Desde el final de la Segunda Guerra Mundial, la música pop estadounidense se ha apoderado del mundo. El blues, el jazz, la música rock, la música sol y otras formas llenan todos los rincones del mundo, aportando un gran impacto a la música popular en varios países. De hecho, todas estas formas "americanas" son en realidad transferencias genéticas de ascendencia africana, un ritmo que se extendió a América del Norte durante la era de la esclavitud. Cuando estos ritmos fueron ligeramente procesados y regresaron a su ciudad natal en una nueva forma, influyeron en su cultura y dieron origen a una variedad híbrida emocionante: la música del mundo. Las músicas del mundo de los años 80 tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la música pop occidental. Curiosamente, esta influencia es una relación cíclica: la cultura negra africana, como fuente de la música popular, ha llevado a su rápido desarrollo, lo cual es obvio para todos. Sin embargo, cuando esta música pop estadounidense regresó a África, contribuyó al nacimiento de la música mundial. En la década de 1980, cuando la influencia de la música mundial se expandió gradualmente, músicos de todo el mundo (especialmente Asia y África) encarnaron plenamente una conciencia contemporánea más vanguardista a través de diversos medios avanzados, volviendo así a promover el desarrollo de la música popular. Así, podemos ver claramente que la música mundial no existe de forma aislada. Combina música popular, música étnica e incluso música tradicional.
Primero, la música reggae
1. Descripción general
La música reggae (también traducida como "música reggae" en Hong Kong y Taiwán) se originó en la década de 1960. A medio plazo, Jamaica tiene una velocidad media y su rasgo distintivo es el énfasis en el revés.
La música reggae evolucionó a partir de la música rock, y la música rock es una continuación de la música ska. Las raíces de estos tres tipos de música son las tradiciones musicales africanas caribeñas, el revivalismo sagrado y el ritmo y blues estadounidense.
A mediados de la década de 1950, el ritmo y el blues estadounidense se introdujeron en Jamaica a través de estaciones de radio en Miami, Nueva Orleans, Memphis y otros lugares. Posteriormente, algunos músicos locales lo fusionaron con la música folklórica jamaicana Manto y. Poco a poco se formó el ritmo y el blues jamaicano. La música ska es más rápida y el ritmo enfatiza el énfasis en el revés. Además de los instrumentos tradicionales mantúes (como la guitarra acústica y varios instrumentos de percusión latinoamericanos), la banda también añadió metales, guitarra eléctrica, bajo eléctrico y teclados, y destacó los magníficos colores de los metales. La música ska fue popular entre 1960 y 1965, y gradualmente evolucionó hacia la música rockera a mediados de la década de 1960. En comparación con la música ska, la música Loksidi obviamente se ha ralentizado y su ritmo y textura son más delicados y ricos. La banda adopta completamente una combinación de ritmo y blues, usa la guitarra como instrumento rítmico y usa técnicas de síncopa para tocar un patrón rítmico relajado y rítmico. La melodía de la parte del bajo también es más independiente, formando una oposición a la hermosa voz principal; parte. Sesenta años después, la música de Roysty se ha convertido en un sonido reggae más internacional. De hecho, es difícil trazar una línea clara entre la música de Rox Betty y el reggae, pero el reggae es más delicado que Rox Betty, utiliza más instrumentos electroacústicos y es más internacional y comercial.
El contenido de la música reggae está estrechamente relacionado con la religión rastafari practicada por los pobres locales. La secta adora al ex emperador etíope Haile Selassie como un dios y salvador de los negros, y lleva el nombre del hombre al que llamaba Príncipe Tafari antes de ascender al trono. La música reggae a menudo expresa la ideología política del rastafarianismo y la psique del pueblo oprimido de Jamaica, que sueña con ser liberado algún día y regresar a su tierra natal en África, su paraíso en la tierra. La figura representativa de la música reggae es Bob Marley, quien hizo que la música reggae se difundiera ampliamente y se convirtiera en una forma musical popular con influencia mundial.
2. Bob Marley (1945-1981)
Bob Marley, nacido en Jamaica en 1945, era hijo de un oficial blanco de la Armada británica y de una sirvienta negra. Creció en el gueto. Cuando era niño, Bob Marley, además de creer en el rastafarianismo, también estuvo influenciado por la teoría del "Black Power" de los años 60 en Estados Unidos.
