Claude Monet
Claude Monet (1840-1926) nació en París en 1840 y pasó su infancia en El Havre. No siguió el camino habitual de un pintor, sino que comenzó dibujando caricaturas. Obtuvo cierta fama dibujando caricaturas y atrajo la atención de Eugène Boudin (1824-1898). Boudin le dijo una vez a Monet: "Todo lo pintado en el acto siempre tiene un tipo de poder, realismo y viveza de la pincelada que es imposible de obtener en el estudio más adelante". Monet también siguió este principio en su futura carrera pictórica. dijo, porque su corazón estaba lleno de amor por la naturaleza.
Pronto, Monet se sintió atraído por las creaciones del pintor holandés John Bartol de Jonkan. El pintor pintó pequeños puentes, escenas de pueblos, riberas de ríos y casas destartaladas con techo de paja con un estilo turbulento, apasionante, vivaz y más vivaz que sus contemporáneos franceses. Monet recibió una formación artística básica de Boudin y Qiong Kang.
En 1859, Monet llegó a París, donde conoció a Gustave Courbet (1819-1877) y Jean-Baptiste Camille Corot (Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875) y la creación de Edouard Manet (Edouard. Manet1832-1883). Apreció seriamente sus fortalezas pictóricas y aplicó sus logros con una velocidad asombrosa. Pero Monet no era uno de sus seguidores, sino un rebelde. Monet no quiso completar sus estudios de pintura en la academia y sólo pasó algún tiempo en el estudio de la Academia Gleier en 1863. Cuando conoció a Bazille, Alfred Sisley (Alfred Sisley, 1839-1899) y Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), los convenció de que abandonaran esas clases de aprendizaje de caracteres chinos. Cuando cerró el estudio del Glenelg College, llevó a sus amigos a Chey, un pequeño pueblo en el borde del bosque de Fontainebleau, donde pintó bocetos al aire libre.
Cuando Monet dejó el estudio de la Academia Glenelg, no enriqueció sus logros artísticos bastante pobres, sino que se dedicó con fe ardiente a la observación pura e intuitiva de la vida natural. No acepta diversas teorías teóricas, pero sí; Desarrolla su propio conjunto de métodos de pintura.
Monet fue indiferente al modelaje durante toda su vida. Lo que le importaba era la correcta relación jerárquica. Precisamente porque Monet era incompatible con el modelaje, podía representar fácilmente lo que realmente veía, pero precisamente por eso no podía representar la realidad ilusoria de las cosas.
Monet no se contentaba sólo con poder pintar lo que veía y la forma en que lo veía; quería crear un efecto único, lograr algo que pareciera inusual en los posibles propósitos de la pintura. Le gustan todas las cosas que deslumbran a la gente. Los ríos, los cielos, las casas y los árboles que representa están llenos de una extraordinaria sensación de vida. Su corazón estaba lleno de una excitación incontrolable; era realista en sus ideas, pero soñador por naturaleza.
En 1864, Monet completó "El estuario del Sena en Honfelle". Esta pintura fue expuesta en el Salón oficial de 1865 y recibió una cálida bienvenida. Cuando un crítico comentó sobre esta pintura, dijo: " Los colores armoniosos compuestos de tonos... pueden atraer el sentimiento audaz del público". Esto demuestra que es completamente comprensible que a la gente le guste este cuadro. La pintura al óleo expresa ricos tonos medios y gradaciones de colores oscuros y tranquilos. El espacio que se expande hacia las profundidades se maneja con éxito a través de la orilla del río. Tradicionalmente, la orilla del río marca las vistas de medio y largo alcance. En este cuadro, algo que viene del propio Monet es la "audacia que atrae al espectador" en las pinceladas de agua y nubes en primer plano, estas pinceladas realzan el efecto tradicional del cuadro;
En 1866, Monet pasó varios días completando y exhibiendo el retrato de su futura esposa, "La Dama de Verde - Camille". El retrato fue controvertido pero en general fue un éxito; algunos incluso lo compararon con los retratos de Manet.
