Cuando todavía estaba en la universidad, Turner comenzó a presentar presentaciones al Exposición anual de primavera. Las exposiciones son el escenario más importante en el mundo del arte londinense, donde los pintores pueden hacerse un nombre y recibir financiación. Del 65438 al 0790 comenzó a exponer exquisitas acuarelas en exposiciones, pero pronto se dio cuenta de que tendría que dominar la pintura al óleo para lograr el tipo de éxito que deseaba. Así, en 1796 expuso su primer óleo. Sin embargo, es su obra de otra exposición del mismo año, una acuarela del interior de la Abadía de Westminster, la que mejor demuestra su ambición. La iglesia es también el cementerio nacional más importante. Turner grabó su nombre y fecha de nacimiento en la lápida en el primer plano de la pintura, insinuando que tendría un lugar aquí en el futuro. Los hechos han demostrado que esta audaz confianza no es ilusoria. Lo logró, pero adivinó el lugar equivocado: finalmente fue enterrado en el cementerio de la catedral de St. Paul, junto a otros artistas y héroes nacionales, incluido el general Horatio Nelson.
Decidido a permanecer en la Royal Academy, Turner pasó varios años absorbiendo estilos de pintura marina y de paisajes existentes. Antes de 1800, el estatus de las pinturas de este tipo de temas en el mundo académico era mucho menor que el de los temas históricos, pero Turner siempre estuvo dispuesto a romper la estricta definición de categorías. Introdujo ricas narrativas en las pinturas de paisajes, dándoles una atmósfera única y un efecto dramático, y desarrolló sus propias pinturas de paisajes históricos. Luego, basándose en los logros en acuarela de J. R. Cozens (1752 ~ 1797) y R. Veisto (1765 ~ 1836), se utilizaron y aplicaron tonos fuertes. Este ataque total, junto con el desafío a críticos autorizados como J. Farrington (1747 ~ 1821), convirtió a Turner en una estrella deslumbrante entre la generación más joven. A finales de 1799 fue elegido miembro asociado de la Real Academia de Bellas Artes. A principios de 1802, se convirtió en un artista habitual y se convirtió en el artista más joven en ganar este honor. Sus excelentes resultados en la Real Academia de Bellas Artes atrajeron naturalmente a muchos aristócratas amantes del arte que le encargaron pintar. También obtuvo entradas para entrar y salir de la alta sociedad, obteniendo así acceso a las mejores colecciones de arte del Reino Unido, ya que antes de 1824 ya existían. No había una Galería Nacional en el Reino Unido. Todo en manos privadas.
La obra de Turner presenta un fuerte impacto visual. Aunque eran similares al arte de vanguardia británico de la época (que abandonó el estilo pictórico fluido procedente de Francia), en los primeros años del siglo XIX, voces conservadoras comenzaron a acusar su estilo de no mejorar las escenas que pintaba. Un crítico, escribiendo sobre "Porcupine" de 1801, acusó su estilo vago de "desmentir su ligereza". Desde entonces, las valoraciones de la obra expuesta de Turner se han basado en gran medida en esta denigración. Igualmente importante es la crítica privada de los pares. Muchos sintieron que sus pinturas carecían de integridad. Por ejemplo, John Hoppner (1758-1810) vio las obras de Turner en su primer viaje a Europa en 1802 y se sorprendió por su aspereza y falta de pulido. “Hay tanto que adivinar y es como mirar un fuego de carbón ardiendo o una vieja pared.
Otros, como Constable y James Northcote (1746-1831), creían que las obras de Turner eran "cada vez más exageradas y alejadas de la naturaleza".