Musicalmente, Bob Marley también disfrutaba del rock negro, el jazz "blanco" al estilo de Nata King Cole (1915-1965) y la música sol. Por supuesto, la música Skanska fue una base importante para su desarrollo musical posterior.
Del 65438 al 0965, Bob Marley organizó a los Wailers. Las letras de sus primeros trabajos eran "inmaduras" y reflejaban su "infancia en los barrios marginales de Jamaica y sus vidas como adolescentes desempleados". Pronto, Marley recurrió al lenguaje callejero jamaicano, más simple y políticamente radical, con letras como Getup, Stand Up: "Levántate, defiende tus derechos. Levántate, levántate y nunca abandones la lucha". " y "Sheriff" cuentan la historia de un hombre negro que sufrió una persecución injusta. Ambas canciones son del disco Burning, cuyo tema es “el fuego relacionado con la revolución”. Otro álbum, Uprising, se convirtió más tarde en un grito de guerra para los alborotadores en Jamaica, Londres y Sudáfrica. Así, Popular Music Friends de Oxford escribió: "Antes de que se comercializara el reggae, era una música de rebelión". Desde 65438 hasta 0972, The Mourners firmaron con Island Records de Londres y comenzaron a construir su reputación internacional. De 1977 a 1977, Bob Marley realizó una gira por Estados Unidos y Europa y fue recibido calurosamente. Su peinado (popular entre los caribeños que se peinan en muchas trenzas en forma de cuerda) fue imitado por muchos fanáticos del reggae, y su música influyó en muchos cantantes y bandas blancos y negros europeos y estadounidenses. Bob Marley murió de cáncer en 1981 a la edad de 36 años.
Además de Bob Marley, entre los músicos y bandas de reggae famosos se incluyen Peter Tosh, Blake Uhuru, Aswad y Third World. 3. Otras bandas de reggae
A finales de la década de 1970, cuando la música reggae encontró un amplio mercado en Europa y Estados Unidos, muchos músicos comenzaron a seguir su ejemplo. Entre ellos, los más famosos son el grupo británico "UB40" y el grupo "Police".
"UB40" se fundó en 1977 y tiene una banda enorme con ocho miembros de Birmingham, Inglaterra. UB40 es el nombre en clave de la Organización Británica de Ayuda y Bienestar. Debido a que la mayoría de los miembros estaban desempleados cuando se fundó la banda y necesitaban completar el formulario de bienestar social UB40, decidieron usarlo como el nombre de la banda. En 1983, la banda alcanzó su apogeo y su canción "Red Wine" encabezó las listas. En esta obra clásica, la gente siente plenamente la belleza única que aporta la "música reggae" con su ritmo relajado y su melodía fresca y suave. A día de hoy, la banda "UB40" sigue disfrutándolo.
The Police se formó en 1977 con tres miembros: el cantante y bajista Sting, el guitarrista Andy Summer y el baterista Stifat Copeland. Combinan orgánicamente reggae y música pop para hacerlos más populares. Sting es la figura central de la banda, cuyo nombre original es Gordon Matthew Sumner (nacido en 1951). La obra maestra más famosa de la banda, "Every Breath You Take" (1983, Caso 43), fue escrita por Sting durante sus vacaciones en Jamaica. La banda se disolvió en 1984 y Sting comenzó su carrera en solitario, que ha sido brillante en todo momento. El álbum Brand Newday, lanzado en 1999, integra varios estilos, una combinación perfecta de jazz, músicas del mundo y música pop, que refleja plenamente el talento musical de Sting.
En segundo lugar, la música latina
La llamada música latina en esta sección se refiere a América Latina desde el Río Grande en la frontera entre Estados Unidos y México hasta el extremo sur del Cabo de Hornos. música pop.
América Latina es un grupo multiétnico, por lo que la música latina es una música híbrida diversificada compuesta por varios tipos de música. Ya sea música blanca en Europa, música negra en África, música india en América o incluso música asiática en Oriente, todas han hecho diferentes contribuciones a la música latina. Después de un largo período de precipitación, sobre la base de la cultura europea como cuerpo principal, también absorbieron una gran cantidad de factores de la cultura india y la cultura africana negra, y gradualmente formaron una cultura latina colorida, vibrante y dinámica. Entonces, entre muchos países de América Latina, la música latina, encabezada por Brasil y Cuba, estaba a la vanguardia de la música pop mundial.