Este retrato dice mucho sobre la personalidad de Monet: su indiferencia hacia la forma, así como el movimiento de la mujer y la luz temblorosa en su vestido, dan al cuadro una persuasión especial.
Ese mismo año, Monet expuso el cuadro "Iglesia de Saint-Germain-Oserois", que tuvo una gran importancia para el desarrollo de su futuro estilo. El óleo que pintó desde un balcón del Louvre estaba destinado a mostrar los reflejos en las hojas. Las pinceladas una al lado de la otra expresan vívidamente la vibración del aire, y el efecto vívido de la luz verde-amarilla y la sombra verde-negra se logra mediante la combinación de estas pinceladas. La pincelada aquí se ha vuelto menos impresionista, pero los colores aún no son lo suficientemente transparentes, e incluso los tonos de azul todavía son turbios y parecen pintados en negro. Las iglesias y las casas parecían demasiado densas en comparación con las hojas temblorosas. No hay una imagen general en la pintura, pero la forma en que están pintadas las hojas revela un poco de los ideales de color de Monet
"La dama de verde - Camille" es una figura completada en el estudio de pintura "St; Germain-Oserowa Church" es un cuadro de paisaje pintado bajo luz exterior. El cuadro "Mujer en el jardín" combina estos dos métodos de observación. La imagen aquí está básicamente organizada a partir de una fotografía, lo que demuestra que a Monet no le importaba someter la composición a la naturaleza accidental de la escena. La foto debería haberle recordado a Monet el profundo efecto del espacio, pero a Monet no le importó. Lo único que le interesaba eran los planos y los contrastes de color. Precisamente porque los personajes de esta pintura no tienen sentido tridimensional ni ondulaciones, los colores pueden brillar aquí y mostrar plenamente su diversidad. Las decoraciones florales en los vestidos de las mujeres, las flores en el césped, las hojas que sobresalen del vasto verde, el cielo revelado entre las hojas, la luz que penetra las sombras, todo crea un mosaico de hermosos colores. Pero este óleo carece de efectos tonales: la luz y la sombra caen en el mismo plano ocupado por la figura, por lo que la luz no puede penetrar el cuerpo humano y convertirse en una entidad física. El color inherente del éxito de taquilla juega un papel demasiado importante. Todo esto en conjunto es más una fórmula que una verdadera representación de lo que se ve, pero esta fórmula es un programa audaz sin precedentes. Una vez que desaparezca la formalidad de este programa, la luz penetrará en los tonos medios, la vida impregnará cada pincelada y se formará la unidad del todo, entonces el arte se convertirá en una flor y el impresionismo alcanzará su plena madurez.
En 1872, Monet creó la mundialmente famosa "Impresión, amanecer". Este óleo representa el amanecer en el puerto de Havre a través de la niebla. Los trazos de pintura que tocan directamente los puntos representan el fondo poco claro en la niebla de la mañana. Los distintos colores dan a la superficie del agua un brillo infinito, pero la representación imprecisa hace que los barcos sean vagamente visibles. Esta pintura se exhibió en la 1ª Exposición Conjunta de Pintores Impresionistas, que se inauguró el 25 de marzo de 1874. Esta obra es la más típica de las pinturas de Monet.
Monet fue sin duda un genio creativo en la observación visual. Es bueno descubriendo ciertos fenómenos que nunca han sido descubiertos por personas anteriores a partir de la relación entre la luz y el color. Centró toda su atención en la luz y el color, y así encontró la forma más adecuada de expresar la diferencia de brillo entre la luz y el color. Abstrajo la diferencia de brillo entre la luz y el color de varios otros factores en la pintura. . La observación visual de Monet es genial, creativa y extraordinaria, pero ¿qué hay detrás de esta observación? ¿Cuál es la relación entre lo que ve y lo que siente e imagina?
