El poder del arte: Reflexiones de Van Gogh sobre "1"
La película comienza con un repaso de las primeras obras de Picasso. En ese momento, Picasso estaba inmerso en su propio mundo artístico, subvirtiendo las tradiciones que heredó con su incomparable talento y habilidades. Como la belleza, como la historia. El encanto de la mujer desnuda es más o menos misterioso y atractivo por tradición, pero en Les Demoiselles d'Avignon se convierte en prostitutas paradas en fila mostrando sus cuerpos desnudos. Un general sosteniendo la mano de su caballo con una mano fue alguna vez una representación estándar de poder. En El niño en el desierto de Picasso, el mismo estilo informal con una sola mano se extrae de la historia y el espacio. Qué familiarizado estaba con el uso repetido y hábil de diversos elementos por parte de los grandes pintores anteriores a él, pero Picasso insistió: ¡No! Ahora, forma sobre contenido.
En esta época, Picasso ya no era el Picasso que podía pintar Guernica. No le importa la política. Su amigo dijo:? Picasso, es alguien que conocí y que no tenía nada que ver con la política. ?
Pero el ritmo de la vida sigue siendo más rápido que el del arte, y Picasso regresa a España de nuevo y, junto con su nueva amante, es testigo de los restos sangrientos de las plazas de toros españolas de los años treinta. Muertos o vacas, olor a sangre. Esta escena fue realmente inolvidable para él. Guernica en 1937, bombarderos sobrevolando a gente con camisas o sombreros de tela, ¿más o menos? ¿Accidentalmente? (? ¿Casi casualmente?) Lanza algunas bombas. ¿Es esto una broma oscura? ¿La gallina puso sus huevos en el lugar equivocado? Este no es un campo de batalla. Pero la vida no tiene tiempo para pensar en estos chistes. Lo único que Guernica sabía era que de repente había pasado del día a la noche, que el humo llenaba el aire y que la casa estaba en llamas. El mundo en blanco y negro está impreso en periódicos en blanco y negro. ¿Quieres abandonar este momento o simplemente quieres copiar este en blanco y negro? No sabemos si Picasso pensó en esto cuando vio esta foto. Todo lo que sabemos es que decidió crear su Guernica, una obra maestra que durante mucho tiempo ha sido directamente relevante para el mundo político actual pero que no tiene ni idea. Oh, sabía que sería una obra maestra, si tan solo pudiera terminarla.
La valoración que Simon Schama hace de "Guernica" es que Picasso una vez más subvirtió el arte modernista que había redefinido no hace mucho. Esta vez, Picasso ya no rechazó deliberadamente la historia, sino que extendió sus fuertes brazos y usó el pincel que tenía en la mano para apoyar una vez más la pesada tradición. No podía olvidar los destacados tesoros de la Galería del Prado que corrieron la suerte de extinguirse durante la guerra. No podía olvidar a Goya, el pintor más grande de su país, su propio pionero y tesorero. Todos decían: Miren, esto es la guerra. ¿No es así? Picasso siguió siendo el maestro del cubismo, pero esta vez, en Guernica, salvó al cubismo de su potencial colapso. Reinyectó en ellos la integridad de la vida, inyectando sus propias canciones de amor y odio, de odio y culpa, de perseverancia, desesperación y redención.
Como todos los grandes artistas, Picasso se ocultó hábilmente en Guernica y se exploró sin miedo. Picasso nunca abandonó todas las imágenes de amantes, amantes, niños, madres, Guernica, naturaleza, sangre, caballos heridos, vacas locas, personas sosteniendo velas y las emociones involucradas en ellos. Abrió mucho los ojos, caminó hasta el lugar más doloroso de sí mismo, los dibujó uno por uno y les dio forma poco a poco. Experimentó la guerra tan profundamente sólo porque experimentó la humanidad tan profundamente en sí mismo, en todo su cuerpo y mente. La naturaleza humana completa, perfecta y eterna también es extremadamente frágil. Me impresionaron los comentarios de Schama sobre el proceso creativo de Picasso. Calificó la insignificancia de Picasso al principio de la creación de "Guernica".