A Turner pareció importarle estos comentarios, porque a mediados del siglo XIX se dispuso a salir al aire libre a orillas del Támesis para experimentar directamente la apariencia original de la naturaleza y repensar cómo reproducirla. en pinturas Aspecto original. En ese momento, muchos artistas jóvenes en Gran Bretaña estaban experimentando con el dibujo al aire libre. Se dieron cuenta de que los primeros paisajistas como Claude Lorrain (c. 1604/5~1682) y Nicolas Poussin (1594~1665) primero dibujaron en la campiña romana y luego se llevaron estos ejercicios consigo. Turner consideraba que las obras de Lorraine eran muy superiores a las de su compatriota francés Poussin, y que eran ejemplos de pintura de paisaje, quizás la esencia de la pintura de paisaje. Las obras de Roland tienen composiciones elegantes. Aunque parecen un poco rígidas, reproducen la imagen armoniosa de la sociedad clásica. Las escenas y las narrativas están orgánicamente integradas y son inseparables. En la década de 1790, Turner vio por primera vez el trabajo de Lorraine y quedó profundamente impresionado. La sutil captación de la luz por parte de Lorraine impresionó a Turner, quien confesó que no podía imitarlos.
Sin embargo, Turner no se dejó intimidar y quiso incansablemente superar su propio ejemplo, que se convirtió en la tarea central de sus pinturas históricas. Rowland era considerado por los conocedores como el paisajista más famoso, y un gran número de sus obras llegaron a las colecciones de coleccionistas británicos, lo que sin duda influyó en los objetivos de Turner. Aunque Turner claramente atendía los gustos y bolsillos de los coleccionistas británicos, no se contentó con simplemente imitar el trabajo de Lorraine, sino que añadió temas claramente británicos, mezclando la imaginación con la realidad. En sus pinturas, basadas en bocetos del Támesis realizados después de 1805, podemos verlo contemplar el paisaje local a través de los ojos de Roland. El Támesis en Weybridge (c. 1806, Petworth Estate), el Támesis cerca de Windsor (c. 1806, Petworth Estate) y Richmond Hill and Bridge (Tate, 1808), Turner La nostalgia pastoral está naturalmente integrada en la perspectiva y los temas realistas.
De hecho, el enfoque de Turner en el paisaje ribereño ha despertado durante mucho tiempo la nostalgia de la gente. A lo largo del siglo XVIII, los poetas y poetas continuaron recitando poesía. "Thomson's Wind Harp" es la obra más encantadora de la pintura de Lorena de Turner. Ofrece una vista aérea de la sección Twickenham del Támesis desde Richmond Hill y citas de las obras de dos poetas. Los dos poetas fueron Alexander Pope (1688~1744) y James Thomson (1700~1748), quienes vivieron aquí. Para algunas de sus primeras exposiciones, Turner añadió títulos a obras literarias, muchas de ellas de poemas de Thomson, en el catálogo de exposiciones de la Royal Academy. A veces añadía su propia poesía para hacer la obra más significativa, como en esta pintura del piano orquestal de Thomson, creada en 1809. Continuó usando este método durante los siguientes 40 años, pero el poeta que más citó fue Byron (1788-1824), citando ocasionalmente poemas de su poema épico en curso pero nunca publicado, La falacia de la esperanza. Llama la atención una búsqueda tan intensa de un medio expresivo auxiliar que complemente la expresión puramente visual, especialmente en el caso de Turner, a quien a menudo se le considera un hombre de pocas palabras. La posteridad podrá adivinar las intenciones de Turner a partir de su diario lleno de poesía, en el que intentó distinguir los diferentes roles del poeta y del pintor. Entre las opiniones que expuso, el punto más básico es que un pintor sólo puede describir lo que ve, mientras que la imaginación de un poeta es ilimitada. Sin embargo, una distinción tan simple no satisfizo los objetivos artísticos de Turner. Como dijo E. Joll en 1979, Turner "quería hacer que todas las obras de arte fueran superiores a la naturaleza", lo que requería reintegrar los elementos básicos del cuadro basándose en la experiencia y la sabiduría.
