Músico: Frederic Chopin (1810-1849)
Gran músico y compositor polaco
Obra representativa: Danza Mazurka y Vals.
Me encanta la música folklórica polaca desde que era niña. Cuando tenía siete años compuse una polonesa. Cuando tenía ocho años, actuaba en el escenario. A los veinte años me convertí en un pianista y compositor reconocido en Varsovia. La segunda mitad de su vida coincidió con la caída de Polonia. Pasó un tiempo en el extranjero y compuso muchas obras patrióticas para piano para expresar su nostalgia y sus sentimientos de subyugación. Entre ellas se encuentran "Primera narrativa", "Polonesa en Bach" y otras obras heroicas relacionadas con la lucha de liberación nacional de Polonia. Hay obras de combate llenas de entusiasmo patriótico, como el Estudio Revolucionario y el Scherzo en si menor; hay obras trágicas que lamentan el destino de la patria, como la Sonata en si bemol menor; también hay obras de fantasía que añoran la patria y; familiares, como muchos nocturnos y fantasías.
Chopin se ganó la vida con el piano durante toda su vida, y casi todas sus creaciones fueron música para piano, por lo que fue llamado el "piano poeta". A menudo recaudó fondos para sus compatriotas y actuó para los nobles en el extranjero. En 1837, rechazó severamente el puesto de "pianista jefe de Su Majestad el Emperador de Rusia" concedido por Rusia. Schumann llamó a su música "un cañón escondido entre las flores", anunciando al mundo que "Polonia no perecerá". Chopin vivió una vida muy solitaria en sus últimos años. Dolorosamente se llamó a sí mismo un "huérfano polaco lejos de su madre". Antes de morir, pidió a sus familiares que transportaran su corazón a su patria.
Vida
El 1 de marzo de 1810, Chopin nació en Gelazzo Wavola, un suburbio de Varsovia. Mi padre es originario de Francia y es profesor de francés en una escuela secundaria en Varsovia. Posteriormente abrió un internado para los hijos de nobles de otras provincias que venían a estudiar a Varsovia. Mi madre es polaca y una vez trabajó como ama de llaves para un pariente aristocrático. Chopin aprendió piano con el músico checo W. Zivny cuando era niño y comenzó a actuar en público a la edad de 8 años. De 1943 a 1924 estudió teoría musical bajo la tutela de J. A.F Elsner, músico alemán y director del Conservatorio de Música de Varsovia. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1826, ingresó en el Conservatorio de Música de Varsovia y comenzó sus primeras actividades creativas. Graduado de la escuela en 1829. En ese momento, el movimiento nacional polaco estaba en su apogeo. La lucha nacional para resistir la esclavitud extranjera y luchar por la libertad y la independencia tuvo un profundo impacto en el pensamiento del joven Chopin y cultivó sus sentimientos nacionales y su entusiasmo patriótico. En marzo de 1830, Chopin interpretó su primera obra maestra "Concierto para piano n.° 2" (fa menor) en Varsovia. Ese mismo año, interpretó otra de sus obras maestras "Concierto para piano n.° 1" en su concierto de despedida en Varsovia. menor), ambas obras tuvieron éxito. El 2 de octubre de 165438+, Chopin salió de Varsovia con un puñado de arcilla polaca que le regaló un amigo, se fue al extranjero para seguir estudiando y abandonó su patria para siempre. Mientras estaba en Viena a principios de febrero, 65438 se enteró del levantamiento de Varsovia y estaba ansioso por no poder participar en el levantamiento. En ese momento quería regresar a Polonia para participar en la lucha, pero mis amigos me disuadieron y no lo hice. A principios del año siguiente viajó a París y pasó por Stuttgart cuando se enteró de la triste noticia de que Rusia había reprimido el levantamiento y había caído Varsovia. Quedó profundamente conmovido mentalmente, lo que dejó una profunda huella en sus creaciones de aquella época. . Tras llegar a París, abandonó su plan de ir a Londres y se instaló en París, donde se dedicó a la enseñanza del piano y a actividades creativas. Además de tener estrechos contactos con polacos expatriados en París, también conoció a muchas figuras importantes del mundo del arte de Europa occidental, entre ellas el poeta polaco exiliado A. Mizkiewicz, el poeta alemán H. Heine y el pintor francés E. Delacro Watts, el músico italiano V. Bellini, el músico húngaro F. Liszt y otros. No se puede subestimar el impacto de estos contactos en la vida espiritual de Chopin, especialmente su relación con la escritora francesa George Sand, que tuvo un profundo impacto en el pensamiento y la vida de Chopin. Vivieron juntos desde 1838 hasta 1846, pero su relación se rompió y vivieron juntos durante 8 años. Desde que llegó a París a principios de los años 1930 hasta mediados de los años 1940, el pensamiento y el arte de Chopin han sido muy maduros y ha logrado resultados extremadamente fructíferos en la creación. La producción creativa de Chopin comenzó a decaer en 1846. Las razones son muchas: varios reveses en el destino nacional de Polonia en los años 40, que provocaron que Chopin, que lo esperaba desde hacía mucho tiempo, sufriera un duro golpe mental y cayera profundamente en la decepción y la depresión por la ruptura de su amor; Con George Sand, la pérdida de familiares en su ciudad natal, la muerte de sus amigos cercanos y el deterioro de su salud causaron un profundo trauma en su cuerpo y mente, exacerbando su tristeza y soledad. Del 65438 al 0848, Chopin, que se encontraba en mal estado de salud, viajó a Inglaterra por un período de tiempo para participar en actividades docentes y escénicas de corta duración.
