Enemigos eternos: "forma" y "espíritu"
"Forma" y "espíritu", uno es racionalidad Tratar los objetos; uno es tratar los objetos perceptivamente. Es un tema eterno en el campo de la pintura. Ante este tipo de problemas, es imposible aferrarse a él. Las cuestiones grandes y pequeñas son la clave para evitar perderse y el análisis dialéctico es la única salida del laberinto teórico. En este artículo no tengo ni la intención ni la capacidad de comentar este eterno misterio teórico. Sólo quiero ordenar varios puntos de vista en un contexto coherente. La forma, como su nombre indica, significa similitud en apariencia. Pero este significado es diferente en diferentes ambientes (chino y occidental, antiguo y moderno...). En Europa occidental, en la antigua Grecia y en el Renacimiento, el estatus de las formas similares está relacionado con el éxito o el fracaso de la pintura. En la antigua China, el estatus del parecido físico era más sutil. Gu Kaizhi es un defensor de los aspectos físicos y espirituales. Dijo: "La vívida representación está ante tus ojos". Ha sido citada por las generaciones futuras a lo largo de los siglos. Más tarde, se incluyó en las "Nuevas Seis Reglas" de Xu Beihong. Esta tradición se mantuvo con éxito en las academias de pintura de la dinastía Song. Pero en esa época, la pintura de los literatos estaba en auge y se produjeron cambios sutiles en la forma en que se trataban formas similares. Bajo la iniciativa de Su Shi, la pintura se centró en la autoexpresión y persiguió la concepción artística y la semejanza espiritual, que fue ampliamente reconocida por los literatos. Wen Tong, Li Li, Zhao Lingrang, Mi Fu y su hijo siguieron la tendencia y la pusieron en práctica. El parecido divino se ha convertido en sinónimo del gusto por la pintura (el parecido aquí es diferente al de Gu Kaizhi. Esa es la diferencia entre el dios de las imágenes y el dios de las imágenes: el autor).
Así que el parecido está lejos de ser tan simple como la apariencia. En primer lugar, no solo es necesario captar el encanto del objeto, sino también agregar sus propios sentimientos a la obra de arte para que la obra de arte tenga sus propias ideas.
Me temo que el tema se hará cada vez más grande, así que me detendré aquí. Entra en la parte superior.
Parte 1: Una trayectoria histórica significativa
——Comparación de las "visiones de forma y espíritu" chinas y occidentales antiguas (modernas).
Siempre es interesante comparar la historia del arte chino y occidental, y es aún más significativo explorar las razones de sus diferencias.
Como se mencionó anteriormente, las imágenes se procesan de manera diferente en diferentes áreas. Pero hay una cosa en la que tanto China como Occidente están de acuerdo. El primer clímax de la pintura en el arte chino y occidental fue el clímax de la pintura de figuras.
La pintura de figuras chinas se desarrolló a lo largo de las dinastías Qin y Han, y finalmente alcanzó su apogeo en las dinastías Wei, Jin, Sur y Norte. La preocupación de Gu, Lu y Zhang por la pintura de figuras influyó en el desarrollo de la pintura de figuras china.
Gu Kaizhi (346-407), originario de Wuxi, provincia de Jiangsu, era un hombre culto y talentoso. Era un visitante frecuente de Yixi Sanqi. Fue un pintor precoz. Cuando tenía veinte años, los murales del templo Wacoffin en Jiangning en realidad "fotografiaron un templo, llenaron la garganta del donante y obtuvieron un millón de dólares" (las "Pinturas famosas del pasado" de Zhang Yanyuan citaron "La historia del templo Shijing"), y la pintura se hizo famosa desde entonces. Su estatus es el más alto entre los tres milagros: "Si te gusta la belleza de una persona, puedes obtener su carne, sus huesos y su dios. Sus milagros son incomparables y su cuidado es precioso. Obviamente, en Wei Durante el Jin". Durante la dinastía, los conceptos de la pintura china habían establecido profundamente que la expresión del "espíritu" era más importante que la expresión de la "forma".
