La corriente principal de la ópera italiana siempre ha sido la ópera ortodoxa hasta que Gluck introdujo la "ópera innovadora" en la década de 1760 para combatir la artificialidad de la ópera ortodoxa. El famoso maestro de ópera del siglo XVIII es hoy, evidentemente, Mozart. Mozart comenzó su carrera en la ópera cuando era joven. Posteriormente, se enamoró de las óperas italianas, que se hicieron populares en todo el mundo, especialmente "Las bodas de Fígaro", "Don Giovanni" y "Todas las mujeres". La penúltima ópera de Mo, "La flauta mágica" (la última fue "El favor del rey Dido") es una obra icónica de la ópera alemana.
A principios del siglo XIX, la ópera de estilo bel canto alcanzó su apogeo. Las óperas de Rossini, Donizetti y Bellini eran muy populares en la época y todavía se ven comúnmente en los escenarios. Al mismo tiempo, las obras operísticas de Giacomo Meyerbeer también se han convertido en un modelo de la gran ópera francesa y son populares en todo el país.
La segunda mitad del siglo XIX es conocida como la "edad de oro" de la ópera. Durante este período, Richard Wagner y Guiseppe Verdi fueron las principales figuras en alemán e italiano. A principios del siglo XX, después de la Edad de Oro, la ópera de Europa occidental continuó evolucionando hacia diferentes estilos, como el realismo italiano y la ópera contemporánea francesa, así como las obras de Puccini Giacomo y Richard Strauss. A lo largo del siglo XIX, el surgimiento de escuelas etnomusicales en Europa central y oriental, especialmente Rusia y Bohemia, creó un desarrollo paralelo de producciones operísticas nativas y de Europa occidental.
A lo largo del siglo XX, a menudo se intentó incorporar a la ópera elementos estilísticos modernos, como el enfoque atonal y las composiciones de 12 notas de Arnold Schoenberg y Alban Berg, y la música neoclásica representada por Stravinsky y la música simple. música de Philip Glass y John Adams. A medida que mejoró la tecnología de grabación, cantantes como Enrico Caruso se convirtieron en nombres muy conocidos fuera de los círculos de la ópera. Con el avance de la tecnología en el siglo XX, las óperas también se transmitieron por radio y televisión, y también aparecieron óperas escritas para medios de radiodifusión. Opera, palabra representativa de ópera en las lenguas occidentales, proviene de la forma plural del latín "Opus" (ópera), y posteriormente se extendió a otras lenguas europeas en italiano. Como sugiere el nombre, la ópera debe incluir no sólo solos, dúos y coros en el escenario, sino también diálogos, actuaciones y bailes. A finales de 2016, en Florencia, Italia, un grupo de humanistas formó un grupo llamado "Camerata con Buena Sociedad" para revivir el arte escénico de la antigua Grecia. Creen que la parte del "coro" del drama griego antiguo es en realidad la parte del coro. Algunos incluso piensan que el drama griego antiguo es en realidad lo mismo que la ópera actual, y que todas las tramas se explican en canciones. Por eso, cuando se estrenó "Dafne", la primera ópera de la historia conocida compuesta por Jacob Pelli y basada en la mitología griega antigua, en 1597, fue elogiada por todos pensaron que "el drama de la antigua Grecia" había resucitado con éxito. " Desafortunadamente, Daphne no fue seleccionada al final, pero todavía hubo ensayos ocasionales para otra serie de la ópera "Eurídice" de Perry, que se estrenó en 1600. Pero hoy en día, la ópera más antigua con un repertorio estándar en el mundo de la ópera, "Flo", fue estrenada en 1607 por Claudio Monteverdi en el Palazzo Mantua.
El origen de la ópera se remonta a la antigua tragedia griega. Esta forma de arte es la raíz del arte de la ópera.
Algunas formas musicales de la Edad Media también sentaron las bases para el surgimiento de la ópera. El primero es un drama religioso de finales del siglo X. Posteriormente fue sustituido por el misterio y el milagro, que prevalecieron entre los siglos XIV y XVI.
En segundo lugar, los dramas pastorales, que utilizaban música, poesía, teatro y otros medios para expresar escenas de la vida rural, siguieron siendo populares hasta el siglo XVI y se convirtieron en uno de los orígenes importantes de la ópera.
La ópera pastoral durante el Renacimiento también presagió el nacimiento de la ópera. Los compositores utilizan el género del madrigal para escribir algunas escenas dramáticas en poesía, o utilizan un grupo de madrigales para describir algunas historias sencillas. Esta última forma se conoce como ópera pastoral.
El origen más directo de la ópera es Intermedio a finales del 15. Se trataba de fábulas, oratorios o obras pastorales intercaladas con escenas de las comedias de la época. En el siglo XVI, los interludios entre escenas habían formado historias relacionadas con la trama, con melodías decorativas y acompañamientos armónicos simples añadidos.
