La influencia del color
En el siglo XIX, Francia era el centro del arte mundial. Cien escuelas de pensamiento se enfrentaron y cien flores florecieron. Los debates artísticos entre escuelas también lo fueron. extremadamente feroz, lo que impulsó en gran medida el desarrollo del arte francés en ese momento. El debate entre los artistas académicos y románticos, liderado por el neoclasicismo, hizo que la conciencia creativa del artista volviera de la indiferencia clásica al método creativo del conocimiento perceptivo personal. En la década de 1930, el debate entre realismo y no realismo (clasicismo y romanticismo) hizo que los artistas abandonaran su anhelo de un mundo ideal ilusorio y regresaran a la vida real. Sus creaciones artísticas debían reflejar las características de la época. El choque entre estas escuelas de arte creó un grupo de jóvenes rebeldes del arte. Ya no consideran las exposiciones de salón custodiadas por académicos como el único propósito de su creación artística. Comenzaron a reexaminar el arte, inspirados por el espíritu de sus predecesores, salieron del estudio para examinar la naturaleza, abandonaron métodos creativos atrasados y utilizaron los nuevos logros científicos y tecnológicos traídos por la revolución industrial para revelar una revolución artística. gran influencia. El impresionismo fue el resultado de esta revolución. Ninguna escuela de pintura es tan diversa como el impresionismo, el preimpresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo, que han aportado una innovación sin precedentes al arte moderno. Desde el siglo XIX, la economía estadounidense ha despegado rápidamente y su territorio se ha expandido. del Atlántico al Pacífico La naturaleza salvaje despertó un fuerte sentimiento de orgullo nacional en los estadounidenses y también dio origen al desarrollo de pinturas de paisajes que representaban a los nativos americanos. Cada vez más artistas estadounidenses viajan al extranjero y se unen al proceso de globalización. El impresionismo era tan popular en Estados Unidos como lo era en París, la capital mundial del arte en ese momento. La influencia de la tecnología se refleja principalmente en el color como principal lenguaje de expresión de la creación artística.
El color es el lenguaje de expresión artística más utilizado en el arte moderno. La independencia del color supone una innovación revolucionaria para el sistema pictórico clásico. Desde las pinturas rupestres prehistóricas en Francia hasta la época de Van Eyck, e incluso cientos de años después del nacimiento de la pintura al óleo debido a la mejora de los materiales, el papel del color es ayudar a los bocetos a presentar la apariencia original de los objetos de manera más realista. A este período lo llamamos período de color inherente, y el color inherente es el color del objeto mismo. Los pintores de este período no consideraron el efecto de la luz sobre el color de los objetos, por varias razones. En primer lugar, el lugar de trabajo de los pintores clásicos solía ser interior. En circunstancias normales, la luz es muy estable. Incluso en algunos días de lluvia, el pintor puede completar el color del objeto según las reglas que domina en la creación diaria. En segundo lugar, la producción de una obra clásica completa lleva mucho tiempo y el proceso de producción también es muy complicado. Desde el boceto hasta el lienzo o el tablero de dibujo, hasta cubrir y teñir capa por capa, se necesita al menos medio año o incluso más (similar a la pintura china gongbi), por lo que cuando los artistas describen el color de un objeto, básicamente El color de un Un objeto bajo una fuente de luz estable se utiliza como color intrínseco del objeto. Esta forma de observar y pintar es muy similar a uno de los seis métodos propuestos por el chino Xie He, como "colorear según la clase". Por ejemplo, si pintas un vestido rojo, al mezclar blanco y negro en la pintura roja, puedes distinguir sus cambios claros y oscuros y aplicarlos a las partes claras y oscuras del vestido respectivamente. El color no tiene un sistema independiente, sino que depende de la relación del boceto. Por supuesto, no es que ningún artista prestara atención al color durante este período, sino que muchos artistas talentosos descubrieron gradualmente que los colores tienen una relación complementaria entre los colores cálidos y fríos a través de una práctica artística a largo plazo. Por ejemplo, vi al profeta en el mural del techo de Miguel Ángel en un álbum en idioma extranjero con una calidad de impresión muy fina. La parte oscura de la túnica amarilla que vestía obviamente tenía muchos componentes morados, pero estos artistas no estudiaron esto demasiado. Las razones de este fenómeno sólo aparecen en gran medida durante el proceso creativo. El método creativo del sistema de color inherente continuó hasta el impresionismo. Cuando se fundaron los Estados Unidos, el arte estadounidense siguió básicamente el modelo de la pintura clásica europea. Un gran número de inmigrantes europeos trajeron sólo algunas formas de pintura con funciones prácticas (decorar casas, conmemorar a los antepasados), que eran una combinación del estilo académico europeo y las pinturas de género nativo americano. Por lo tanto, las pinturas americanas de este período también pertenecían al sistema de color clásico. .
