ~ 1884) y le pidió que firmara la solicitud de admisión como árbitro de Rodin, pero fue inútil y Rodin no tuvo éxito. Aún así perdí el año siguiente. En el tercer año, un viejo presentador simplemente escribió junto al nombre de Rodin: "No tengo talento en esta vida y es un desperdicio seguir postulando". De esta manera, este futuro escultor europeo fue rechazado definitivamente por la Academia de París. Bellas artes. Este fue un duro golpe para el joven Rodin, que anhelaba convertirse en escultor.
Siguió un golpe mayor. La querida hermana de Rodin, Marie, ingresó en un convento debido a un amor roto. Dos años más tarde, su mente y su cuerpo débiles no pudieron soportar la vida fría y frustrada, y murió de una enfermedad. El espíritu de Rodin colapsó por completo bajo este doble golpe, y siguió resueltamente el camino de su hermana y se convirtió en monje. Sin embargo, el fuerte cuerpo de Rodin le proporcionó infinitos deseos, y el deseo de creación encendió una llama incontrolable en el corazón del artista. Esto provocó que Rodin, que era igualmente devoto de Dios y del arte, cayera en un conflicto y dolor internos. Emma, la amable y sabia abad, vio los pensamientos de Rodin en su expresión reprimida. Creó las condiciones para que Rodin tuviera la oportunidad de pintar y esculpir. Cuando vio que Rodin tenía realmente talento, lo convenció de regresar al mundo secular, continuar su carrera escultórica y "servir a Dios con el arte". Esto animó a Rodin. Con un corazón reconfortante y agradecido, Rodin hizo una estatua para el abad Emma en el monasterio. Esta estatua muestra que Rodin, de 23 años, tenía la perspicacia, la técnica y la habilidad para convertirse en escultor.
Rodin regresó a Laycock y, con su ayuda y apoyo, comenzó una carrera de autoaprendizaje mientras trabajaba. Como no podía permitirse un modelo, contrató a una mendiga llamada Bibi para que fuera su modelo. La fealdad del mendigo hizo que Rodin viera tristeza y desolación en su rostro demacrado. Al mismo tiempo, también pensó en Miguel Ángel, el escultor solitario que había trabajado duro toda su vida. Por tanto, la belleza y la fealdad de la vida y el arte tienen significados diferentes a los ojos de Rodin. Al crear, prestó atención a la expresión de la luz en la superficie de la obra e integró la connotación ideológica que quería expresar en la obra, haciendo de la escultura un lenguaje poderoso que los pensamientos y sentimientos de las personas superan con creces los sentimientos visuales. Este concepto artístico fue exactamente lo que persiguió el maestro Miguel Ángel en sus últimos años, y se mostró por primera vez en "El hombre de la nariz rota" de Rodin más de 300 años después. Ha sido el alma y la fuente de encanto durante toda su vida.
Rodin no sólo fue un maestro de la escultura, sino también un gran maestro. Sus alumnos o asistentes, aunque solo tuvieran una relación, estaban profundamente influenciados por Rodin en el arte. Sin embargo, como profesor, Rodin nunca restringió a sus alumnos desde el punto de vista artístico, para que sus alumnos pudieran madurar y destacarse, formando su propio. estilo propio y único.
Aprendieron el espíritu creativo de Rodin, por lo que muchos de ellos fueron excelentes y algunos se convirtieron en profesores famosos en el futuro.
La vida de Rodan fue una vida de ser atacado y ridiculizado, pero también una vida de ser comprendido y apoyado por los demás. Pero siempre lo afrontó todo acertadamente y con una gran personalidad. Rodin fue escalando a lo largo de su vida y finalmente alcanzó otra cima después de Miguel Ángel. Rodin creía firmemente que "el arte es emoción". Todas sus obras demuestran este concepto, revelando profundamente la riqueza de las emociones humanas. En este sentido, Rodin es el maestro más destacado de la escultura romántica. Pero su grandeza reside en su pensamiento profundo: no tiene los defectos fácilmente visibles del romanticismo, como el entusiasmo superficial, la exageración vacía y las connotaciones falsas. Prefiere los temas trágicos y es bueno para encontrar fuerza y belleza en el quebrantamiento. Esto le da a su arte un carácter profundo que es a la vez conmovedor e inspirador, permitiéndonos vagar en las olas del alma, el significado de la vida, los misterios del universo y la maravilla de la creación. Desde este punto de vista, Rodin trascendió el romanticismo, las sectas, las épocas y las regiones y se convirtió en una estrella brillante en la galaxia histórica. Simpatizaba con los trabajadores de abajo, amaba la patria y dedicó su vida a la búsqueda persistente del arte y a pensar seriamente en los diversos dolores de la vida. Marcó el comienzo de una nueva era y creó un nuevo enfoque artístico. El encanto ideológico y espiritual reflejado en sus obras siempre brindará a las personas un profundo sentido de belleza e inspirará a las personas a seguir pensando.