Allí ofreció su último concierto para los chinos polacos en el exilio. Después de regresar a París, su salud se deterioró rápidamente. Murió en su apartamento de París el 07 de octubre de 1849+017. Antes de su muerte, ordenó que su corazón fuera transportado a su Polonia natal para su entierro.
Los primeros trabajos están llenos de temperamento romántico, experiencia de la vida amorosa y anhelo ansioso de felicidad.
Durante el Levantamiento de Varsovia (de finales de 1830 a 1831), la creación de Chopin dio un salto. Scherzo en si menor (1831) fue compuesto mientras se encontraba en Viena. El entusiasmo patriótico suscitado por el levantamiento se entrelaza con el anhelo por los familiares en la patria, formando un poema a la vez severo y tierno. "Estudio en do menor" (comúnmente conocido como "Estudio revolucionario", 1831) y "Preludio en re menor" (1831) fueron compuestos después de conocer la caída de Varsovia, darse cuenta de la forma artística de la ira y el dolor y una estricta limpieza y entrenamiento. Un alto grado de perfecta unidad, convirtiéndose en una obra maestra de la creación musical antigua de Chopin. Al mismo tiempo, el Preludio en la menor está lleno de confusión y la concepción musical es extraña y novedosa.
Durante el apogeo de Chopin en París (1832 ~ 1845), el profundo contenido nacional, la forma artística original y el hábil estilo musical de Chopin llevaron su arte al nivel de competencia en sus creaciones durante este período. Sus creaciones abarcan diversos géneros de música para piano, desde estudios, preludios, mazurcas, polonesas, nocturnos, valses, improvisaciones, hasta baladas, scherzos y sonatas más complejas, consiguiendo fructíferos resultados artísticos. Entre ellos, el tercer movimiento, "Marcha fúnebre", es uno de los capítulos más populares de la música de Chopin y conmemora a los mártires que dieron su vida por la liberación nacional durante el Levantamiento de Varsovia. Los nocturnos son el género más romántico entre las creaciones de Chopin. Sus primeros nocturnos estuvieron profundamente influenciados por los nocturnos del compositor británico J. Field, siguiendo un estilo musical delicado, bellísimo, elegante y bello, con un fuerte sentimentalismo romántico. Los nocturnos compuestos tras su exilio en París tienen un contenido más profundo y un estilo musical más personalizado. Su "Nocturno en do menor" (1841) se deshizo por completo de la influencia del campo. El tema es sencillo, serio y triste, y el desarrollo de la música se vuelve cada vez más dramático. Señala que Chopin ha elevado la creación de nocturnos a alturas sin precedentes, ha explorado en gran medida el potencial expresivo de los nocturnos y los ha convertido en un género musical que puede acomodar un profundo contenido social. Las cuatro baladas de Chopin fueron compuestas durante este período, algunas de las cuales están directamente relacionadas con las epopeyas y el folclore nacional polaco. Por ejemplo, la creación de la "Balada en sol menor" (1835) se inspiró directamente en el largo poema "Conrad Wallenrod" del poeta nacional polaco Mizkiewicz. Chopin capturó el carácter profundo, serio e intrépido de Warren Lord, un héroe que sacrificó su vida por la nación, así como la tensa atmósfera trágica a lo largo de todo el poema, y lo encarnó en la forma del estricto movimiento Sonata Allegro. La narrativa en fa mayor (1839) se basa en el poema de fantasía popular "Sved Shiyanka" del mismo poeta. El poema original describe a un joven cazador desagradecido que finalmente es castigado por traicionar sus votos de amor y arrastrado al fondo de un lago por el hada sueca Shiyanka. En esta balada, Chopin no intentó describir ni insinuar la historia del poema original, sino que expresó dos