Algunos de los cuadros que Monet pintó en Argenteuil entre 1874-78 pueden responder a estas preguntas. Como por ejemplo "El Velero de Argenteuil" creado en 1872. En este cuadro los medios tonos reemplazan el contraste de color, no por mezcla de colores, sino por descomposición o combinación de colores formando una síntesis de luz. El negro ya no aparece en la paleta del pintor; lo único que queda son los colores espectrales que crean la luz y la oscuridad, que forman la entidad física. El estilo de color unificado se extiende naturalmente por toda la imagen: tomas cercanas y distantes, objetos, agua y cielo, transformando todo en una escena maravillosa y en movimiento, mientras que la perspectiva espacial fluida y no jerárquica transforma las tomas cercanas y distantes en Connected. entero. Los tonos morados y amarillos se entrelazan con el azul del agua del río y el cielo. La diferencia de tonos de estos colores distingue claramente estos fenómenos naturales, y la superficie tranquila y espejada del río parece haberse convertido en la base del cielo. La perspectiva geométrica ha sido olvidada; ha sido sustituida por el movimiento constante del aire.
Cada color parece muy suave individualmente, pero son fuertes en conjunto lo que aparece ante nosotros es una imagen del cielo lleno de fuegos artificiales, el día está a punto de desaparecer y un gran velero está estacionado tranquilamente en una media sombra gris; . Ésta es la intuición de un visionario. En esta atmósfera llena de humo, sol poniente y melancolía, Monet parece ser la vida de la luz, participando directamente en su extinción gradual. Este fue un período fructífero en la creación de Monet, y fue él quien creó la leyenda del color.
Gare Saint-Lazare Pintado en 1877, "Gare Saint-Lazare" es un cuadro que muestra una estación de tren de París, una "impresión" real de una escena de la vida cotidiana. Monet quedó fascinado por el efecto de la luz que brillaba a través del techo de cristal sobre las nubes de vapor, y por las formas de las locomotoras y vagones que emergían del caos. Monet creía que los efectos mágicos de la luz y el aire eran los más importantes. Equilibró hábilmente el tono y el color de la pintura. Esta pintura expresa brillantemente poder, espacio, contraste y movimiento.
En 1883, Monet se instaló en Verny, donde construyó un pequeño jardín para poder pintar; plantó muchas flores de loto en el estanque, lo que le permitió descubrir la manera de realizar su programa. Dibuja algunas formas duras, agua y aire, intenta que se mezclen. El grupo resultante de pinturas "Nenúfares", "Fairy Pond, Rose Colored Harmony" es una de estas pinturas. Esta pintura refleja el deseo de Monet de integrar las cosas y a mí mismo, pero no tiene ningún patetismo.
Cualquiera que estudie el desarrollo de las actividades creativas de Monet encontrará que si el destino inicial contribuyó a la tendencia de desarrollo de Monet, entonces fue él mismo quien más tarde creó su destino. La razón por la que Monet se convirtió en el fundador del estilo "impresionismo" y fue reconocido por sus amigos como el "líder de la clase" es por la fuerte voluntad inquebrantable de Monet. Como todos sabemos, el Impresionismo significó un cambio en la forma de sentir y observar, no solo cambió la pintura, sino que también cambió la escultura, la música y la literatura, y aún hoy no ha perdido su influencia y nos sigue cambiando.
Currículum
Claude Monet (Claude Monet, 1840-1926) nació el 14 de febrero de 1840 en París, Francia. Su padre, Kurudo Adolov Monet, es un empresario.
En 1845, llegó a El Havre, un puerto del norte de Francia, y en aquella época iba a la escuela. Mientras estaba en la escuela, el único pasatiempo de Monet era la pintura, por lo que su rendimiento académico fue pobre.
En 1855, Monet ya era muy conocido en la zona. Sus caricaturas se exhibían y vendían en papelerías a un precio de 20 francos cada una. Un marchante de arte le presentó al paisajista Ou Boudin. Influenciado por Boudin, Monet se llenó de amor por la naturaleza y comenzó a aprender a utilizar pinturas al óleo y bocetos para pintar paisajes.