La ópera fue producida en Florencia, Italia, a finales de 2016. En aquella época, un grupo de celebridades de los círculos culturales y artísticos se reunía a menudo en las casas de los nobles Baldi y Corsi. Les apasionaba restaurar el teatro griego antiguo y tratar de crear un arte vivo que combinara poesía y música. Creían que el arte polifónico destruía la expresión del significado de las letras y abogaban por el uso de melodías monofónicas. En la práctica, descubrieron que los tonos cantados libremente con acompañamiento armónico podían usarse no sólo en el mismo poema, sino también en todo el drama. Luego apareció la primera ópera, que en aquella época se llamaba ópera pastoral. El desarrollo y las características de la ópera italiana temprana
Ópera de Florencia
La primera ópera representada en 1.1597: Daphne, libreto de Linuccini y música de Perry. Debido a que la partitura de esta obra era sólo un fragmento, generalmente se representaba en 1600, intacta, con libreto de Linuccini y música de Perry y Caccini.
2. Características de las primeras óperas: El guión se basaba en la mitología griega, y posteriormente se añadieron temas históricos. La parte musical es en forma de continuo y la parte de canto es principalmente en forma de recitación. El rango vocal no es amplio, el ritmo es libre, hay un pequeño número de acompañamiento de instrumentos musicales y también se utiliza coro.
Ópera Romana
1. Figuras y obras representativas: el compositor romano Cavalleri (hacia 1550-1602), que creó "La Oración del Ánima" (edi Corpo), representada en febrero de 1600. , sentó las bases de la ópera romana. En realidad, los historiadores consideran La Encarnación del Espíritu y la Carne como un oratorio, que tiene los rudimentos de una ópera y trata sobre la moral religiosa.
2. Características: Céntrese en el placer que brindan las espectaculares escenas de ópera y agregue un magnífico diseño de escenario, escenografía institucional y escenas de ballet. Cada escena termina con coro y baile.
Ópera de Venecia
1. El establecimiento del primer teatro de ópera: San Casiano construyó el primer teatro de ópera en Venecia en 1637. Fue el comienzo de la transición de los salones aristocráticos. y tribunales para los burgueses. Monteverdi fue director de orquesta en 1617 y escribió "El regreso de Huris".
2. Figuras y obras representativas: En 1607, el escritor de ópera veneciano Monteverdi completó la creación de la ópera "Oflo". El tema de la ópera es similar a la semejanza de "Eurídice" de Leonuccini. En la obra, Monteverdi se basó en su rica experiencia en la creación de música pastoral y religiosa, combinada con el uso de diversos métodos en el tesoro musical del siglo XVI, para hacer de "Flo" la primera ópera verdadera en la historia de la ópera.
3. Características: Las óperas hacen un uso extensivo de arias y dúos, se centran en la expresión emocional, se centran en el canto del bel canto y rara vez utilizan coros. Por primera vez, la familia de instrumentos de cuerda asumió un papel importante, potenciando así el poder expresivo de la música. La aplicación de nuevas técnicas de expresión musical como los intervalos disonantes, el pizzicato y el vibrato.
Ópera de Nápoles
1. Desarrollo en dirección a la ópera: Nápoles es la última ciudad de Italia en la que se desarrolló la ópera. Se inició a finales del siglo XVII. Se transformó en la ópera Seria del siglo XVIII, cuya influencia duró hasta el siglo XIX. A menudo basados en historias ficticias o hechos heroicos, y debido a la búsqueda del bel canto, los cantantes "eunucos" que tienen tanto una fuerte capacidad pulmonar masculina como voces femeninas suaves y brillantes son muy populares.
2. Figuras y obras representativas: Alemandro Scarlatti (1660-1725), representante de la escuela de música de Nápoles, creó arias de libre desarrollo basadas en el lirismo de la música vocal, dando al Bel Canto un estilo de canto. un amplio espacio para exhibición. La figura representativa es Teodora.
3. Características (también las características de la ópera):
1) En términos de contenido, la mayoría de ellas se basan en mitos antiguos y leyendas históricas, y el contenido es serio. a diferencia de la comedia.
2) En términos de forma estructural, la ópera original en cinco actos se cambió a una estructura compacta de tres actos, con interludios cómicos (Intremezzo, realizado a la entrada del escenario) a menudo intercalados entre actos. Comienza con una obertura muy singular (forma de tres partes rápido-lento-rápido), alternando recitativo y aria desde el principio, con poco uso de dúos y coros, y sin baile.
3) Dos recitados diferentes: uno es recitado seco, utilizado para diálogos largos o monólogos, con acompañamiento únicamente de continuo para la parte solista, el otro es recitado con acompañamiento, que es bueno para expresar emociones complejas también; utilizado en escenas dramáticas y tensas. El solo está acompañado por una orquesta.