situaciones opuestas de manera muy generalizada, revelando la concepción artística y la atmósfera emocional del poema original a través del desarrollo del conflicto entre los dos. La polonesa es el género más intenso en la creación de Chopin durante este período. La tendencia de centrarse en los magníficos efectos externos en las primeras danzas polonesas fue reemplazada por un profundo y fuerte espíritu nacional y un estilo artístico simple, decidido y audaz. Chopin obtuvo fuerza espiritual de los héroes de la historia nacional polaca o estimuló los sentimientos nacionales al recordar el glorioso pasado de su patria y lamentar el sufrimiento del declive actual, expresando así su resentimiento interno e inspirando el espíritu nacional. "Polonesa en la mayor" (1838) es una oda a la victoria y el triunfo. El sonido pleno y poderoso corre como una orquesta, mostrando la gloriosa escena de la antigua Polonia celebrando su victoria nacional. "Polonesa en do menor" (1839) es una canción trágica que lamenta la caída de la patria. El tono emocional del tema es triste y deprimente, pero nada sentimental. La polonesa en fa menor (1841) es dramática y de gran escala, lo que está relacionado con la imaginación de las escenas de guerra nacionales en la historia polaca. Las partes trágicas y severas de apertura y cierre contrastan marcadamente con la parte media oscura y melancólica, que es única en el género poloneso. La Polonesa en La bemol mayor (1842) es la pieza musical más decidida, heroica, magnífica y majestuosa de este tipo.
El ritmo del tema es decisivo y poderoso, la melodía es cálida y heroica, y la armonía del modo mayor es clara, encarnando la imagen de un héroe nacional indomable. La parte central de la música está llena de formas vívidas, con el sonido de cascos y cuernos de caballo entrelazados para formar una escena de un antiguo campo de batalla con caballos al galope y espadas a la luz de la luna. La nostalgia del compositor por el pasado y sus sentimientos sobre la realidad se combinan para formar un sentimiento nacional creciente que no se puede reprimir.
En el período posterior (1846 ~ 1849), la creación de Chopin mostró una evidente tendencia a la decadencia. "Fantasy Polonesa" (1846) es una obra importante de este período. Aunque no tiene la voz aguda y heroica de la polonesa en "La bemol mayor", los pasajes apasionados y generosos cantados por cierto anhelo por la patria y el futuro de la nación siguen siendo muy contagiosos. Mazurka en sol menor (1849) y Mazurka en fa menor (1849) son las dos últimas obras de Chopin. La primera es una canción amable y cálida que expresa el último apego a la vida; la segunda expresa los últimos pensamientos para los familiares en la patria con un toque de tristeza.
Franz Liszt
(1811.10.22 - 1886.7.31)
Compositor, pianista, director de orquesta y activista musical húngaro, Uno de los principales representantes de la música romántica .
Franz Liszt nació el 22 de octubre en Reading, Hungría. En ese momento, Hungría era parte del Imperio austrohúngaro. El padre de Liszt era húngaro y su madre era alemana austríaca, por lo que tenía dos nombres, de escritura húngara y alemana. Liszt creció hablando alemán con su madre y no aprendió a escribir en húngaro hasta más tarde en su vida.
Liszt comenzó a estudiar música a los seis años y poco después se mudó a Viena. Fue discípulo de Antonio Salieri (o Salieri), Carl Czerny, Seberiano Reja y Bell.
En 65438-0823, Liszt llegó a París y fue influenciado por las ideas de escritores y artistas románticos como Hugo, Ramadan y Chateaubriand, y anhelaba la revolución burguesa. En música, abogó por la música titular y creó el género de la poesía sinfónica, incluidos 13 poemas sinfónicos como "Tasso", "Preludio" y "Hungría".
