Tanto el modernismo como el art déco enfatizaron las formas geométricas, pero la diferencia radicaba en la técnica. El Art Déco empleó técnicas tradicionales de ebanistería hasta el punto de que los modernistas aclamaron sus piezas representativas como tan exquisitas que sólo los ricos podían fabricar piezas tan exquisitas.
Después de la desaparición del movimiento Art Nouveau francés, después de un período de vacío, surgieron nuevos estilos. Una exposición celebrada en 1910 por diseñadores de Múnich, entre ellos Richard Riemerschmid, impresionó a los franceses. Las obras interiores que exhiben son una combinación de bellas artes y artes aplicadas, dirigidas a un público más amplio. La fabricación mecánica de todos los trabajos de diseño es de alto nivel. Desde entonces, algunos diseñadores franceses han comenzado a seguir la ruta modernista, mientras que otros han absorbido las armoniosas ideas de diseño de interiores resultantes del uso integral de las bellas artes y las prácticas, utilizando técnicas artesanales tradicionales basadas en los estilos geométricos de la época.
Uno de los personajes principales de esta etapa es el arquitecto y r6 Ver ra. Creía que Francia debería heredar el estilo de Luis XVI y combinarlo con la sencillez del siglo XX y los patrones del siglo XVIII. En ese momento, en lugar de los tradicionales patrones de antorchas encendidas y arcos y flechas, los patrones básicos se convirtieron en flores, cestas de frutas y colgantes.
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industria Moderna de París de 1925 fue el punto de apoyo de este estilo francés (en adelante, artes decorativas) al mundo. La exposición estaba prevista inicialmente para 1912, pero luego se pospuso hasta 1925.
Aunque los diseñadores estadounidenses fueron invitados a participar en la exposición, estos se negaron a ir porque creían que no había obras "modernas". Pero posteriormente una gira de exposiciones organizada en varios museos y tiendas de Estados Unidos acercó este nuevo estilo al público americano, impulsando así a Estados Unidos a explorar su propio estilo. Al igual que los futuristas, se inspiraron en las máquinas, los coches y los aviones. Sus diseños son geométricos, pero el elemento clave del diseño americano son las formas estilizadas.
La tecnología ha tenido un impacto inconmensurable en el diseño. Los automóviles y los aviones se caracterizan por tener formas aerodinámicas debido al desarrollo de la aerodinámica, así que ¿por qué no diseñar otras cosas que sean aerodinámicas? En aquella época, casi todos los hogares tenían electricidad, la radio era nueva, los electrodomésticos cambiaban drásticamente, había rascacielos y se veía la naturaleza multifacética de las artes decorativas estadounidenses.
A diferencia de los diseñadores modernistas, los integrantes del Art Déco impulsaron la decoración. Aunque utilizan la abstracción, no apuestan por la geometría pura ni persiguen la innovación en materiales fabricados por el hombre. Prefieren utilizar materiales como el marfil y la piel de tiburón que sólo están disponibles en las antiguas colonias europeas. El movimiento Art Déco fue un movimiento de diseño muy especial en Francia, Estados Unidos y Reino Unido en las décadas de 1920 y 1930. Dado que este movimiento ocurrió y se desarrolló casi simultáneamente con el movimiento modernista en Europa, el movimiento Art Déco estuvo muy influenciado por el movimiento modernista, y las huellas de esta influencia se pueden ver claramente en el uso de materiales y la forma del diseño. Sin embargo, desde una perspectiva ideológica, las connotaciones democráticas y el trasfondo socialista del movimiento modernista nunca se dieron en el movimiento Art Déco. El Art Déco, en particular el movimiento Art Déco francés, sigue siendo en gran medida un movimiento de diseño tradicional. Aunque tiene contenidos nuevos y modernos en forma, color y motivos decorativos, sus objetivos de servicio siguen siendo la clase alta de la sociedad y un pequeño número de dignatarios burgueses, lo cual es inconsistente con el modernismo que enfatiza la democratización del diseño y los efectos sociales del diseño Las posiciones son bastante diferentes. Por lo tanto, aunque los dos movimientos ocurrieron casi simultáneamente y se influyeron mutuamente, especialmente la influencia del modernismo en la forma y el material del movimiento Art Déco, pertenecen a dos categorías diferentes y tienen sus propias leyes de desarrollo. A principios del siglo XX, un grupo de artistas y diseñadores fueron sensibles a la inevitabilidad de una nueva era. Ya no rehuyen las formas mecánicas ni los nuevos materiales como el acero y el vidrio.
