La pintura y fotografía es un género artístico popular en el campo de la fotografía a principios del siglo XX y se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. Ha pasado por tres etapas: la etapa de imitación; la etapa de defensa de la elegancia y la etapa artística;
El pintor propuso que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".
La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. La primera placa fotográfica de pintura fue del pintor británico Shiloh (1802-1870). Se especializa en fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. El período comprendido entre 1851 y 1853 fue el período de crecimiento de la fotografía pictórica. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre los efectos pintorescos de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo. No hay duda de que la mejora continua y la invención continua de la fotografía inspiran objetivos más elevados, porque la fotografía en sí misma es solo un El camino hacia un nivel superior objetivo, no importa cuán refinado y completo sea” sentó las bases teóricas de esta escuela de pensamiento.
En 1857, Og Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Two Ways of Life, que marca la madurez del arte de la pintura y la fotografía.
La mayoría de las obras de este período están llenas de tintes religiosos y contienen ciertas metáforas. Al disparar, haga un boceto con anticipación, luego use modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y procese en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la fotografía pictórica se ha ampliado, pero el estilo todavía defiende el clasicismo, y la forma y la composición todavía tienen reglas académicas, por lo que parece frugal, pesada y elegante.
Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, todavía se caracterizaba por la búsqueda de la belleza emocional, la concepción artística y la belleza formal.
Porque el pintor enfatizó los logros artísticos: "Para que la fotografía tenga un lugar en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y los logros artísticos. Por lo tanto, su contribución histórica es transformar la fotografía de lo mecánico original". Los objetos de imitación fueron orientados al campo de las artes plásticas e impulsaron el desarrollo del arte fotográfico.
Debido a que la creación de pinturas está mayoritariamente divorciada de la vida real, el equipo fotográfico es cada vez más perfecto y los gustos estéticos de las personas también se desarrollan constantemente y se ven afectados por el "naturalismo". A pesar de esto, todavía hoy ocupa un lugar en el panteón del arte fotográfico.
Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: Pledge (?-1896) Baron's Banquet, Robinson Crusoe, escena de la pagoda "Cuando el día termine, Otoño, Dos niñas, Morir, Julieta" de Robin Hood; con la botella de veneno, amanecer y atardecer"; Rayland Baptist, Jefe de los Pactos de Alpeng, Iphi, Virginia, Judith y Holofernes; Lady Cameron (1815- Thomas Carlyle (1897) y Nida (1820-1910) en su lecho de muerte.
2. Fotografía Impresionista
Del 65438 al 0899 se celebró en Inglaterra la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas suaves" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
Al principio, filmaron con lentes de enfoque suave, reveladas e impresas en papel tejido, persiguiendo un efecto de expresión artística vaga. Con la aparición del "método de revelado con bromuro de plata" y el método de revelado en papel en el que los pigmentos se mezclaban con pegamento dicromato, las obras impresionistas evolucionaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro. Propusieron que "la obra no debería parecerse en nada a una fotografía" y "si no hay pintura, no hay fotografía real".
Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, lápices y borradores Procese la imagen, cambie deliberadamente los cambios de luz y oscuridad originales y busque el efecto de "pintura". Por ejemplo, "Park Sweeper" de La Croix de 1900 es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo. Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características de su propio arte fotográfico, por eso algunos los llaman "imitaciones".
Se puede decir que es una rama de la pintura y la fotografía.
El arte de este género se caracteriza por tonos oscuros, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyue (1857-1933), Qiu En (1866-1944) y Wattsek (1848-1903). 1871-1937), Durkheim (1848-1965438), Évre (1874-1948), Mizón.
3. Fotografía realista
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga historia que continúa hasta el día de hoy y sigue siendo la base y el género principal de la fotografía. Es la encarnación del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debe tener una fidelidad "igual a la de la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. a. Stieglitz dijo una vez: "Nuestra misión sólo es hablar de lealtad". Por otro lado, reflejan el objeto de forma fría y puramente objetiva como un espejo objetivo, defendiendo que la creación debe ser selectiva y que lo que el artista refleja debe tener lo suyo. juicio estético. El famoso fotógrafo realista Lewis Hayne dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer lo que se debe corregir; al mismo tiempo, quiero reflexionar sobre lo que se debe elogiar. Se puede ver que defienden que el arte debe ". reflejar el punto de vista de la vida. Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
El primer pasatiempo de la fotografía realista fue el documental con colodión realizado por el fotógrafo británico Philip de la Motte en 1853. Más tarde vinieron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los años sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el Dr. Barnardo, fotógrafo de la época, capturó la trágica situación de los niños de la calle, lo cual fue impactante.