La esperanza, a medida que la creación progresa y se profundiza, se derrumba en una enorme desesperación y tristeza. ¿Es esta una pregunta profunda? ¿Es ese un doloroso descubrimiento de la propia fragilidad y vulnerabilidad? ¿Es un sentimiento de arrepentimiento o impotencia? Qué obra maestra. La descripción de Guernica que hace la BBC termina con un soldado caído con flores cubriendo sus heridas, y la cámara se desplaza hacia su palma abierta con un tatuaje de salvación escrito en su interior. (Este tatuaje también aparece en "El fusilamiento del 3 de mayo" de Goya y es pequeño pero claro.
) Lo más llamativo de toda la imagen son los fríos ojos de bombilla artificial sobre Guernica y, a su derecha, un brazo fuerte que sostiene una vela emerge del vacío como un puño. ¿Quién ganará? Para Picasso, esta puede no haber sido una respuesta abierta. Bien o mal, un lado ganará, pero no podemos ignorar a ninguno de los dos.
? Ante la guerra, los artistas despiertan nuestras conciencias y ansiedades. No olvidemos el síndrome del frío de esta época: aquellas personas fingían no ver nada, se arreglaban la ropa y caminaban tranquilamente por los seis metros hasta otro jardín de arte. Picasso abre el tejido cicatricial, nos hace sangrar y nos deja sin dormir. Si da una orden, leerá en tu oído las leyes de la naturaleza humana palabra por palabra, si aún estás dispuesto a obedecerla. Este Picasso no es el Picasso original. (Pablo Picasso es ahora un artista en transición). ?
Esperemos que esta película no se convierta en la nueva canción de cuna. La gente apagaba sus televisores justo cuando cerraba los ojos para ver el "Guernica" de Picasso.
El poder del arte: Los pensamientos de Van Gogh sobre el arte 2
Finalmente terminé de ver este episodio de “El poder del arte” de la BBC. El último episodio trata sobre Rothko en Nueva York. Hasta ahora he experimentado el proceso desde el Renacimiento hasta el arte posmoderno y me gustaría concentrarme en escribir algunos sentimientos. En primer lugar, realmente siento que todo artista es más o menos paranoico en la vida, ya sea obsesionado con cierto tipo de expresión o pensando demasiado original. Rothko expuso implacablemente la palidez de la naturaleza humana bajo el capitalismo, y Turner más tarde expuso el trauma en la historia británica, al igual que Rembrandt, quien más tarde insultó a los holandeses por olvidar a sus antepasados en su lujo. Y su contribución a la historia del arte es precisamente el género de estos pioneros; otra cuestión es ¿qué es? ¿Un maestro nato? ;Finalmente, ¿cuál es la pasión que sustenta las creaciones de estas personas? A veces; una cosa más, el episodio de Rothko termina con el poder del arte; mientras cenaba con una amiga hace algún tiempo, ella dijo que yo era un? Es fácil entrar y salir; en general, creo que este DVD le enseña algo a la gente común; Simon Schama (¿Simon? Martha) es una persona extraña, bueno, devuélvelo y prestámelo, porque no puedo evitarlo; fascinado por ello; hoy terminé de leer Macro
Algo vanguardista. Esto es tan contradictorio y extraño que inevitablemente conducirá a la indiferencia y la incomprensión del público. Definitivamente lo querrán, pero su confianza en sí mismos o su perseverancia son superiores. El ejemplo que dan a las generaciones futuras es expresar, expresar y volver a expresar, dejando que su voz camine en medio del shock y la soledad. Por eso creo que vale la pena que estas personas se conviertan en maestros, pero puede que no sea suficiente para recompensar sus esfuerzos. Recientemente vi al menos a dos personas expresar la misma idea, y las conclusiones son sorprendentemente similares: el logro de un maestro es inevitable y accidental, pero una persona que se concentra en hacer bien su trabajo ya es exitoso. La expresión es muchas veces para ellos sólo una misión natural, lo más cotidiano. Pero la mayoría de la gente todavía tiene algunas similitudes, como ir en contra de la tendencia de la época, lo que hace que sea fácil destacar.