A partir de 1858, Monet comenzó a aceptar ideas pictóricas diferentes a las de la escuela académica de Boudin, aprendió y pintó cuadros de luz al aire libre y expuso una obra en la exposición de Rouen.
Llegó a París en mayo de 1859, donde conoció a Gustave Courbet (1819-1877) y Jean-Baptiste Camille Corot (Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875) y la creación de Edouard Manet (Edouard. Manet1832-1883).
En 1860, Monet ingresó en el Swisher College y practicó el dibujo del natural. Aquí entró en contacto con algunos pintores que luego se convirtieron en impresionistas, como Camille Pissarro (1830-1903). En el otoño del mismo año, Monet se incorporó al Afrika Korps francés para servir en Argel. Durante su servicio militar, el ejército le permitió pintar, y allí pintó un retrato de la esposa del capitán.
A principios de 1862, debido a una anemia, Monet regresó del campamento militar a su casa en El Havre para recuperarse. En ese momento, conoció al pintor holandés Qiong Kang y se dedicó a la creación junto con Qiong Kang y Boudin.
En 1863, aprovechando las vacaciones de Semana Santa, Monet llevó a sus compañeros pintores al bosque de Fontainebleau, cerca del pueblo de Barbizon, en los suburbios del sur de París, donde creó pinturas. Bajo la luz exterior, todos crearon una serie de obras al estilo Barbizon.
En 1864, Monet vino a Enfleur a pintar.
Aquí, dos pinturas de paisajes de Monet que representan el Sena, "Cabo Evo en Ebb" y "Puerto de Enfleur", fueron seleccionadas para el Salón oficial de 1865.
En 1866, el retrato a gran escala "La dama de verde" con su amante Camus como modelo se exhibió en el Salón. La pintura fue bien recibida por el crítico Emile Zola (1841-1902). s críticas positivas. En el verano del mismo año, "Mujeres en el patio" de Monet fue rechazada en el Salón de 1867. En el otoño de 1866, para evitar a los cobradores de deudas, Monet destruyó unas 200 obras y regresó a El Havre.
En 1867, Camus, que estaba embarazada, no fue tolerado por el padre de Monet y se quedó en París. Monet vivió en casa de su tía. Camus dio a luz a su primer hijo en julio y tuvo que pedirle a Baziyi en París que fuera su padrino para cuidarlo. En los años siguientes, Monet permaneció en El Havre y sus alrededores, pintando con Boudin, Joncamp y, a veces, Courbet. Durante este período, las limitaciones económicas y la vida eran difíciles debido a la tensa relación con su padre. Por esta razón, Monet alguna vez tuvo la idea de suicidarse.
En 1869, regresó a París y asistió a una reunión de artistas en el "Café de Gallebois". Quizás porque dejó la escuela muy temprano y se sentía inadecuado en educación, rara vez participó en debates. Para entonces ya era muy pobre.
En junio de 1870, Monet y Camus se casaron oficialmente. En septiembre, Monet confió a su esposa y a su hijo al cuidado de Boudin y se fue solo a Londres. Allí conoció a Charles-Francois Daubigny (1817-1878) y a Pissarro, y luego él y Pissarro pintaron en el río Támesis y en el parque. Mientras visitaba la galería de arte, quedó fascinado por las obras de los pintores británicos William Turner (1775-1851) y John Constable (1776-1837). Para encontrar un mercado para las obras de Monet, se reunió aquí con el marchante de arte Durand-Ruel, tras ser presentado por Daubigny. Esta persona expresó su simpatía por los pintores pobres y desde entonces los apoya económicamente.
A principios de 1871, el padre de Monet murió y él abandonó Inglaterra. Movilizado por Daubigny, llegó a Holanda y permaneció allí hasta finales de año.
En 1872, Monet creó la mundialmente famosa "Impresión del amanecer" después del amanecer y la exhibió en la Primera Exposición Conjunta de Pintores Impresionistas, que se inauguró el 25 de marzo de 1874.