Después de ver el primer clímax de la pintura figurativa china representado por Gu Kaizhi. Basta con mirar el primer apogeo del arte figurativo occidental: el arte griego antiguo. La escultura es la parte más importante del arte griego. Encarna los ideales griegos de belleza, el extraordinario talento artístico y el estudio profundo del cuerpo humano. Muchas de las mejores esculturas son incomparables debido a su impulso majestuoso, imagen perfecta y estilo refinado. Durante miles de años, innumerables pintores y artesanos se han inspirado e influenciado por ellas, su vitalidad interior única y su encanto artístico aún irradian un brillo brillante hasta el día de hoy; .
La escultura en la antigua Grecia pasó por tres periodos.
Epoca antigua.
Como escultura antigua, suele datar del siglo VII. La mayoría de los retratos escultóricos de esta época eran figuras erguidas. En términos generales, no rompieron la forma estereotipada y las técnicas de peinado fueron bastante contundentes. No fue hasta el siglo VI que las habilidades artísticas de la escultura mejoraron significativamente, volviéndose más libres y dinámicas en el cuerpo humano y en la expresión dinámica.
En segundo lugar, el Período Clásico
El Período Clásico del arte griego comenzó hace 490 años.
Los franceses Poussin y Claude Lorrain utilizaron figuras mitológicas antiguas como puntos de pintura en sus pinturas de paisajes, que se llaman pinturas de paisajes heroicos. Claude Lorrain utiliza la retroiluminación para ilustrar paisajes matutinos o vespertinos. En España, tanto El Greco como Velázquez dejaron famosos cuadros de paisajes.
En el siglo XVIII d.C. apareció en Inglaterra John Constable, lo que supuso un desarrollo decisivo para la pintura de paisajes. John Constable (1776-1837) fue el verdadero fundador de la pintura de paisaje europea del siglo XIX. Fue un innovador artístico valiente e ingenioso que abrió un nuevo mundo para el arte, especialmente la pintura de paisajes. Como destacado paisajista, durante mucho tiempo ha sido poco conocido en su tierra natal. Su primera obra aceptada por la National Gallery de Londres fue donada por sus amigos tras su muerte. Aunque se trataba de una donación gratuita, la galería todavía dudaba, temiendo que el espíritu audaz e innovador del pintor causara problemas. Afortunadamente, el público francés tomó en serio el arte de Constable durante su vida. Un periodista francés, basándose en comentarios del famoso pintor Rico, sugirió que Constable enviara su obra a París para su exposición. Esto resultó en que cuatro de las obras de Constable, incluida "El carro de heno", aparecieran en la famosa Exposición de Arte Europeo en París en 1824. Causaron una impresión duradera en el público parisino. El profundo cariño y pasión del pintor por la naturaleza; sus técnicas de expresión sencillas, frescas y novedosas y sus familiares y perfectas técnicas de pintura al óleo fascinaron al pintor francés. En ese momento, Stendhal Cozen, el famoso escritor francés y autor de "El rojo y el negro", escribió un artículo especial para presentar a Constable y sus pinturas de paisajes, que representaban las características de las pinturas de paisajes europeas. Preste atención al uso de la luz y la coordinación de colores. Sus pinturas de paisajes influyeron directamente en las creaciones de los pintores impresionistas y Turner franceses. A juzgar por estas pinturas, la representación puramente objetiva de la naturaleza se hizo cada vez más extrema. Los paisajes de Constable se basaron en los colores vivos de la naturaleza, mientras que los de Turner se centraron en paisajes turbulentos naturales y artificiales. Las pinturas impresionistas persiguen los cambios instantáneos y los temblores de los colores de la luz natural. En comparación con la pintura de paisajes china, la pintura europea tomó un camino cada vez más objetivo y realista hasta el impresionismo (después del impresionismo comenzó el proceso del arte moderno occidental).
Como se desprende de lo anterior, el desarrollo de la pintura china y occidental es similar. Primero, dominó la pintura de figuras. Más tarde, la pintura de paisajes surgió de la pintura de figuras y se hizo popular. En la antigüedad (la antigüedad occidental y la época moderna), las direcciones de desarrollo de la pintura china y occidental eran completamente opuestas. Occidente siempre se ha basado en la forma. Puede describirse como pintura científica. China está tomando el camino de expresar el encanto de los objetos externos a expresar el encanto de las cosas internas. Una pintura que se puede describir en poesía.