Una cosa más es ¿qué es? ¿Un maestro nato? . Sin mencionar que todo el mundo tiene talento, solo creo que la infancia y la vida de una persona son realmente ineludibles y deben expresarse en sus obras. El ejemplo más típico es el de Van Gogh, un pintor amado hasta la muerte. De hecho, creo que la mala suerte que tuvo fue un resultado legítimo. He sido estricta y sensible desde que era niña. ¿Qué funciona? ¿Un poco infantil? No sólo él, sino también Andersen, que tuvo la misma experiencia educativa, es realmente único. Ambos fueron miserables y desesperados en sus últimos años, como resultado de que las cosas llegaran a los extremos. Después de que el sueño se hizo añicos por completo, la pérdida vacía no pudo llenarse, pero todavía la expresaban. Cuando era niño, Roscoe tenía miedo de los cosacos. Cuando llegó a Estados Unidos todavía se sentía rechazado como judío, por lo que empezó a pensar en la naturaleza humana y las emociones primitivas.
Finalmente, ¿cuál es la pasión que sustenta las creaciones de estas personas? A veces incluso aparece de forma anormal. Al principio, ambos pintores del Renacimiento fueron violentos y Picasso mostró un severo desprecio por la ética. Además, parece que nuestros antepasados también lucharon y compitieron por favores de uno o dos patrones. Más tarde, la lucha del pintor pareció volverse cada vez más internalizada y personalizada, por lo que surgió la automasacre. Esto está en consonancia con las corrientes del modernismo y el posmodernismo, Kafka, etc. O alguien puede representar una tragedia de personalidad y verse involucrado en el fanatismo político. David y la gente que pintó "La muerte de Marat" lucharon entre el bien y el mal.
Una cosa más, dijo Rothko al final de ese episodio, el poder del arte es que también analiza el proceso de la vida a la muerte y la eternidad.
Desde este punto de vista, ¿el arte no significa algo de fe? Aunque no es una religión, está estrechamente relacionada con la religión. En la apreciación y crítica literaria de este año, la docente dijo que a todos nos falta fe. Me pregunto si las personas que hacemos arte somos diferentes. Pero no importa cuánto persistas, todavía tendrás que soportar dificultades.
Cuando estaba cenando con una amiga hace un tiempo, ¿me dijo que sí? ¿Puedes entrar y salir? Las personas, y cuando se trata de algunas personas que conozco, son diferentes a mí. Esto me ha molestado durante mucho tiempo. Afortunadamente, al menos no viviré esas malditas vidas. La mala noticia es, ¿tal vez? ¿Pasión expresada? Todavía siento que esto no debería mimarme demasiado y permitirme vivir una vida normal con tranquilidad. Por cierto, mantenerse firme siempre es arriesgado, ¿verdad? En nuestros términos, el riesgo y el rendimiento son directamente proporcionales, posiblemente una relación de función cóncava. Aparte de todo, el Sr. V, que conoció a CUHK, es un ejemplo típico. Siempre me sorprende, como si estuviera siempre viviendo en una tormenta, y sus sentimientos son muy fuertes y sinceros. Si fuera por mí, primero sentiría que no es bueno para mi salud. Quiero decir, de repente drogado y de repente profundamente deprimido. Pero nunca le prestó atención, lo que más o menos confirmó lo que dijo el profesor en ese momento. Los escritores no necesitan ser racionales; de lo contrario, ¿de dónde sacarían su inspiración? Hablando del propio profesor, dijo que me gusta la filosofía y que realmente me doctoré en filosofía. Más tarde, finalmente me armé de valor para charlar con él, pero la conversación era demasiado elevada. Cuando volví descubrí que tenía un doctorado en teoría literaria, pero no era nada obvio. Ahora me siento increíble. El maestro es también una persona corriente, una persona racional.