Creen que el movimiento británico Arts and Crafts y el movimiento Art Nouveau, que se originaron en Francia e influyeron en los países occidentales, tienen un defecto fatal, es decir, niegan categóricamente las formas de modernización e industrialización. Los tiempos han cambiado y la forma de modernización e industrialización es imparable. En lugar de escapar, adáptese. La adopción de una gran cantidad de nuevos motivos decorativos hace que las formas mecánicas y las características modernas sean más naturales y lujosas, lo que puede servir como una nueva forma de exploración. Esta comprensión es común entre algunos diseñadores de Francia, Estados Unidos y el Reino Unido, especialmente en la década de 1920, cuando Occidente estaba en auge y Estados Unidos se desarrollaba rápidamente, creando un nuevo mercado para la supervivencia y el desarrollo de nuevos diseños y artes artísticas. Se proporcionan estilos. Esta condición histórica impulsó nuevos experimentos, cuyo resultado fue otro importante movimiento de diseño de principios del siglo XX: el movimiento Art Déco. El movimiento Art Déco toma su nombre de una importante exposición celebrada en París en 65438-0925: la Exposición de Art Déco. Esta exposición pretende mostrar un estilo arquitectónico y decorativo que siguió al movimiento Art Nouveau. El título de una exposición se utiliza a menudo para referirse a un estilo de diseño particular y a una etapa específica del desarrollo del diseño. Sin embargo, el término Art Déco en realidad se refiere a mucho más que un simple estilo de diseño. Al igual que el Art Nouveau, cubre una amplia gama, desde los coloridos patrones llamados jazz de los años 20 hasta el estilo de diseño estilizado de los años 30, desde los sencillos envases de cosméticos británicos hasta la arquitectura del Rockefeller Center en Nueva York, Estados Unidos. . Aunque tienen puntos en común, sus personalidades son más fuertes. Por tanto, no es apropiado considerar el Art Deco como un estilo de diseño unificado.
Desde una perspectiva ideológica e ideológica, el movimiento Art Déco fue una reacción contra el pretencioso movimiento Art Nouveau. El "Arte Nuevo" enfatiza la decoración medieval, gótica y natural, enfatiza la belleza de la artesanía y niega las características de la era mecanizada. El movimiento Art Deco es precisamente para oponerse a las tendencias del clasicismo, la naturaleza (especialmente las formas orgánicas) y la artesanía pura; y defender la belleza de la mecanización. Por lo tanto, el estilo Art Deco tiene el significado más positivo de la época. Por otro lado, el período del movimiento Art Déco fue el período del Modernismo. Entonces, por mucho que el movimiento enfatizara los efectos de la decoración (uno de los principales elementos del diseño a los que se oponía el modernismo), el diseño todavía estaba fuertemente influenciado por el modernismo. Ya sea el uso de materiales, la elección de temas de diseño o incluso las características del diseño en sí, estos dos movimientos de diseño tienen muchas conexiones intrínsecas. En el pasado, el Art Déco se consideraba a menudo como un movimiento de diseño opuesto al Modernismo, pero las investigaciones muestran que están inextricablemente vinculados, especialmente los movimientos de diseño industrial y Art Déco en los Estados Unidos, y a veces son difíciles de separar por completo. Por ejemplo, es difícil decir si la "Oficina de Diseñador Industrial" diseñada por el diseñador estadounidense Raymond Loeway para la Exposición Universal de Nueva York en 1937 es puro modernismo o estilo Art Déco, el maestro modernista francés Le Corbusier la diseñó a mediados de la década de 1920; Los muebles también están disponibles en ambos estilos. Todos ellos muestran que la relación entre arte decorativo y "modernismo" no es del todo contradictoria, pero sí estrecha y compleja en términos de características formales. En cuanto a la diferencia entre ambos, radica principalmente en sus motivaciones y las ideologías que representan. El Art Deco hereda la posición de diseño tradicional de los países europeos y americanos centrados en Francia: sirve a la clase alta rica, por lo que todavía está diseñado para dignatarios, y su objetivo es la burguesía. El movimiento enfatiza que el diseño sirve; el público, especialmente el proletariado de bajos ingresos, por lo que es de izquierda, idealista y utópico para los pequeños intelectuales.
