El guión es el elemento literario del drama, un guión literario interpretado por actores en escena. Es la base del drama, el fundamento de un drama. Ahora te presentaré cómo escribir un guión de obra, espero que te sea útil. ¡Bienvenidos a leer!
Cómo escribir un guión dramático y cómo elegir un tema dramático
Frente a la rica y colorida vida real, ¿cómo elegir los materiales necesarios para el drama? Las selecciones de dramas deben cumplir con los requisitos generales de selección y los requisitos especiales del estilo dramático.
1. Requisitos generales para la selección de materiales
Elija los temas con los que el autor esté más familiarizado, sienta más profundamente, comprenda más a fondo y tenga un significado social importante.
Elija temas que sean de actualidad para el público.
2. Elige un tema que se ajuste a las reglas del drama.
(1) Captar los personajes y el tema.
El drama debe utilizar las propias palabras y acciones de los personajes para expresar sus rasgos de personalidad y actividades psicológicas. Por lo tanto, la selección de materiales dramáticos debe centrarse primero en personajes con personalidades distintivas. Los personajes deben tener acciones fuertes y ser. capaces de expresarse a través de acciones propias.
Cada personaje actúa con determinación para conseguir sus propios objetivos claros. Lo que los personajes piensan y dicen es por el bien de la acción. Esta "acción" promueve cambios en las cosas y constituye una acción dramática.
(2) Elegir aquellos personajes y acontecimientos que pueden provocar colisiones de personalidad para constituir conflictos dramáticos. Las personas con pensamientos y personalidades diferentes, especialmente las personas con visiones del mundo opuestas, inevitablemente entrarán en conflicto si actúan tenazmente de acuerdo con sus propios acuerdos y deseos. Hegel dijo: "Dado que los conflictos generalmente deben resolverse como resultado de la lucha de los opuestos, las situaciones conflictivas son particularmente adecuadas como objetos de drama".
Elija acciones para desarrollar, personas con personalidades conflictivas y La cosa gira y gira. Específicamente, de acuerdo con la lógica del desarrollo contradictorio de las cosas, se deben seleccionar varios pequeños giros y vueltas para convertirse gradualmente en puntos de inflexión grandes y fundamentales, que reflejen el gran desarrollo de las cosas y formen un curso de acción simple y cambiante.
③Los materiales seleccionados de acuerdo con las reglas anteriores deben ser adecuados para la representación escénica.
Crea personajes dramáticos
Al escribir un guión, no solo debes elegir personajes con personalidades distintivas y acción fuerte, sino también dominar algunas técnicas para escribir personajes vívidamente.
1. La forma más vívida y eficaz de representar personajes a través de acciones.
Las acciones mencionadas aquí incluyen los movimientos físicos de los personajes, movimientos verbales y movimientos internos.
Engels decía:
Un buen carácter no sólo se refleja en lo que hace, sino también en cómo lo hace desde esta perspectiva, creo que si se hace un enfoque más oposicionista; utilizado Para distinguir los personajes, el contenido ideológico básico no será destruido. "
En todas las obras literarias, el comportamiento del personaje es el medio más importante para representar su personalidad. Esto es especialmente importante en el drama, porque la acción es especialmente adecuada para el arte escénico.
A veces una acción vívida es mejor que muchas líneas. No sólo muestra claramente la personalidad del personaje, sino que también deja una impresión indeleble en el público.
Las acciones de los personajes se pueden dividir en acciones grandes y pequeñas. acciones y acciones detalladas En general, en una obra, cada personaje tiene solo una o dos acciones principales. Estas acciones a menudo juegan un papel decisivo en la expresión de la esencia de los pensamientos y la personalidad del personaje, y a menudo están dispuestas en el punto de inflexión. clímax del desarrollo de la trama Sin embargo, los grandes movimientos de los personajes no son repentinos, sino el resultado inevitable del desarrollo gradual de una serie de pequeños movimientos, por lo tanto, en términos de concepción artística, de acuerdo con las personalidades de los diferentes personajes y en torno al. En el evento central de toda la obra, se diseña una línea de acción para cada personaje causada por muchas acciones. Sólo siguiendo esta línea de acción se pueden revelar profundamente las características esenciales de los pensamientos y la personalidad del personaje, y se puede obtener una imagen escénica vívida.