Con el auge de la pintura occidental moderna, este fenómeno ha experimentado cambios sorprendentes e interesantes. Cómo, consulte:
(1): Parte 2: Colisión cultural del siglo.
——La mezcla y dislocación de la pintura moderna y oriental
En primer lugar, debe quedar claro que la relación entre la forma y Dios sólo tiene significado en la pintura concreta, y es discutido en pintura abstracta La forma y Dios son en vano. Hay tantas variedades de modernismo europeo que no es posible ni necesario enumerarlas todas. A continuación se presentan sólo las secuencias estilísticas más representativas en el campo de la imaginería.
Por supuesto, no importa cuán complicado sea el estilo de pintura en el futuro, primero debemos introducir el estilo de pintura que marcó el comienzo de la pintura moderna. El postimpresionismo no es el período posterior del impresionismo. Aunque estos tres pintores están relacionados con los pintores impresionistas, sus direcciones artísticas son opuestas. Todos tienen su propia comprensión de la pintura. Aunque ambos son postimpresionistas, tienen diferentes estilos y conceptos de pintura. Pero tienen una cosa en común: no están dispuestos a expresar la naturaleza de forma totalmente objetiva, como los impresionistas. Querían añadir algo propio al cuadro. Con el desarrollo de la pintura, el realismo ha perdido su desafío y sus predecesores han probado varios estilos de pintura realista. Si desea agregar algo propio, debe buscar fuera del realismo.
Paul Cézanne. Este fue un hombre que fue ignorado durante su vida y más tarde apodado el padre de la pintura moderna. Paul Cézanne nació el 19 de octubre de 1839 65438, banquero en Aix-en-Provence, sur de Francia. En 1858 viajó a París para estudiar pintura y conoció al escritor Zola, al poeta Porter Manger y a otros. A principios de los años 60 apoyó la lucha de Courbet contra el clasicismo y, por lo tanto, se asoció con los pintores impresionistas Monet, Pissarro y Renoir.
En 1872, la familia Cézanne se trasladó a Pontoise, en el valle de Oise, y, bajo la influencia de Pissarro, participaron activamente en el impresionismo. Sin embargo, los esfuerzos de Cézanne por explorar la estructura interna de los objetos le obligaron a dudar del impresionismo. Señaló que "todos los objetos del mundo se pueden resumir en esferas, cilindros y conos", logrando así una gran generalización del cuadro. Se opuso a la separación del dibujo y el color en los conceptos tradicionales de la pintura y persiguió la perspectiva de los objetos a través del color. Los colores de sus cuadros son armoniosos y hermosos. Cuando se enfrenta a dibujar objetos, siempre observa, piensa y organiza cuidadosamente los tonos de las imágenes, y las escudriña y revisa repetidamente, de modo que muchas pinturas siempre parecen estar inacabadas. Para estudiar repetidamente durante mucho tiempo, su tema habitual es la pintura de bodegones.
Se puede observar que sus conceptos pictóricos y métodos pictóricos son muy diferentes a los de los pintores impresionistas. La creencia de Cézanne era resumir la belleza, produciendo así una belleza superior. Estudia la forma "eterna" del cuadro, una forma diferente del mundo exterior, que parece algo increíble y hermosa. Quizás no podamos asociar esta forma con un parecido divino, pero esta idea de la pintura ha conmovido a todo el mundo de la pintura europea. Haga que más estilos aparezcan más rápido.
De hecho, las pinturas europeas modernas se pueden dividir a grandes rasgos en dos categorías. Uno es el análisis racional de la belleza. Una es la belleza emocional. Si Cézanne es el comienzo del primero, Van Gogh es el comienzo del segundo.