En resumen, creo que este DVD ha enseñado algo a la gente corriente. La persistencia y el equilibrio son lecciones importantes para mí.
El poder del arte: reflexiones de Van Gogh sobre el capítulo tres
Incluso entre los documentales de arte de la BBC, esta serie de ocho capítulos sobre El poder del arte es absolutamente excepcional. A diferencia de muchas películas similares, esta serie adopta una interpretación de la vida real y una restauración in situ, con un lenguaje audiovisual maduro y la narrativa personalizada y contagiosa de Simon Schama. Cada episodio es súper impactante. Es realmente un documental maravilloso sobre un libro famoso y no se lo debe perder. Al comienzo de cada episodio, la narración comienza con una pieza y hace una pregunta. Luego, después de una breve pero extremadamente colorida apertura, las respuestas emergen lentamente de la vida del artista y de los impulsos de su espíritu. Es más, dependiendo del contenido concreto, cada episodio adopta un estilo y estructura audiovisual diferente, algo difícil de conseguir para los productores.
¿Contenido, como su nombre indica? ¿El poder del arte? Para ser más precisos, es el impacto y el poder impactante del arte. Por lo tanto, no hay maestros renacentistas elegantes y armoniosos, ni pintores de paisajes tradicionales tranquilos y cómodos. Las 8 personas en 8 episodios son todos locos apasionados. En vida eran famosos o poco populares, pero sus mejores obras no tenían nada que ver con el sentimiento con el que las embellecían o decoraban, sino que conmocionaban al mundo.
Obviamente, el primer episodio definitivamente no será Karachi al mismo tiempo, pero sí será Caravaggio, un asesino violento y arrogante, un demonio que por primera vez hizo aparecer la imagen de la clase baja. En una pintura clásica, cuenta la historia de demonios y ángeles flotando en el corazón de Caravaggio, una lucha duradera, los pecadores y la redención no son pinturas maestras majestuosas en las iglesias, sino llenas de miedo y sangre reales.
Luego está Rembrandt, el registrador de la gloria secular de los Países Bajos en el siglo XVII, pero lo que lo hace verdaderamente grande no es el registro de la falsa belleza, sino la fealdad real. Como corresponde a la era empresarial, el ritmo de este episodio es relativamente rápido, pero el pesimismo subyacente sigue siendo el mismo.
El tercer episodio es Bernini, el diseñador jefe de "Marble Rome". En la época barroca, las personas competían entre sí para invitar mascotas, se saboteaban entre sí (principalmente a él y a Boromini), tenían celos unos de otros y se prodigaban unos a otros. Las estatuas de Bernini son plenas, intensas y llenas de pasión. Al comienzo del episodio, el narrador habla de un turista francés. Si esto es amor divino, lo sé muy bien. ?
El cuarto episodio de Turner obviamente no se centrará en este prestigioso paisajista tradicional, que estudió con Claude? Lorraine representa el tranquilo y hermoso paisaje pastoral británico. Toda la historia trata sobre otro tornero. Viene de abajo, está preocupado e inquieto, y su pincel es desenfrenado e impactante, pero tiene la pasión y la conciencia de un artista.
El quinto episodio de "David" (este David es un apellido francés, traducido como David en muchos lugares, lo cual es inexacto) es probablemente el más poderoso, porque el trasfondo son los años sangrientos de la Revolución Francesa. , y los franceses fingen ser romanos renacidos, se desatan tormentas. Todo se refleja en las pinturas de David, desde temas romanos hasta revoluciones reales y el Napoleón volador. Aquí habrá una pequeña división ideológica.
Por supuesto, los libros de texto nacionales lo describen como el poeta laureado de la revolución progresista. De hecho, inevitablemente tiene un lado que se adapta al viento, un pintor de top rojo, que tiene tanto elogios como críticas a la revolución. Hay una línea en la película. La parte posterior de (La muerte de Marat) puede ser una pared moteada o una nada infinita. ?