Turner comenzó a involucrarse en la creación poética y también exploró teóricamente los alcances de la pintura de paisaje. Esto último se refleja en dos aspectos: en primer lugar, su serie en cobre "Liber Studiorum" (Liber Studiorum), que fue influenciada por Roland, puede considerarse como una declaración de sus ideales artísticos; en segundo lugar, se desempeñó como profesor de perspectiva en la Universidad; Real Academia de Bellas Artes (1807 a Ocupó este cargo en 1837 y enseñó sólo ocasionalmente después de 1828).
Aunque los estudiantes quedaron impresionados por sus diagramas de ejemplo únicos, la mayoría consideró sus conferencias (si es que las escucharon) como poco más que copiar y pegar de trabajos anteriores sobre la perspectiva. Su conferencia más exitosa fue sobre la importancia del "antecedentes" en la pintura, que se convirtió en la lección más apasionante de la historia de la pintura de paisajes. Estas actividades docentes ocuparon gran parte de su tiempo y energía y, en última instancia, consolidaron su posición como líder en este arte. Otro factor que consolidó su posición fue la apertura de su galería personal en Harley Street en abril de 1804. La razón por la que hizo esto puede deberse a que había grandes diferencias dentro de la Real Academia de Arte. Es más, iniciar tu propio negocio te da la libertad de organizar exposiciones y puedes exhibir obras que podrían considerarse demasiado radicales en exposiciones de arte públicas. Benjamin West (1738~1820), un estadounidense que entonces era presidente de la Real Academia de Bellas Artes, señaló una vez que los paisajes del Támesis de Turner pintados en la academia eran simplemente "manchas feas" y que "no hay nada peor que esto". .
Durante este período, las voces despectivas en el país ganaron impulso gradualmente, especialmente las del estrecho de miras de Sir George Beaumont (1753~1827). El rico aristócrata representaba la autoridad del gusto en aquella época. También creaba arte, pero su concepto de la pintura era muy conservador. A partir de 1806, combinó a Turner con A.W Calcott (1779~1844) y John Crome (1768 ~ 18265438). Los nuevos cambios de luz y color en las pinturas de Turner se originaron a partir de su abandono de la técnica tradicional de composición con fondo oscuro, pintar sobre fondo blanco. fondo, se parece más a pintar con acuarela sobre una superficie brillante. Esta técnica es particularmente eficaz para reproducir los sutiles cambios en el aire, como en "Frost Morning" de Turner, el crudo invierno británico. En la técnica de reproducción de luces y paisajes, la pintura de Turner rompió audazmente la tradición, lo que le valió los elogios póstumos de Monet. Sin embargo, en ese momento Monet dijo que esta pintura fue "pintada con los ojos abiertos". Esta pintura de vanguardia Apenas tres años después de la publicación de The Misty Morning, el ensayista William Hazlitt (1778-1830) comentó sobre la pintura de paisaje de Turner que podría haber considerado y "Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps". En 1812, pensando que se podía ver en las pinturas de paisajes de Turner que "debido a la pintura, toda la pintura es aire, tierra y agua", Su Shen Shen concluyó: "Los artistas están felices de volver al estado caótico del principio". de la creación, hasta el momento en que el agua y la tierra simplemente se separaron día y noche. En ese momento, no había seres vivos en la tierra, ni había árboles frutales, y estaba vacía. Algunas personas dicen que su creo. Es muy apropiado describir la pintura de paisajes como "pintar el vacío".