Algunos teóricos del diseño occidentales se refieren al movimiento Art Déco como "modernismo popular" o "modernismo popular" porque su estilo se utilizó para diseñar ciertos aspectos de productos populares, como muebles de tubo de acero producidos en masa, automóviles. y rascacielos. Este título puede malinterpretarse fácilmente, porque el principal público objetivo del estilo Art Déco siguen siendo los dignatarios de la sociedad, más que el público en general.
Desde la década de 1960, cada vez más teóricos del diseño han considerado el movimiento Art Déco como la extensión y desarrollo del movimiento británico "Arts and Crafts" y del movimiento europeo y americano "Art Nouveau". Desde la perspectiva de la motivación decorativa, o desde la perspectiva de la dirección del servicio que enfatiza, esta visión es ciertamente comprensible.
Pero la complicación es que el período principal de desarrollo de este movimiento fue entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, que también fue la etapa principal del desarrollo del movimiento modernista, por lo que a menudo hubo confusión. A juzgar por el nombre, también existe cierta confusión. Por ejemplo, en Francia, algunas personas llaman a este movimiento y estilo de diseño "modernismo", mientras que otros lo llaman modernismo de jazz, porque uno de los factores que influyó en este estilo es la música y la interpretación del jazz estadounidense. Sin embargo, desde un punto de vista ideológico, existe una clara diferencia entre el énfasis del Movimiento Art Déco en servir a los poderosos y el énfasis del Movimiento Modernista en la postura socialista de servir a las masas.
Las líneas de las telas y los patrones de papel tapiz de Art Deco Sport Spinning se toman en su mayoría de los cuerpos hermosos y curvos de la naturaleza, como pedúnculos, capullos de flores y enredaderas. Desde el nacimiento del arte humano, la palabra "decoración" nunca ha desaparecido. El origen del arte humano es inseparable de la decoración primitiva. El famoso historiador del arte Wolflin cree que "la historia del arte es principalmente una historia de la decoración". La decoración es el núcleo estético del arte creado por las personas en las sociedades primitivas. Varios patrones de cerámica pintada se han convertido en muestras de diversas bellezas decorativas y formales. La decoración es una forma significativa. No es sólo una forma estética sino que también tiene un significado más profundo. Contiene sentimientos sociales específicos y conciencia cultural. No es sólo "decorativo", sino también "cultural", brinda a las personas placer estético desde los aspectos de orden, líneas, formas, colores, etc., y satisface las necesidades más profundas de las personas desde los aspectos de la cultura, los ideales, los símbolos, la historia, etc necesidad. Wallinger dijo en "Abstracción y empatía": La característica esencial del arte decorativo es la expresión más pura de la voluntad artística de una nación. ..... El arte decorativo será inevitablemente el punto de partida y la base de toda investigación estética sobre el arte. La decoración también tiene una importancia importante en la investigación del diseño moderno. Desde el punto de vista decorativo, podemos ver claramente el desarrollo del diseño moderno.
