Autor: Li Liyang
Editor del libro: People's Fine Arts Publishing House
Etapa de reserva: 10 etapas de finalización
Libro original precio: £39,00
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Una mirada a la relación entre arte y diseño desde la perspectiva del arte pop
En La sociedad actual, las nuevas tecnologías y los nuevos materiales La aplicación se ha convertido en una característica importante del diseño. El diseño artístico en el sentido moderno depende en gran medida de la mejora de la productividad social y el avance de la ciencia y la tecnología. Se puede decir que el desarrollo del diseño artístico y la civilización material son sincrónicos. Ahora, el "diseño" se separa gradualmente del "arte" y se convierte en una disciplina artística independiente. La división social del trabajo entre diseñadores y pintores es cada vez más clara, pero al mismo tiempo debemos ver también su esencial integración entre sí.
En la larga evolución histórica previa al siglo XX, el arte y el diseño han estado incluidos durante mucho tiempo en la categoría de creación artística. La sutil relación entre las artes visuales, principalmente pintura, arquitectura y escultura, y el diseño tradicional de la artesanía recorre todo el proceso del desarrollo del arte. Hasta finales del siglo XIX, Morris, defensor del "movimiento de las artes y los oficios", planteó el lema "Trabajar codo a codo con los artistas", que no sólo revelaba la inevitable conexión entre diseño y arte, sino que también demostraba la La postura independiente del diseñador. Gropius, el primer presidente de la escuela de diseño Bauhaus, conocida como la cuna del diseño moderno, estuvo profundamente influenciado por las opiniones de Morris. Si bien enfatiza la funcionalidad del diseño, también concede gran importancia a cultivar la expresión pictórica y la creatividad en el diseño de los estudiantes. Aunque la ideología rectora de la Bauhaus ha cambiado varias veces, las ricas ideas artísticas y la estética del diseño que contiene tienen un valor eterno. Los conceptos de diseño moderno formados sobre esta base y las posteriores tendencias de diseño posmoderno continúan un pensamiento basado en el arte visual. Si echamos una mirada retrospectiva a la historia del arte, no resulta difícil ver que el arte y el diseño siempre están relacionados entre sí y se desarrollan juntos.
Si las actividades artísticas apoyadas por la pintura y la escultura han constituido ventajas tradicionales en el proceso de acumulación a largo plazo y han tenido un impacto duradero y de gran alcance en el diseño, luego de entrar en el siglo XX, el rápido ascenso de diseño moderno También proporciona referencia para la creación artística en términos de conceptos artísticos y formas de expresión, y tiene una sutil influencia en los movimientos artísticos. Como género importante del movimiento artístico moderno occidental, las características del Pop Art no hacen más que confirmar la estrecha relación entre arte y diseño. A mediados de la década de 1950, en una exposición llamada "This Is Tomorrow" celebrada en el Reino Unido, el artista Richard? Particularmente llamativo es el libro de Richard Hamilton titulado What Makes Today's Homes So Different and Attractive? Collage. Esta obra condensa las características de la cultura de consumo moderna y es el comienzo del Pop Art. Desde entonces, el Pop Art se ha desarrollado rápidamente en Gran Bretaña y Estados Unidos. En los Estados Unidos, las características del arte pop se han reflejado en mayor medida en comparación con otros pintores del género del arte moderno, el rasgo más distintivo de los artistas pop es un estilo muy distintivo que miraba al pop comercial cada vez más desarrollado. La cultura de una manera popular y expresaba directamente la vida material. Esto no fue solo una reacción al expresionismo abstracto que prevalecía en el mundo de la pintura estadounidense en ese momento, sino que también atendió a la próspera tendencia de industrialización y comercialización de los Estados Unidos en la década de 1960. Se llevaron a cabo una serie de exposiciones de arte pop como la "Exposición de artistas del nuevo realismo" y la "Exposición de imágenes populares". Es fácil ver por el título de la exposición que la actitud de reflejar la realidad objetiva y seguir la moda se ha convertido en los estándares de. Los artistas pop y la política pop británica A diferencia de su pasión por la pornografía, los artistas estadounidenses están más preocupados por la vida material próspera. Sus obras expresan más directamente la cultura de consumo y la cultura popular de la sociedad comercial. Factor en la prosperidad del arte pop estadounidense En el contexto de la fuerte cultura comercial en los Estados Unidos, el arte pop representado por Andy Warhol y Roy Liechtenstein ha atraído una amplia atención por su carácter único de arte popular y su afinidad con el arte pop. El concepto de "arte por el arte" está en consonancia con el diseño moderno en términos de contenido, técnicas formales y conceptos estéticos. Analicemos las similitudes entre el arte pop y el diseño.