1. El origen y desarrollo de la música latina
(1) Cultura india
Los indios son los maestros del continente americano y su cultura nacional tradicional es una parte importante de la música latina moderna. . La cultura musical de la India es difícil de generalizar en función de las diferentes condiciones regionales, pero se puede resumir a grandes rasgos de la siguiente manera:
En primer lugar, está estrechamente relacionada con la vida y se combina con la religión, el trabajo y la danza. Como resultado, sus melodías son simples y llenas de expresiones únicas. Esta característica es especialmente obvia en algunas canciones populares locales, donde la escala pentatónica sin semitonos forma un estilo e interés únicos. Además, en la música tradicional india no existe armonía en el sentido europeo. Una vez más, en términos de instrumentos musicales, la ausencia de instrumentos de cuerda es una característica distintiva de los instrumentos indios. Aunque hoy en día en la música india se utilizan a menudo instrumentos de cuerda como guitarras, violines y arpas, los europeos los trajeron más tarde.
(2) Cultura europea (ibérica)
Por un lado, la música española y portuguesa de la Península Ibérica en Europa es similar a la de Europa occidental única bajo la influencia; . Ya sea escala, melodía o ritmo, armonía, canto y vocalización, en muchos aspectos muestra factores que no se encuentran en otras partes de Europa. Especialmente su ritmo, hay mucha música de tres tiempos, pero no es tan monótono como un vals, sino más delicado y dinámico. Además, los ritmos complejos y enérgicos como la alternancia de 3/4 y 6/8 también gustan a españoles y portugueses. Este ritmo ibérico se transmitió en América Latina y luego se combinó con ritmos indios, especialmente con ritmos africanos negros, para producir un ritmo más rico y sutil.
Los instrumentos musicales, como la guitarra, conocida como el "instrumento nacional español", son muy populares en los países latinoamericanos. En términos de canto, debido a que las letras están en español o portugués, puedes sentir la diferencia obvia con las canciones en inglés.
(3) Cultura negra africana
América Latina absorbió un gran número de negros africanos y su música durante el sistema esclavista desde principios del siglo XVI hasta la segunda mitad del siglo XIX. La cultura musical tradicional traída por los africanos negros, como el blues americano, la música soul, el jazz, la música sol, etc., también muestra una fuerte subjetividad en la música latina.
En la música de los africanos negros hay una combinación de religión y un lado puramente secular. No importa de qué aspecto sea, su melodía, ritmo y método de canto muestran características notables. En términos de melodía, la melodía tiene una tendencia única con portamento y ornamentación naturales, y las escalas son más coloridas (debido al uso del portamento durante el canto, las notas cambian más). En términos de timbre, los negros tienen un timbre único y las emociones que expresan a menudo dejan una profunda impresión en las personas. En términos de canto, el canto solista, el coro y el coro generalmente se realizan alternativamente, lo que se caracteriza por una forma de una llamada y una respuesta.
La característica más importante de la música negra africana es su ritmo rico y bueno inherente. Utilizan una variedad de instrumentos de percusión para producir ritmos y ritmos complejos y ricos. Los ritmos de la música afroamericana en estas ramas son básicamente de doble tiempo, pero no son tan simples y rígidos como las marchas. Por lo general, dos, tres o incluso más ritmos se superponen al mismo tiempo, y se agregan segmentos constantemente para producir un ritmo híbrido dinámico.
En resumen, la música latina se compone principalmente de las tres culturas anteriores. Desde la perspectiva de la melodía y el ritmo, la combinación de estas tres culturas: en términos de melodía, los indios proporcionaron el modo pentatónico básico, mientras que la influencia de la música europea se manifiesta en la ampliación de escalas y la adición de acordes, y los negros agregaron más cambios y adornos. En términos de ritmo, los indios insisten en frases cortas y pausas largas, acompañadas de tambores monótonos. El ritmo de los europeos es principalmente el doble tiempo español de 3/4 y 6/8, mientras que la influencia de los africanos negros es principalmente la adición de la síncopa en el tiempo casi sin cambios de 2/4.
Como se puede ver en lo anterior, el desarrollo de la música latina se puede dividir a grandes rasgos en cuatro etapas: ① Tonos indios puros y escalas pentatónicas (2) La "mezcla" de música india producida de manera similar a la europea; tonos mayores y menores. raza mixta indoeuropea; (3) "Mezclar y remezclar" se desarrolla aún más con adornos negros africanos y adornos cambiantes (4) "Tres mezclas" es integrar instrumentos y producción modernos sobre la base anterior; para darle una mayor internacionalización.
