Ventajas de Nuestra Señora de la Peña
El tema de "Nuestra Señora de la Peña" es general La Virgen se pinta en torno a los profetas según los deseos de la Iglesia. es el fundador de la Santa Sociedad de Socorro para fortalecer a la Virgen. Un método general de composición religiosa utilizado por el bien de la fe pura. La creación de Leonardo da Vinci es una obra secular que está surgiendo silenciosamente en Florencia. Todo en la pantalla refleja nuevas ideas: el tratamiento artístico de la trama; la combinación orgánica de personajes y entorno; el uso inteligente de la luz; Imagen del personaje reflejada por la noble belleza. El tema del cuadro es el pequeño Juan Bautista rindiendo homenaje a Cristo en presencia de la Virgen María y los ángeles. Leonardo da Vinci los situó en un bello y misterioso paisaje rocoso. La Virgen María, los niños y los ángeles están sentados directamente sobre el suelo de roca. La neblina de humo que se espesa y adelgaza gradualmente presenta una calidad pictórica nebulosa que rara vez se ve en las escuelas flamencas o venecianas. Toda la escena es como un sueño lejano. Lleno de calidez poética, paz y elegancia.
Diseño del fondo de la imagen
Aunque los personajes del cuadro están rodeados por una bola de aire húmedo, el contorno del cuerpo humano aún se puede distinguir claramente contra las rocas oscuras, especialmente El El rostro pintado por el artista está envuelto en una atmósfera deliberadamente misteriosa, y la expresión gentil, tierna e inocente del personaje se resalta vívidamente. Del macizo rocoso húmedo cuelgan extrañas piedras, y por entre las grietas de las rocas se pueden distinguir flores y plantas de gran belleza botánica, lirios, anémonas, violetas y algunos helechos. A lo lejos, el cielo azul aparece ante la gente a través de los agujeros y huecos entre las rocas. La joven madre sostiene al bebé John arrodillado con sus tiernas manos, mientras su otra mano se acerca a su hijo. El ángel se enfrenta al espectador, lo conduce hacia el cuadro y hace un gesto con las manos para indicar la escena. Una serie de gestos representan protección, instrucción, bendición y otros significados. Este conjunto de tareas está organizado según los principios de la pirámide. En lo alto de la torre se encuentra la cabeza de la Virgen María, con las manos extendidas a los lados y ángeles y bebés en las esquinas inferiores. Leonardo utilizó la estructura como clave para desbloquear la intención de su obra, que fue en gran medida responsable de la clásica composición de figuras piramidales del Alto Renacimiento.
Imagen armoniosa
En la imagen armoniosa con una composición estable de Leonardo da Vinci, el paisaje ya no es un simple fondo. Un paisaje realista rodea a los personajes, mezclándose naturalmente con los personajes. dando a la imagen una viveza única. En aquella época, la producción de retratos de grupo seguía dos principios generales: primero, debía haber cierta comunicación entre los personajes del cuadro; segundo, debía haber cierta comunicación entre el espectador y el pintor. La colección del Louvre tiene ambos, mientras que la colección de Londres tiene sólo uno.
Características artísticas
Composición piramidal
En la primera imagen, Leonardo da Vinci utilizó una composición en forma de pirámide, lo que da una sensación de estabilidad. Los cuatro personajes están unificados en esta estructura estable. La parte superior de la torre es exactamente la cabeza de la Virgen María, y la mano izquierda de Jesús y el borde del ángel son los bordes del contorno derecho de la torre. Sin embargo, la composición de esta torre no es muy simétrica. La fórmula de la Virgen María en la figura central todavía está ligeramente inclinada hacia la izquierda, mientras que la parte inferior de la composición de la torre está más cerca del prisma, la cabeza de Juan es ligeramente más baja que la del ángel de enfrente y las esquinas están desequilibradas; Debido a que se realza la luz del agujero de fondo, el contraste de color es relativamente estable. La vista panorámica es a la vez solemne y natural, con una belleza clásica.