El romanticismo francés, especialmente Jericó y Delacroix, concedieron gran importancia a la expresión del color. "Enfatizaron que los artistas románticos enfatizaban la emoción y la fantasía más que la razón, enfatizaban la personalidad sobre el sexo y enfatizaban el color sobre el boceto, derribando así todas las situaciones y leyes clásicas.
"[[1] Citado del "Tutorial de historia del arte occidental" de Li Chun, página 258, línea 7] Editorial de Bellas Artes del Pueblo de Shaanxi [1] Dan gran importancia al uso de la luz en la imagen, pero no conectan la luz con color, y no consideran la influencia de la luz en el color Sólo en comparación con las pinturas clásicas, comenzaron a prestar más atención al color. Los sistemas de color clásicos no prestan atención a la luz, pero expresan la luz delineando la relación entre la luz y la oscuridad. , en lugar de a través del color inherente del objeto, el color es ideal, porque los objetos cambian con la luz y la luz cambia todo el tiempo, rompiendo por completo la descripción clasicista del color de los objetos bajo una fuente de luz fija en un estado ideal. Por primera vez, el uso del color se ha elevado a un nivel sin precedentes. El color se ha convertido en el principal medio para que los artistas expresen la luz y se ha convertido en un lenguaje artístico independiente del sistema de bocetos. En la pintura (factores de composición, factores de boceto, factores de color), el color en sí es el más abstracto. Kandinsky dijo: “El color es una forma de afectar directamente al alma. El color son las teclas del piano, los ojos son los martillos y el alma es el piano lleno de cuerdas. El color toca las fibras del alma a través de canales visuales. Entonces la armonía de los colores sólo puede basarse en el principio de agitar intencionadamente el alma humana. "[[2] Citado del argumento de "Line and Surface" de Kandinsky [2] "Line and Surface" de Kandinsky escrito por Shi Pingluo Weihai y traducido por Li Xin a China Renmin University Press][2] Cuando se habla de la relación entre forma y color Al hablar de la relación, dijo: "La relación básica entre los dos es la estandarización del color y la forma, al tiempo que se mejora el efecto visual de la forma. "Por ejemplo, en la pintura realista clásica, al dibujar una manzana, la posición espacial de la manzana se enfatiza a través del contraste entre la luz y la oscuridad, y la relación entre el frente y la parte posterior de la manzana se fortalece a través de líneas de borde virtuales y sólidas. En otras palabras, los factores del boceto ya pueden expresar las características de la manzana. Luego, el efecto visual de "manzana" se mejora después de colorear, al igual que la fotografía en blanco y negro de "manzana" y la fotografía en color, lo que puede afectar nuestras necesidades visuales. ¿Más? Debe ser una fotografía en color para provocar una manzana rojiza. El apetito puede provocar nuestras necesidades espirituales a través de la percepción visual. Preferimos comer una manzana fea que una manzana negra, por lo que el color está relacionado con el mundo espiritual humano. Es más abstracto que la forma, como un bloque de color "rojo". Es difícil decir qué es, pero puede dar a la gente una "sensación de sangre" simplemente usando la "forma dividida". en dos tipos: uno es sobre la materia y el otro es sobre la materia. Se trata del espíritu. La pintura material toca al espectador a través de la estimulación nerviosa visual, que es la pintura espiritual externa que es la voz interior producida por la excitación del alma. Atribuye el primero a las características del arte realista y considera al segundo la abstracción como el núcleo del arte”. Cuando vemos las obras de los impresionistas, lo primero que debemos conmovernos son los colores que pintaron, y la imagen específica del objeto ya está contenida en los colores. Expresan la relación del boceto cambiando el brillo y la pureza del color del objeto, expresan el espacio del objeto cambiando la temperatura y expresan la realidad utilizando la relación de color complementario. Al describir el estado de su pintura, Monet dijo: "El paisaje que veo ya no son casas, árboles y colinas, sino una imagen compuesta de bloques de construcción de diferentes colores y formas [3]