En 1979, los premios Grammy entregaron el Premio a la Mejor Grabación Latina, y luego varios premios de la música latina. Desde entonces, la música latina se ha extendido por todo el mundo, logrando que entre verdaderamente en el escenario internacional.
2. Ritmo latino
Desde el origen de la música latina podemos ver claramente que la música latina es un tipo de música popular centrada en el ritmo. Su ritmo no es sólo una simple ley de la dinámica, sino que ha alcanzado una posición dominante como alma de la música. Entonces, en el proceso de entender la música latina, lo primero que hay que entender es su ritmo. Lo siguiente se centra en varios ritmos y estilos latinos representativos.
(1) Samba
La samba se originó en Brasil. Es una forma de música de baile basada en ritmos negros americanos y que toma prestado en gran medida de melodías europeas. Caracterizado por un tiempo de 2/4, las notas avanzan brevemente sobre el ritmo. La samba tradicional se puede dividir en samba rural y samba urbana. La samba rural tiene más puntos que la samba urbana. La samba urbana tiene menos cambios de ritmo pero es rápida y ágil. La samba, popular en la Europa y América modernas, se formó en Río de Janeiro, Brasil, alrededor de 1920.
②Rumba (Rumba; Luenba)
La rumba se originó en África, apareció en Cuba a principios del siglo XIX y se desarrolló y popularizó a principios del siglo XX. A principios de la década de 1930, la rumba se introdujo en Estados Unidos y países europeos y, al mismo tiempo que incorporó elementos del jazz, se hizo muy popular. El ritmo básico de la rumba es "××××××××× Sección)
(3) Mambo
Mambo es una combinación de rumba y swing en el jazz. Se formó alrededor de 1940 y se hizo popular en todo el mundo en las décadas de 1940 y 1950. Las bandas que tocan música mambo generalmente son más grandes. La banda incluye instrumentos comunes en bandas de rock como metales, saxofón, piano y bajo, así como instrumentos de percusión latinoamericanos como maracas, baquetas y congas. La creación musical a menudo se basa en secuencias fijas de acordes y bajos.
(4) Salsa
La salsa es un baile que combina la música negra cubana, el jazz americano y la música folklórica sudamericana. Se originó en los Estados Unidos en la década de 1940, se desarrolló en las décadas de 1950 y 1960 y alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1970. Los instrumentos rítmicos de la salsa todavía están dominados por los instrumentos de percusión latinoamericanos, como maracas, baquetas sonoras, congas, bongos, etc. Los patrones rítmicos básicos son similares al mambo y al mambo, pero un patrón rítmico de dos compases en salsa es único: 4/4 tiempo, ×××× | 0××× 00 |. La música salsa tradicional suele consistir en una sección de mambo, que consta de un motivo fijo que se repite una y otra vez.
(5) Chen Wenjing (Cha Cha)
Siguiendo la música de baile latina como la rumba y el mambo, se hizo popular en Europa y Estados Unidos a mediados y finales de los años cincuenta. . En cambio, la música folklórica de Cuba son las Charangas. El ritmo básico es ×××× |, con los últimos tres acentos realzados por instrumentos de percusión latinoamericanos como maracas y baquetas sonoras.
Tango
El tango es un baile habanera originario de Cuba y muy difundido como representante de la música argentina. Se caracteriza por un ritmo swing en compás de 2/4 y suele constar de dos secciones, la primera en tono menor y la segunda en tono mayor. El tango también se canta con acompañamiento de guitarra. La banda de tango general está compuesta por violín, acordeón, piano, contrabajo y otros instrumentos. El acordeón de botones es un instrumento indispensable en la banda de tango. Su tipo de ritmo básico es: ××××× |/|.
Los seis estilos presentados anteriormente, más la Bossanova introducida en el jazz, como representantes de la música latina, han causado una locura latina en todo el mundo, pero además de estas siete categorías populares, también existen los siguientes varios estilos También hay música latina muy singular, como el bolero, la guaracha, la habanera, el son y la gua. Todos estos estilos provienen de Cuba, que, junto con el mambo y la rumba, es conocida como la "casa del tesoro de los ritmos latinos". A continuación se muestran varios modos de banda de estilo latino para su referencia (Ejemplo 44).
3. Santana Car
En las décadas de 1960 y 1970, un músico hizo un gran aporte a la difusión y desarrollo de la música latina.