En la escena de "Misty Morning", hay un carruaje que se aproxima en el lado izquierdo del camino. Esta es una escena importante en La vida de Turner desde que era un adolescente, ha viajado a muchos lugares, dibujando en diferentes lugares de Inglaterra cada verano, viajando cientos de millas. Durante sus años de viaje, dibujó una gran cantidad de bocetos y acumuló valiosos materiales visuales. Pasó de la acuarela a la pintura al óleo y al grabado en cobre, que se convirtieron en sus medios más importantes para ampliar su audiencia fuera de la ciudad. A través de la práctica continua, se dio cuenta de que al dibujar, apenas necesitaba pintar en el acto. de contorno puede transformarlo en una colorida obra maestra de acuarela con muchas características locales. Una vez afirmó que se podían realizar entre 15 y 16 de los bocetos a lápiz de Turner utilizando una técnica de acuarela. Las acuarelas reproducían el paisaje británico de manera más vívida que sus pinturas al óleo. Paisajes ricos, clima cambiante y escenas cada vez más urbanas. Estos grandes logros son inseparables de sus dibujos, en los que podemos ver su pasión por la exploración, la fuente del interés, y su constante reflexión y definición de lo que veía, como decía A. Wilton. : "Sus bocetos son la encarnación de sus actividades ideológicas." A principios de 1819, muchas de las acuarelas más creativas de Turner (incluidas algunas pinturas al óleo) fueron compradas por el noble Whig antiesclavista W. Fox (en el que vivió entre 1769 y 1825). Farnley Hall cerca de Leeds, Yorkshire Desde 1808, Fox invitó a Turner a menudo a participar en proyectos como coleccionar especímenes de aves, integrarlo en su propia familia y encargarle que pintara mansiones y propiedades.
Fox había estado prestando mucha atención a la evolución del estilo pictórico de Turner, por lo que aceptaba y apreciaba más las audaces innovaciones de Turner que la mayoría de la gente, y buscó varias oportunidades para coleccionar sus nuevas obras, como la serie Rhineland Scenery de 1817 y Hutt's de Dodley. paisaje perezoso y en tonos miel. 1865438 De abril a junio de 2009, Fox exhibió su exquisita colección en su mansión de Londres. Sin duda, las más populares son las veinte acuarelas que Turner creó cuando fue por primera vez a los Alpes en 1802. Son comparables a las pinturas al óleo en términos de expresión y técnica. La exposición de Fox fue oportuna, ya que la Batalla de Waterloo había terminado y una era de elevado patriotismo. La pintura con acuarela se considera un arte original en Gran Bretaña, y Turner es el representante número uno de este arte, y su reputación se ha consolidado sin precedentes. Los medios elogiaron unánimemente los logros de Turner y lo llamaron un maestro mago en el mundo del arte. Esto es raro.
Escuchando los vítores de la crítica, Turner emprendió su primer viaje a Italia, cumpliendo su anhelado deseo. En retrospectiva, esto también fue una transición hacia una nueva dirección artística. El objetivo principal de este viaje es visitar Roma. Allí, Turner fue malinterpretado como un pintor de la corte, y quería pintar una serie de cuadros para el Príncipe Regente (pero, de hecho, Turner solo pintó para la familia real una vez, y poco después de su regreso a Londres, creó una pintura que representa Terra Su magnífica pintura de la Batalla de Falgar se encuentra ahora en el Museo Marítimo Nacional Británico en Greenwich. En la mente de Turner y de muchas personas de la época, la comprensión de Roma era inseparable de las pinturas de Roland, incluso antes de partir hacia Roma en 1819. su amigo Sir Thomas Lawrence señaló que Turner era el único artista de su tiempo que podía comprender las características italianas tan profundamente como Roland: "Italia es un paisaje muy adecuado para que Turner muestre plenamente su gusto elegante y su creatividad". "En la dulzura de la leche se abarca todo lo que, en mi opinión, sólo se puede expresar con los hermosos colores de Turner", que se puede expresar en el gran óleo "Roma desde el Vaticano". Visto en. Esta pintura se exhibió poco después del regreso de Turner. a Londres en 1820. El primer plano