La independencia de". El color no se atribuye exclusivamente a los artistas impresionistas, pero estos artistas aprovecharon los nuevos resultados de las investigaciones científicas de la época y aplicaron estas teorías ópticas a sus propias creaciones artísticas. Se puede decir que es la combinación perfecta de ciencia y arte. Se comprueba que la "luz" es la verdadera razón por la que el ojo humano percibe los objetos. A finales del siglo XVIII, Newton separó la luz blanca en siete colores a través de un prisma, creyendo que los colores eran causados por luz de diferentes longitudes de onda. El famoso escritor Goethe descubrió accidentalmente la existencia de colores complementarios. No estaba del todo de acuerdo con la teoría del color de Newton. Creía que el color sólo estaba relacionado con la luz y la oscuridad. Mientras que la perspectiva de Newton veía el color de forma aislada, excluyendo el papel del observador, Goethe veía otra relación. Goethe dijo: "De todos mis planes, el que más me interesa es una nueva teoría de la luz, la sombra y el color. Si leo correctamente, en el estudio de la naturaleza y el arte, a veces debe ocurrir una batalla revolucionaria" La teoría del color de Goethe , no fue hasta el surgimiento de la teoría de la relatividad de Einstein, especialmente la teoría cuántica de Planck y el principio de incertidumbre de Heisenberg, que la investigación óptica se convirtió en una disciplina independiente.
En el proceso creativo, los artistas impresionistas utilizaron colores con evidente pureza y tendencias de color para lograr la mayor saturación de color posible. Pero en lugar de utilizar colores completamente sólidos recién sacados del tubo de pintura, se mezclan adecuadamente.
El contraste entre colores fríos y cálidos se ha convertido en el principal medio para expresar el volumen y el espacio de los objetos, formando una regla básica de la pintura: las partes oscuras de los objetos bajo una luz fría parecen cálidas. Los objetos bajo luz cálida son más fríos y los objetos que están delante son más cálidos que los que están detrás. Los pintores clásicos e impresionistas se basaron en diferentes factores pictóricos a la hora de crear sus propios cuadros. Los pintores clásicos se basaron en la relación entre los tonos, la anatomía y la perspectiva del blanco y negro para crear la ilusión de tres dimensiones en un plano bidimensional. Los pintores impresionistas parecían haber abandonado el modelo de los pintores clásicos que se había transmitido durante cientos de años, pero una vez más adoptaron la teoría óptica, utilizando la relación complementaria entre la calidez del color y el color para crear un nuevo lenguaje pictórico. Además de la investigación óptica, la producción de pigmentos industriales hace que sea muy conveniente para los pintores utilizar directamente pigmentos industriales empaquetados en tubos de pintura para crear creaciones de pintura. Las pinturas empaquetadas en tubos de hojalata son convenientes para que los pintores las lleven para realizar mejores bocetos al aire libre. Además, los pigmentos producidos industrialmente también son muy ricos, con cientos de especies, algo casi inimaginable en el período clásico. Debido a las limitaciones de la tecnología de producción de pigmentos en el período clásico, no existían talleres ni fábricas dedicadas a la producción de pigmentos. La producción y mezcla de pinturas se aprende de los profesores en un lugar de trabajo artístico estilo taller durante el aprendizaje del artista. Se puede decir que es un curso obligatorio antes de aprender a pintar. La mayoría de los materiales para fabricar pigmentos son pigmentos minerales muy raros, por lo que al fabricar pigmentos, los artistas solo pueden preparar un número limitado de colores de acuerdo con su propio contenido y preferencias creativas. Esto también limitó en cierta medida la atención de los pintores de la época al color. A lo largo de la historia del arte occidental, la ciencia siempre ha influido en el arte. Elementos como la anatomía y la perspectiva formaron la base de la pintura realista clásica, pero estos elementos científicos no formaron una disciplina independiente. La comprensión que el pintor tiene de estos elementos proviene principalmente de la experiencia acumulada por el maestro y de su propio proceso creativo. La anatomía y la perspectiva no son objetos de expresión para los pintores, sino herramientas para hacer más realistas los objetos pintados. Los pintores impresionistas pintaron luces en lugar de paisajes, y las teorías y logros científicos se convirtieron en objetos de su expresión.