Su nombre es Carlos Centana.
Santana nació en México, 1947. Como excelente guitarrista, construyó un puente entre la música latina y la música pop (especialmente el rock). Absorbió la esencia del blues y el rock mientras se rebelaba contra ellos con sus expresiones únicas y solos de guitarra llenos de encanto latino.
En 1966, su banda se estableció en San Francisco con Santana como núcleo, y fue nombrada "Santana Blues Band". En 1967, comenzaron a desarrollar un estilo de música latina y pronto cambiaron el nombre de la banda a "Santana". En 1969, se presentaron en el Festival de Rock de Woodstock, revelando su novedoso sonido de rock latino y atrayendo a muchas audiencias. A principios de los años 1970, la banda "Santana" creó nuevos ritmos y melodías de la música latina y los integró a la música rock. La batería y la percusión latinoamericana formaron el núcleo de este sonido, y su música se hizo más popular a medida que los bateristas aportaban ritmos más complejos.
En los siguientes 25 años, 17 músicos iban y venían, pero Santana fue un eterno defensor, guiando la dirección del desarrollo de la banda. Durante esos años, Santana buscaba constantemente nuevos elementos e influencias para mantener su estilo fuera de los confines de la música latina. A principios de la década de 1970, se interesaron por el jazz, que impregnó el trabajo de la banda. En 1973, Santana grabó el álbum "Love Surrender" con el famoso saxofonista de jazz John Coltrane. Desde entonces, Santana ha seguido combinando música rock, jazz y música latina, haciendo que el estilo de la banda sea más colorido.
Ya sea grabando y tocando en una banda, o como guitarrista, Santana siempre ha perseguido sus propios intereses musicales y su personalidad, sin renunciar nunca a su estilo idealista. A finales de la década de 1970, regresó temporalmente a la música rock más primitiva y, en la década de 1980, desarrolló un renovado interés por el jazz. A finales de los años 1980, era tan apasionado por el género blues como John Lee Hooker. Pero en cualquier caso, la música de Santana nunca ha abandonado las raíces de la música latina, y su evolución musical continúa ampliando su visión e intereses musicales.
La música latina ha atraído la atención del círculo musical mundial con su ritmo único y su larga trayectoria cultural, y los músicos latinos emergen sin cesar. Estrellas como Ricky Martin, Marc Anthony y Enrique Iglesias que han aparecido en la escena de la música pop en los últimos años son todos representantes de la nueva generación de música latina con gran individualidad.
En tercer lugar, la música de la nueva era
1. Descripción general
En la década de 1980, cuando la música pop presentaba una situación compleja y diversa, el jazz de diversos géneros regresó a los escenarios. La música rock tiene estilos ricos y diversos; la música de Sol rompe todas las defensas y continúa difundiéndose. En este momento, apareció una especie de música tranquila y suave y emocional: la música new age.
La música de la nueva era a menudo adopta el enfoque "minimalista" de la música seria, repitiendo la misma melodía. En ocasiones se combina con sonidos de la naturaleza y otros sonidos. La música temprana de la Nueva Era se caracterizó por instrumentos electrónicos y métodos de grabación de alta tecnología. Posteriormente, se agregaron continuamente varios instrumentos folclóricos con timbres extraños, integrando elementos de la música folclórica de todo el mundo (especialmente Asia y África). Desde un punto de vista morfológico, este tipo de música no enfatiza deliberadamente un determinado punto de la música (como la línea melódica, el ritmo), sino que presta más atención al efecto general de la música (como cambios en el timbre, diseño de la textura). ). Aunque la música new age a veces adopta algunas técnicas de la música rock, en realidad es lo opuesto a la música rock, especialmente al heavy metal, al punk y al rock convencional más fuerte. Es el "antídoto" contra la música rock ruidosa, estridente y dura, y también es un reflejo de las personas que buscan aliviar la tensión bajo la presión de la vida. Después de la década de 1990, muchas compañías discográficas generalizaron la categoría de música de la nueva era. A todo tipo de música ligera electrónica relativamente simple se le ha dado este título. También se ha incluido en esta categoría música con estilos similares, como la cantante irlandesa Enya. categoría. Además, Billboard en Estados Unidos también creó un ranking musical de nueva era para impulsar el desarrollo de este tipo de música.
2. "Enigma"
"Enigma" (también traducido como "Enigma") es un himno estadounidense expresado a través del ritmo de la música pop occidental.