Gombrich escribió esta frase en el prefacio de la segunda edición de su libro "El sentido del orden": "Para decirlo atrevidamente, mi propósito es explicar. El subtítulo de este libro anuncia el significado del artes decorativas.La investigación psicológica tiene como objetivo establecer y probar la teoría reivindicada por el título principal: hay un sentido de orden. Este sentido de orden se refleja en todos los estilos de diseño. Creo que sus raíces se encuentran en la herencia biológica humana. un producto de la civilización industrializada. El diseño moderno es una actividad artística que sirve a la gente moderna y también es el estilo de vida de la sociedad económica moderna. En el proceso del movimiento de diseño modernista, hay algunos movimientos de diseño importantes que siempre están relacionados con la superación de. El abandono de la decoración es en gran medida un nuevo desarrollo del diseño moderno en torno a la decoración ⑴ "Nuevo movimiento de artes y oficios" y decoración
Desde la Revolución Industrial en el siglo XVIII hasta finales del siglo XIX, la tecnología industrial. cambió el estilo de vida de las personas. El diseño de productos se ha desarrollado en este tipo de cambio y caos. La gente tiene una obstinada nostalgia por la forma y el estilo de los productos antiguos en sus hábitos de vida y su psicología. Gusto por la decoración tradicional. La contradicción entre la decoración y la producción mecanizada es inevitable. Muchos diseñadores no están dispuestos a participar en el diseño de productos industriales. La mayoría de los productos industriales persiguen unilateralmente la estandarización y la producción en masa, ignorando los factores de la belleza decorativa y la belleza formal. , lo que dio como resultado formas toscas y feas y un atractivo estético y un estilo bajo.
En la Exposición Industrial Mundial celebrada en Hyde Park, Londres, Inglaterra, en 1851, se expusieron algunas contradicciones. Muchos productos que parecían industriales utilizaban patrones anodinos. La decoración, tratando de compensar su fealdad formal, resultó ser aún peor. Por lo tanto, un grupo de personas conocedoras lideradas por John Ruskin y William Morris lanzaron un movimiento llamado "Nueva Artesanía". El movimiento de reforma del estilo de diseño del "Movimiento artístico" aboga por que los artistas entren en la vida y creen obras que sean comprendidas y aceptadas por el público. Se opone a la pretensión de la época victoriana, aboga por la decoración simple en la Edad Media, absorbe la decoración japonesa y aprende materiales de la naturaleza. Creando un nuevo estilo de diseño. Esta fue una exploración valiosa cuya influencia se extendió por muchos países europeos, haciendo que el Art Nouveau floreciera en Europa.
En este sentido, el "Movimiento de Nuevas Artes y Oficios" se opuso a la simulación con nueva decoración, abogó por un diseño exquisito y razonable y conservó la artesanía, lo que tuvo un impacto importante en la formación de las ideas de diseño moderno.
⑵Movimiento y decoración Art Nouveau
Inspirado en el "New Arts and Crafts Movement" británico, a finales del siglo XIX y principios del XX, surgió y se desarrolló un influyente movimiento artístico a gran escala. desarrollado en Europa y Estados Unidos el "Movimiento Art Nouveau" de gran alcance se materializa en la arquitectura, muebles, productos industriales, ropa, joyas, ilustraciones de libros, etc. , e incluso en los campos del arte puro, la escultura y la pintura, surgió un nuevo estilo de diseño y perspectiva artística. Con la participación de más de una docena de países y regiones como Francia, Países Bajos, Bélgica, España y Estados Unidos, no fue hasta alrededor de 1910 que fue reemplazado gradualmente por el "Movimiento Art Déco" y el "Movimiento Modernista". Este movimiento se opuso a los estilos artificiales, abogó por un regreso a la naturaleza, desarrolló en gran medida la aplicación de patrones de plantas y animales en el diseño de patrones y creó un estilo decorativo estético.
