En primer lugar, la evolución y desarrollo en el período embrionario
1. Las oberturas italianas
El establecimiento de la sinfonía y las oberturas en trío de sonatas, conciertos y ópera italiana. En el Barroco existe una estrecha relación, especialmente con la Obertura italiana.
En "O'Flo", la primera ópera clásica italiana creada por el compositor italiano Monteverdi, había por primera vez una obertura interpretada de forma independiente por una orquesta. El compositor sinfónico italiano más importante del período Clásico Temprano fue Giovanni Sammartini. Desde la década de 1930 separó la obertura de la ópera de la ópera y la convirtió en una estructura de dos o tres movimientos. El primer movimiento tiene forma de trilogía o dúo ampliado, con una orquesta más pequeña, y algunas obras contienen elementos básicos de la forma sonata. La frase se compone de motivos breves y su estructura, textura y tema se aproximan al concierto barroco y a las tres sonatas.
2. Escuela de Música de Berlín
Un grupo de compositores que trabajaban en la corte de Berlín formaron un género musical porque creían en el "emocionalismo" y enfatizaban la expresión emocional. Las sinfonías más logradas fueron Johann Graun y Emmanuel Bach. Graun escribió casi 65.438.000 sinfonías. Las sinfonías de Immanuel Bach comenzaron en Berlín, y las mejores obras se produjeron después de que abandonó la corte de Federico II y llegó a Hamburgo en 65.438-0.786. Su contribución es utilizar la estructura de tres movimientos establecida por la sinfonía italiana para introducir temas comparativos en movimientos de estilo sonata, de modo que los dos temas del departamento de presentación estén realmente separados para expandir el departamento de desarrollo para desarrollar temas con medios dinámicos; para explorar audazmente nuevas armonías y crear nuevas armonías en el proceso de tejido. Los factores de contrapunto y la coherencia motivacional se agregan al cuerpo, para que la sinfonía tenga contenido serio, estilo dramático, cohesión emocional y unidad interna.
3. Escuela de Música de Mannheim
El checo J. Stamitz es el fundador de la Escuela de Música de Mannheim. Toda su escuela contribuyó de manera importante a la formación de la sinfonía clásica. dos aspectos: estructura musical y estilo de interpretación. Establecieron el formato estructural de cuatro movimientos de la suite sinfónica clásica, que incluye Allegro - Andante - Minuet - Finale. Hay dos temas contrastantes en el movimiento; preste atención a la melodía centrada en el violín, que es principalmente la melodía principal; abolir la notación del "continuo" de la banda barroca y escribir la partitura de todas las partes orquestales; dar importancia a los instrumentos de viento y aumentar el color de la música; organizar cuidadosamente el fortalecimiento y debilitamiento gradual del sonido, a menudo con repentinos estallidos de fortissimo y; un descanso para la banda.
La sinfonía de Mannheim no es tan profunda y emotiva como la música de Berlín, pero está cerca del magnífico estilo de Francia y la fresca vitalidad de Italia.
4. Escuela Sinfónica de Viena
Además de las tres principales escuelas de música mencionadas anteriormente, en Viena también han surgido varios compositores dedicados a la creación sinfónica. Ogier Moon fue el primer compositor que escribió una sinfonía cuyo minueto tenía un fuerte estilo folk. Las sinfonías de Yuri Christopher W. Guenther constan en su mayoría de tres movimientos y tienen un vivo estilo italiano. Hasta luego Carl. Dietersdorf fue un escritor prolífico. Debido a que dominaba el vocabulario de la ópera cómica, sus sinfonías son ricas en elementos melódicos, algunos de los cuales están tomados directamente de sus óperas, 65, 438 02 están basados en la "Metamorfosis" de Orwell. Cada movimiento tiene un título escrito y el primer movimiento de su sinfonía tiene una secuencia lenta. Gracias al fuerte apoyo de los compositores, la sinfonía clásica ha pasado a un nivel superior y se ha vuelto más madura.
En segundo lugar, el desarrollo del romanticismo temprano
1. Escuelas de música alemanas y austriacas
(1)65438 músicos alemanes y austriacos en la primera mitad del siglo IX. siglo .
Schubert es el fundador de la Sinfonía Romántica. En sus primeras obras no se apartó del patrón sinfónico clásico. Sólo en sus últimas obras maduras demostró claramente las características de la sinfonía romántica. Por ejemplo, en la sinfonía inacabada escrita en 1822, Schubert utilizó una melodía "similar a una canción" como tema, reforzó el "estilo de canto sinfónico" y prestó especial atención a representar los cambios emocionales en el mundo interior. Esta obra se considera la primera sinfonía romántica del mundo y, por lo tanto, Schubert es conocido como el "fundador de la sinfonía romántica. Representada por él, formó la etapa inicial".
En la escuela, sus creaciones desempeñaron un papel en el impulso del desarrollo histórico de la música sinfónica.