Aquí se pueden sentir los ecos de remotas y misteriosas tribus africanas y de religiones sagradas y solemnes. Mucha gente sólo escucha la voz misteriosa, pero rara vez conoce la historia detrás de "Ingmar". Entonces, ¿qué forma adopta?
"Mystery" no es sólo una simple combinación de categorías musicales, se ha convertido en un representante de la música, una música del mundo conceptual y altamente personalizada. Su "alma" es Michael Cleitu, un talentoso músico y productor. Critón nació el 18 de mayo de 1957 en Bucarest, Rumania. En 1965, ingresó en una escuela primaria de música local, con especialización en piano. En 1975, Critón y su familia emigraron a Hamburgo, Alemania Occidental, y fueron admitidos en el Conservatorio de Música de Frankfurt. En 1979, se unió a PolyGram Records y comenzó su creación y producción musical. En 1985, firmó un contrato con la compañía alemana Virgin y comenzó a cooperar con algunos cantantes famosos. El más exitoso fue ayudar a Sandra (una famosa cantante alemana) a producir un álbum de gran éxito. Critón se casó con Sandra en febrero de 1988, tras lo cual se trasladaron a Ibiza. En 1989, comenzó a producir su propia música en el estudio de su casa.
Otra protagonista de "Ingmar" es Sandra, la esposa de Kritu. Realizó todas las voces femeninas en el disco "Ingma". Sandra, cuyo nombre completo es Sandra Raúl, nació en mayo de 1962. Lanzó un álbum en solitario a la edad de 12 años y formó un grupo de canto llamado "Arab Style" a la edad de 16 años, que era muy popular en Japón en ese momento. Del 65438 al 0985, Sandra comenzó a cooperar con Critón, estableciendo con éxito su posición en la industria de la música.
Crito rompió las reglas, rompió con la música pop europea y empezó a hacer la música que le gustaba. Combina a la perfección dos sonidos completamente diferentes: la flauta de pan peruana y la melodía de los cantos monásticos, utilizando un ritmo disco libre y perezoso para hacerlo único. 1990 10 El primer sencillo de "Enigma", "Sadenes, Part 1", fue lanzado por primera vez y se convirtió en su sencillo más famoso. El álbum "2000 BC" (MCMXC.a.D) es el álbum más vendido de todos los tiempos en Alemania, con unas ventas de 120.000 copias y encabeza las listas de álbumes en 41 países. Cuando la música pop avanzaba constantemente en la década de 1990, "Ingma" no siguió las reglas estándar del éxito, sino que utilizó flautas e himnos medievales con instrumentos modernos como guitarras eléctricas y música de metal para transmitir la atmósfera y la atmósfera de la gente moderna. . Sentir. Las canciones clásicas de este álbum, como "My Fault", "The Principle of Desire" y "The River of Faith" son todas excelentes. En 1991 a. C., se lanzó una "edición limitada" en 2000, con cuatro pistas adicionales, pero todas fueron remezcladas y ampliadas sobre las canciones originales del álbum. El diseño de la portada del disco de edición limitada es casi el mismo que el original, excepto que el negro original se reemplaza por un fondo verde grisáceo. En general, "2000 BC" es el trabajo de Jason en la historia de la música pop en la década de 1990.
En 1993, "Mystery" lanzó su segundo álbum "The Cross of Change". Debido al éxito del primer álbum, el segundo recibió 6,5438 millones de pedidos anticipados antes de su lanzamiento oficial. Este álbum no sólo tiene el temperamento del álbum anterior, sino que también es una evolución. El diseño de su portada es muy singular: es un círculo negro con un robot con rasgos humanos caminando al frente, con las líneas borrosas. "Changing Ten Anjia" tiene un total de 9 canciones. El comienzo de cada canción es similar al del álbum anterior, pero obviamente hay diferentes voces masculinas en varios orígenes. Sin embargo, este álbum no supera al anterior. En la encrucijada del cambio nacieron dos canciones populares: "Eye of Truth" y "Return to Innocence". En particular, "The Eye of Truth" involucra más elementos sinfónicos y obviamente se inclina por la estructura de cantos lapones con ritmos modernos (en referencia a los residentes que viven en Noruega, Suecia, Finlandia y el norte de Rusia). Como coro, esta canción se siente muy cómoda. Una razón es que "Ingmar" extiende el interés a la antigua cultura musical nórdica. En 1994, "The Cross of Transfiguration" también lanzó una "edición especial", que añadió tres canciones, cada una con una parte remezclada.