La revelación de la personalidad del personaje también se puede lograr a través de algunas acciones detalladas. A veces, dichas acciones detalladas pueden no estar directamente relacionadas con el tema y el conflicto dramático, pero son muy útiles para caracterizar el personaje. personaje
2. Concéntrate en revelar el mundo interior del personaje y darle un fuerte color emocional
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Él dijo una vez:
“. Como creador de teatro, a lo largo de los años me he enamorado de los personajes.
Siempre he creído que escribir dramas se trata principalmente de escribir sobre personas; en lo que pienso es en cómo describir los personajes. Al describir personajes, es importante revelar su mundo interior: sus pensamientos y sentimientos. De ahí surgen las acciones, el desarrollo y el final de los personajes. ”
En el drama, la descripción psicológica de los personajes no puede depender de la descripción del autor o del análisis interno como en las novelas, ni puede depender enteramente del monólogo del personaje, sino principalmente a través del lenguaje y las acciones del personaje para revelar su o sus actividades internas. Puedes considerar los siguientes puntos:
Sé bueno colocando a los personajes en el torbellino de emociones, lo que constituye el conflicto de la propia personalidad del personaje. Por ejemplo, en el drama histórico de Guo Moruo. Cai Wenji", el autor colocó a Cai Wenji en el camino a casa y sufrió. Sufrimiento emocional.
Ser bueno configurando diversas relaciones complejas entre personajes es una condición indispensable para revelar el rico mundo interior de los personajes.
Desarrolle los personajes principales a través de los personajes secundarios.
Organiza cuidadosamente los personajes del drama
La estructura del drama es una forma de drama compuesta de trama, escena y otros elementos dramáticos. incluyendo principalmente la disposición de la trama, el procesamiento de la escena, etc. Debido a las estrictas limitaciones de espacio, la estructura artística del drama es particularmente importante en comparación con otros estilos literarios
La disposición de las tramas dramáticas
. p>1. La composición de las tramas dramáticas
La trama dramática generalmente se refiere al proceso de desarrollo de los acontecimientos y conflictos de la vida compuesto por diversas relaciones entre los personajes y el entorno de la obra
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Las acciones y el desarrollo de los personajes son la parte externa de la trama dramática. La forma; la motivación y el desarrollo de las acciones de los personajes son las motivaciones subyacentes de la trama dramática. el drama se compone de la intención, los medios para lograr la intención y el final de estos medios. En diferentes estilos de drama, algunos se centran en la apariencia de la acción (como el melodrama), otros se centran en la profundidad psicológica. (como el psicodrama).
La trama del drama se compone de escenas consecutivas
La escena es el desarrollo de la trama. >La trama se desarrolla con el cambio de escenas.
El papel más importante de la trama dramática en la obra es servir a la exhibición de los personajes. Al mismo tiempo, la trama dramática en sí tiene un valor relativo. La eficacia artística independiente y el valor estético pueden atraer y entretener a la audiencia. En la creación dramática, la trama no puede ignorarse, lo que hace que la obra carezca de poder artístico emocionante, y la trama no puede simplemente seguirse, lo que abruma a los personajes y hace que la obra carezca. Profundidad ideológica. El drama logra "una gran profundidad intelectual y un contenido histórico consciente, perfectamente combinado con la vivacidad y riqueza de las tramas dramáticas de Shakespeare". ”
Según el proceso de desarrollo de los conflictos dramáticos, la composición de la trama del guión se puede dividir en
El inicio de la contradicción
El desarrollo de la contradicción
Intensificación de la contradicción (clímax)
Resolución de contradicciones
Filadelfia, el inicio del guión es muy importante, porque su calidad está relacionada con la éxito o fracaso de toda la situación; pero el comienzo del guión es bastante difícil porque el comienzo de una obra no es de ninguna manera el comienzo del curso de los acontecimientos, por dónde empezar, a quién mostrar primero, qué trama mostrar primero. y se debe considerar repetidamente cómo volver a narrar y explicar la situación anterior.