En segundo lugar, apoyado en los logros de la Revolución Industrial
El establecimiento de la teoría óptica y la producción industrial de pigmentos químicos cambiaron por completo la forma en que los artistas ven y expresan el mundo. Como otro gran logro tecnológico del siglo XIX, la cámara también influyó profundamente en los artistas de esa época.
La invención de la cámara causó mucho pánico entre los pintores de la época, lo que debería ser relativamente común entre los pintores académicos de la época. Las imágenes creadas por la cámara van más allá del realismo dibujado a mano por el artista y pueden reemplazar por completo la funcionalidad de las pinturas clásicas. Los pintores impresionistas utilizaron principalmente cámaras como herramientas en sus creaciones. “Los impresionistas capturaron rápidamente escenas de la vida que alguna vez se consideraron vulgares, porque descubrieron la belleza en las cosas comunes y dibujaron paisajes directamente al aire libre. La elección del tema fue generalmente muy informal y el contenido de las imágenes no transmitía ninguna idea deliberadamente. Obviamente influenciados por la 'fotografía callejera' en la fotografía, la composición no es tan rigurosa como la pintura tradicional". [4] Citado de "Interacción entre la pintura occidental y la fotografía", número 6, 2002 de "Chinese Oil Painting", escrito por He Run, Tianjin People's Art. Press] [4] El uso más obvio de las cámaras es Degas. La mayoría de las coristas que pintó fueron primero capturadas con una cámara y luego esbozadas o utilizadas directamente en la creación. A partir de las fotografías que tomó, podemos encontrar los prototipos de los movimientos de los personajes en una serie de pinturas al pastel que pintó. La especial composición de la cámara también tuvo una gran influencia en Degas. Por ejemplo, esta influencia se puede ver en su estudio de danza y en su serie de chicas bañistas. Las imágenes son como fotografías, donde el fotógrafo y el sujeto se ubican en el mismo espacio. Ver sus fotografías es como verlas a través del visor de una cámara, con una sensación de "vivacidad". Cassatt, un pintor impresionista estadounidense dirigido directamente por Degas, prestó la misma atención a los personajes de la sociedad real que Degas. Su serie "Madre e hijo" se benefició de la técnica de dibujo con tiza de Degas y utilizó la misma composición fotográfica que Degas para parecer fotografías de la vida cotidiana. Además de Degas, a Gauguin también le gustaba utilizar cámaras para coleccionar temas creativos. En su serie de pinturas de aborígenes, algunas se basan directamente en sus fotografías.
Los artistas impresionistas fueron los primeros en utilizar cámaras, lo que volvió a hacer chocar los frutos de la Revolución Industrial con el arte. En las décadas de 1960 y 1970, el realismo fotográfico era popular en Estados Unidos, con un estilo tranquilo y objetivo. La creación del artista utiliza directamente las fotografías como herramienta para describir objetos, "capturando la verdad sin adornos artificiales ni coraje".
[5] Citado de "Interacción entre la pintura occidental y la fotografía" en "Chinese Oil Painting", número 6, 2002, He Run, Tianjin People's Fine Arts Publishing House, página 49, línea 1][5] El fotógrafo realista más famoso del Estados Unidos Andrew Wise, con sus magníficas habilidades pictóricas, representó las costumbres estadounidenses y formó el ruralismo estadounidense. Además, al fotógrafo realista estadounidense Close le gusta a menudo utilizar la lente corta de la cámara y el efecto fotográfico brumoso y desenfocado para representar detalles que no son visibles a simple vista y expresar la realidad mecánica que no se puede encontrar en fotografía.