La teoría del arte de Rodin
A los ojos del artista, todo es hermoso, porque sus ojos penetrantes miran el núcleo de todos los seres vivos, si él puede comprender su carácter, usted podrá; profundizar en la forma y tocar su "verdad" interior. Esta "verdad" es también "belleza".
Rodin
La fuente de la vida surge del corazón; la flor de la vida florece de adentro hacia afuera. Del mismo modo, en las bellas esculturas suele acechar un fuerte temblor interior. Éste es el secreto del arte antiguo. —— Rodin
Las virtudes de un artista son sólo sabiduría, concentración, sinceridad y voluntad. Rodin
La fuente del arte reside en la verdad interior. Tus formas y colores deben transmitir emoción. Rodin
Lo más importante es sentir, amar y odiar, esperar, cantar y vivir. Para ser artista, debes empezar con las personas. Rodin
El mal está hecho. Rodin
La teoría del arte de Rodin es un resumen científico de la historia de la escultura europea y un resumen condensado de la experiencia personal que recorre el respeto de Rodin por sus predecesores, su conocimiento de las obras de artistas famosos y su alegría. en la creación, y su profundo pensamiento e introspección. En ese momento, el Sr. Fu Lei estaba enseñando en la Academia de Bellas Artes de Shanghai. Tradujo este libro en una "conferencia de estética" para los estudiantes con el fin de tener una comprensión clara y una discusión sobre la forma y el espíritu de las obras maestras del arte antes de tocarlas. pura estética.
El libro en color reeditado sigue de cerca la charla del maestro, integrando más de 200 obras maestras artísticas con la charla, lo que es más propicio para la apreciación y comprensión de las obras famosas.
Esta es sólo una breve introducción al libro. Gao Gawen recomienda comprar una copia porque podrás leerla lentamente junto a la cama y oler la fragancia del libro. Contiene muchas imágenes hermosas y la calidad del papel de las páginas también es muy buena. Además, para no dañar la obra original, Gao Gaowen no estaba dispuesto a escanearla, porque aplanar el libro al escanear la imagen fácilmente dañaría el libro...
Sobre el arte de Rodin, traducido al francés Gesell Frey.
Pablo Pablo Picasso (1881 ~ 1973) nació en Magarra, España, miembro del partido, productor * * francés y el artista más creativo e influyente del Occidente contemporáneo. Él y sus pinturas ocupan una posición inmortal en la historia del arte mundial. Picasso fue un pintor prolífico. Según las estadísticas, tiene un total de casi 37.000 obras, entre ellas 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 61 litografías. El impresionismo, el postimpresionismo, el fauvismo y diversas variaciones de estilos se pueden mostrar en sus obras y lograr unidad y armonía internas. Picasso finalmente se convirtió en un pionero del cubismo.
Vida
Pablo Picasso (1881 ~ 1973) nació en Mágalla, España. Es el artista más creativo e influyente del Occidente contemporáneo. Él y sus pinturas ocupan una posición inmortal en la historia del arte mundial.
Infancia de 1881 a 1900
1881-10 Picasso nació en Málaga, sur de España;
En 1889, completó su primer óleo "El Matador". ";
p>
Ingresó en la Escuela de Arte de la Ronja de Barcelona en 1895;
Ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1897. Su óleo "Ciencia y Caridad" obtuvo el Premio de Honor en la Exposición Nacional de Arte de Madrid y posteriormente la Medalla de Oro en Málaga.
1900-1903 Periodo Azul
1902 completó el "selfie azul"; 1903 completó su vida y la expresó con un fuerte tono azul El sufrimiento de la pobreza, la vejez y soledad;
Período de auge 1904-1906
Los "barcos de lavandería" que comenzaron a instalarse en París en 1904 comenzaron durante el Período Rosa. Conocieron a Fernand Olivi y vivieron juntos;
En 1905, escribió "El niño" con una pipa, que fue comprada por la filántropa Sra. John Hesitney por una enorme suma de 30.000 dólares.
En 1906, conoció al maestro fauvista Matisse y pintó un retrato del escritor y coleccionista estadounidense Chang Chu Stein. El "Retrato de Stein" fue el trampolín de Picasso desde el "Período Rosa" hasta el "Cubismo".