El diseñador de muebles francés Samur Bing abrió un estudio y una sala de diseño llamado "Casa del Art Nouveau" en 1895, animando a los diseñadores a crear nuevos estilos. En 1900 expusieron muebles "Art Nouveau", que tuvieron un gran éxito y el nombre "Art Nouveau" se extendió a partir de entonces. Las obras expuestas tienen una fuerte inclinación naturalista. Imita la forma y estructura de las plantas. Esto es coherente con el lema de Samuel Bean "Regreso a la naturaleza". El Art Nouveau creó un estilo de decoración muy específico. “Desde los interiores de Henri van der Velde hasta las entradas del metro de París de Kemard, desde la arquitectura de Antoni Gaudí hasta los grandes carteles de Cam, existe una exploración ahistórica sin precedentes de nuevos estilos decorativos. "Este movimiento de diseño utilizó la ornamentación y el naturalismo para combinar las artes y la artesanía con el diseño de productos. creando un estilo de diseño típico de finales de los siglos XX y XIX y convirtiéndose en un preludio de la próxima era modernista.
⑶ Movimiento y decoración "Art Déco"
El movimiento Art Déco fue un movimiento de diseño lanzado en Francia, Gran Bretaña, Estados Unidos y otros países en las décadas de 1920 y 1930. Ocurrió casi simultáneamente con el movimiento modernista europeo, y ambos tuvieron cierta influencia mutua.
A medida que la modernización y la industrialización cambian gradualmente los estilos de vida de las personas, los artistas también están tratando de encontrar una nueva forma de decoración para hacer que las formas de los productos sean consistentes con las características de la vida moderna. En 1925, se celebró en París una exposición a gran escala "Exposición de artes decorativas". Esta exposición muestra a la gente los estilos arquitectónicos y decorativos posteriores al Art Nouveau y fue una reacción hipócrita a las ideas y formas del Art Nouveau. Se opuso al clasicismo, al naturalismo y a las formas puras de artesanía, y promovió la belleza mecánica. Desde la perspectiva del desarrollo del diseño moderno, tiene un significado positivo para la época. El movimiento "Art Déco" no fue simplemente un movimiento de estilo, sino que también fue en gran medida un movimiento de diseño tradicional. Es decir, la nueva decoración se utiliza para reemplazar la decoración antigua. Su principal contribución es expresar contenido moderno en forma y color y expresar las características de la época.
Ya sea el movimiento "Arts and Crafts Novice", el "Movimiento Art Nouveau" o el movimiento "Arte Decorativo", todos parten de la decoración y desarrollan estilos de diseño nuevos, razonables y perfectos, expandiéndose así. el "El valor artístico de la decoración. Entre ellos, la afirmación y el desarrollo de la decoración constituyen directamente la fuerza impulsora de los cambios en el diseño moderno. Como todos sabemos, el estilo de diseño modernista se desarrolló bajo la influencia del movimiento de arte moderno y el movimiento de "Nueva Arquitectura". Tiene un cierto color socialdemócrata, enfatiza la belleza mecánica y la belleza funcional, aboga por el diseño racional, aboga por la simplicidad y la practicidad, niega el papel decorativo y se opone a la relación entre forma y función, desarrollando así un estilo de diseño diferente.
Ya en 1892, Sullivan, un arquitecto de la Escuela de Chicago en Estados Unidos, propuso: "Si podemos abandonar completamente la decoración durante un período de tiempo, nuestros pensamientos pueden centrarse profundamente en la arquitectura perfecta y hermosos edificios. "La desnudez es definitivamente de gran beneficio para nuestro gusto estético". Su idea de "la forma sigue a la función" se ha convertido en la declaración y la idea central del funcionalismo. Una de las figuras centrales del movimiento "Art Nouveau": ¿Fan? ¿Virtud? En 1894, Oscar Wilde propuso en su artículo "Eliminar obstáculos al arte" que "la primera condición para la belleza son obras funcionales producidas de acuerdo con leyes racionales y estructuras razonables.