La función del comienzo: explicar de manera simple e implícita el tiempo y lugar de la historia, la relación entre los personajes y el entorno específico de la misma. la historia en las acciones de los personajes; cuando aparece un personaje, se debe revelar inicialmente su personalidad; es necesario plantear conflictos, despertar el suspenso, indicar la dirección del desarrollo de la trama y despertar el interés del público. p> El desarrollo es la etapa progresiva antes del clímax del conflicto dramático y ocupa la parte más grande y crítica de toda la obra. Aquí se muestran los personajes principales, los eventos y los conflictos si un drama puede atraer firmemente a la audiencia. y si el clímax del drama puede llegar de forma natural y razonable depende de esta parte. Por lo tanto, por un lado, el dramaturgo debe comprender la ley de desarrollo de la lucha entre los dos lados del conflicto. y hacer que las contradicciones y los conflictos sean cada vez más superficiales y agudos según la personalidad y el nivel de los personajes. Por otro lado, debe evitar el desarrollo lineal de los conflictos, pero debe Hay olas, hay altibajos. y las ondas no son planas, de esta forma la historia puede estar llena de ritmo y captar siempre al público.
El clímax es que después de varias rondas de lucha, el equilibrio de poder entre los dos partidos contradictorios continúa cambiando al nivel más intenso y agudo. Este es también el punto de inflexión que determina la victoria o la derrota y el éxito. o fracaso.
Aunque el clímax es un breve momento de conocimiento de toda la obra, revela el significado ideológico del conflicto dramático y resalta los aspectos más concentrados y profundos del personaje del hermano menor. escena emocionante. No es de extrañar que algunas personas digan que todo se trata de orgasmo.
Para escribir bien un clímax, debes organizarlo con cuidado, ser bueno para frenar el desarrollo de contradicciones y elegir el momento más adecuado para que aparezca repentinamente después de estar completamente preparado.
El final, el clímax sigue inmediatamente al final. Al final, debemos centrarnos en los resultados de los acontecimientos importantes y no permitir asuntos extraños o superfluos. Un buen final no sólo debe satisfacer al público, sino también dejar espacio para el regusto y demostrar plenamente la profundidad de los pensamientos del autor.
2. Las principales técnicas para ordenar la estructura argumental
1 Suspenso
También conocido como “neuroticismo”. Basándose en las características psicológicas del público, que necesita expresar sus emociones al ver una obra, el guionista o director organiza la trama con finales no resueltos e impredecibles para despertar la ansiosa expectación del público por el resultado. Es un método importante para hacer que la trama sea fascinante, mantener y mejorar continuamente el interés de la audiencia en la creación dramática.
El suspense dramático surge de la expectativa generada por las continuas dudas e inquietudes psicológicas de las personas. La Poética de Aristóteles es la primera obra que involucra suspenso en la teoría de la escritura de guiones occidental. Aunque no hay suspenso en las obras teóricas de la ópera china, Li Yu pidió "eliminar el mal" en el capítulo sobre la estructura de la letra y la música de "Casual Love", que básicamente tiene una connotación similar al suspenso, pensando que "es Es difícil entender lo siguiente y no sé el resultado de este asunto. "cómo".
La composición del suspense dramático depende principalmente de las siguientes condiciones:
La crisis acecha en el destino de los personajes.
La vida y la muerte, el éxito y el fracaso son todos posibles, hay dos destinos, dos finales.
Un conflicto cercano debe tener un desenlace.
Las personalidades y acciones de los personajes principales de la obra pueden despertar emociones de amor y odio en la audiencia.
El público es muy consciente de las tendencias de desarrollo futuras. El desarrollo lógico de la trama y el fuerte amor y odio por los personajes son dos elementos importantes del suspenso.