En 1877, Monet pintó una serie de trenes que emitían humo y vapor. Los altos y macizos edificios de las estaciones de vidrio y acero del cuadro representan la vida en las ciudades europeas modernas. Lo que el artista implica no es sólo la formación de una "estética mecánica" en París durante la Revolución Industrial, sino también un nuevo método de pintura, y este concepto de pintura ha sido seguido de cerca por la civilización mecánica desde el principio. Pollock, pintor abstracto estadounidense del siglo XX, estuvo profundamente influenciado por Monet. En su "Lavender Mist" podemos ver similitudes con los "Nenúfares" de Monet. El parecido no se refiere sólo a los efectos de fotograma brumosos y nerviosos. Es más, Pollock ha elevado la "pintura" a la categoría de acto. Como se mencionó anteriormente, el estado creativo de Monet al pintar la serie de la catedral fue transformar constantemente el lienzo en movimiento. Hoy Monet realiza performance, Boquero exagera los golpes del cuerpo al pintar y el salpicar del cubo de pintura es un acto artístico impulsado por la pasión. Las obras creadas en este estilo de pintura permiten a los espectadores asociarse naturalmente con su propio estado psicológico al crear las obras.
El movimiento de la luz también es una aportación importante a las obras impresionistas. A sus ojos, el color de los objetos está en movimiento, y lo que describen es el color de los objetos bajo una luz dinámica. Los jóvenes artistas impresionistas fueron influenciados por la Escuela de Barbizon, mientras que la eliminación de las exposiciones académicas en los salones de pintura de paisajes se convirtió en un gran avance en sus actividades artísticas. Había un linaje de maestro-aprendiz entre ellos y los pintores de Barbizon. Corot fue amigo y mentor de jóvenes pintores impresionistas. Pintaron juntos en el bosque de Fontainebleau y los apoyaron en la vida. Por ejemplo, Sislemone y Corot fueron amigos durante muchos años y su estilo pictórico estuvo influenciado por Corot. Los tonos plateados aparecen a menudo en sus fotografías. Pero la diferencia es que el límite entre la pintura de paisaje impresionista y la pintura de paisaje tradicional es más obvia. Es diferente de las características continuas de la pintura de paisaje clásica de Corot, que representa escenas estáticas bajo una luz estable a largo plazo. colorido, deambulando por la academia entre las vanguardias. Monet y otros prestaron más atención al impacto de la luz en el paisaje en un corto período de tiempo y a los cambios de color del paisaje en diferentes entornos temporales. Por eso los paisajes impresionistas son dinámicos, e incluso el cielo estrellado en las obras de Van Gogh parece un río. No les interesa la luz constante. Cuando Monet pintaba la catedral de Rouen, normalmente comenzaba con 10 pinturas al mismo tiempo, representando diferentes condiciones climáticas en diferentes lienzos en diferentes momentos, por eso lo llamaban el "Esclavo de la Luz". En lugar de representar los objetos que vio, las pinturas de Monet representan la luz al representar los cambios de color de los objetos. Monet fue un impresionista total y el pintor impresionista más persistente. La obra que mejor representa su búsqueda artística y expresa el flujo de la luz es sin duda su obra maestra, la serie "Nenúfares" de sus últimos años. A través de la superficie del agua cristalina, los cambios de luz de la mañana y la tarde se expresan al extremo. La pintura de paisajes clásica es como el retrato clásico. Los logros estáticos y eternos son las principales expresiones del pintor. La luz en sus pinturas es estable y eterna, religiosa y simbólica de Dios. En la obra de los impresionistas, la luz no representaba a Dios; representaba la verdad y la ciencia. El impacto visual de los colores impresionistas es muy explosivo. Los colores brillantes dominan toda la imagen y la sensación saltarina de luces y sombras se lleva al extremo. No hay ninguna sensación de tranquilidad. Producto de la era industrial, los fenómenos producidos por la fluidez de la luz se han aplicado a la creación artística. La relación entre la civilización mecánica y el arte moderno, desde los métodos de pintura y las pinceladas hasta los materiales utilizados, ha ido afectando gradualmente la visión y la actitud del artista hacia el mundo. Reconocen y explotan teorías científicas y resultados industriales.
La tentación del espíritu rebelde
El espíritu rebelde del impresionismo también inspiró mucho a los jóvenes artistas americanos. Hubo dos aspectos principales de esta rebelión.
1. El conocimiento perceptual oriental se rebela contra el conocimiento racional occidental.
El impresionismo aplicó el arte oriental (principalmente China y Japón) de forma más directa a sus propias pinturas. Monet escribió "La chica del kimono", que muestra claramente su amor por el arte oriental. "Los nenúfares" fueron creados por Monet en sus últimos años, cuando estaba casi ciego.
