En el siglo XV, los disturbios políticos y religiosos y la invasión británica dividieron Francia en tres partes: la región norte bajo ocupación británica; Borgoña con Dijon como centro y Flandes como territorio; esquina de Bourges. Los monarcas franceses, casi sin excepción, amaron y protegieron el arte, lo que finalmente provocó que el Renacimiento de Flandes se desplazara hacia el sur a lo largo del río Sena y se extendiera a Dijon, Lyon y Aviñón. Como cuna del arte gótico, Francia ha dotado durante mucho tiempo al arte religioso del poder expresivo más sublime en la arquitectura. En esta época, aunque estaban fascinados por los logros del Renacimiento italiano, los artistas no podían olvidar la tradición e integrar Francia y el budismo. . Landes, los elementos conmovedores del arte italiano se unen para producir sus propias obras maestras.
El escultor más destacado de Borgoña, Sluter (1350-1406), mostró un talento extraordinario en la tumba de Felipe el Intrépido "La Virgen con el Niño" y la escultura colectiva "Los Seis Profetas" de la academia es suya. Obras apasionadas. Su profunda descripción psicológica lo convirtió en el principal representante de la corriente realista en el arte del siglo XV.
Los escultores de Tours completaron la transición del renacimiento al clasicismo. "San Jorge matando al dragón" de Colombo (co.lombe, 1431-1512) y sus obras en la catedral de Nantes y François Las estatuas de la El mausoleo de Nise es poderoso pero elegante, lo que demuestra que el artista no sólo era muy expresivo sino que también perseguía la perfección de las figuras humanas.
La característica común de las esculturas francesas de los siglos XV y XVI es que son muy decorativas. Fueron creadas para la arquitectura y se integraban con las líneas del edificio. Esto se refleja en Goull.jon, 1510-. 1572) se refleja mejor en las obras. La "Cariátide" y la "Diana con el ciervo" del Louvre y los relieves decorativos del Palacio Fontainebleau tienen formas exquisitas y líneas elegantes, y la sensualidad del manierismo trae la forma noble de la antigua Grecia. Si la obra "Tumba de Debreze", de cuando tenía 29 años, todavía tiene cierta influencia florentina en sus detalles, entonces el relieve "Sílfide" de la Fuente de los Santos de París, 10 años después, no puede ser más clásico. Curvas suaves y vestidos empapados de agua recrean el hermoso y esbelto cuerpo femenino de la antigüedad. Otro maestro escultor, Pilón (1534-1590), a la edad de 26 años, reflejó la tendencia principal del arte francés con el Monumento al Sagrado Corazón de Enrique II. Dos años más tarde, volvió a demostrar sus habilidades en la tumba de Enrique II. La estatua de la reina arrodillada sobre la tumba daba a la gente una belleza italiana, mientras que la estatua yacente del difunto debajo tenía un espíritu nórdico y hábitos góticos. Los sentimientos religiosos, las creencias leales y las lamentaciones sobre la brevedad de la vida se expresan de manera concisa y poderosa. La tumba de Pirag, el Canciller del Sello, para su difunta esposa es una obra de Pilón en sus últimos años. La estatua arrodillada de Pirag arriba es profunda y elegante, y el relieve "Cristo expuesto" es aún más poderoso y casi convulsivo. Es una combinación perfecta de temas clásicos italianos y tradición francesa.
La región de Provenza, situada entre Italia y España, se ha convertido en un lugar de encuentro de diversas culturas desde que el rey francés hizo de Aix su capital y el Papa hizo de Aviñón su capital en el siglo XV. "Lamentación de Cristo" fue pintada por el famoso pintor de la escuela provenzal Quarton (en Aviñón después de J447). Los personajes de la pintura tienen características distintas, y la postura afligida de la Virgen María es conmovedora. El pintor utilizó hábilmente el dobladillo de la ropa negra y el cuerpo rígido de Cristo para conectar las cinco figuras. Las líneas y técnicas exageradas del estilo gótico tardío también son muy diferentes de las de Flandes, dando a la gente una sensación fresca y vívida.
El arte francés desarrollado en el Valle del Loira a partir de ilustraciones manuscritas y pinturas sobre vidrieras de iglesias alcanzó un gran éxito en la segunda mitad del siglo XV. Fouquet de Tours (1420-1480) pintado por Chevalier "Libro de oraciones" y el "Retablo Díptico de Meulun" hicieron que el arte francés fuera único. Las formas geométricas estrictas y cambiantes y los colores abstractos de "La Virgen y el Niño" no sólo reflejan la extraordinaria imaginación del pintor, sino que también marcan el desarrollo del gusto francés hacia el clasicismo. Sus otras dos obras maestras, "Carlos VII" y "Retrato de De Hugelson", demuestran que este destacado retratista se siente igual de cómodo tanto sobre manuscritos como sobre tablas de madera, ya sea con gelatina o pintura al óleo.