Van Gogh nació en Zandet, Países Bajos, en una familia de sacerdotes protestantes. Antes de los 24 años trabajó como dependiente en el taller de pintura Gupir en La Haya, Londres y París. Posteriormente se hizo misionero y predicó en la zona minera de Borina, en el suroeste de Bélgica. Fue despedido por su simpatía y apoyo a las demandas de los mineros pobres. Después de vivir una vida de extrema decepción y pobreza, decidió alcanzar la autoliberación en la búsqueda del arte. Después de 1880, estudió en todas partes, buscó el consejo de la Real Academia de Bellas Artes de Bélgica y aprendió pintura del pintor paisajista holandés. Anton Moff, pero finalmente decidí estudiar por mi cuenta. Superó diversas dificultades y trató de expresar el mundo según su propia comprensión. Antes de 1886, sus obras aún se encontraban en etapa exploratoria, como "Los comedores de patatas" y "Los tejedores". En 1886, Van Gogh trajo a París a su hermano menor, que era un alto empleado del taller de pintura de Goupil. Conoció a Toulouse-Lautrec, Gauguin, Pissarro, Seurat y Cézanne, y participó en una reunión de pintores impresionistas. Esto amplió enormemente sus horizontes artísticos e inició una forma de pintar completamente diferente a la del pasado, con colores fuertes y brillantes. En febrero de 1888, él y Gauguin fueron a Arles, en el sur de Francia, para dibujar y pintar durante un año. Este fue el período más importante en la formación de su estilo artístico. Las ciudades, los campos, las flores, los ríos, las granjas y las iglesias bajo el fuerte sol del sur le hicieron no poder evitar gritar una y otra vez: "¡Más brillante, más brillante! A estas alturas, él y Gauguin ya habían tenido diferencias". los impresionistas, pero al mismo tiempo desarrolló un fuerte interés por el expresionismo o el simbolismo. Por eso había planes para establecer el "impresionismo sureño" o el "separatismo impresionista". Más tarde, debido a que la relación entre los dos se deterioró, Gauguin se fue y Van Gogh gradualmente se separó después del incidente del corte de orejas. Por tanto, no formaron ningún grupo. En 1890, tras una larga estancia en el hospital psiquiátrico Mousseau de Saint-Rémy, Van Gogh regresó a París y vivió en Orville-sur-Oise. Recibió un trato especial del Dr. Gasser y trabajó diligentemente en pinturas, incluidas "Xiaoxiang" del Dr. Gasser y "La Iglesia" de Orwell. Sin embargo, el 27 de octubre de 1890, tras una discusión con el doctor Gasser, de repente se pegó un tiro y acabó con su vida. Van Gogh dejó una gran cantidad de obras a lo largo de su vida, que poco a poco fueron reconocidas por la gente sólo después de su muerte. En estas obras, el autor persigue la expresión de su propio espíritu, y todas las formas saltan y se retuercen bajo el intenso control espiritual. Este arte tuvo una profunda influencia en el expresionismo del siglo XX.
La autoexpresión es una característica importante de las pinturas de Van Gogh. La precisión de la forma pasa a un segundo plano. La expresión del espíritu propio en la pintura se ha convertido en el núcleo de la pintura. Este tipo de pensamiento pictórico se unió gradualmente al pensamiento pictórico de buscar "significado y encanto" en la pintura oriental. De hecho, Van Gogh fue influenciado por las pinturas japonesas Ukiyo-e. Incluso hay algunos lugares en línea que tienen una sensación de "pintura". De hecho, cuando la pintura occidental surgió del laberinto de "similitudes", fue influenciada por la pintura oriental (y otro arte no europeo). Esta influencia inició una mezcla y una colisión culturales.
En la China moderna, también recibió influencia de la pintura occidental.
El reformador Kang Liang fue el primero en proponer aprender pintura occidental. Pero no fue por la pintura que hicieron este comentario. Creen que el espíritu de Occidente es más pragmático que el de China. Es este espíritu pragmático el que ha permitido a Occidente liderar a China en la historia moderna. La pintura es una manifestación importante del espíritu nacional. Para cambiar este espíritu nacional poco realista, debemos aprender de Occidente en todos los aspectos. Políticamente es una monarquía constitucional. Culturalmente, significa abrirse al aprendizaje occidental. El arte, por supuesto, es estudiar la pintura occidental. Pero creen que la política y la cultura son la clave. No tienen ningún fundamento en la pintura occidental, por lo que no pueden promoverla ampliamente. Así que este tipo de defensa sigue siendo sólo un eslogan.