La pincelada desenfrenada tiene un estilo de caligrafía china a mano alzada muy fuerte, y los colores de la imagen están llenos de sensibilidad oriental. La razón por la que los chinos están muy dispuestos a aceptar obras impresionistas se debe a la similitud entre los pintores impresionistas y la caligrafía y pintura chinas. Pollock dijo: "Antes de pintar, no sabía lo que iba a pintar. Sólo después de pintar vi lo que estaba pintando". Esto es básicamente consistente con el estado creativo de la caligrafía y la pintura chinas.
Van Gogh copió una gran cantidad de pinturas japonesas ukiyo-e y las transformó en pinturas al óleo. En "Los girasoles" de Van Gogh podemos ver que básicamente no existe ninguna relación espacial entre el jarrón que contiene los girasoles y la pared del fondo. El escritorio y la pared son sólo dos pinturas planas de tonos fríos que coordinan el tono del cuadro. El estilo artístico irracional de Van Gogh estuvo hasta cierto punto influenciado por el mundo perceptual oriental. También influyó en el expresionismo abstracto estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, especialmente en el popular expresionismo abstracto.
Un gran número de jóvenes artistas estadounidenses con ideas avanzadas, como Cassatt, conocieron las obras de arte oriental a través del impresionismo cuando acudieron en masa a París para estudiar. Por lo tanto, el complejo oriental del impresionismo en ese momento afectó a los artistas estadounidenses. hasta cierto punto. Cassatt, que estuvo profundamente influenciada por Degas, estaba tan obsesionada con el arte oriental como Degas, por lo que sus pinturas tienen un fuerte sentido de decoración oriental. En sus óleos podemos observar la influencia de las pinturas decorativas gráficas japonesas Ukiyo-e en la vestimenta de las figuras femeninas.
La colisión entre el arte perceptual oriental y el arte racional primitivo occidental se extendió a Estados Unidos a través de artistas franceses. El expresionismo abstracto tardío del ilustrado artista americano. Las obras de arte abstracto creadas por los pintores abstractos estadounidenses Klein y Motherwell en la década de 1960 tienen un fuerte sentido de caligrafía oriental.
2. El arte no convencional se rebela contra el arte convencional.
El impresionismo lideró la primera revolución artística contra el arte tradicional en la historia del arte moderno. Su espíritu rebelde estimuló el proceso de modernización del arte tradicional. El impresionismo se convirtió en sinónimo de rebelión a finales del siglo XIX. Su teoría de la pintura no solo proviene de la rebelión contra la tradición, sino que también el espíritu rebelde inherente del impresionismo hace que el impresionismo sea más diversificado. En el proceso de desarrollo, el impresionismo fue aceptado gradualmente por el público, y el preimpresionismo encabezado por Monet se convirtió gradualmente en la "escuela académica" del impresionismo. Cézanne se convirtió en el primer artista en retirarse del impresionismo. Creía que Monet prestó demasiada atención a la influencia de la "luz" en la imagen, no vio en absoluto la relación entre el pintor y el paisaje representado e ignoró los sentimientos personales. En su carta a Birna, decía: "La luz es esencialmente para la pintura. Posteriormente, el impresionismo se dividió en dos escuelas, el neoimpresionismo y el postimpresionismo, que fueron dos formas extremas de desarrollar el preimpresionismo".