1. Contenido de actuaciones populares
Después de la guerra, la prosperidad económica de Occidente y la prosperidad de la cultura popular urbana proporcionaron a los artistas pop ricas fuentes de inspiración para la cultura popular comercial y moderna. ciudades La vida se convierte en su pasión. Transferir objetos e imágenes de la vida real es una forma importante de crearlos. El artículo de Hamilton "¿Qué hace que las casas de hoy sean tan diferentes y tan atractivas?" se menciona anteriormente. , muestra a la gente una escena de la vida compleja y absurda: en un apartamento moderno hay un hombre con miembros fuertes y una chica desnuda. En la habitación había un televisor, una grabadora, cómics, insignias de Ford y anuncios electrónicos... En la pantalla grande, fuera de la ventana, se proyectaba una película sobre jazz. El hombre que parece un culturista en el centro de la imagen sostiene una enorme paleta con la palabra "pop" escrita (que es a la vez el sufijo de "lollipop" en inglés y la abreviatura de "fashionable" en inglés). Estas imágenes de moda llenas de imágenes fueron cortadas directamente de fotografías y carteles y luego ensambladas. ¿Y otro artista pop estadounidense, Robert? Roberto Rauschenberg,
Es más directo utilizar cosas ya hechas para integrarlas en sus propias obras. Por ejemplo, su obra "Cama" está compuesta por objetos cotidianos de la vida cotidiana como sacos, edredones, sábanas y almohadas. Además de su amplio uso de objetos encontrados, los artistas pop también tenían una afinidad especial por las imágenes culturales de moda. ¿Con el artista pop estadounidense Andy? ¿Warhol y Roy? Tomemos como ejemplo a Lichtenstein. El primero plasma en lienzos imágenes de figuras públicas como estrellas de cine, estrellas de rock, políticos, etc., mientras que el segundo se centraba en la serialización.
Copias de cómics. Desde la perspectiva del tema y la expresión del contenido, existen similitudes entre el arte pop y el diseño. En diseño, tomar prestados estilos e imágenes ya preparados es una técnica artística común. La concepción y formación de obras de diseño a menudo se basan en formas materiales objetivas. Tomar prestado y recrear artículos de primera necesidad, imágenes culturales u obras de arte es uno de los medios importantes para que las obras de diseño transmitan información y atraigan al público. El diseño está al servicio de las personas, lo que determina el carácter social y popular de su contenido. No es una expresión pura de la personalidad, sino que refleja todos los aspectos de la vida humana. Éste es también el principio seguido por el arte pop. Al igual que el arte pop, las categorías de diseño artístico como el diseño gráfico, el diseño de paisajes y el diseño de productos en el campo del diseño también se centran en la referencia y utilización de imágenes públicas y productos prefabricados. Por otro lado, también se puede llamar arte pop; una especie de diseño. Andy cuando? Las obras de arte como "La cabeza de Monroe" de Warhol son muy apreciadas por el público y se han convertido en decoraciones de moda en espacios públicos y privados, por lo que los límites entre diseño y arte se han vuelto borrosos. Por lo tanto, desde la perspectiva del tema y el contenido de la expresión, el arte pop y el diseño artístico están conectados.