Estructura de la roca
Preste atención también a la descripción de fondo de esta pintura: Leonardo da Vinci no solo fue un destacado paisajista, sino lo más importante, desde la perspectiva de un explorador, Gran Se presta atención a las formaciones rocosas de esta cueva. Las estalactitas de la cueva fueron objeto de exploración geológica por parte de investigadores científicos durante el Renacimiento. Esto refleja aún más el gran interés de Leonardo por las formaciones geológicas. En todos los frescos de la Italia del siglo XV, la gente corriente siempre aparece delante del paisaje, en lugar de dentro de él. Por primera vez, Leonardo da Vinci colocó a los personajes en medio de un paisaje específico, integrando la situación del personaje con la oscura cueva antigua. Esta fue una creación original de un gran pintor que buscó ambientes típicos y personalidades típicas en su concepción. En términos de color, toda la pintura se basa en el bronceado. El azul oscuro de la Virgen contrasta con el gris púrpura, dorado y plateado del manto del ángel y Juan contrasta con el cabello dorado y rizado de Juan. Las cuevas oscuras permitieron a Leonardo da Vinci trabajar con su mejor claroscuro. "
Sugerencias y símbolos
"Madonna of the Rocks" está llena de pistas y símbolos que revelan la misteriosa mente de Leonardo da Vinci. ¿Qué significa que el ángel señale? San Juan con un gesto evidente ¿Quiere decir San Juan, protegido por la Virgen María, que el hombre necesita la protección del Espíritu Santo? ¿La cueva representada en forma de útero sugiere el origen de la vida? Sin embargo, estas cuestiones son objeto de acalorados debates. El propio Leonardo da Vinci y todos los grandes pintores nunca explicaron el significado de su obra. Él creía que el público debía poder sentir las implicaciones. Obviamente, Leonardo da Vinci incorporó su experiencia de aprendizaje pasada en esta obra. de "El Código Da Vinci" escribe: “Esta pintura desafía el sentido común. Muestra a Juan orando por Jesús, no a Jesús orando por Juan... ¡Jesús obedeciendo la autoridad de Juan! Es más, María en el cuadro pone una mano sobre la cabeza de John en un gesto amenazador: sus dedos parecen garras de águila, como si estuviera sosteniendo una cabeza invisible. La imagen más obvia y escalofriante es la de la URI bajo el dedo torcido de María, haciendo un gesto cortante, como si quisiera cortar la cabeza invisible de María que le había arrebatado del cuello. "Basta ver que el significado y el símbolo de esta pintura no son simples.
Perspectiva aérea
El paisaje fuera de la cueva es una perspectiva aérea. Muchas personas forman una estructura piramidal. , y la cabeza de la Virgen María está en la parte superior. El rostro del ángel expresa el ideal de belleza de Leonardo; sus rasgos no aparecen externamente como en el "Bautismo de Cristo" que pintó para Verrochio, sino que se extienden desde el interior de la figura. la luz y la sombra han alcanzado un nivel soberbio, lo que demuestra que Leonardo se ha despedido del Renacimiento temprano y ha comenzado a alcanzar la cima del Renacimiento
Color
La segunda pintura, Toda la pintura está basada en el bronceado. El azul oscuro de la Virgen contrasta con el gris púrpura, dorado y plateado del manto del ángel. La piel de Jesús y Juan contrasta con el cabello dorado y rizado de Juan. La cueva oscura permite a Leonardo jugar. parte La ley más magistral del claroscuro Este cuadro fue pintado originalmente sobre madera a modo de retablo, flanqueado por pinturas biombo, comparte texto y color con nuestra copia de La muchacha de la roca de 1508. En la imagen, la figura está más cerca y la mano derecha anormalmente puntiaguda del ángel ha cambiado. Sus ojos ya no están enfocados en el espectador, sino en la actividad de los dos niños. Es más madura que la anterior, pero en términos de color. , el manto azul oscuro de la Virgen se ha cambiado a azul oscuro, y el manto rojo del ángel se ha convertido en las alas. Quizás esto se deba a que el artista gastó más energía en la pintura posterior. Aunque puede que haya sido pintado por sus discípulos, pero allí. No hay datos fiables que lo demuestren.
Descripción del cuadro
"La Virgen de las Rocas" fue un altar encargado por Leonardo da Vinci en 1483. La Virgen María en el cuadro se ve exactamente. Como una madre amable y corriente, está sentada consolando a los niños que la rodean con una mirada bondadosa y una sonrisa bondadosa. A su derecha está el pequeño Juan Bautista y el ángel Niño y Cristo Jesús en brazos. Juan con su mano derecha y cubre la cabeza del pequeño Jesús con su mano izquierda, como para unir al hombre con Dios en el amor.
El cielo junto a Jesús sostiene en una mano al pequeño salvador y con la otra señala al pequeño Juan, con una sonrisa dulce y extraña, llena de dolorosas premoniciones. Su voz y postura son absolutamente hermosas. Las emociones se expresan con gran habilidad. Su gesto parece tener dos significados, tanto para bendecir al niño como para protegerlo. El niño Jesús sentado en el suelo, muestra la inocencia de un niño e implica una sabiduría extraordinaria. Las figuras del cuadro están en armonía con el paisaje, dando a la gente una sensación de tranquilidad y armonía. Se dice que la cueva donde se encuentran la Virgen, Juan y los ángeles es el lugar donde Dios creó el mundo. Esas paredes de roca parecen enormes cristales negros. A lo lejos, entre las rocas, vi el sol humeante brillar a través de la niebla y las nubes sobre las puntiagudas montañas azules, misterioso y solemne. Los manantiales subterráneos gorgoteaban entre las raíces de las enredaderas y los pinos piñoneros, y el suelo estaba cubierto de hojas en forma de pezuñas de plantas acuáticas y cálices de orquídeas de color blanco pálido. En la cueva brumosa, el contorno del cuerpo humano se desvanece gradualmente, mientras que el rostro parece un delicado trozo de jade blanco en la luz repentina, lleno de vitalidad interior. La armonía entre la Madre del Hombre, Dios y el espíritu de la naturaleza le da al cuadro una rica poesía y una profunda filosofía.