es algo desordenado, pero todo el paisaje exuda una atmósfera de "pureza, tranquilidad, belleza y paz" en opinión de Turner. Esta es la esencia de la pintura de Roland. El viaje a Italia se considera a menudo como un hito en el estilo pictórico de Turner; de hecho, muchos de sus cambios en la década de 1820 ya se estaban gestando antes de que abandonara Inglaterra. Este primer encuentro con Italia sirvió de catalizador para obras como Dortmund o Dortmund Luck: The. Dortmund Scheduler de Rotterdam, escrito en 1818, que ya insinuaba un cambio hacia los colores brillantes, al igual que su atrevido uso de colores sólidos en sus obras posteriores. Sus bocetos experimentales en acuarela comenzaron ya en la década de 1810, e incluso sus pinturas de temas italianos. no rompió claramente con el pasado (véase Baya Bay, Apolo y la profetisa, 1823, Tate Museum). La década fue sin duda un período tumultuoso, lo que no resulta evidente sólo porque estuvo incansablemente involucrado en diversos proyectos editoriales. p>
Este fue un período en el que la fama de Turner estaba en su apogeo, sus logros eran obvios y su reputación era bien merecida. Sin embargo, sus pinturas al óleo no fueron tan populares como las sobre papel, aunque algunos críticos han comenzado a hacerlo. Se da cuenta de que sus pinturas al óleo intentan expresar un paisaje poético; sus temas vacíos y tonos grises todavía lo incomodan. Muchos espectadores estaban confundidos. Esto siguió siendo cierto en su Londres natal (donde el público al menos era consciente de la evolución de su estilo). , y como era de esperar, causó más controversia en otros lugares durante su segunda estancia en Roma, en 1828. Se exhibieron tres pinturas al óleo, que resultaron ser grafitis ininteligibles, con el color amarillo de las pinturas burlándose. Se dice que un comerciante romano las visitó una vez. Turner y dijo sarcásticamente: "Algunos venden mostaza y otros pintan mostaza". Sólo un inglés describiría cortésmente sus pinturas como "de la mano de un poeta". Más de 50 años, Turner mantuvo su dominio en las exposiciones públicas de Londres. Especialmente en la exposición anual de la Royal Academy, adoptó una nueva estrategia que era diferente a la de mediados de la década de 1960. La competencia fue feroz y la enorme sala de exposiciones se llenó de pinturas por dentro y por fuera, compitiendo por la atención de todos.
La descripción que hace George Scarver de la exposición de 1828 ilustra vívidamente la posición fundamental de la obra de Turner: La famosa "Dido al mando de su flota" (Museo Tate) cuelga en el centro de la pared norte de la sala, a la derecha hay una obra más pequeña de Turner. en la pared, la luz eclipsando todas las obras circundantes. Esta obra más pequeña es una de las dos que representan escenas de la carrera de remo de Cowes. Como puede ver en este ejemplo, una pintura puede tener un gran impacto en las pinturas circundantes. Turner fue generoso en ocasiones. Se dice que tomó la iniciativa de atenuar el color de Colonia (1826, Colección Frick, Nueva York) para no eclipsar las figuras pintadas por Lawrence en ambas caras del cuadro. Sin embargo, entre estas interesantes anécdotas sobre Ye Shi, se trata más de cómo se robó el protagonismo. A veces bromeaba, como con un grupo de amigos como George Jones (1786~1869); Por ejemplo, colocó deliberadamente varias obras para que la apertura del "Grand and Heavy" Puente de Waterloo de Constable (Tate Gallery, 1832) pareciera incómoda. Constable se vio obligado a admitir su mala suerte y dijo con tristeza que Turner se acercó y "le disparó".
A partir de entonces, Turner a menudo hacía que sus pinturas se destacaran entre sus compañeros. Su método consistía en presentar cuadros que en realidad estaban inacabados porque existía una tradición en la época. Los pintores disponían de tres o más días para realizar pequeños cambios en sus obras antes de que la exposición se abriera al público. Turner aprovechó esta última oportunidad para realizar grandes cambios en la obra, agregando color y color para lograr la presentación definitiva. Todo el proceso parece una actuación para mis compañeros.