Ahora es seguro que el "pintor de Moulins" fue Prevost (en Moulins en 1502), cuyas obras "La Magdalena de Borgoña y Santa Magdalena" " y "Los niños que oran" han alcanzado alturas poco comunes en términos de representación psicológica y atención a la forma.
Dos maestros italianos, Roc (1494-1540) y Primaticeio (hacia 1504-1570), aceptaron el trabajo de decoración interior del Palacio de Fontainebleau en Francia. Sé leal y sabio, y dedica todos tus esfuerzos. Diseñaron y participaron en la producción de frescos, tapices, relieves y todo tipo de decoraciones tan exquisitas que incluso Italia quedó eclipsada. Rosseau ideó ingeniosamente una nueva forma que combinaba frescos y adornos de estuco. Como marco del mural, la cortina gris y la figura humana en alto relieve que rodean la imagen central ya no sirven puramente como decoración, sino como complemento del significado de la pintura. Amplian la imagen por todos lados, a veces incluso incluyendo las ventanas de ambos lados. Lo que es aún mejor es que conectaron las pinturas y combinaron la mitología antigua con los grandes logros de Francisco I a través de metáforas y simbolismos.
Primatigio llegó a Francia en 1531 y trajo la elegancia del manierismo parmosano a Fontainebleau. Tras la muerte de Rosseau en 1540, asumió la dirección de todo el proyecto. Los murales del palacio "Elefante decorado con lirios", "Barnes" y "Lluvia dorada" son frescos y fluidos y reflejan mejor su estilo. El estudiante Abate (1509-1571), que vino a ayudarle en su trabajo en 1552, tenía un estilo de pintura más libre y sencillo, y su obra "El rapto de Proserpina". "La abstinencia de Scipion" le da al esbelto cuerpo del maestro una pincelada refrescante y agradable.
Caron (1521-1599), el pintor más singular de la Escuela de Fontainebleau, fue él mismo un destacado director de teatro y mantuvo una estrecha relación con los poetas de la Escuela de las Estrellas. Su amplia alfabetización cultural le hizo destacar. afuera. Comenzó a pintar en Fontainebleau en 1540. Si bien concedía gran importancia a la perspectiva y la composición, utilizó descripciones de escenas realistas y fuertes metáforas para dar a sus obras un evidente sabor surrealista, combinando las líneas suaves de la Escuela del Norte con la luz y la oscuridad de la Escuela del Sur. Escuela La fusión de expresiones hace único el manierismo francés. "La masacre bajo el triunvirato" utiliza extraños arreglos escénicos y un tono sombrío para describir los trágicos asesinatos de protestantes. Está muy interesado en fenómenos naturales especiales y le gusta representar tormentas sangrientas como presagio de desastres, creando una atmósfera de ansiedad y terror. En el cuadro "El adivino de Tibur", hizo que el emperador Augusto se arrodillara y escuchara con piedad y asombro las profecías sobre la aparición de la Virgen y el Niño. En la imagen se incluyen una gran cantidad de famosos edificios y esculturas de la antigua Roma, incluido el trono que simboliza el poder imperial, y varias formas geométricas se apilan según la perspectiva. Su meticulosa representación del trono, el color negro casi plano y la base esculpida de un solo trazo crean un inesperado y extraño efecto de contraste, mostrando su extraordinaria imaginación y espíritu creativo.
Cousin pere (1490-hacia 1560, Cousin fils, hacia 1510-1589) son pintores famosos de la escuela de Fontainebleau. La obra maestra de Lao Guzan "Eva frente a la botella de Pandora" retrata al antepasado de la humanidad, que siempre aparece presa del pánico, como una diosa pacífica y elegante. La tranquilidad y la profundidad del paisaje realzan el misterio del tema. "El Juicio Final" de Guzan utiliza la arquitectura románica como entorno, con innumerables figuras en los pisos superior e inferior que recrean la magnífica escena del Retablo Sixtino de Miguel Ángel. Es bueno para manejar la relación entre las personas y el paisaje y las escenas caóticas y complicadas.
El autor de "Las hermanas Estère" ahora se desconoce. Los desnudos Cabariel y Estère del cuadro eran las concubinas favoritas del rey Enrique IV. Murieron al dar a luz en 1599. La escena muestra a dos hermanas vistiéndose detrás de las cortinas de una gran cama, y a una mujer ricamente vestida al fondo de la habitación cosiendo frente a una gran chimenea. La mano de la figura apretando el pecho implica que la concubina espera concebir un hijo. La pasión del pintor por la representación detallada y la exageración de la disparidad de tamaño entre figuras cercanas y lejanas reflejan perfectamente la tradición realista de la Escuela del Norte.