Bajo la influencia de Paganini, Liszt compuso diecinueve rapsodias húngaras y diez estudios para piano. Estableció los principios del Nuevo Romanticismo opuestos al ambiente académico y a las costumbres ciudadanas, y apoyó las creaciones de compositores como Albéniz, Smetana, Chopin, Berlioz y Wagner. Se dice que después de escuchar su actuación, Beethoven admiró tanto su genio que una vez subió al escenario para abrazar y besar a Liszt, lo que se convirtió en una buena historia sobre el crecimiento musical de Liszt.
Desde 1848 vivió en Weimar y ejerció como director musical de la corte de Weimar, viajando frecuentemente entre Roma y Budapest. En 1876, fundó el Conservatorio Estatal de Música de Budapest y fue su director.
El 31 de julio de 1886, Lister murió de neumonía en Bayreuth.
La tendencia democrática progresista en las actividades creativas de Liszt está relacionada en gran medida con el movimiento de liberación nacional húngaro. La pieza para piano "Rapsodia húngara" es inseparable del nombre de Liszt, al igual que el vals es inseparable de Strauss y la sinfonía es inseparable de Beethoven. Las obras de Liszt son ricas en color e imaginación, explotan plenamente la función acústica del piano y exigen mucho las habilidades del intérprete. Como el pianista más destacado de su época, hizo grandes contribuciones al desarrollo de la música para teclados. En sus obras posteriores utilizó por primera vez el lenguaje armónico muy utilizado en el siglo XX. Su música para piano se ha incluido en el tesoro mundial de la literatura sobre música clásica para piano.
Las diecinueve obras para piano "Rapsodia húngara" compuestas por Liszt ocupan una posición particularmente importante en sus obras para piano. Estas obras no sólo dan pleno juego a la expresión musical del piano, sino que también constituyen un excelente ejemplo musical para la creación del género de la rapsodia. Estas obras se basan en las canciones y danzas folclóricas de Hungría y los gitanos húngaros, y han sido procesadas y desarrolladas artísticamente, por lo que todas tienen colores nacionales distintivos. Estas piezas musicales tienen estructuras refinadas y ricas ideas musicales. El lenguaje y la expresión musicales están estrechamente relacionados con la música de baile country húngara y la música rap urbana. Aunque la forma de la música cambia de vez en cuando, la imagen de la música es siempre distinta y simple, reflejando la perfecta unidad de la belleza natural y la belleza artística.
Fue el primer músico nacional en elevar el sonido nacional húngaro a nivel mundial.
Tiene pensamientos patrióticos y democráticos, una pasión por cambiar su vida y emociones negativas de duda y decepción, pero las primeras suelen ser dominantes, no las segundas. Liszt fue contemporáneo de Chopin, pero abandonó su patria antes que Chopin, por lo que sus pensamientos y creaciones no pueden clasificarse simplemente en la "Escuela de Música China". Sin embargo, como húngaro, Liszt estaba sinceramente preocupado por la causa de su patria; la historia nacional, los héroes y los tonos y ritmos de la música folclórica se reflejaban y utilizaban vívidamente en sus creaciones; Europa del Este El fuerte apoyo y estímulo de los jóvenes compositores del norte de Europa y Rusia le permitieron desempeñar un papel positivo en la promoción del desarrollo de los géneros musicales nacionales europeos. En su tierra natal la gente siempre lo respeta como un gran "artista nacional".
Liszt creó la forma de poesía sinfónica. Escribió 13 poemas sinfónicos y fue uno de los fundadores de la tecnología pianística moderna.
Las obras más importantes de Liszt incluyen "Sinfonía de Fausto", "Sinfonía de Dante", "Rapsodia húngara", "Preludio sinfónico", "Majepa", "Dos conciertos para piano" y "Sonata para piano en Si en clave menor". , "12 estudios de súper técnica" y "Años de viaje".
Berlioz
Héctor Berlioz Berlioz (1803-1869)
Compositor francés, romántico francés El principal representante del género musical marxista.
1803 65438+ ¿Nació el 11 de febrero en La C, Francia? Te-St-André, Isère, murió en París el 8 de marzo de 1869.