Periodo del cubismo 1907-1916
En 1907, conoce a Braque y comienza a crear el estilo cubista, creando "Les Demoiselles d'Avignon";
1909 Analítica Comienza el cubismo; crea "La cabeza de Fernando";
1917-1924 Periodo clásico
1917 Conoció a la bailarina Olga Koklova en Italia, creó un retrato de Olga
Casada; Olga en 1918, realizó una exposición conjunta con Matisse;
1920 versión coral pintada a mano de "Tricorn Hat"
En 1922, creó dos mujeres corriendo por la playa;
Periodo del surrealismo 1925-1932
En 1927, conocí a Marie Theresa Waugh, que con sólo 17 años Erchi se convirtió en modelo de Picasso. y dio a luz a una hija Maggie;
En 1929 creó esculturas y estructuras de alambre con el escultor Gong Salles. Produjo una serie de pinturas agresivas con cabezas femeninas como tema, que muestran la crisis del matrimonio y la comprensión de Dalí;
Período de metamorfosis 1932-1945
1932 creó "La mujer en el sillón rojo" ;
1933 Realiza grabados con la temática del taller del escultor.
En 1934 creó una obra con la temática del toreo;
En 1936 estalló la Guerra Civil Española. Conoce a Dora. Maar, y creó el retrato de Dora Maar;
Guernica fue creado en 1937;
En 1942, creó el grabado "La historia de la naturaleza"
1943 Conoció a Francois Giraud, de 22 años;
Se unió al Partido Comunista Francés en 1944;
1945 comenzó a intentar la creación de litografías;
1946-1973 Pastoral Época
En 1947 nació su hijo Claude. Realizó alfarería en el taller del alfarero Hamil, empleando 1948 * * * para producir 2.000 piezas de arte alfarero.
En 1948 produjo "La paloma de la paz" y "Veinte poemas de Góngora" para la Póster de la Conferencia Mundial de la Paz;
Creó la serie Carmen en 1949;
Recibió la Medalla Lenin de la Paz en 1950;
En 1953, conoció a Jacqueline· Locke;
En 1954, comenzó a componer la serie de variaciones sobre "Mujeres argelinas" de Delacroix;
En 1956, se estrenó la película "El misterioso Picasso", con Clouzot* * * ;
En 1957, se celebró la exposición del 75 aniversario de Picasso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y él creó el grabado "Serie taurina".
En 1958 Picasso crea el mural "La caída de Ícaro" para la sede de la UNESCO en París;
En 1959 crea una serie de variaciones imitando "El almuerzo sobre la hierba" de Manet;
Se casó con Jacqueline Locke, de 35 años, en 1961 para celebrar el 80 cumpleaños de Picasso;
Pintora en color y modelo en 1963;
1966, el Grand Palais y El Petit Palais de París acoge una exposición retrospectiva de Picasso a gran escala. Creación de la serie Quicksand;
En 1968 crea las series de grabados "Celestite" y "Ridiculous Man"
En 1970, cerca de 2.000 obras tempranas conservadas en España fueron donadas a Picasso; Museo de Bellas Artes de Barcelona;
En 1971, el Museo Nacional de Arte Moderno de París celebró una exposición celebrando el 90 aniversario del nacimiento de Picasso;
En 1973, a la edad de 92 años Murió el 8 de abril en James, cerca de Cannes. Fue enterrado en el jardín de la Villa Fuwennaju el 10 de abril.
Logros artísticos
Picasso fue un pintor prolífico. Según las estadísticas, tiene un total de casi 37.000 obras, entre ellas 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 61 litografías.
La vida de Picasso fue brillante. Fue el primer pintor que vivió para ver su obra recogida en el Louvre. En una encuesta de un periódico francés realizada en febrero de 1999, fue elegido entre los diez pintores más grandes del siglo XX con una alta votación de 40. Respecto a sus obras, Picasso dijo: "Cada pintura mía contiene mi sangre. Este es el significado de mi pintura. Entre las 10 pinturas con los precios de subasta más altos del mundo, las obras de Picasso representan cuatro".
Cronología de las actividades artísticas
La Hora Azul de 1900 a 1903
Picasso viaja entre España y París desde 1900. Se instaló en París en 1904 y vivió en el famoso "dhobi ghat". En París conoció a las hijas de Max Jacob, Madeleine, Van Tanguy, Long Ermont, Apollinaire y Acker, y pintó varios retratos de Madeleine. En aquella época, su obra todavía estaba influenciada por el simbolismo popular en Barcelona.