Al mismo tiempo, el pintor absorbió hábilmente los logros del Renacimiento italiano en anatomía y perspectiva. Las manos de las figuras son particularmente maravillosas, llenas de variedad y expresivas. Aunque el cuerpo humano no se mueve violentamente, tiene una forma firme, completa y delicada. Esta técnica de utilizar la quietud de la figura como símbolo se desarrollaría en la pintura francesa durante el siglo siguiente.
Entre las obras desconocidas más destacadas de la Escuela de Fontainebleau se encuentran "Diana la Cazadora" y "Mercy". Representan el estilo de la época a través de sus cuerpos feminizados al estilo Miguel Ángel y figuras de diosas de cuello largo, mostrando una frescura bastante seductora. "El vestido de Venus" es una obra ligeramente posterior. Marca el hábil uso de las técnicas por parte del pintor francés. Su expresión de la sutil relación entre la luz y la oscuridad y el cuerpo humano es indistinguible del manierismo italiano.
El retrato francés de esta época tuvo logros admirables y se convirtió en el resultado de que la escuela francesa de pintura absorbiera influencias extranjeras con sus magníficas habilidades realistas. El genio representante es Francois Clouet (alrededor de 1505-1572). Las técnicas de pintura flamenca que aprendió de su padre formaron el tema principal del arte de Chloe, y su atención al arte italiano, holandés y alemán lo hizo amplio y profundo. La representación del oponente en la obra maestra de la mayor Cloe, "Retrato de Francisco I", es mucho más emocionante que el resto de la pintura, lo que lleva a los historiadores del arte a inferir que debería ser obra de la joven Cloe. En 1541, la joven Cloe sucedió a su padre como pintora de la corte y dibujó una gran cantidad de bocetos al carbón negro y marrón. Los personajes tienen diferentes expresiones y personalidades, y las líneas refinadas y vívidas son verdaderamente únicas en el arte europeo. Los óleos "Retrato de Francisco I" e "Isabel de Austria" son dignos de ser representantes de la escuela de pintura francesa por el estilo constante de la pintura, la mano de obra meticulosa, la integridad de cada parte y la exquisitez de las pinceladas. . Los hilos de oro y plata en la armadura y la montura del rey, las perlas usadas por la reina y el intrincado encaje tan fino como alas de cigarra se explican claramente, pero toda la obra no pierde su grandeza. Los trajes exquisitos reflejan a los majestuosos caballeros y a las mujeres tranquilas y elegantes, y les confieren un simbolismo cortesano ligeramente abstracto. El cuadro de género de Cloe "El baño de Diana de Poitiers" también tiene las mismas características. Se adhiere estrictamente al estilo realista, que se diferencia de la ensoñación italiana y el intelectualismo de la época. Finalmente encuentra un equilibrio entre la nobleza clásica y el gusto realista, la búsqueda decorativa y la expresión artística, y es digno del nombre de estilo francés.
Las pinturas mitológicas y alegóricas que han dominado la escena artística francesa desde 1530 se desarrollaron nuevamente y alcanzaron un clímax en la segunda mitad del siglo XVI cuando Enrique IV ascendió al trono y reconstruyó el Palacio Fontainebleau. Dubreuil (aproximadamente 1561-1602), Dubois (aproximadamente 1542-1614) y Fréminet (1567-1619) fueron los tres pintores más destacados de aquella época, conocida como la segunda generación de la Escuela de Pintura de Fontainebleau. El "Sacrificio antiguo" pintado por Dubreuil cuando era el principal pintor de la corte tiene una composición extraña. Utiliza figuras poco convencionales en el borde del cuadro para formar un anillo, lo que realza lo repentino del milagro. asombroso. . Dubois, el pintor de la corte que le sucedió, dejó para palacio "La Historia de Clolinda", "La Historia de Diana y Caricles" y los murales de la Galería Diana. Su principal característica reside en la expresión de la luz, y la intensidad de los colores llega en ocasiones al punto de hacer sentir un poco extraño a la gente. La obra representativa de Freminet es la pintura del techo de la iglesia del palacio, terminada en 1608. A diferencia de los dos primeros pintores, prefiere los efectos de modelado sólido y las técnicas exageradas y fantásticas. Las creaciones a gran escala de estos tres pintores en Fontainebleau constituyeron la etapa final del manierismo internacional. ¿Virgen y Niño Fouquet 1451?