El uso del suspense en los guiones se divide generalmente en dos categorías:
Suspense total y suspenso menor. También conocido como patrón general de suspenso y pequeña tensión en la escena principal. El suspenso general es el foco del conflicto principal de toda la obra y debe plantearse al comienzo del guión e intensificarse a medida que el conflicto aumenta hasta el clímax. Es la columna vertebral emocional de la estructura dramática a lo largo de la obra. El pequeño suspenso pertenece a la tensión local en cada párrafo de desarrollo o escena principal del guión, que enriquece y fortalece continuamente el suspenso general. Al final de cada escena o escena, lleva la atención y el interés del público a la siguiente escena o escena. .
Espere suspenso y suspenso repentino. El suspenso anticipado se basa en no ocultar secretos al público, y es la expectativa generada por la cierta premonición y comprensión del destino y desarrollo de los personajes por parte del público. El suspenso repentino se basa principalmente en ocultar secretos al público y realza el efecto dramático; sorprendiendo al público. Se trata de una situación inesperada pero razonablemente compleja y un giro peligroso en el desarrollo de la trama, también llamado accidente o sorpresa.
En la creación real, diferentes estilos y tipos de guiones utilizan estos dos tipos de suspenso de diferentes maneras. Preste atención a la descripción de los personajes y utilice la anticipación y el suspenso; los dramas episódicos utilizan más suspenso repentino. En aplicaciones prácticas, existe una relación complementaria entre los dos. En términos generales, el autor siempre mantiene las emociones de la audiencia a través del suspenso esperado, y también utiliza el suspenso repentino para provocar los altibajos de la trama dramática y las emociones de la audiencia, intensificando así aún más la tensión del conflicto.
La formación, mantenimiento y fortalecimiento del suspenso requieren de las técnicas artísticas de "supresión" y "retraso", que algunas teorías dramáticas también llaman "retraso" o "mitigación". Significa que cuando el conflicto es agudo y la trama tensa, el autor utiliza diversas condiciones y factores de ambas partes para suprimir o interferir con el conflicto y la situación dramática con una trama o escenas intercaladas al margen, lo que resulta en una relajación temporal del La superficie, pero de hecho Sin embargo, fortalece la agudeza del conflicto y la tensión de la trama, y fortalece las expectativas de la audiencia.
Otra forma de detener la táctica es terminarla abruptamente en un momento tenso del conflicto, dejándote preguntándote qué sucederá después y escuchando el suspenso y los intervalos de la siguiente ruptura, mejorando así en gran medida el efecto artístico.
El formato de alternancia de suspenso y retardo está relacionado con el límite de resistencia psicológica del público a la hora de ver el programa. La tensión continua sólo hará que la audiencia se sienta cansada, y el alivio temporal es ajustar sus emociones y prepararse para una mayor tensión.
La vida social es compleja y el desarrollo de las contradicciones se ve afectado y restringido por varios factores. Inevitablemente habrá giros y vueltas, avances y retrocesos, e inevitablemente se producirán cambios inesperados. Para saber cómo organizar el suspenso en una obra de teatro, primero debes estar familiarizado con las leyes del desarrollo de las cosas en la vida. El valor estético del suspenso dramático reside en si se ajusta a las leyes del desarrollo de la vida y a la lógica del desarrollo del carácter.
②Descubrimiento y mutación
Un giro brusco, también conocido como giro brusco o cambio brusco, se refiere a un cambio brusco de la trama en sentido contrario, es decir, de la adversidad a la adversidad. prosperidad, o de la prosperidad a la adversidad. Es un método para fortalecer el drama a través de cambios fundamentales en el destino y las emociones internas de los personajes. El descubrimiento se refiere a la transformación de la ignorancia al conocimiento, que puede ser el nuevo descubrimiento del protagonista de su propia identidad o relación con otros personajes, o puede serlo. el descubrimiento de algunos hechos importantes o el descubrimiento de objetos inanimados. En la práctica creativa, los descubrimientos siempre se combinan o aparecen simultáneamente con mutaciones, y los guiones a menudo provocan cambios dramáticos en la trama a través de descubrimientos. Por ejemplo, en la escena 4 de "Edipo Rey" de Sófocles, Edipo hace todo lo posible para visitar al pecador que mató a su padre y se casó con su madre para salvar a la ciudad del sufrimiento. Al final, debido a que el informante reveló inadvertidamente la verdad y descubrió que había cometido el crimen sin darse cuenta, un rey justo y sabio se convirtió en un mendigo ciego autoexiliado.