La colección de Van Gogh se divide principalmente en dos escenas debido a sus cartas familiares. Uno es Van Gogh hablando solo en una cabaña oscura y estrecha, y el otro es una toma de gran angular de campos dorados y una luz solar deslumbrante, al igual que la fugaz vida trágica de Van Gogh y sus obras inmortales que inspiran a las generaciones futuras. La película dice que Van Gogh lo tenía. El arte ha reemplazado a la religión. ?
Picasso no consiguió que nadie lo interpretara, sino que produjo un documental en blanco y negro sobre la escena de la explosión. La trama principal de este episodio es cómo un maestro modernista que pretende romper todos los estándares tradicionales recupera el impactante poder del arte en una era especial. El arte modernista y Picasso están juntos.
Al menos yo he superado mi juego formal y mi narcisismo.
El último episodio trata sobre Roscoe, un rebelde que intenta traer de vuelta experiencias impactantes y significados míticos a la cada vez más adormecida vida cotidiana en la era del consumismo. Sus pinturas me parecían un poco versiones duras de Mondrian, pero la película me dijo que estaba equivocado. No era en absoluto un místico como Mondrian. Este pintor ruso-estadounidense vivió la masacre de los judíos por parte de los cosacos y Hitler, y luego se enfrentó a la industria cultural, el consumo y el placer desenfrenados, ¿Andy? Warhol y la música rock, en su opinión, esto no fue más que otra masacre. Dijo que en el pasado no había dinero para el arte, pero la gente podía perseguir sus ideales sin ningún escrúpulo. Ahora todo es una mercancía normal. ¿Existe el poder del arte? Así que se negó rotundamente a pagar el equivalente actual de 2,5 millones de dólares para pintar el restaurante Four Seasons en Nueva York. Es difícil presentarle a la gente los intensos bloques de color de Rothko. Estamos más familiarizados y acostumbrados al arte pop y al cartel que durante mucho tiempo hemos ignorado. La pregunta que se plantea al inicio de este episodio es, ¿qué poder tiene el arte para cambiarnos a nosotros y al mundo? La respuesta final es ¡imposible!
El poder del arte: los pensamientos de Van Gogh sobre el Capítulo 4
Las vacaciones de invierno se acercan, así que he preparado algunos documentales y planeo ver algunos todos los días. Lo acabo de ver y aprendí mucho. Pero teniendo en cuenta que nunca antes había tomado notas sobre documentales excelentes como "El Dios del Sushi" y "El Artista Está Presente", los sentimientos más profundos después de ver algo suelen aparecer una o dos horas después de verlo, así que decidí No ser perezoso y escribir sobre mis sentimientos.
Como la mayoría de la gente, Van Gogh es uno de mis pintores favoritos. Lo que esta frase significa es que la pasión, la emoción y el poder expresados en sus obras son más obvios que oscuros. El contenido obvio expresado en sus obras es aceptado y reconocido por la gente, por lo que no es suficiente que a todos les guste Van Gogh. .
Conozco a Van Gogh desde muy joven, empezando por “Los Girasoles”. De hecho, prefiero su "Cielo estrellado", "Cuervos en el campo de trigo" y "Café", y "Cielo estrellado" también debería ser su pintura más famosa y la que más se ha impreso en varios productos, pero parece que Mucha gente no está interesada en el cuadro del Vaticano. El primer contacto con Gao fue todavía en "El girasol", lo cual fue bueno.
Sus obras son de colores vivos, llenas de vitalidad, vitalidad y tensión, latiendo con colores de alegría o tristeza, todo es tan fuerte y brillante. Cuando vi Café (perdón por no saber su nombre completo) por primera vez, fui absorbido por la atmósfera extremadamente deprimente e incómoda que traía toda la pintura, y no pude salir por mucho tiempo. Fue entonces cuando me di cuenta de lo expresivo que era Van Gogh como pintor y de lo poderoso que era su atractivo.