Tales habilidades de actuación bien ejecutadas hacen que la gente sienta que él es realmente un alquimista y que es muy bueno usando materiales. Pero también hay que ver que sus obras son abiertas, incompletas en el tiempo y el espacio, y en ocasiones ambiguas, de lo que se desprende la relación entre pintura al óleo y acuarela. De hecho, la experiencia que obtuvo de sus experimentos ilimitados con la acuarela influyó cada vez más en sus pinturas al óleo. Por ejemplo, en 1810 intentó dibujar varios cuadros sobre papel al mismo tiempo, y parece que también utilizó este método en su creación de pinturas al óleo en los diez años siguientes. Además, en el siglo XX se descubrió un lote de pinturas al óleo inacabadas tardías, todas ellas creadas cuando Turner estaba creando pinturas de paisajes, comparables a los cientos de acuarelas de "El comienzo del color". Entre ellos se encuentra un ejercicio en una turbina de vapor en el Támesis, que parece haber sido realizado para los pintorescos paisajes de Inglaterra y Gales. Tiene características esquemáticas y no resueltas típicas, y ofrece una variedad de opciones, cada una de las cuales parece tener potencial para pulirse aún más. La expansibilidad de estas obras todavía se puede ver en las obras finales de las dos últimas décadas de su carrera artística, y la ambigüedad de estas obras se ha convertido en un tema de mayor interés para los críticos posteriores.
Aunque la posteridad considera que la pintura expresiva y las imágenes simplificadas de la obra madura de Turner son sus características más esenciales, sus contemporáneos parecían más dispuestos a comprar reimpresiones de grabados en blanco y negro. Aparentemente, al realizar impresiones, la vitalidad y variación del original se verían disminuidas por la delicadeza precisa de la línea, pero Turner parece haber visto sus acuarelas como simplemente una transición, que sólo podía lograrse a través del delicado claroscuro cuando se grababan en impresiones. la forma final de la obra. No es de extrañar que sus contemporáneos se interesaran por estos grabados, ya que imprimió muchas obras que abarcaban más de 800 temas y su nombre se ve a menudo en grabados literarios. Estas impresiones en blanco y negro cubren una variedad de temas, y Turner también controló estrictamente la calidad de los grabados, lo cual fue muy importante para consolidar su reputación. Turner trabajó con editores durante toda su vida, cerrando efectivamente la brecha entre los conceptos artísticos y la realidad artística para que más personas pudieran apreciar sus pinturas. Después de que estos grabados aparecieran en Londres, rápidamente se extendieron a París, Berlín y Filadelfia, como sus pinturas de escenas ribereñas francesas. En aquel momento, la gente estaría muy emocionada de recibir un nuevo libro con las ilustraciones de Turner, algo impensable en una época en la que las imágenes podían transmitirse simultáneamente a todo el mundo. Después de 1830, hubo un deseo aún mayor por los grabados de Turner, gracias a su gran éxito al ilustrar el poema "Italia" de Samuel Rogers. De hecho, pueden incluso usurpar el papel de maestro y la luz puede abrumar la poesía. Walter Scott es un ejemplo.
A principios de la década de 1820 le pidió a Turner que le produjera cuadros para su trabajo, pero tuvo que separarse de él porque Turner era demasiado poderoso. Sin embargo, en 1831, cuando el editor planeaba lanzar una nueva edición de Scott's, insistió en invitar a Turner a unirse a nosotros. "Con las ilustraciones del señor Turner, puedo garantizar que la colección de poesía venderá más de 8.000 ejemplares; de lo contrario, no venderá ni siquiera 3.000 ejemplares". Este año, el novelista y poeta británico tuvo que hacer concesiones e invitó a Turner a su casa nuevamente. En aquel momento, Turner estaba dibujando en la romántica isla de Staffa, en la costa oeste.