4) Aria Mirando hacia atrás: Esta aria está en la forma Aba de tres partes. Los compositores generalmente dejan de escribir la sección A reproducida y solo marcan el final de la sección B con da capo, es decir, repetir desde el principio, pretendiendo estar "de regreso al principio", y marcan el final con fino (es decir, el final). ¿Qué es lo más influyente de Roma? El género de la ópera napolitana representado por Scarlatti. Su ópera "El bueno y el malo", escrita en 1681, estableció el patrón típico de las oberturas de ópera, es decir, el patrón de tres partes "rápido-lento-rápido". Al mismo tiempo, durante este período también se estableció el formato de canto Aba. En ese momento, a menudo se usaban grandes escenas y coros en la música, lo que le dio a la ópera una tendencia a enfatizar la música sobre el drama. Esta tendencia hizo que el desarrollo de la ópera fuera cada vez más rígido en el futuro. Por lo tanto, en la década de 1820 del siglo XVIII, surgió el género de ópera Xi con temas de la vida cotidiana, tramas humorísticas y música sencilla. La primera obra representativa de la ópera cómica italiana es "Ama de casa como ama de casa" de Paglasi (estrenada en 1733), que originalmente era un interludio de ópera. Cuando se representó en París en 1752, fue difamada por los conservadores, lo que desencadenó el famoso "Debate de la Ópera Cómica" en la historia de la ópera. La primera ópera cómica francesa, "El adivino del pueblo", escrita por Rousseau, se inspiró en este debate y en esta ópera.
La ópera italiana se transformó por primera vez en Francia y se combinó con la cultura nacional francesa. Lu Li es el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). No sólo creó melodías solistas estrechamente integradas con el francés, sino que también fue el primero en aplicar escenas de ballet a la ópera. En Inglaterra, Purcell creó la primera ópera nacional inglesa, Didon y Eneas, basada en su tradición del teatro de máscaras. En Alemania y Austria, Haydn, Dieterdorf, Mozart y otros convirtieron las óperas populares en óperas nacionales alemanas y austriacas, incluida "La flauta mágica" de Mozart. En el siglo XVIII, Gluck insistía en que las óperas debían tener un contenido profundo, la música y el drama debían estar unificados y la interpretación debía ser sencilla y natural. Sus pensamientos y obras como "Oflo y Eurídice" y "La Efigenia de Orid" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera posterior. Los roles desempeñados por los cantantes se clasifican según sus distintas habilidades, flexibilidad, potencia y timbre. Los cantantes masculinos se pueden dividir en bajo, barítono, tenor y tenor/tenor de menor a mayor. Las cantantes se dividen en contralto, soprano y soprano de menor a mayor. Las sopranos también se pueden subdividir en sopranos coloratura y sopranos líricas. Básicamente, las voces masculinas tienen un rango más bajo que todas las voces femeninas, pero algunos tenores en falsete pueden cantar en el rango alto. El método de canto de tenor en falsete se ve a menudo en papeles de canto de eunucos escritos en la antigüedad.
Después de clasificar por rango vocal, se suelen añadir algunos adjetivos sobre el canto, como soprano lírica, soprano dramática, soprano solemne (soprano spinto), coloratura soprano (soprano coloratura), soprano soubrette, etc. Si bien estos términos no describen completamente una voz, a menudo pueden categorizar diferentes voces y ubicarlas en diferentes roles. Las voces de algunos cantantes cambiarán repentinamente mucho, o sus voces alcanzarán un estado maduro y sobresaliente cuando lleguen a los treinta o incluso a la mediana edad. La soprano siempre ha sido la mejor opción para la mayoría de las divas. Pero antes de la época de la música clásica, el primer requisito para las sopranos era la tecnología de control de la voz, no el amplio rango requerido hoy en día, la nota más alta de una soprano a menudo no superaba el La alto [21]. El término mezzosoprano es un concepto relativamente nuevo, pero hay muchos roles que se pueden desempeñar, como Dido, Brang y otros en las obras de Purcell; aumlne)[22]. Los expertos suelen bromear diciendo que un contralto sólo puede cantar "brujas, perras y pantalones". En los últimos años, muchos papeles originalmente cantados por altos o eunucos han sido desempeñados por tenores en falsete.
Por otro lado, los tenores han sido los protagonistas de las óperas desde la época de la música clásica. Muchos de los papeles de tenor más desafiantes provienen del período del bel canto, como los nueve papeles de tenor en Do consecutivos de Donizetti para el personaje principal de La Fille du regiment. Wagner exigía que sus tenores protagonistas fueran más pesados que los tenores ordinarios, e incluso inventó una nueva palabra "Heldentenor" para describir este tipo de papel. Lo mismo ocurre con los papeles de la ópera italiana, que son equivalentes a los requisitos de Wagner, como el Calaf de Puccini en Turandot; . El bajo tiene una larga historia. En la era de la ópera, desempeñaba el papel de un papel secundario, a menudo un personaje divertido para entretener al público. También hay muchos papeles que el bajo puede desempeñar, como Leigh Borrello en "Don Giovanni" de Mozart y el rey Watan en "El anillo del Nibelung" de Wagner. Entre el tenor y el bajo, también está el barítono, un concepto que surgió recién a mediados del siglo XIX. Esto es cierto para personajes famosos como Guillermo en "La mujer" de Mozart y Rodeo en "Don Carlo".