El estudio verdaderamente extenso de la pintura occidental se produjo durante el Movimiento de la Nueva Cultura. Chen Duxiu, el líder espiritual en ese momento, también defendió firmemente la democracia y la ciencia. En términos de pintura, la pintura occidental también es elogiada como pintura "científica". Se considera el epítome del espíritu occidental. Se considera que la pintura tradicional china es la causa del declive moderno de China. Mirando esta afirmación ahora, es inevitable que sea un poco extrema e ingenua. Pero mientras esas generaciones buscaban una manera de salvar a su país, el lema tuvo atractivo entre los jóvenes estudiantes. Mucha gente va al extranjero a estudiar. Entre ellos, los jóvenes pintores que viajaron al extranjero para estudiar pintura se convirtieron más tarde en la columna vertebral de la pintura occidental en China. Xu Beihong fue uno de los mejores pintores que estudiaron la pintura occidental en ese momento. Cuando llegó a Shanghai a la edad de 21 años, se destacó en el concurso por el retrato de Cangjie. Fue invitado a pintar y dar conferencias en la Universidad Shengcang Zhizhe, e hizo amistad con académicos de China, lo que amplió sus horizontes y mejoró sus habilidades de aprendizaje. La técnica de Kang Youwei de imitar la naturaleza y su espíritu innovador le valieron el título de "genio en el mundo del arte". Después de una inspección del arte japonés en 1918, regresó a Beijing. Aunque tenía 23 años, ya se había convertido en tutor de la Sociedad de Investigación de Pintura de la Universidad de Pekín. Mientras estaba en las filas del Movimiento de Nueva Cultura de China, defendió contundentemente la innovación de la pintura china y pronunció el famoso dicho: "Aquellos que son buenos en los métodos antiguos deben ser preservados, aquellos que no son buenos en ellos deben continuar". , se deben modificar los que no son buenos en esto y se deben agregar los que no están satisfechos con los que pueden adoptar pinturas occidentales" 0919, con el propósito de encontrar formas de desarrollar el arte chino. Fue admitido en la Ecole Nationale des Beaux-Arts de París, la más alta institución artística de Francia, y estudió asiduamente dibujo y pintura al óleo. También tomó como maestro al gran pintor realista francés Dayang, que representó a agricultores y pescadores de la región de Bretaña, famosa en Europa y América, y comprendió plenamente las técnicas y el espíritu de la excelente tradición pictórica europea. En los últimos ocho años, también visitó los principales museos de arte de Europa y copió obras maestras de maestros como Rafael, Rembrandt, Velázquez, Proudhon y Delacroix, dominando la esencia del arte occidental. En 1927, envió los 9 óleos al Museo. Fueron seleccionadas la Exposición Nacional de Arte de Francia, sorprendiendo al mundo de la pintura francesa con el talento excepcional y el encanto oriental único de los pintores chinos. Después de regresar a China, se dedicó a establecer un sistema de enseñanza de arte científico y moderno en China y a utilizar la pintura occidental para transformar la pintura china. A partir del dibujo, ha creado un método de enseñanza que combina anatomía, perspectiva y dictado, y ha establecido los principios de "explorar las maravillas de la naturaleza para explorar la verdad de la vida", "ser amplio pero meticuloso", "más bien cuadrado que redondo, más sucio que sucio". "Puro, no ágil" y otros principios de enseñanza. Xu Beihong enfatizó la combinación de los estilos chino y occidental y enseñó a los estudiantes de acuerdo con sus aptitudes. Exigió que aquellos que eran buenos en pintura occidental copiaran pinturas chinas antiguas, y que aquellos que eran buenos en pintura china estudiaran bocetos en serio para poder convertirse en estudiantes. competente. Hizo especial hincapié en la descripción de la vida humana y dibujó muchos bocetos. Después de un riguroso entrenamiento, los estudiantes no se sentían impotentes en ninguna materia después de dejar la escuela.