Hay una razón para ser fuerte, o mejor dicho, ser fuerte tiene un precio.
Su precio es que otros consideren el arte como otro mundo para reconfortar el alma, y vayan a ese mundo a purificar y limpiar el alma cuando están tristes y felices, sin embargo, a medida que pasa el tiempo, él lo abandona por completo. su vida integrada en este mundo del arte. En el apogeo de su enfermedad mental, sus logros artísticos estaban en su apogeo. Si bien esperaba con ansias su recuperación, también le preocupaba no poder nunca estar a la altura del arte al que lo llevó su enfermedad.
Quizás su enfermedad mental sea el dolor que le provoca su incapacidad para reconocer la realidad y el arte, ese tipo de epilepsia que no puede suprimir el dolor. Sólo puede confiar en su hermano menor y ni siquiera puede mantenerse a sí mismo. No está casado, y el ámbito artístico casi ideal de decir que sus obras son sus hijos (en mi propia opinión) es patológico e incomprensible en el mundo real.
De hecho, ha ido más allá del estado mental que debería tener un artista y ha ido demasiado lejos.
Lo que más lamenté fue que tuviera obras tan geniales, pero no se entendían y no se podían vender. Cuando murió, sus obras anteriores se convirtieron en tesoros mundiales. Si el mundo pudiera entenderlo antes, entonces tal vez su destino se reescribiría por completo. Ahora rompí rápidamente con esta idea ingenua:
En primer lugar, es posible que podamos entender sus obras, pero incluso después de tantos años, todavía no podemos entender a Van Gogh en una era tan abierta. Van Gogh no debería existir como mortal. Nació para el arte y su vida es para expresar el arte. En esta época, todavía lo enviarán al hospital. De hecho, miren a la gente desordenada que nos rodea: ¿locos? Damas y caballeros, todos sabemos que son inteligentes, pero simplemente no queremos perdonarlos. Debemos permanecer estables y tranquilos.
Segundo: Van Gogh no necesita arrepentirse. Cuando estaba más gravemente enfermo, ya no era un problema si la obra de arte podía entenderse o venderse. En este momento, la pintura es su mayor medicina, su única salida y su paraíso. Si un arte puede ser el ingrediente secreto que salve a una persona, ¿qué importancia tienen los demás tesoros del mundo? Es posible que Van Gogh estuviera enfermo y su enfermedad simplemente lo liberó de las limitaciones del dinero. Aunque estaba tan ansioso por ser comprendido, no se sentía confundido ni inferior por no ser comprendido. Sintió que después de su muerte su obra resultaría única.
Sólo puedo entender sus pinturas. También tenía miedo de estar cerca de alguien tan loco como él. Sin embargo, siento cada vez más que sus pensamientos son muy similares a los míos en algún momento, lo cual me resulta útil.
Me encanta el arte y la escritura. El período más doloroso de mi vida fue precisamente el período en el que más me apasionaba y motivaba escribir y dibujar, sentía que era el mejor. En el período feliz y cómodo, cuando empiezo a escribir, a menudo me siento aburrido, no sé qué decir, siento que es innecesario o me siento incómodo mientras escribo. ¿Esto es algo así? ¿Nació en dolor y murió en felicidad? También es muy similar al estado mental de Van Gogh a lo largo de su vida.
Quizás el mundo del arte debería separarse del mundo real. La alegría del arte y la alegría de la vida mortal sólo pueden aprender una de otra, ayudarse mutuamente y extraer de los materiales, pero nunca pueden tener ambas cosas, al menos cuando completan obras de arte y piensan.
Solo quiero seguir el camino del arte y vivir una buena vida.
Sin embargo, el tiempo me dará la respuesta sobre si debo renunciar al arte de por vida, hacer la vida un desastre para el arte o convertir la vida en arte y dejar que el arte se convierta en la carrera y la vida que espero.
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