Neo -El impresionismo aplicó la actitud científica y racional de los artistas a sus creaciones, y los métodos de cálculo matemático influyeron en sus métodos creativos. Por ejemplo, Seurat, un artista representativo del neoimpresionismo, solía utilizar fórmulas matemáticas en sus pinturas para calcular los componentes del color y el color. El contenido de los componentes de color dentro de un área de color transforma la "pincelada a mano alzada" del preimpresionismo de Monet en un puntillismo uniforme y regular, que debilita la sensación de espacio en la imagen, y los personajes y el fondo aparecen en relieve. a Monet en el sentido de que ambos consideran el lienzo como un experimento artístico e integran el modelo de pensamiento racional de los científicos en sus creaciones artísticas;
Los artistas postimpresionistas rechazan la racionalidad y creen que el preimpresionismo presta demasiada atención a La descripción del mundo objetivo sólo se queda en la superficie. Destacan el mundo subjetivo, prestan atención a la autoexpresión y exageran y deforman activamente lo que describen. Ambas escuelas de pintura se derivan del preimpresionismo. Expresión artística del impresionismo más moderno. Los personajes de las pinturas de Gauguin son inocentes y simples, y los colores claros y oscuros se ignoran por completo en sus pinturas. También es la primera persona en prestar atención al "arte mundial primitivo". Cézanne es un logro personal. El artista más grande aportó grandes innovaciones al arte moderno en términos de color y forma. El color se convirtió en una parte integral de la imagen, y su cuerpo fue subjetivamente exagerado, realzando la sensación de volumen y peso del objeto. Los principios innovadores del dibujo influyeron en el cubismo representado por Picasso y el fauvismo representado por Matisse, por lo que a Cézanne se le llama el "padre del modernismo", lo que demuestra que las raíces del arte moderno se encuentran en el impresionismo y el postimpresionismo, que representan los dos modos de desarrollo. arte de esa época, abstracción fría y abstracción caliente.
El impresionismo tiene un impacto espiritual en el arte americano, al igual que Courbet y Manet tuvieron un impacto en el impresionismo, lo que les dio un fuerte espíritu de resistencia a la tradición. Alrededor de 1908, Estados Unidos también creó una institución artística similar al salón académico francés: la Academia Nacional de Diseño.
El éxito de un artista en el mundo del arte depende enteramente de si obtiene membresía en la Academia Nacional de Diseño. En febrero de 1908 se celebró en Nueva York una exposición de ocho artistas estadounidenses, similar a la exposición de obras fallidas del Salón Francés. Los ocho artistas estadounidenses fueron: Robert Henry, Glackens, Los, Shane, Sloan, Davis, Lawson y Prendergast. Entre estos ocho artistas, Robert Henry fue su líder. Estudió en París muchas veces durante sus primeros años y amaba mucho las obras de Manet. Presentó estas obras al joven pintor Glackens, quien tuvo una gran influencia en ellas, como el Chez Monquin creado por Glackens. Además, Prendergast fue influenciado por el neoimpresionismo y sus pinturas utilizaban principalmente patrones de colores planos. Esta escuela de pintura de ocho miembros es la "Escuela Trash Can" en los Estados Unidos. Arnason comentó sobre la "Escuela del cubo de basura" en la historia del arte occidental moderno: "La importancia de la exposición de ocho personas en 1908 es probablemente un hito aislado en la historia del arte estadounidense... Sin embargo, otro grupo Los artistas y estudiantes que se incorporaron a la escuela de arte independiente fundada por Henry continuaron explorando de diferentes maneras nuevas ideas en la pintura estadounidense. Entre ellos se encontraban Macdonald Wright, Bruce y Stuart Davis, importantes artistas abstractos estadounidenses, así como los Bellow y Hopper en. su exploración de diversas formas de realismo y romanticismo... Esta actividad de los individuos y sus seguidores más cercanos es de gran importancia en la historia de la pintura estadounidense moderna". [5] Citado de. "Historia del arte occidental moderno" está escrito por Arnason (estadounidense), traducido por Zou Denong, Ba y Liu Wei, y publicado por la Editorial de Bellas Artes del Pueblo de Tianjin [5].
El impresionismo, como maestro ilustrado del arte moderno estadounidense, heredó el espíritu rebelde de los artistas y la tradición estadounidenses, lo que hizo que el estilo artístico estadounidense surgiera. Después del siglo XX, Estados Unidos reemplazó gradualmente a Francia y se convirtió en el líder. arte moderno en el mundo.
Conclusión
El impresionismo francés tuvo un gran impacto en el arte moderno estadounidense a través de la innovación tecnológica y el apoyo espiritual. Estas dos influencias hicieron que el arte americano se deshiciera paulatinamente de su condición de aprendiz del arte europeo y explorara poco a poco un camino artístico independiente de Estados Unidos. En el siglo XX, Estados Unidos se convirtió en la potencia económica número uno del mundo. Con el auge del arte comercial y la cultura popular, y la popularidad de los museos y los nuevos medios, el arte moderno estadounidense ha liderado la dirección del desarrollo del arte mundial.