La encarnación del arte y la ciencia en la pintura
Los logros de Leonardo da Vinci en los campos del arte y la ciencia se reflejan en la obra "La Virgen de las Rocas". Cada roca, hierba y flor de la imagen es suficiente para demostrar el profundo conocimiento de Leonardo da Vinci en geología y botánica. En la pintura, la suave luz reflejada de múltiples maneras por las paredes de roca superpuestas no sólo crea texturas sutiles en los rostros y cuerpos de los personajes, sino que también le da a la imagen un aura poética cruda. También están la estructura de los tejidos del cuerpo humano, la mecánica de las arrugas y el cabello rizado de las mujeres. Estos conocimientos científicos demostrados por el científico Leonardo da Vinci a través de experimentos precisos se integran ahora en una imagen poética del artista da Vinci y se transforman en una música vívida y silenciosa, un himno hermoso y natural. En sus obras, Leonardo da Vinci trajo al mundo mortal al "dios" inalcanzable e inalcanzable y se convirtió en una persona amable y vívida. La gente y el paisaje natural están integrados. La atmósfera pacífica y armoniosa y el paisaje natural armonioso y tranquilo son fascinantes, naturalmente, recuerdan a la gente la cálida y dulce vida familiar, de la que la Virgen María y Jesús son uno. Sin embargo, el cuadro fue criticado por su cliente. Se negaron a pagar alegando que la Virgen María no tenía una luz sagrada en su cabeza, Juan no tenía una cruz y los ángeles no tenían alas, y presentaron una demanda contra Leonardo da Vinci. La demanda duró 20 años. años. No fue hasta 1508 que, bajo la dirección directa de Leonardo da Vinci, su discípulo Ambrojo de Polettis completó una copia de la Virgen de las Rocas, añadiendo un diafragma a las cabezas de la Virgen y de Jesús, añadió una cruz a Juan. Hizo que al ángel le crecieran alas, le dio el cuadro al cliente y se resolvió el pleito. Pero en comparación con la pintura original, todo el valor de la copia está muy por detrás.
El misterio de la pintura
Durante 25 años, la Virgen bajo la roca se convirtió en el foco de conflicto entre Leonardo da Vinci y sus inversores en Milán. A pesar del descubrimiento de nuevos documentos, partes de la disputa siguen siendo un misterio. Desde la desaparición del primer cuadro, se ha convertido en motivo de numerosas disputas de intereses. La obra fue demorada, quejas expresando dudas, audiencias judiciales y sentencias, una tras otra, hasta que se accedió a terminar el cuadro. El 25 de abril de 1483, Leonardo da Vinci aceptó el encargo y dedicó más de siete meses a completar la pintura. Pero no fue hasta el 23 de octubre de 1508 que pudo firmar la obra que había sido terminada de antemano y entregarla al cliente. Esta pintura es una buena combinación del estilo de pintura oscuro, misterioso y sugerente de Leonardo da Vinci, que muestra constantemente significados simbólicos e ideas teológicas. Las cuevas húmedas llenas de flores están envueltas en un aura religiosa y misteriosa, que se suma al misterio y la mitología. Las cuevas y montañas inaccesibles que desaparecen en la distancia muestran el mundo geológico del tiempo y el espacio infinitos. Forman un escenario misterioso para los acontecimientos sagrados de la religión pura. Cada movimiento parece detenerse para capturar el momento que cambiará la historia de la humanidad. Las figuras del cuadro no se ajustan a las promesas de la Alianza de 1483 (la Virgen y el Niño están flanqueados por dos ángeles y dos profetas, pero no está San Juan), lo que nos muestra las intenciones heréticas de Leonardo.
El significado de la pintura
Dos cuadros de 1485 a 1490, El músico y La dama del hurón, dan testimonio de la profunda revolución que Leonardo supuso en el estilo del retrato. "El Músico" es una verdadera obra de referencia: desde los rizos "brillantes" del retrato de Ginebra Benzi hasta la figura escultórica de San Jerónimo, se ve realzada por la intensa representación psicológica de los nuevos personajes, que se demostrará plenamente en "Dama sosteniendo un hurón". En el cuadro "Músicos" se puede observar el carácter decisivo de los lombardos, la influencia que trajo el norte y la vívida descripción del retrato, que recuerda a las pausas musicales en las que el cantante ajusta sus "movimientos y respiraciones". Es casi seguro que Leonardo da Vinci estuvo involucrado en la creación de esta pintura. La preparación y ejecución del cuadro fueron todas suyas. A lo sumo, ayudantes como De Polettis ayudarían en algún trabajo insignificante. Antes de finales del siglo XVIII, cuando la dama del hurón entró procedente de Italia en la sala de colección de la familia rusa del zar polaco, no había ningún material fiable. Aunque ha sido restaurada muchas veces, esta pintura todavía sorprende más a los espectadores que la Mona Lisa. El ritmo del cuadro y la rotación en espiral de la figura femenina en el espacio opuesto al hurón es definitivamente un fenómeno nuevo en el arte del retrato.