Tras regresar a París en 1873, con la ayuda de Manet, Monet se instaló en Argenteuil, al norte de París. Y construyó un estudio a bordo del Sena. En este momento, también trabajaba con Alfred Sisley (1839-1899), Edouard Manet (1832-1883), Pierre-Auguste Reno A (Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919).
En 1875, Monet volvió a caer en dificultades financieras.
En 1876, en la segunda exposición conjunta, se exhibieron 18 obras de Monet.
En 1877, se celebró la tercera exposición conjunta en el taller de pintura de Durand-Rue, en la que se mostraban 30 obras de Monet.
Después de dar a luz a su segundo hijo en marzo de 1878, Monet se enfrentó a otro dilema.
Camus murió en 1879.
En 1880, el mar se convirtió en la nueva fuente creativa de Monet. En los años siguientes, Monet capturó los efectos instantáneos de luces y sombras muchas veces en la costa del Canal Inglés-Francés, Etotta y otros lugares, y creó una serie de obras que fueron más impactantes que antes. Llame a este período la "Era Etotta" de Monet, "El Acantilado de Etotta" y "El Manupte de Etotta" son dos obras de este período.
La Séptima Exposición Conjunta se inauguró el 1 de marzo de 1882. Había 35 obras de Monet en esta exposición.
Después de que Monet comenzó a establecerse en Zverny en 1883, nunca volvió a mudarse. Aquí se completaron muchas de las obras posteriores del pintor. La octava exposición conjunta de 1886 fue también la última en la que Monet no participó. Marcó la desintegración del movimiento impresionista.
En junio de 1889, para conmemorar el centenario de la Revolución Francesa, dos maestros, Monet y Auguste Rodin (1840-1917), realizaron una exposición de sus obras. La exposición conjunta incluyó 66 obras de Monet de 1864. hasta 1889, que obtuvo grandes elogios.
Después de 1890, Monet creó varios grupos de obras, a saber, "pinturas grupales".
En 1890-1891 creó el "Grupo de Pintura Haystack".
En 1891-1892 se creó la "Serie Álamo Blanco" utilizando el mismo método.
De 1890 a 1894 creó la "Serie de paisajes de Londres".
De 1892 a 1894 creó la "Serie de la Catedral de Rouen".
En noviembre de 1900, se exhibieron en la galería Durand-Rue 26 pinturas de "Nenúfares en el estanque" de Monet creadas a finales de los 80 y principios de los 90, lo que fue un gran éxito.
En 1904, se exhibió en la galería la serie recién terminada de pinturas sobre el paisaje del río Támesis.
De septiembre a diciembre de 1908, Monet y su esposa Aris viajaron a Venecia. Allí creó más de 30 obras.
En mayo de 1911, la segunda esposa de Monet, Aris, falleció antes que él. Monet cayó profundamente en el dolor y su vista se deterioró.
En 1914, el hijo mayor, de 47 años, lamentablemente murió después de una larga enfermedad. El ya avanzado Monet estaba aún más solo. Monet construyó un gran estudio con una longitud de 23 metros, una anchura de 20 metros y una altura de 15 metros en su patio, y comenzó a crear la serie de pinturas decorativas a gran escala "Nenúfares".
En marzo de 1922 decidió donar la pintura decorativa de gran tamaño terminada a su patria. El 12 de abril firmó la "Carta de Regalo". Pronto, el pintor casi pierde la vista debido a unas cataratas. En septiembre, el médico le prohibió pintar. Después del año nuevo, después de la cirugía, mi visión se recuperó un poco.
En 1925, el pintor de 85 años se quedó solo y se dedicó a la creación de murales de gran formato en el estudio y al aire libre. El 4 de febrero, ante las expectativas de la gente, finalmente se completó el mural a gran escala "Nenúfares".
El 6 de febrero de 1926, el día después de completar esta obra maestra, Monet falleció para siempre.