En segundo lugar, forma comercial y tecnología
La comprensión del sentido de la forma por parte de los artistas pop también tiene características de popularización. Les gusta usar colores brillantes y hermosos y arreglos complejos para completar sus obras. La fuerte experiencia visual y el contenido de expresión popular reflejan el encanto humanista del Pop Art como estilo artístico, el Pop Art y el diseño artístico se distinguen por el color, la estructura y el diseño. El uso de técnicas formales como métodos de producción es consistente, lo que muestra la relación entre el arte y el diseño artístico. ¿El maestro del arte pop Andy? La práctica artística de Warhol da fe de la estrecha relación entre ambos. Warhol se dedicó por primera vez a actividades artísticas comerciales. Diseñó tarjetas de felicitación, escaparates e ilustraciones ilustradas. Esta experiencia determinó la tendencia comercial de su estilo de creación artística posterior. Cuando decidió copiar la cultura de consumo como objetivo artístico, las definiciones de arte y diseño ya no eran importantes para él. Se tomó la molestia de copiar conservas, botellas de Coca-Cola, obras de dibujantes famosos de la época, billetes de banco, retratos de personajes famosos... la repetición se convirtió en una característica importante de sus obras. Warhol se dedicó a la creación artística, pero las huellas de procesamiento artístico y personalidad en sus obras se han reducido al mínimo, que es precisamente la personalidad artística única de los artistas pop. Warhol era muy concienzudo en el uso del color. Esos trozos de fideos aparentemente aleatorios en realidad los prepara cuidadosamente él. Sus obras están llenas de decoración, que se diferencia de la magnífica decoración aristocrática. A Warhol le gustaba utilizar colores fuertes y brillantes para transmitir la textura rugosa y el gusto popular de la sociedad comercial industrializada.
Se repiten una gran cantidad de imágenes personales, que es otra característica de las obras de Warhol. Amplió varias veces los objetos representados y los dispuso en el lienzo. Los mismos símbolos visuales se copian en varios o incluso docenas de ellos para formar un grupo de imágenes, obteniendo así una estética formal de fuerte impacto visual. Una de las obras más famosas es la serie "Monroe's Head". Las técnicas formales y formas artísticas de este tipo de obras reflejan la búsqueda de elementos estéticos como el color, la textura, la capa y el ritmo. Un trabajo de diseño perfecto no sólo debe satisfacer las necesidades de materiales funcionales, sino también exigir perfección en la belleza formal. Warhol utilizó audazmente un lenguaje formal popular para expresar sus pinturas, y sus creaciones se basaron en técnicas de diseño básicas como la composición del color y la composición de los planos. En cuanto a los métodos de producción, Warhol pasó gradualmente de la pintura manual a la producción mecánica. Utiliza tecnología de serigrafía para "producir" sus obras más rápidamente y conserva deliberadamente la textura rugosa de la producción en masa. En su opinión, el arte debería ser tan normal como la vida que lo rodea. El diseño moderno se basa en la producción industrial, y la realización final de los conceptos y trabajos de diseño debe depender de la producción mecánica en masa. En comparación con los medios de producción, la relación entre el arte pop y el diseño artístico todavía existe.
La forma de Warhol de expresar pensamientos artísticos amplió las habilidades de expresión y los métodos creativos del arte. Tiene una orientación artística pionera, que hace que el arte ya no sea un lujo espiritual disfrutado por unas pocas personas desconocidas. Permite a la gente ver que las obras de arte también pueden mostrar la vida cotidiana que les rodea de una manera tan amigable y llena de placer sensorial. de placer e intimidad. Promover los intercambios y la comunicación entre el arte y el diseño es otra manifestación importante del arte de Warhol.
En tercer lugar, la superposición de conceptos artísticos
El diseño artístico moderno no sólo enfatiza el valor práctico de la función, sino también Incluyendo la forma visual en el sentido estético, integra la vida material visual y espiritual humana, y luego se convierte en una forma cultural. Entonces la cultura del diseño es una cultura derivada de la vida. Si el diseño artístico quiere entrar en la vida y guiar el progreso de la vida, debe resaltar las * * * características de la vida pública sobre la base de la tolerancia de la individualidad, y no puede limitarse a "diseño para el arte" y "diseño para el diseño". concepto. La integración del arte y la vida es el principio al que debe adherirse el diseño artístico. Volviendo a la perspectiva de los artistas pop, también creían que el arte y la vida eran inseparables.
Como dijo Rauschenberg, "La pintura es arte y vida". Derretir los límites entre el arte y la vida es la dirección en la que diseñadores y artistas trabajan juntos.