En 1803, Berlioz nació en el seno de una familia de médicos en un pequeño pueblo del sur de Francia. Vivió en una zona rural cuando era niño y la vida rural le dejó una impresión profunda e inolvidable. No ha recibido educación musical profesional desde que era niño y sólo le gusta tocar la flauta y la lira. Berlioz estuvo expuesto por primera vez a la música religiosa. No creía en Dios, pero quedó profundamente conmovido por el estilo majestuoso y la profunda expresividad de la música religiosa.
En 1821, Berlioz siguió la orden de su padre y fue a París para estudiar medicina, pero no tenía ningún interés por la medicina. Al final, a pesar de la firme oposición de sus padres, decidió abandonar la facultad de medicina e ingresó en el Conservatorio de París en 1826, donde estudió con Leshur, que había escrito muchas obras para la Revolución Francesa. Pero lo que más le atrajo fueron los intelectuales progresistas nacionales y extranjeros que se concentraban en París en aquella época, como Hugo, Balzac, Heine, George Sand, etc. Le gustaba especialmente leer los poemas de Virgilio y escuchar las obras de Liszt, Paganini y Chopin.
1830 fue el año más significativo para Berlioz. En este año se produjeron en París tres revoluciones que conmocionaron a Europa. Una revolución política empujó a Luis Felipe al trono del "emperador civil" de Francia, y una revolución literaria y dramática puso en escena con éxito el drama romántico "Onani", que empujó a Hugo al trono espiritual de Francia. Luego vino la Sinfónica Fantasía, cuya exitosa interpretación desató una revolución musical y verdaderamente estableció a Berlioz como el padre del género musical romántico radical francés. Fue en este año que Berlioz ganó el Premio de Roma del Conservatorio de París, pero la obra ganadora se llamó "Schadenabelle". El coro no representa el estilo creativo de Berlioz. Fue compuesto por él para ganar premios y atender a principios académicos conservadores. Lo que verdaderamente representa el estilo de Berlioz es la interpretación de esta primavera de la "Sinfonía Fantástica", que marca la innovación de esta sinfonía histórica. Pero se dice que los premios en el Conservatorio de París se celebraron bajo fuego revolucionario. Cuando Berlioz recibió el premio y abandonó la escuela, el Louvre había sido ocupado por el ejército revolucionario. Inmediatamente aumentó las filas de los insurrectos, arregló los instrumentos para "La Marsellesa" y la dedicó a "todos aquellos que tienen cuerdas vocales, corazón palpitante y sangre corriendo por sus venas". A partir de entonces, Berlioz formó un vínculo indisoluble con la música popular del período revolucionario. Nunca pierde ninguna oportunidad de hablar ante las masas y, a menudo, participa u organiza actividades musicales masivas.
En 1832, Berlioz regresó a París después de estudiar en Italia. En 1845, en Italia, Alemania y Austria, entró en contacto con las costumbres, la cultura, la poesía y la música populares locales, que tuvieron cierta influencia en sus creaciones posteriores. Durante este período, comenzó su apogeo creativo. Completó la Segunda Sinfonía "Harold en Italia" (viola y orquesta) en 1834, la Tercera Sinfonía "Romeo y Julieta" (solo, coro y orquesta) en 1839, y la Cuarta Sinfonía "Funeral y orquesta" en 1840. "Triunfal Sinfonía".
El aspecto dominante de las obras de Berlioz es su búsqueda de la democracia y la libertad, su anhelo de felicidad y su pasión por la revolución. Por supuesto, para Berlioz, el futuro de los ideales y de la vida era sombrío después de todo. En sus obras, a menudo revela su insatisfacción, sospecha e indignación hacia la fea realidad, exponiendo y satirizando la oscuridad.
Berlioz es uno de los compositores románticos más representativos y destacados directores de orquesta de Francia. También mostró un talento destacado en el trabajo crítico. Sin embargo, la vida de Berlioz transcurrió entre dificultades materiales y sufrimiento espiritual.
En la Francia del siglo XIX, ¡ningún músico tuvo un destino más trágico que Berlioz! Tuvo que luchar duro para sobrevivir. Tuvo que planificar personalmente sus conciertos y realizar negociaciones comerciales. Tuvo que escribir artículos y reseñas para suplementos periodísticos para complementar sus escasos e inestables ingresos. Tuvo que soportar el dolor del dinero más urgente.