Debido a que no se lanzó en los Estados Unidos, la "edición especial" es difícil de encontrar en algunas tiendas de discos de todo el mundo. "Este disco.
1996 165438 El 25 de octubre, la discográfica "Vision" lanzó el tercer álbum "Mystery", Le Roiest mort, vive Le Roi! ). En comparación con el álbum anterior, el nuevo álbum no sólo tiene una atmósfera diferente, sino que también tiene un tono más tranquilo y sonidos más especializados. Ha sido elogiado por la crítica como el álbum más unificado de "Ingmar" hasta el momento. Este álbum transmite muchos conceptos naturales y filosóficos, y el tema de este concepto es "por qué". Beyond the Invisible es el sencillo clásico del álbum, lleno de un poder abrumador y una poderosa melodía a través de la voz de Critón.
En 1999, Ingmar lanzó su cuarto álbum "Screen Behind the Mirror". Debido a que la audiencia estaba acostumbrada a las características personales de los primeros tres álbumes, el estilo de este álbum fue un poco soso en comparación. En 2000, "Mystery" apuntó a la misteriosa cultura oriental y lanzó su quinto álbum "Limited Power". Hoy en día, con el rápido desarrollo de la música pop, muchas personas tienen diferentes valoraciones de este álbum, pero no importa cuál sea la actitud de los críticos, el sonido "enigmático" como representante de la música mundial ha quedado grabado permanentemente en la historia de la música pop. .
3. Otra música de la nueva era
Como se mencionó anteriormente, la categoría de música de la nueva era se ha generalizado gradualmente desde la década de 1990. La música con cierto carácter nacional producida por la tecnología de grabación moderna entra en esta categoría, como la música de la cantante irlandesa Enya, la música religiosa india y la música tibetana china ("Sisters Drum" producida por He Xuntian). Por tanto, el concepto de música de la nueva era es cada vez menos importante, y la modernidad y originalidad de la música se han convertido en el núcleo de este tipo de música. Lo siguiente se centra en tres músicos representativos. Enya
Enya crea un sonido new age de inspiración irlandesa a través de melodías populares, efectos de sintetizador y fondos clásicos.
Eitneni Bhraonain (1961) nació el 17 de marzo de 2007 en una familia de músicos en Guido, Condado de Donegal, Irlanda. Ambos padres se dedican a la música. Pero la mayor influencia de Enya fue la banda Clannad, formada por sus hermanos en 1976. En 1979, Enya se unió a la banda como teclista y compuso una gran cantidad de bandas sonoras de televisión para la banda. En 1982, Enya dejó "The Family" porque estaba cansada del estilo pop de la banda. A partir de entonces comenzó a dedicarse de todo corazón a su creación musical favorita. En 1986, lanzó el álbum de música original de BBC TV "Celtic" y firmó con WEA Records.
De 65438 a 0988, el segundo álbum de Enya, "Watermark", logró excelentes resultados. En 1991, Enya lanzó "Shepherd's Moon", que ocupó el puesto 17 en la lista de ventas de álbumes en Estados Unidos durante cuatro años consecutivos, con ventas globales superiores a 100.000. A finales de 1992, el récord de la WEA fue sustituido por los Celtics. En 1995, Enya lanzó el álbum "Memory of Trees", que le llevó cuatro años grabar. El estilo de este álbum no es muy diferente de sus trabajos anteriores, excepto por la adición de algunos elementos musicales alegres. El álbum alcanzó el puesto número nueve en las listas estadounidenses y vendió más de 2 millones de copias ese año.
Kitaro (Kitaro)
El estilo de Kitaro es una combinación de sintetizadores de música electrónica de alta tecnología y su meditación. En los años 60, el famoso músico japonés se inspiró en el Rhythm and Blues y aprendió de forma autodidacta a tocar la guitarra eléctrica en el instituto.
A principios de la década de 1970, Kitaro formó la Far East Family Band y publicó dos álbumes de rock progresivo. En 1972, construyó su primer sintetizador electrónico y lo utilizó para iniciar experimentos de simulación de diversos sonidos naturales. Su primer álbum se publicó en 1978 y logró un éxito inmediato. Dos años más tarde, produjo una serie de álbumes de bandas sonoras para la serie de televisión Silk Road. Desde entonces, su música ha atraído la atención internacional.