Posteriormente, surgieron un gran número de fotógrafos realistas, y sus obras son conocidas por su fuerte autenticidad y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "The Coal Miners" del británico Brandt; "The Collaborative French Woman's Head Shaved and Parade" del estadounidense R. Capa; "Les Demoiselles" del francés Weiss, etc., son demasiado numerosos para mencionarlos.
4. Fotografía natural
En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en respuesta a las debilidades de la creación pictórica, criticando el estilo pictórico de la fotografía. fotografía, que aboga por que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el punto final del arte, y sólo el arte que está más cerca y más parecido a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. “Emocional y psicológicamente, el efecto de la afición a la fotografía reside en las escenas con lentes no modificadas grabadas en materiales fotosensibles”. Otro maestro de la escuela, A.L. Pacho, dijo más claramente: “El arte debe dejarse en manos del artista. En lo que respecta a esto, no tenemos nada en qué confiar y tenemos que crear de forma independiente."
Se puede ver que este concepto artístico es una reacción a la pintura y anima a las personas a romper con las limitaciones de la academia. Liberación favorece el pleno desarrollo de las características propias.
Los temas creativos de esta escuela son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, descuidando explorar la esencia de la realidad y refinar los objetos superficiales. En definitiva, no presta atención a la tipicidad de la creación artística y de las imágenes artísticas. Se trata, pues, esencialmente de una vulgarización del realismo. Esto a veces resulta en una distorsión de la realidad.
Los fotógrafos famosos de la escuela incluyen a Deveson (1856-1930), Wilkinson (1857-1921), Geer (?-1906), Scratcher (1856-?), Sutcliffe (1859-1940), etc.
5. Fotografía pura
La fotografía pura es un género de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX.
Su fundador es el fotógrafo estadounidense Steve Grizzly (1864-1946). Abogan por que la fotografía debe dar rienda suelta a sus propias características y expresiones, deshacerse de la influencia de la pintura y buscar los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, niveles tonales ricos, cambios sutiles de luces y sombras, puro Tonos en blanco y negro, representación meticulosa de texturas y representación precisa de imágenes. En resumen, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, sutil y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio de arte plástico.
El "Looking Over New York" exhibido por la promoción de 1913 es una obra maestra puramente académica. El fotógrafo mira una plaza de Nueva York desde arriba. Aunque no hay procesamiento ni decoración, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es Frank K Sandberg de E. Utilizó múltiples métodos de exposición para evitar las limitaciones de espacio y tiempo en una sola obra, y representó las transiciones emocionales y los tonos del poeta en una imagen. Los cambios en combinación y composición son muy rítmicos.
Desde cierta perspectiva, algunos de los pensamientos y creaciones de los puristas son "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "Nuevo Objetivismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.
Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos de la Agencia de Fotografía del Grupo F64, como Adams y Cunningham.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se incluyen Yabo, Steiner, Steven y Evans.
6. Fotografía del Nuevo Objetivismo
La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía dominante” y “fotografía del nuevo realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos, primeros planos y otros medios, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y la estructura de su superficie se representa de manera precisa y verdadera, logrando así un efecto visual deslumbrante. No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles, le dio a la audiencia. una fuerte impresión visual.
El pionero teórico del Nuevo Objetivismo es Strand, quien estipuló las características artísticas del Objetivismo de la siguiente manera: "El Nuevo Objetivismo es la esencia de la fotografía, y también es el producto y el límite de la fotografía". La fotografía "tiene un fuerte poder expresivo sobre la vida y requiere ojos para observar las cosas". Por esta razón, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino que se debe utilizar la fotografía pura. "Los pioneros de la fotografía de la Nueva Objetividad son Atget y Steichen. El fundador actual es Pacho, mencionado anteriormente.
El logro de los fotógrafos de la Nueva Objetividad es alentar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí. Trajeron la fotografía del mundo de la fantasía estética a la vida real, pero debido al énfasis excesivo en la descripción de estructuras superficiales materiales detalladas, proporcionó el terreno para la germinación de la fotografía abstracta posterior.