La cultura del diseño sigue siendo una especie de cultura popular. Hoy en día, la gente juzga un producto por algo más que su funcionalidad.
Se presta más atención a las necesidades estéticas de la forma exterior. La actualización de muchos productos no es sólo la mejora y la practicidad de la tecnología de producción.
La mejora de funciones va acompañada de la innovación del estilo de diseño. La cultura del diseño moderno no sólo debe adaptarse a los intereses públicos, sino también liderar activamente las tendencias de la moda, para que reciba mayor atención y popularidad. Ha trascendido las limitaciones geográficas y se ha convertido en un todo.
Logros culturales que disfruta el mundo. Una silla, una lámpara de escritorio y un automóvil del mismo estilo pueden aparecer en diferentes países y regiones al mismo tiempo y son utilizados por personas de diferentes nacionalidades, lo que demuestra la fuerte penetración de la cultura del diseño. La búsqueda del diseño de moda por parte del público es la fuerza impulsora de la innovación y el cambio continuos en el diseño, lo que hace del diseño un tipo único de cultura popular. Captar la moda es también la búsqueda de los artistas pop. La práctica artística de Liechtenstein lo demuestra. Al principio, copiaba principalmente los cómics que circulaban ampliamente en ese momento, y luego recurrió a caricaturas y abstracciones de las obras de artistas modernos. Las "tiras cómicas" y las "obras de arte moderno", estos dos objetos aparentemente contrastantes, son en realidad símbolos visuales con amplia influencia y símbolos de la cultura popular. Sus pinturas son reproducciones y transformaciones de la cultura popular, al mismo tiempo que forman obras propias con significado popular. Su creación en sí misma es una especie de cultura popular. Como predijo, "el arte pop no será estadounidense, sino global". El arte pop, con su lenguaje único de la época, se ha convertido en un representante de la cultura popular y el diseño artístico.
Desde la perspectiva de la cultura de consumo, la relación entre diseño artístico y consumo y la identificación del arte pop con la cultura de consumo puede revertirse.
Refleja su **misma orientación. El consumo es un vínculo importante para hacer realidad el valor del diseño. La calidad del diseño se pone a prueba en última instancia mediante el consumo del mercado. Por el contrario, el diseño también puede estimular y promover el consumo activo. La interdependencia entre diseño y consumo hace que el diseño tenga también las características de la cultura de consumo. El arte pop absorbe directamente nutrientes de la cultura de consumo, reproduciendo y elogiando la sociedad de consumo. La comprensión de Warhol sobre la cultura es: “Todos somos parte de la misma cultura. La opinión popular le permite a la gente saber que son parte de lo que está sucediendo, que no tienen que estudiar para ser parte de la cultura, todo lo que necesitan hacer es. comprar un libro (o discos, televisores o entradas para el cine, etc.) En su opinión, el consumo es, por supuesto, una forma de cultura, y sus conceptos artísticos también se forman sobre la base de la cultura del consumo. El arte y el diseño del arte moderno y la comparación conceptual pueden proporcionar una visión del siglo XX.
La coherencia y la integración mutua de los patrones de desarrollo del movimiento del arte estético y el movimiento del diseño prueban aún más la inseparable relación interactiva entre ellos. El arte y el diseño, dos disciplinas artísticas con connotaciones diferentes, tienen sus propias ideologías independientes y espacios de desarrollo, pero se influyen mutuamente y se desarrollan juntas con el progreso de los tiempos, las características de la integración de los dos. se vuelven más obvios, y es necesario afirmar los dos. La relación entre los dos está entrelazada y los conceptos no pueden confundirse como diferentes disciplinas artísticas con personalidades relativas en los fenómenos artísticos, en cierto sentido, ambos son puentes para comunicar las actividades creativas humanas. y sentimientos estéticos, con propósito objetivo y creatividad subjetiva. Las características duales en una sociedad contemporánea donde la socialización, la tecnología y la humanidad son cada vez más prósperas, el arte y el diseño están desempeñando un papel en sus propias trayectorias de supervivencia únicas, promoviendo ambos el progreso de la civilización humana. .