El primero en proponer el descubrimiento y la mutación fue Aristóteles. En los capítulos 10 y 11 de la Poética considera que el descubrimiento y la mutación son los componentes principales de la trama. Durante mucho tiempo, estas dos técnicas han sido consideradas las más dramáticas en el arte de escribir guiones y han sido ampliamente utilizadas. En la creación de guiones, una buena escena de giro brusco no solo debe centrarse en los altibajos de la trama, sino también basarse en la creación de personajes y esforzarse por escribir los cambios psicológicos y las actividades emocionales dramáticos y ricos de los personajes a través de una trama razonablemente nítida. vueltas.
③Entretejido de tiempo y espacio
El tiempo y espacio escénico se organiza según los sueños, alucinaciones, ensoñaciones, recuerdos y otras actividades psicológicas de los personajes, y el pasado, presente y futuro. están entrelazados. Los dramas modernos que persiguen la verdad subjetiva suelen adoptar esta estructura. Principalmente debido a la "corriente de conciencia". Por ejemplo, "La muerte de un viajante" de A. Miller recorre los conflictos psicológicos y las actividades subconscientes de Willy. A través del trance y el soliloquio de Willy, el autor escuchó inconscientemente el sonido de la flauta y la risa, viajando naturalmente por el tiempo y el espacio del escenario hacia el pasado, y luego lo devolvió a la realidad a través de la interrupción de un tercero, mostrando así vívidamente a los personajes. destino trágico de la vida.
La estructura entrelazada de tiempo y espacio rompe las limitaciones de los dramas tradicionales que reflejan la vida en una secuencia temporal objetiva. Expresa las vidas internas secretas y complejas de los personajes a través de una organización temporal y espacial cambiante y de múltiples niveles. . Sin embargo, debido a la aleatoriedad y la agitación de las actividades de la conciencia humana, el uso inadecuado también formará una estructura de trama desordenada y poco clara.
La ópera tradicional china siempre ha sido relativamente libre en el uso del tiempo y el espacio porque no se limita al realismo del escenario. También hay algunas óperas que utilizan la estructura entrelazada de tiempo y espacio para enfatizar las actividades internas de los personajes, pero no saltan al azar como los dramas modernistas.
Consistente
La trama de una obra de teatro no excluye el azar. Las tramas de todas las obras dramáticas, casi sin excepción, tienen elementos accidentales. Se puede decir que la formación de una trama dramática es inseparable del azar. Como dice el refrán: las coincidencias no hacen un libro. Sin embargo, la originalidad debe ser razonable, natural y significativa. Es necesario combinar contingencia y necesidad.
Disposición de la escena
El procesamiento de la escena es principalmente trabajo del director, pero el dramaturgo sabe cómo manejar la escena, lo que puede hacer que la creación del guión esté más acorde con las necesidades del escenario.
Hay muchos problemas con el manejo de las escenas escénicas. Aquí sólo hablamos de dos temas: dentro y fuera de la cancha, dentro y fuera de la cancha.
Dentro y fuera del campo
También conocido como campo brillante y campo oscuro, en realidad es una combinación de escritura real y escritura virtual.
Todos los dramas que son representados directamente por actores en el escenario y que pueden visualizarse a través de imágenes visuales se denominan colectivamente escenas brillantes, es decir, dramas de la vida real que las imágenes visuales no aparecen directamente en el escenario, sino que son narradas por los personajes; líneas, o a través de los efectos de sonido detrás de escena. Las escenas narradas se basan básicamente en imágenes auditivas. Este tipo de escena se llama campo oscuro, es decir, virtual.