Alrededor de 1925, debido a el gran diámetro y el pequeño tamaño La aparición de la cámara trajo nuevos avances en el campo de la Nueva Objetividad, produciendo numerosos retratos y obras que reflejan la vida social y los paisajes naturales.
El famoso fotógrafo del Nuevo Objetivismo es Sander (. 1876). -1964), Laski (1871-1956), Haig (1893-1955), Eft (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.
7. /p>
La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo. Surgió en la década de 1930.
Esta escuela tiene cursos y teorías estrictas. que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar el nuevo e inexplorado "mundo espiritual" de la humanidad.
Por lo tanto, las actividades subconscientes de las personas, la inspiración accidental, la psicopatía y los sueños se han convertido en objetos de expresión deliberada de los fotógrafos surrealistas.
El surrealismo en la fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utiliza tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para crear un hiperrealismo entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.
Los fundadores de este género son el fotógrafo británico Winston y el estadounidense Bruegel (1880-1945). El verdadero finalista es el fotógrafo escénico británico Marco Bean (1905-?). En sus propias creaciones, combina la realidad virtual "surrealista" con la realidad real para crear un mundo que es a la vez ilusorio y real. Por ejemplo, su "Autorretrato de Marco Bean", creado en 1946, es una obra surrealista típica, realizada con cuatro exposiciones: una de frente, dos rostros y un ojo.
Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que trabajó con reflejos surrealistas; el fotógrafo humano deforme Brent; los fotógrafos de retratos y publicidad Carson, Blumenthal y Lowe, Halsman, Lai Yi, etc.
8. Fotografía abstracta
La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.
Esta escuela de fotógrafos niega que el arte plástico refleje la vida y exprese los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas observables, y afirma que la fotografía debe “liberarse de la fotografía”.
Al principio, se utilizó el método de aumento sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "sujeto", y se hizo una "imagen de luz" que solo mostraba su forma. Más tarde, desarrollamos métodos para usar la luz, editar las luces, o exponer en el medio, o agitar la cámara al disparar para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerla repetidamente para causar imágenes fantasma, hasta que cambiamos la estructura de la superficie de la imagen. y lo cambió al eliminar la forma original y la estructura espacial del sujeto, intenta utilizar el llamado "lenguaje abstracto absoluto" de forma, tono (color) y material para transformar el sujeto en una combinación irreconocible de líneas y puntos. y formas. Mostrar lo que los artistas de este género consideran el llamado mundo subconsciente más real y esencial del ser humano. En la obra, el objeto fotografiado es sólo una nota prestada por el artista para generar una "melodía" que expresa libremente su imaginación y personalidad.
El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). La imagen de la obra original aún mantiene cierto grado de reconocibilidad. En 1917, el fotógrafo recibió formación (¿1882-?) para fotografiar el "Bordeaux Illustrated Journal" con aserrín y fragmentos de vidrio transparente, que resultaban irreconocibles. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) se reunió con Man Rui (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky y Koehler introdujeron la fotomicrografía y la fotografía de rayos X, que ampliaron enormemente el alcance de la fotografía abstracta, enriquecieron el lenguaje del arte fotográfico, establecieron su propio sistema artístico y se hicieron populares en Europa y Estados Unidos.
Además de los mencionados en el artículo, existen otros representantes de esta escuela, como Scott, Fenninger, Anzhen Rand, Freitai, Winkler, Gerry Mbot, Schade y Bruegel.
9. Fotografía comparable
La fotografía de campaña es la principal escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía de pintura.
Esta escuela de fotógrafos aboga por respetar las características de la fotografía, enfatizando la autenticidad y la naturaleza, abogando por no manipular o interferir con el sujeto al disparar y abogando por captar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en un estado natural. El famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo: "Para mí, la fotografía es registrar el significado de un evento y la forma organizativa precisa que puede expresarlo con precisión en un instante. Por tanto, la característica artística de este género es objetiva, real". , natural, amigable, casual, sin pretensiones, vivaz y llena de vida.
En cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, la situación de los fotógrafos de la escuela "Kan" es más complicada. Aunque todos abogan por la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica al fotoperiodismo, también los hay naturalistas y realistas.
La obra que dio origen a este género fue "Invierno en la Quinta Calle, Nueva York" del fotógrafo Alfred Stieglitz en 1893. Fue el fotógrafo alemán Ehrlich quien realmente la completó. Su fotografía de una reunión política romana con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés se ha convertido en un clásico en la historia de este género fotográfico por su viveza, autenticidad, sencillez y naturalidad.