“Las contradicciones sociales del capitalismo son más agudas en Francia que en cualquier otro lugar, y las dificultades y la soledad de los artistas son más trágicas. Berlioz escribió una vez: “¡Siento que quiero gritar, ven y sálvame!” ...oh, la cruel enfermedad (yo la llamo enfermedad moral, neurológica, imaginaria, todo lo posible aislante) me va a matar algún día. ....."Berlioz sintió profundamente el hecho de que si el régimen reaccionario de Metternich encarceló a Schubert en una dura escena invernal, entonces el mundo exterior de Berlioz en su mente era como un infierno lleno de demonios. Berlioz una vez dudó de su fe en la revolución y perdió su confianza en ganar la lucha Se enajenó al pueblo revolucionario y se entregó a creencias religiosas para encontrar una salida. Aunque en este momento ya no mostró la alegría de la lucha y la victoria, tiene confianza, pero no se ha puesto el manto de. apoteósica por su soledad, ni ha caído en el pesimismo y la desesperación. Siempre ha tenido una actitud positiva ante la vida y ha estado luchando por su "destino".
Desde el principio, Berlioz vivió en. Durante mucho tiempo viajó por varios países europeos y viajó por Alemania, Italia, Rusia, Inglaterra y Austria. No sólo fue compositor, sino también director de orquesta hasta que en 1868 viajó a Mónaco y Túnez. Tras regresar a París, enfermó gravemente y murió en París el 8 de marzo de 1869.
Entre el legado musical de Berlioz, la sinfonía ocupó el primer lugar. Escribió cuatro sinfonías y muchas otras obras orquestales. que heredó directamente la tradición sinfónica de Beethoven. También mostrando su audaz innovación, creó su propia sinfonía nueva, es decir, agregando un título al comienzo de la sinfonía y a cada movimiento (a veces el título está escrito con gran detalle), para acercar la música. y la literatura, y trató de utilizar el lenguaje musical para expresar las imágenes vívidas y concretas descritas en la literatura, haciendo que la expresión del instrumento sea más concreta y profunda.
Berlioz comparó la sinfonía del título con la sinfonía clásica. entre ellos y enfatiza el contenido estándar de la música. Cree que los títulos de las canciones son requisitos democráticos que pueden hacer que la música sea universalmente entendida. Para él, no hay música sin contenido y títulos. Por eso, distingue sus ideas artísticas progresistas de la vulgaridad estrecha. luchó con sus puntos de vista artísticos y reflejó profundamente la compleja y contradictoria mentalidad de los intelectuales pequeñoburgueses radicales franceses de la época con nuevas formas artísticas, expresando su "espíritu rebelde". Amplió audazmente el equipamiento de la orquesta y le dio a la sinfonía un nuevo timbre. y efectos de banda, abriendo un nuevo camino en melodía y armonía. Todo esto tuvo un impacto muy importante en la cultura musical europea posterior.
Berlioz dedicó su vida a la creación de música principal. Fantasia", "Sinfonía funeraria y triunfal", "Preludio de la Orquesta del Carnaval Romano", "Preludio del Rey Lear", "Preludio del Pirata", El método de orquestación de la "Opera Benvenuto Cellini", "Ashurst", "Troya" y el drama legendario " "La caída de Fausto" es elogiada por el mundo como modelo de la teoría de la tecnología de la composición moderna.
Autor de "Una noche en la orquesta" (publicado en febrero de 1852), "La rareza de la música" (publicado en marzo de 1859), y "Memorias" (publicada en junio de 1870, la segunda edición se publicó en junio de 1878)
Berlioz compuso muchas obras musicales, pero pasó toda su vida en la pobreza, el hambre y el frío. Desafortunadamente, perdió a su esposa e hijos en sus últimos años y finalmente murió trágicamente en París.
Sin embargo, el nombre de Berlioz está junto al del maestro literario romántico francés Hugo y el pintor romántico Delacroix, y puede considerarse uno de los tres maestros románticos franceses más destacados.
Pintor:
Eugène Delacroix (26 de abril de 1798 ~ 3 de agosto de 1863) fue un famoso pintor francés.