"Estas ideas se convirtieron en las precursoras de la estética mecánica. El arquitecto austriaco Adolf Loos defendió al extremo la importancia de la función. Odiaba mucho la decoración. En 1898, escribió en un artículo: "No confíes en la decoración, busca la belleza formal. Es el objetivo que toda la humanidad espera alcanzar." También dijo: "El progreso de la civilización equivale a quitar la decoración a las cosas útiles. Clasificó la decoración como "atrasada", "pornográfica" y "despilfarradora". "La decoración es un desperdicio de energía, por lo que es un desperdicio de la salud de los niños. Siempre ha sido así. Pero hoy también significa un desperdicio de materiales, y los dos combinados significan un desperdicio de activos. "En 1908, Luce publicó "Ornamento y crimen", cuyo contenido se puede resumir en el lema "El ornamento es crimen". Estas teorías sirvieron hasta cierto punto como ideología rectora del movimiento modernista y también llevaron el diseño modernista al primer plano. . En la dirección del diseño funcionalista.
La Bauhaus es la cuna del movimiento de diseño moderno y presagia la llegada del clímax del diseño modernista. La Bauhaus fue fundada por Gropius en Weimar, Alemania, en 1919. Formó un sistema completo de enseñanza de diseño en el corto período del 14 (1919-1933), defendiendo la combinación de arte y tecnología, formando un estilo de diseño modernista, que marcó el reemplazo de la forma decorativa original por el diseño racional modernista. >
Después de que los nazis cerraran la Bauhaus, su principal personal docente y estudiantes se dispersaron a Europa y Estados Unidos, lo que hizo que las ideas de diseño racional se extendieran por todo el mundo. El "estilo internacional" de las décadas de 1940 y 1950 fue el diseño de la Bauhaus. Fruto de la popularización del estilo, el "estilo internacionalista" rechaza por completo la decoración y toma como criterio el espíritu racional de función. Le Corbusier, maestro del diseño modernista y representante de la estética mecánica, propuso que "una casa es una máquina viva". "Es un concepto de diseño clásico mecanizado y funcional.
Desde 65438 hasta 1958, el edificio Seagram en Nueva York diseñado por Mies van der Rohe y Philip Johnson fue un estilo internacionalista icónico. La arquitectura también es producto de La filosofía de diseño de "menos es más" de Mies van der Rohe. Este tipo de diseño simple que enfatiza demasiado la racionalidad y la funcionalidad carece cada vez más de personalidad y toque humano, lo que hace que la gente se aburra cada vez más.
El rechazo de la decoración por parte de. El diseño modernista no significa la desaparición de la decoración. Al contrario, la decoración aparece en una nueva forma. El estudioso británico Peter Collins escribió en el libro "La evolución del pensamiento arquitectónico moderno". en el siglo XIX provocó su abandono, ¿o la decoración fue simplemente un cambio de vestimenta? Él cree que “la decoración desaparecerá en el futuro, simplemente se integrará inconscientemente en la estructura”. "El diseño modernista asimiló decoración y estructura, creando "decoración sin decoración". Cuando la gente se cansó del internacionalismo, en la década de 1960, los diseñadores introdujeron el "Diseño Pop" para satisfacer el gusto estético del público. Persiguiendo el propósito de apreciar tanto la elegancia como el gusto, los colores y las decoraciones se repitieron en la década de 1970, surgieron varios estilos "posmodernos", oponiéndose a las formas monótonas del diseño internacionalista.