En estética fotográfica creen que "una fotografía basada en las características básicas de la fotografía no puede ser imitada por un pintor o grabador. Tiene su propio yo inseparable, su propio poder expresivo especial e incluso otras características". que no puede ser expresado por el medio”. En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, creyendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue si una foto es mediocre o brillante, y tiene valor Sigue siendo un estándar de inutilidad."
Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dow Weal Maiavoy de los Estados Unidos; Celit Modal del Reino Unido; Victor Hough de Francia. Mann; también como Louis Dahl-Wolfe, Peter Stack-Pier Bruwich y muchos más.
10. Fotografía "Dadaísmo"
El dadaísmo es una corriente literaria que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente una palabra infantil francesa incoherente para "pony" o "caballo de juguete". Los artistas dadaístas negaron la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declararon que el arte estaba fuera de contacto con la estética, abogaron por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogaron por la nada. Esto hizo que sus creaciones fueran casi una broma, por lo que la gente llama a este género artístico ". Dadá". Darismo".
Debido a que la fotografía dadaísta no satisfacía los gustos y requisitos estéticos comunes de la gente, a partir de 1924, fue impactada gradualmente por la escuela de arte surrealista con sus claros y completos tofu y planes artísticos. Pero su influencia todavía puede verse en el arte fotográfico modernista posterior.
Fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, László Molina von Jingen y Listsky.
11. Fotografía subjetiva
La fotografía subjetiva es un género artístico fotográfico formado después de la Segunda Guerra Mundial. Es más "abstracto" que la fotografía abstracta, por eso también se le llama "post-. escuela de guerra." ".
Es el reflejo de la filosofía existencial en el ámbito de la fotografía. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steiner. Considera que "la fotografía es un campo amplio que tiene la capacidad de desempeñar su propio papel y también tiene un alto grado de iniciativa subjetiva. Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico". subjetivación del arte fotográfico" La propuesta artística es que el propósito último del arte fotográfico debería ser recordar a los fotógrafos sus propias ideas vagas y expresar sus inefables estados internos y actividades subconscientes. "La fotografía subjetiva es fotografía personalizada y personalizada. Este es el programa de arte de esta escuela. Los artistas de la fotografía subjetiva ponen gran énfasis en su propia personalidad creativa y desafían todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela declararon públicamente: "La fotografía subjetiva es no sólo un arte de imagen experimental, sino también un arte creativo libre y sin restricciones". "Podemos utilizar la tecnología para crear fotografías a voluntad". "
La evolución de la fotografía corporal occidental En la historia del arte mundial, hubo un período glorioso del arte corporal durante el Renacimiento en Grecia y Europa. Después de reproducir inicialmente la realidad objetiva con impactantes expresiones artísticas, tuvo un Espíritu de exploración En 1857, Radhalan, un fotógrafo sueco que luego vivió en Inglaterra, tomó una fotografía de dos caminos de la vida, que puede considerarse un clásico en la historia de la fotografía. Hay muchas escenas y una gran cantidad de obras humanas. El tema utilizado es observar el bien y castigar el mal. Los dos grupos de personajes de ambos lados encarnan dos conceptos morales diferentes, pero algunas personas también los critican, diciendo que utiliza tantas mujeres desnudas, las posturas son. crudo y obsceno, y es pornográfico. Se puede ver que el arte corporal, en todos los tiempos y en todos los países, por muy positivo que sea su significado ideológico y cuán inteligente sea el tratamiento artístico, será criticado y atacado por algunas personas. Tengo miedo se ha convertido en una respuesta habitual.
La tendencia de desarrollo de la fotografía corporal occidental es muy evidente. Mientras se desarrolla la fotografía tradicional convencional del cuerpo humano, también es popular expresar fuertes sentimientos subjetivos y utilizar el lenguaje fotográfico moderno para crear obras de diversos géneros y estilos, incluso con concepciones artísticas de deformidad, corte, reorganización, misterio, absurdo y fealdad. Los ejemplos incluyen la fotografía corporal simbólica de Jerry Usman, los cuerpos aleatorios de Roger Martin, la fotografía corporal monumental original de Todd Walker, las incisiones de Robert Hennessy Chin y Kai Tak Sue Okhama, la fotografía corporal absurda de Lee··, la fotografía corporal sexy de Ninda y Congrodoni Mitchell. .