Mendelssohn es otro representante de la música romántica temprana. Su contribución especial a la música sinfónica fue el establecimiento del género de la "obertura sinfónica principal" en los conciertos. Las dos sinfonías más famosas son la Sinfónica de Finglan y la Sinfónica Italiana. Especialmente en la "Sinfonía de Fingerland" se tocan cuatro movimientos de forma continua. Esta es también la innovación y creación de la estructura sinfónica por parte de los compositores románticos, y fue seguida por otros compositores como Schumann. El Concierto para violín en mi menor es la pieza más popular de la música sinfónica de Mendelssohn. Desde sus inicios, ha sido uno de los conciertos más famosos del mundo. Creó y marcó el comienzo de una nueva etapa histórica del concierto romántico. Este concierto es famoso por su perfecta unidad de canto lírico y forma estructural, y sus tres movimientos también se tocan de forma continua. Esta estructura se convirtió en uno de los principios en evolución de la música sinfónica romántica de múltiples movimientos.
Schumann heredó y desarrolló los logros de Schubert, Mendelssohn y otros en la creación de música sinfónica. Aplicó el drama de la interpretación sinfónica y orquestal a otras creaciones musicales, enriqueció los elementos de variación en la forma sonata y desarrolló la estructura de esta forma. Compuso cuatro sinfonías y una "Obertura para Orquesta" utilizando música dramática a lo largo de su vida. En sus sinfonías, el drama y la contradicción son relativamente escasos, pero el lirismo es fuerte. A través de descripciones de la naturaleza y escenas animadas de la vida de la gente, expresó emociones alegres y brillantes en el lenguaje musical de canciones y bailes, como la "Sinfonía de primavera".
② Músicos alemanes y austriacos en la segunda mitad del siglo XIX.
Berlioz estableció la "Sinfonía principal" romántica y creó varios tipos estructurales que eran completamente diferentes de las sinfonías anteriores. También fue un pionero en el uso de grandes sistemas de orquesta, y de sus obras surgieron muchas técnicas orquestales maravillosas y timbres extraños. Además, utilizó "temas principales" orientados a los personajes para expresar las ideas e imágenes de la obra, y estos factores originales se reflejaron en su Sinfonía fantástica.
Liszt creó un nuevo género y forma de música sinfónica: el título "poema sinfónico" con una estructura de movimiento único. Partiendo de elementos absorbidos de suites sinfónicas anteriores, los integró en una sola, que fue adoptada por muchos compositores sinfónicos. Su creación musical sinfónica también amplió la expresión del color y las técnicas armónicas de la música orquestal, e hizo muchos descubrimientos y creaciones novedosos. La melodía tiene un fuerte estilo musical nacional húngaro, que se refleja en sus trece poemas sinfónicos y dos obras sinfónicas.
2. Escuela Nacional de Música
La segunda mitad del siglo XIX fue el clímax de la revolución burguesa europea y la lucha por la independencia nacional de los países débiles. En esta historia nació el arte. Entre ellos, Frank, el fundador de la escuela de música folclórica francesa, Smetana, el fundador de la escuela de música folclórica checa, Grieg, el fundador de la escuela de música folclórica noruega, y la "facción poderosa" de la escuela de música folclórica rusa, todos hicieron Grandes aportes al arte de la música sinfónica durante este período. Un aporte enorme.
Las obras sinfónicas de Frank muestran a veces emoción y entusiasmo, pero también muestran su magistral sentido creativo, por lo que tuvo que crear un nuevo género. Por lo tanto, comenzó a experimentar con las Sinfonías n.° 35 y 38 y gradualmente estableció la forma sonata o rondó, así como la combinación de las dos formas: el movimiento final de la forma rondó. En esta época, aunque las suites sinfónicas clásicas habían sido estereotipadas o estilizadas, Haydn aplicó tratamientos diversificados y originales a las formas musicales. Su
Tercero, desarrollo
Mozart es un famoso músico de la Orquesta Sinfónica Clásica de Viena en Austria.
Durante su corta vida, escribió cerca de 50 sinfonías. En sus sinfonías maduras, su profundidad emocional, drama interior, estructura compleja y rica expresividad superaron ampliamente a sus contemporáneos y alcanzaron la vanguardia de la música del siglo XVIII. Sus logros en el campo de la música sinfónica son más llamativos que los de Haydn. Es un músico audaz e innovador. Superó a Haydn. Se puede decir que es mejor que su predecesor. Su música sinfónica tiene características propias y únicas, como el método de canto lírico en el tema de la música sinfónica. En algunas de sus obras posteriores también se expresaron los elementos trágicos y dramáticos de la lucha.
Beethoven fue un gran músico alemán y el representante más importante de la Escuela Sinfónica Clásica de Viena. Como un gigante de varios siglos, no sólo resumió los logros de la música clásica, sino que también dejó las tradiciones de la "música pura" y la "música de título" al romanticismo. La música sinfónica a lo largo del siglo XIX avanzó en los túneles que cavó. Su música sinfónica es parte importante de toda su creación musical. No sólo absorbió los logros artísticos de la ópera del siglo XVIII y antes, sino que también los aplicó hábilmente al estudio de música sinfónica IJ, enriqueciendo la música vocal de sus obras orquestales y, lo que es más importante, haciendo que la música sinfónica tenga fuertes contradicciones y contrastes. .