Fue en obras como "The Finger Hole on Staffa Island" (1832, New Haven, Yale) donde Turner recreó el poder del vapor representando turbinas de vapor desplazándose contra furiosas nubes de tormenta. Una imagen única de. la vida moderna, no sólo porque describe los inventos de la emergente era del vapor, sino también porque sugiere el noble heroísmo de estos nuevos inventos. Turner a menudo incluía escenas de la era industrial en sus acuarelas, sobre todo Leeds y Dudley, pero también incluía a menudo las propias máquinas que provocaban cambios, que habrían sido feos e indecentes para los contemporáneos. Este tema alcanza su clímax en "Lluvia, vapor, velocidad: el gran ferrocarril occidental", donde un tren de vapor a toda velocidad parece salir corriendo de la imagen y correr hacia la audiencia. Vale la pena señalar que este tipo de pintura no recibió la atención que merecía hasta la década de 1980, ya que los cinco volúmenes de John Ruskin, Modern Painters (1843-1860), fueron la obra más influyente sobre Turner en el siglo XIX, pero básicamente las excluye. obras. Ruskin vio que Turner era cada vez más ridiculizado a finales de la década de 1830 y principios de la de 1840 y se sintió obligado a defender a Turner. Turner recibió la mayor cantidad de críticas durante este período debido a la falta de una conexión clara entre lo que se representaba y cómo se expresaba. Por ello, Ruskin centró su defensa en las partes de la pintura más fieles a la naturaleza. A la luz de esto, el relato de Ruskin puede ser más centrado que exhaustivo. Pero las obras de Ruskin fueron populares entre los lectores de ambos lados del Atlántico y fueron relativamente tolerantes con las obras de Turner. A pesar de la vigorosa defensa de Ruskin, muchos consideraron oscuro el trabajo posterior de Turner y lo consideraron "sueños, desafíos, teorías, experimentos y falacias".
En 1843 se publicó el primer volumen de "Pintores modernos" de Ruskin, que también ayudó económicamente a Turner. Reavivó el interés de los compradores por las pinturas no vendidas de Turner. Sin embargo, numerosas anécdotas sugieren que Turner estaba algo incómodo con los intentos de su joven admirador de interpretar la obra de su vida. El hecho de que haya tardado tanto en agradecer a Ruskin puede haber sido porque tenía tanta confianza que no necesitaba que nadie más hiciera el esfuerzo de presentarlo. Parece acostumbrado al ridículo de sus críticos debido a años de críticas constantes y reconoce sabiamente que toda crítica, por terrible que sea, tiene su propósito. Pero todavía anhelaba ser apreciado, lo que fue el motor de su lucha en su juventud, y las obras de Ruskin una vez más le hicieron admirar, lo que inevitablemente le dio una sensación de satisfacción.
Es común que un artista pierda gradualmente el favor durante su vida, solo para que su obra recupere el favor después de su muerte. Hasta cierto punto, Turner se había estado preparando para tal destino ya en la década de 1820. En ese momento, se dio cuenta de que era difícil vender sus obras, por lo que redactó su primer testamento y dejó claro que esperaba colgar dos de sus pinturas en la Nueva Galería Nacional, donde se exponen las dos obras más famosas de Lorena junto a ella. . Esto demuestra que espera que su estatus en la historia del arte pueda ser considerado como el sucesor de Roland, el mayor paisajista del siglo XVII, y está vinculado con Roland. Esto también puede mostrar sus nuevos logros en el futuro. Además de este sentimiento de orgullo, el Turner mayor a menudo se compara con su yo más joven cuando recuerda sus logros. Quizás sea por esta razón que creó una serie de paisajes suizos por última vez a principios de 1965, en la década de 1940. Estas obras son técnicamente perfectas y no menos avanzadas que cuando pintó para Fox hace veinte o treinta años. reputación como el mejor pintor de acuarelas.