La combinación de drama en el sitio y drama fuera del sitio puede expandir el territorio temporal y espacial del escenario del drama, expandir la capacidad del drama y evitar efectivamente las limitaciones del escenario del drama.
La selección y el procesamiento de escenas brillantes y oscuras están relacionados con la división primaria y secundaria de escenas dramáticas y los especiales requisitos estéticos de la imagen escénica. En general, las escenas principales de la obra se procesan en el campo brillante, y las escenas menores o escenas de la trama que dificultan la representación escénica se procesan en el campo oscuro.
Intermitente
En el escenario, la trama debe estar concentrada. Personas que no tienen nada que ver con la trama suben al escenario y no hay drama. No pueden faltar personas relacionadas con la trama. En el escenario no puede haber ni demasiada ni poca gente. Por lo tanto, el manejo y la disposición de los altibajos de los personajes también son cuestiones que los escritores deben considerar seriamente.
El autor debe partir de la trama y pensar en una razón suficiente para que las personas se separen y combinen físicamente, y se separen y combinen naturalmente. No puedes manipular arbitrariamente al personaje para que corra hacia el escenario o abandone el escenario de repente.
Personajes dramáticos
El lenguaje dramático incluye dos partes, una son las líneas de los personajes y la otra son las instrucciones escénicas del autor. De los dos, las líneas dominan naturalmente, por lo que lo que solemos llamar lenguaje dramático se refiere a líneas.
Las líneas son lo que dicen los personajes del guión. Son el principal medio utilizado por el dramaturgo para expresar la trama, representar a los personajes y encarnar el tema.
Las líneas de una obra de teatro generalmente incluyen diálogo, monólogo y narración. Los versos de las óperas occidentales son principalmente letras poéticas; en la ópera china, son una aplicación integral de letras rimadas y recitación Sanqu. El canto de ópera es un lenguaje musical y artístico, que se puede dividir en tres formas: prosa y verso.
El diálogo es el diálogo entre los personajes del guión y es también la forma principal de las líneas dramáticas. Un monólogo es una frase pronunciada por un personaje solo en el escenario. Se desarrolló a partir de la tragedia clásica y se utilizó ampliamente en el drama renacentista. Es un método artístico que expresa directamente los sentimientos y pensamientos internos de los personajes al público. A menudo se utiliza en escenas con las actividades internas más intensas y complejas de los personajes. La narración es una línea pronunciada por un personaje en el escenario directamente al público, suponiendo que no sea escuchada por otros personajes en el escenario. El contenido es principalmente la evaluación de la otra parte y la divulgación de mis actividades internas. En la ópera tradicional china, el "fraude matrimonial" es una narrativa.
En la creación de guiones, las líneas son un factor importante a la hora de determinar el arte de una obra dramática. El drama es diferente de las novelas y otros estilos literarios. No lo narra el autor a los lectores, sino que solo se basa en el lenguaje y las acciones del propio personaje para expresar todo. Por lo tanto, las líneas son el único medio lingüístico que se puede utilizar en el. Escenario dramático. La escritura y la disposición de las líneas se convierten en una parte importante de la técnica dramática.
Las líneas del guión son un tipo especial de lenguaje literario que es difícil de dominar y utilizar.
1. Las líneas deben ser acciones (acciones verbales).
Las acciones son principalmente líneas que pueden revelar las acciones internas de los personajes. Como dijo Jiao Juyin: "Las acciones del lenguaje son las ricas y complejas actividades ideológicas de los personajes expresadas por el lenguaje". acción, que debe ser limitada en el tiempo. Las acciones de los personajes se desarrollan rápidamente dentro del tiempo de la representación escénica y crean conflictos agudos, revelando así los pensamientos, personalidades y emociones de los personajes. Esto requiere que las líneas obedezcan a las acciones dramáticas y tengan las características de las acciones.
La función de las líneas es favorecer el avance de la trama. Las líneas de cada personaje en el guión deben producirse en el conflicto del personaje y convertirse en la encarnación de la actitud y reacción del personaje ante el conflicto. Pueden impactar fuertemente la mente del oponente en conflicto, incitando a la otra parte a tomar nuevas acciones y participar activamente. El conflicto, promoviendo así la relación entre los personajes y la relación entre los personajes, el drama avanza. La función de las líneas reside en su capacidad para revelar las ricas y complejas actividades internas de los personajes.