1798 nació el 26 de abril de 1998 en Charenton-Saint-Maurice, a orillas del río Ródano, en el sur de Francia. Delacroix vivió en un ambiente artístico desde niño y recibió diversas educaciones. Su padre C. Delacroix era abogado y diplomático. Fue embajador de Francia en los Países Bajos y gobernador de Marsella. El amor de su madre Tua-Oban por la música también influyó directamente en Delacroix en su infancia, y la música se ha convertido en algo indispensable en su vida. Entre los músicos de la época, los que más le gustaban eran F. F. Chopin y G. Rossini. Tenía una profunda amistad con Chopin, y lo llamaba "el mejor ejemplo de un verdadero artista que jamás haya visto".
Delacroix no sólo respetaba a los artistas progresistas contemporáneos, sino también a los maestros antiguos muy respetados. Pudo introducirse en el mundo del arte gracias a la ayuda de su tío J.-H. Como alumno de J.-L. David, Rizner descubrió su talento artístico y lo animó a estudiar en el taller de P. Guérin en la Academia de Bellas Artes en 1816. Allí conoció a T. Gregory, el pionero del romanticismo, y quedó profundamente influenciado por él. Se relacionó con el pintor histórico A.-J. Groh y el pintor realista F. Gerard; leyó extensamente, especialmente las obras de Dante, Shakespeare, Byron y Scott; contribuyó a las ilustraciones de "Fausto" de Goethe. "fueron elogiados por el viejo Goethe; elogió a Miguel Ángel, Tiziano, Rembrandt, Velázquez, y admiró especialmente a Rubens y Constable. Mantuvo una estrecha amistad con el poeta C. Baudelaire y admiraba el genio de W. A. Mozart. Tan pronto como toma el pincel, su pasión romántica estalla como un volcán en crecimiento, lanzando un fuerte grito. Pintaba como un león que se traga a su presa de un solo aliento, por eso la gente lo llamaba el "león romántico".
Nadie puede compararse con Rembrandt en cuanto a la profundidad e intensidad de la expresión de emociones; en cuanto a la expresión de la intensidad y el impulso del movimiento, excepto Rubens, pocas personas han alcanzado su nivel de conmoción; uno, pero Miguel Ángel tenía el talento de convertir cuestiones contemplativas y morales abstractas en imágenes artísticas.
Delacroix estudió pintura con el famoso pintor clasicista francés Jacques-Louis David, pero admiraba las pinturas de colores fuertes del pintor holandés Peter Paul Rubens. Influenciado por el pintor contemporáneo Gregory, Delacroix desarrolló con entusiasmo el papel del color y se convirtió en un representante típico de la escuela romántica. Sus pinturas tuvieron una gran influencia en el estilo de los pintores impresionistas posteriores y de Van Gogh. Su famoso cuadro "La libertad guiando al pueblo" es un eco de la famosa obra "Los Miserables" del escritor romántico Victor Hugo. La pintura está impresa en el billete de 65.438+000 francos y en el sello de 65.438+0980 francos emitidos por el gobierno francés. Se dice que el pintor impresionista se benefició del uso del color en la espalda de una mujer en el primer plano de Los cruzados entrando en Constantinopla. Su primera obra "La masacre de Chia" fue exclamada una vez por el pintor clasicista Jean-Baptist-Camille Corot: ¡una masacre de colores! . Una vez pintó un famoso retrato del músico polaco Chopin. Viajó a Argelia y África, creó un gran número de obras exóticas e incluso se coló en la trastienda de un musulmán para pintar "La mujer argelina".
Delacroix murió en París el 3 de agosto de 1863 y fue enterrado en el cementerio Père Lachaise. Dejó un diario de Delacroix que contenía investigaciones en profundidad sobre la ciencia del color.
Delacroix es el orgullo del pueblo francés. La mayoría de sus obras se conservan en el Museo del Louvre de París, que cuenta con varias salas de exposición dedicadas a la preservación de sus obras.
El pintor romántico británico Richard Parkes Bonington es mejor conocido por sus paisajes y pinturas históricas.
Su padre le enseñó a pintar a Bonnington desde que era un niño. Posteriormente, su familia se mudó a Calais, Francia, para ganarse la vida. Estudió acuarela con Francois-Louis Thomas Franca en Leponin, Canadá, y se mudó a París a la edad de 65 años, 438+05. El Louvre se convirtió en el lugar de estudio de Bonington, donde conoció a Delacroix (pintor romántico francés). Estudió en la Academia de Bellas Artes de 1820 a 1822, y participó en el Louvre por primera vez en 1822.