Para ser justos, la contribución de Xu Beihong a la pintura china es imborrable. Los logros de la pintura realista china moderna están relacionados en gran medida con sus esfuerzos. Imitó unilateralmente a Shi Tao y Zhu Da en el círculo de la pintura china; los convirtió en gran medida en el nuevo fenómeno de los "Cuatro Reyes Celestiales" y abogó vigorosamente por la pintura realista. Sin embargo, algunas personas malinterpretaron este tipo de defensa diciendo que "la pintura realista es pintura científica, y la pintura china no es pintura realista (al menos mucha gente así lo pensaba en la década de 1950), por lo que la pintura china no es científica". Grandes cambios en el desarrollo de la pintura china causaron un gran daño. Más tarde, las pinturas chinas persiguieron el realismo unilateralmente y buscaron la unidad de la política y el arte. Es cierto, pero es sólo un eslogan. No es fácil de aplicar en la práctica. Más tarde se convirtió en “pintura de figuras, con la pintura política a la cabeza.
"En comparación con la pintura occidental, cuando salió del dilema real, hubo una "fusión" y una "dislocación" patológica en la pintura oriental y occidental. Pero, por otro lado, cuando la pintura occidental comenzó a perseguir el significado y el encanto de la pintura occidental. Imagen más allá del alcance del modelado. En ese momento, China volvió al camino de defender el realismo y la pintura basada en el realismo. Esta dislocación puede entenderse como una especie de mezcla.
Como se mencionó al principio de este artículo. Artículo: desde una perspectiva práctica, la semejanza física es objeto de expresión científica y el espíritu racional en la pintura; la semejanza espiritual es objeto de expresión emocional y el espíritu humanista en la pintura no es más que el desarrollo de. el entrelazamiento de estos dos espíritus, por ejemplo, el espíritu básico de la pintura occidental es racional. Este sigue siendo el caso en la pintura moderna (aunque existe un enfoque perceptivo, la nota clave de la pintura moderna es el estudio de la belleza, que es una actitud racional). en sí mismo). cultura y arte. Cuando el arte asume la responsabilidad de salvar al país, si dejamos esto de lado, el espíritu más fundamental de la pintura occidental es el espíritu de la pintura tradicional china. : Regresó de estudiar en Francia cuando aún era joven e inmediatamente se convirtió en director de la Escuela Nacional de Arte de Pekín y comenzó a practicar su ideal de combinar los estilos chino y occidental y dar nueva vida a las antiguas pinturas chinas. de la pintura tradicional china, y las técnicas de expresión están en gran medida "occidentalizadas". Sin embargo, el efecto visual y la concepción artística reflejados en sus obras reflejan el sabor poético de Oriente y tienen un fuerte gusto estético tradicional chino. tinta, y no utilizó bolígrafos de caligrafía como método de modelado. Utilizó una línea ligera, vivaz y poderosa; estas líneas transmiten una sensación de vitalidad y ritmo musical mientras modela. Está acostumbrado a pintar con grandes trozos de fideos, como acuarelas. O gouache, por ejemplo, la mayoría de sus pinturas de paisajes son así. Aunque no parecen heredar el método de expresión tradicional de la pintura china, la imagen general transmite un fuerte encanto de la pintura china, que es etérea, sutil y expresiva. poético. "La pintura tradicional china debería llegar a su fin", pero sus pinturas están en el corazón de China.
En ese momento, todavía había muchos pintores a quienes les gustaban las ideas pictóricas de Lin Fengmian. que si no están influenciados por el mundo exterior, debido a la influencia de razones, el desarrollo de la pintura de una nación se centra en su propio espíritu pictórico. Desde esta perspectiva, aunque la pintura china y occidental parecen estar desalineadas y mezcladas, en realidad están. Aproveche la oportunidad para desarrollarse en la dirección original. El espíritu cultural de una nación es el punto de apoyo de la pintura. No importa cuándo o cómo cambie el estilo de la pintura, la similitud entre forma y espíritu seguirá interpretándose a un nivel superior.