Las condiciones de vida de Picasso eran muy pobres en ese momento, influenciado por los estilos pictóricos de Degas, Jacques y Toulouse-Lautrec, así como por la tristeza española cuando se educó en España, este período era una melancolía azul y lúgubre. impregna la obra.
Período Rosa de 1904 a 1906
En 1906 Picasso conoció a Matisse. Más tarde conocí a Dylan y Braque y viví en Montmartre con Phil Nandeo Livier. En ese momento, su economía mejoró, su vida era más feliz que antes y sus cuadros adquirieron un color rosa pálido. Los temas de las pinturas también han cambiado desde mendigos, niños delgados y mujeres tristes en el Período Azul hasta artistas callejeros, malabaristas y niñas en su mejor momento.
El período africano abarcó de 1906 a 1910.
Desde 65438 hasta 0906, Picasso se inspiró en las máscaras africanas de Dylan, y sus obras estuvieron influenciadas por máscaras africanas hasta finales de año, que fue el período africano de Picasso. El cuerpo humano en sus obras es poderoso y profundo, lo que queda plenamente demostrado en "Les Demoiselles d'Avignon" de 1907. El cuerpo humano, compuesto por diferentes partes, puede verse desde varios ángulos, lo que revela el advenimiento del período cubista de Picasso. Sin embargo, todavía quedan vestigios de la influencia de Cézanne a lo largo de este período.
Cubismo analítico de 1910 a 1914
La mayoría de los artistas amigos de Picasso se habían mudado de Montmartre a Montparnasse, y él se mudó con ellos. En aquella época, la experiencia cubista estaba en su apogeo. Jacobs dijo de él: "La obra se compone de bocetos, colores y tonos reducidos a un mínimo de gris y naranja claro; las formas son geométricas e integradas, lo que da como resultado huellas que suprimen su identidad identificable y se liberan de las ataduras, finalmente despojadas". lejos de la forma. “Es como mirar una sola imagen a través del foco de un prisma. La vida es así, pero Picasso la extendió al retrato. Él y Braque hicieron los primeros collages.
Cubismo sintético de 1914
En 1914, la guerra provocó que los pintores cubistas tomaran caminos separados. Picasso recuperó su libertad y su gusto personal por el color, así como su energía exuberante. Tanto en términos de estilo como de objetos pictóricos, su creación de "impresionismo tridimensional" se volvió más libre. A lo largo de todas sus obras no se limitó al cubismo, sino que siguió explorando desde todos los aspectos. Por ejemplo, las obras de 1915 a 1916 son naturalistas; las obras de 1917 son realistas.
Período neoclásico de los años 1917-1920
Picasso, que vivía en Italia, acababa de diseñar los fondos y el vestuario de los Ballets Rusos dirigidos por Diaghilev, cuando conoció a la bailarina de ballet Olga Kohalova. . En 1918 se casó con Kosilova y tuvo un hijo. Esta vida relativamente cómoda coincidió con el período neoclásico de la carrera creativa de Picasso. En 1921 y 1926 continuó realizando obras cubistas, mientras que en 1923 sus obras tomaron una ruta realista.
De 1925 a 1932, Picasso entra en el periodo surrealista. Durante su estancia en España de 1933 a 1934 aparecieron las obras de Niu Shouren. En el nuevo taller de la Gran Carretera de Agustín, Picasso creó la obra de gran formato "Guernica", durante la cual se realizaron numerosos trabajos preparatorios.
Del 65438 al 0945 pintó una serie de naturalezas muertas y creó cerámica en Loris. Su hijo Claude nació en 1947 y su hija Paloma nació en 1949. Sus obras no sólo expresan la felicidad de esta sencilla vida familiar, sino que también expresan su compromiso con la política: en 1944 pintó "La piel de huesos" y en 1947 "Por los españoles en Francia". Continuó pintando naturalezas muertas, paisajes y retratos... En 1950, "Mujeres junto al Sena" de Courbet inició su creación de variaciones en torno a obras famosas.
Antes de 1959 vivió en Cannes, donde se dedicó a pintar "La Mujeres de Argel" de Lacroix y "La Meninas" de Velázquez, mientras continuaba los trabajos posteriores en el estudio. Primero se mudó a Wovona Getz y luego se instaló en el castillo de Natadandemi, cerca de Mugán, donde continuó su serie de variaciones. De 1960 a 1972 trabajó incansablemente. En sólo 13 años se han incluido en el catálogo más de mil obras, entre grabados, bocetos, óleos, etc. Picasso murió en 1973 a la edad de 92 años.