En definitiva, el lenguaje de acción debe tener dos funciones. Por un lado, no solo puede expresar las propias actividades psicológicas del personaje, sino que también puede provocar fuertes acciones externas, por otro lado, también puede estimular a la otra parte e incitarla a producir el lenguaje y las acciones correspondientes;
De esta forma, las dos partes del diálogo interactúan, se promocionan y promueven el desarrollo continuo de la trama.
Por ejemplo, el diálogo entre Zhou Ping, Sifeng y Shi Ping en "Thunderstorm" generalmente tiene dos formas de expresión, una es expresar directamente los sentimientos y la otra es el "subtexto". La línea recta a veces se realiza a través de un monólogo; el subtexto contiene palabras inacabadas complejas y ocultas y significados ocultos, que pueden reflejarse de muchas formas, como juegos de palabras, vacilaciones, insinuaciones, condensaciones, etc.
La función de las líneas también es la de proporcionar una base para que los actores encuentren acciones escénicas precisas durante las actuaciones. La realización final de la creación dramática debe tener lugar en el escenario. Por lo tanto, la escritura de líneas debe tener en cuenta las necesidades de la creación artística, permitiendo a los actores moverse en el escenario y presentar vívidamente el mundo interior de los personajes al público.
2. Las líneas deben ser personalizadas.
La creación de personajes en el guión sólo puede completarse con las propias líneas y acciones de los personajes, y debe realizarse en un tiempo y espacio limitados. Estos dos factores imponen grandes exigencias a la personalización de las líneas de guión. Para personalizar las líneas, primero debes comprender las características del lenguaje del personaje según su edad de nacimiento, ocupación, educación, experiencia, estatus social, época, etc. Debemos contener a miles de tropas y a miles de personas.
En segundo lugar, la caracterización de líneas también requiere que el dramaturgo comprenda firmemente el desarrollo de las personalidades de los personajes, comprenda los cambios en la situación dramática, comprenda las intrincadas relaciones entre los personajes y escriba las únicas palabras que los personajes pueden decir en este momento. No sólo no se pueden confundir las líneas de diferentes personajes del guión entre sí, sino que las líneas del mismo personaje en diferentes escenas dramáticas no se pueden intercambiar a voluntad. La clave para darse cuenta de la personalidad de los versos es que el dramaturgo esté familiarizado con la vida y los personajes de la obra. Al escribir, pueda penetrar en el alma de los personajes, ponerse en su lugar y descubrir los métodos y características del lenguaje. de las expresiones internas de los personajes.
3. Las líneas deben ser poéticas.
El drama debe establecer una imagen artística distinta frente al público a través de las líneas de los personajes en un tiempo y espacio limitados, para que el público pueda verse infectado y tentado por el destino de los personajes. Las líneas del guión tienen características poéticas y de fuerza. La poetización de las líneas no significa que cada uno deba adoptar un estilo poético, sino que la poesía debe impregnar las líneas. Por lo tanto, las líneas deben ser emocionales y contagiosas; vívidas y expresivas; y esforzarse por expresar un contenido rico y una concepción artística profunda en las palabras más concisas y concentradas.
4. Las líneas deben decirse de manera coloquial.
Para que el público entienda claramente la trama, comprenda a los personajes y acepte la interpretación de la vida del escritor, las líneas deben ser simples, fáciles de entender y coloquiales. El lenguaje hablado hace que las líneas estén llenas de vida, amigables y naturales. El uso apropiado de lenguajes populares como modismos, proverbios, eslóganes e incluso jerga puede ayudar a que las líneas sean coloquiales. Si bien prestamos atención al coloquialismo, también debemos prestar atención a la estandarización y pureza del lenguaje, y centrarnos en el refinamiento y procesamiento del lenguaje de la vida para convertirlo en un lenguaje artístico para la vida de la imagen.
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