"Daphne" (Perdida) compuesta por Perry en 1599 es la primera ópera conocida, y "Eurídice" compuesta por Perry en 1600 es la primera ópera existente.
Estas dos óperas se han dividido en arias y recitaciones, pero todavía tienen el sabor humanista de las óperas pastorales del último Renacimiento y son generalmente inmaduras.
"Flo" creada por Monteverdi en 1607 es la primera ópera verdaderamente moderna. El autor utilizó una orquesta bastante moderna para componer la obra, utilizando la disonancia para realzar la atmósfera y expresar contradicciones.
En sus óperas se integran solos (recitados, arias), dúos, orquestación y danza al servicio de la trama.
Monteverdi creía que la música de ópera debía expresar emociones humanas profundas y ser coherente con el significado de la letra.
Dado su papel fundamental en el género operístico, Monteverdi es conocido como el "Padre de la Ópera Moderna".
Después surgió la Escuela de Ópera de Venecia.
En 1637, Venecia abrió su primer teatro de ópera público, el Teatro di San Cassino, que sacó este arte de los salones de unos pocos nobles y se convirtió en el favor de una clase más amplia de ciudadanos.
Más de medio siglo después, se abrieron más de una docena de teatros de ópera en Venecia, y un gran número de talentosos compositores y dramaturgos escribieron música y guiones para ellos, entre los que se hicieron famosos Sesti, Cavalli y otros.
Las escenas de la ópera veneciana de este período eran en ocasiones extravagantes hasta el punto de exagerar, utilizándose iluminación, atrezo, escenografía y otros medios para realzar la trama.
Al mismo tiempo, a mediados del siglo XVII, la escuela napolitana representada por A. Scarlatti también se desarrolló y dominó la escena musical italiana y europea durante casi cien años.
Este género musical presta especial atención al papel de la belleza vocal en la ópera, lo que mejora sin precedentes el nivel del canto vocal solista y fortalece el estilo melódico principal de la ópera (es decir, un estilo melódico único en lugar de a las características de polifonía y polimelodía).
En ese momento, A-B-A se había arreglado en la forma repetida de tres partes de A-B-A. Cuando la tercera sección repetía la primera sección del material musical, el cantante podía agregar ornamentación y coloratura a voluntad para mostrar su. Habilidades y habilidades para el canto.
Las óperas de Scarlatti tienen melodías hermosas e íntimas, y él elige diferentes arias para expresar diferentes emociones.
Si bien concedió gran importancia a la voz humana, también valoró la interpretación independiente de la música instrumental y adoptó una técnica de composición muy estilizada para que repertorios con tramas similares pudieran utilizar la misma banda sonora como es la ópera "Obertura; " (también llamado " "Symphonia") es el primer conjunto instrumental antes de la apertura, que consta de tres partes: rápida, lenta y rápida.
La forma típica de ópera que estableció se llama serie de ópera.
El énfasis en las voces humanas en las óperas llevó al uso generalizado de eunucos en Europa (es decir, cantantes masculinos con voces agudas, hermosas y elásticas que nacieron en la infancia). hubo quienes simplemente persiguieron la forma del "bel canto" y la ignoraron. El contenido tendió a decaer al final (más tarde, debido a que las tramas eran similares y monótonas, el público solo escuchaba las arias mostrando sus habilidades, no las recitaciones). ).
En cuanto a la Ópera Romana, por estar situada en el centro de la Santa Sede, las fuerzas conservadoras de la iglesia la persiguieron de todas las formas posibles. Lo más fatal fue que en 1697, el Papa Inocencio XII ordenó el cierre y demolición del Tor di Nona, el teatro de ópera más grande de Roma, y anunció que a partir de ahora quedarían prohibidas las representaciones de ópera en la jurisdicción papal. Desde entonces, la ópera romana ha ido en declive.