Logros artísticos
Bonnington fue un pintor joven y prometedor durante la prosperidad de la acuarela británica en el siglo XIX. Sólo vivió 27 años y expuso 9 obras en su propio país, pero recibió grandes elogios y ganó un lugar glorioso entre los artistas de primer nivel en Gran Bretaña y Francia.
Siguiendo a Thomas Gilding (1775-1802) a finales del siglo XVIII, sentó las bases del color de la acuarela británica a principios del siglo XIX y la hizo madurar. Cuando era joven, se mudó a París con su familia. Sus obras fueron muy apreciadas por sus colegas franceses y ganó numerosos premios, convirtiéndose en el fundador de la acuarela francesa.
Su estilo ha sido imitado por Gran Bretaña y Francia, donde tiene una gran influencia.
Creadas en su apogeo
Las acuarelas de Bonnington son ligeras y elegantes, y utilizan colores claros y colores solemnes alternativamente, lo que hace que una pequeña imagen presente una magnífica escena de montaña y río.
La obra representativa "Bajo el acantilado" fue pintada en 1828. Se trata de un acantilado costero cerca de la ciudad de Semmlich, que siempre ha sido famosa por los desastres de las mareas. Las pinturas de Bonington no son grandes, pero aprovechan al máximo la capacidad de la acuarela para captar rápidamente las imágenes vívidas de los cambios instantáneos. Son concisas, implícitas y conmovedoras. Lamentablemente, murió de una enfermedad pulmonar provocada por el exceso de trabajo poco después de terminar este cuadro. Tenía sólo 27 años. Este joven y talentoso pintor no sólo inspiró profundamente a los pintores jóvenes, sino que también todos los acuarelistas admiraron sus logros artísticos. Por ejemplo, "Mil millas de ríos y montañas" de Wang Ximeng, un joven pintor que murió a comienzos de la dinastía Song de nuestro país, dejó un valioso legado para la historia de la pintura en nuestra patria.
El famoso pintor francés Gulique (1792-1824) fue el fundador de la escuela de pintura del Nuevo Romanticismo.
Gillick nació en Rouen, Francia, y se mudó a París con su familia cuando era joven. En 1808, estudió pintura con el famoso pintor de caballos Vernet. En 1810, entró en el estudio de Guérin, conoció a Delacroix y fue con frecuencia al Louvre para copiar obras maestras de maestros antiguos. Desde joven se ha interesado mucho por los caballos y las carreras, utilizando a menudo bocetos para captar las posturas de los caballos en movimiento. Su medalla de oro "Oficial de Húsares" fue pintada a la edad de 21 años. 1814 Exposición de caballería pesada herida. Las primeras litografías de animales se crearon en 1817.
"La balsa de Medusa", que creó a finales de la primavera y el verano de 1818 y exhibió en el Salón Nacional (Exposición de Arte Francés) en 1819, se considera una importante obra representativa de la pintura romántica. marcando la verdadera formación de la escuela romántica de pintura. La pintura provocó un acalorado debate en el mundo del arte y en la opinión pública. Refleja el incidente en el que el acorazado oceánico francés Medusa encalló y se hundió frente a las costas de África. En julio de 1816, el Medusa encalló con más de 400 personas a bordo porque el gobierno nombró capitán a un noble que no sabía nada de navegación. El capitán y los oficiales superiores escaparon en botes salvavidas, mientras que los pasajeros y marineros abandonados estuvieron a la deriva en balsas improvisadas durante 13 días. Sólo 10 personas fueron rescatadas. Esta obra se basa en temas de la vida real, muestra la preocupación del pintor por el destino humano y el espíritu humanitario, y expone las fallas del incompetente gobierno francés, dándole así una fuerte metáfora política. Los dos triángulos inclinados hacia adelante y hacia atrás en la obra, y el fuerte contraste de luces y sombras, hacen que la escena sea asombrosa y llena de poder trágico, junto con las olas y las nubes, toda la pintura está en línea con el estilo estático y solemne; de la pintura neoclásica. Los estilos son muy diferentes. Su aparición hizo que la pintura francesa, ligada al neoclasicismo, fuera refrescante.
Guillet sólo vivió 33 años. En su corta vida dejó 191 óleos, 180 bocetos, 100 litografías y 6 esculturas, entre ellas "Carreras de caballos", "Mercado de esclavos" y la litografía Britannia fue ampliamente aclamada. .