El diseño "posmoderno" se refiere a "el estilo de diseño de decoración ecléctica en el diseño modernista e internacionalista". una gran cantidad de motivos decorativos históricos"
El diseño posmodernista es un desafío al diseño modernista. , es el desarrollo decorativo del modernismo y el diseño internacionalista. Se opone al internacionalismo y al minimalismo en el diseño, aboga por obtener el placer estético visual a través de la decoración. significa, y se centra en la satisfacción de la psicología del consumidor, utilizando una gran cantidad de símbolos decorativos históricos, pero no es simplemente retro, adoptan un enfoque ecléctico, combinando el trasfondo cultural tradicional con el diseño moderno para crear una nueva etapa del arte decorativo. /p>
El diseño posmoderno no derroca ni niega esencialmente el diseño, sino que, sobre la base de afirmar sus factores funcionales prácticos, le da un efecto decorativo personalizado y emocional en la forma. La autoridad de la teoría del diseño posmoderno, crítico estadounidense. El propio arquitecto y escritor Charles Jenks dijo: El posmodernismo es modernismo más algo más.
El diseño posmoderno utiliza muchos estilos históricos, como el gótico, el barroco, etc.
Desde el clasicismo hasta el Renacimiento, los símbolos decorativos se utilizan de forma ecléctica, bromeando, ridiculizando, exagerando, describiendo símbolos y logrando efectos decorativos mediante la fusión y empalme de varios estilos históricos. Muchas obras reflejan esta característica. Como Carlos. Moore diseñó la Plaza Italia en Nueva Orleans, Estados Unidos. AT&T Floor de Philip Johnson y más.
El resurgimiento de la decoración en el diseño posmodernista recae en gran medida en el arquitecto estadounidense Robert, quien para librarse de la depresión provocada por los serios, fríos y monótonos estilos de diseño modernista e internacionalista, utilizó técnicas arquitectónicas para Por primera vez se presentó una propuesta posmodernista clara. Venturi consideraba feos y banales el modernismo y el internacionalismo, y con humor cambió el dogma de "menos es más" por "menos es aburrido". En 1969, Venturi diseñó de manera divertida la "Casa Venturi" en Hutton Hill, Pensilvania, utilizando símbolos arquitectónicos históricos. Es el edificio más antiguo con características posmodernistas completas. Con el desarrollo del diseño posmoderno, el papel de la decoración en el diseño ha regresado. Peter Hoffman dijo en el artículo "La arquitectura americana en los años 1980": "La decoración ya no se considera un pecado. Casi todos estos edificios demuestran plenamente un nuevo interés por la 'decoración' y muestran un interés arquitectónico". Diseño de producto, representado por el equipo de diseño de "Memphis" compuesto por el italiano Sottsass y otros, los trabajos de diseño son únicos en forma, ricos en color y muy decorativos, populares y entretenidos. Las características distintivas del diseño posmoderno son su historicismo, decoración, eclecticismo y entretenimiento. La aplicación de estas tecnologías se adapta a las necesidades de las personas en todos los aspectos, barriendo gradualmente la sensación de racionalidad e indiferencia provocada por el modernismo y el internacionalismo en los productos industriales.
Si observamos el desarrollo del diseño modernista, podemos ver la importancia de la decoración. Así, como símbolo artístico, la “decoración” no desaparecerá en futuros diseños. Es un símbolo del arte y la cultura. Y la decoración responde a las necesidades psicológicas de las personas. ¿Como Herberto? Reed cree en "La historia y teoría de las artes y la artesanía": "La necesidad de decoración es psicológica. También hay una emoción llamada miedo en la gente: la insoportable soledad del espacio. También dijo: "La necesidad de decoración es psicológica". "El único comentario es que debe resaltar la forma de alguna manera. Evito usar la palabra común 'añadir' porque si la forma es apropiada, no se le puede agregar nada. Enfatizó que una decoración razonable hará que la obra sea más bonita." hermoso. . El diseñador Sousas del grupo italiano Memphis dijo que el diseño debería ser un diseño de estilo de vida. De hecho, el diseño del futuro es esencialmente el diseño de un estilo de vida, y la decoración adecuada es un medio importante para diseñar un estilo de vida hermoso. Utiliza la "decoración adecuada" para lograr el propósito de ser "agradable". vida poética.