Dramático. Los temas y melodías de su música sinfónica tenían sus raíces principalmente en la música folclórica y la música revolucionaria francesa, absorbiendo también la "música popular" de la época. En sus obras sinfónicas, casi todos los medios importantes de expresión musical, como la melodía, el ritmo y la armonía, la polifonía, el género y la forma, son lo más innovadores posible. En forma de suite sinfónica de cuatro movimientos, Haydn y Mozart consideraron el tercer movimiento como un movimiento de música popular y lo escribieron en un minueto, que no profundizó el tema de la sinfonía. Sin embargo, Beethoven lo elevó a una posición importante y. Lo convirtió simplemente en un "entretenimiento" de baile. Además, también desarrolló la estructura de cada parte de la forma sonata, fortaleciendo especialmente el papel de la "parte de conexión" y la "parte final", y fortaleciendo el uso de la forma sonata en cada movimiento de la sinfonía.
La sinfonía clásica, a través de Mozart y Beethoven, ha logrado un desarrollo inicial. En la escuela de música germano-austriaca y en la escuela de música folclórica, por ejemplo, se utilizan hábilmente las técnicas de penetración de semitonos y motivaciones temáticas en los temas musicales. La melodía rompe la estructura simétrica y el formato de módulo repetido, se enrolla y se estira, aparece larga y larga. expresivo y rico en contenido. Los colores armónicos, las relaciones tonales están cuidadosamente dispuestas, la estructura general es sólida y firme, y cada detalle se desarrolla libremente, especialmente de forma creativa.
El principal logro de Smetana fue aclarar la dirección del desarrollo de la música nacional y crear el primer lote de excelente música checa en el siglo XIX, especialmente sentando las bases para el desarrollo de la ópera nacional checa y la poesía sinfónica. Su suite sinfónica de gran escala "My Motherland" utiliza hermosas melodías nacionales eslavas y diversas danzas en la música. En términos de técnicas creativas, también muestra que heredó la música sinfónica clásica y romántica y la combinó con su propio estilo nacional y personal. Combinado con habilidad. Seis de los poemas sinfónicos son ejemplos típicos de los materiales y técnicas creativas de los compositores de música nacional del siglo XIX.
Grieger no fue un compositor de obras musicales de gran escala, pero en algunas obras breves de música sinfónica mostró un estilo melódico con paisajes norteños, técnicas armónicas únicas y delicadas, y novedosos cambios de ritmo únicos y otras obras artísticas. características. Entre ellas, la suite orquestal más famosa, "Perla de oro", representa una imagen vívida y elegante con un vocabulario extremadamente conciso, logrando un efecto fresco, lírico y enérgico.
Los miembros de la "facción poderosa" rusa incluyen: Balakirev, Guy, Borodin, Rimsky-Korsakov y Mussorgsky, los tres últimos de los cuales son compositores. Hizo contribuciones destacadas a la música sinfónica.
Rimsky-Korsakov es uno de los compositores sinfónicos más famosos del mundo y goza de la reputación de "Maestro de la Orquestación Sinfónica". Es particularmente bueno utilizando la orquesta, la herramienta interpretativa de la música sinfónica, para describir y dar forma a diversas imágenes musicales vívidas, y resumió su experiencia en esta área en su obra representativa "Principios del método orquestal". Entre ellos, la mundialmente famosa suite sinfónica "Sheikh Ratchada" adopta el enfoque de tema a tema y lo combina con excelentes efectos de orquestación para hacer más colorida la música sinfónica originalmente excelente.
Borodin es uno de los compositores con mayor estilo nacional en Rusia. Rara vez citaba canciones populares directamente, sino que le daba a su música un reino épico ruso y un temperamento único, que se refleja en sinfonías y cuartetos de cuerda, géneros tradicionales raramente utilizados por otros compositores de música nacional, como sus "Soldados", Sinfonía No. 2 en mi menor, adopta la estructura de una suite sinfónica e incorpora técnicas y vocabulario muy originales, haciendo de esta obra una del siglo XIX con su rica imaginación y su vívido sentido del color.
Las obras de música sinfónica más famosas de Mussorgsky incluyen: "Fantasia Night on Bald Mountain" y "Symphonic Picture Exhibition". Este último utiliza descripciones de personajes, costumbres de vida, cuentos de hadas, epopeyas y otros géneros en la música para piano, e introduce mucho vocabulario novedoso, como canciones campesinas, coros folclóricos, recitaciones cercanas al idioma, campanadas, etc. En definitiva, su lenguaje musical y sus técnicas de expresión son las más originales de la música rusa de su generación. No sólo hizo una enorme contribución al desarrollo de la música china, sino que también tuvo cierta influencia en la música occidental de finales del siglo XIX y principios del XX. siglos.
Conclusión
Se puede observar que la formación y desarrollo de la sinfonía clásica ha pasado por un largo proceso. La cuidadosa investigación de innumerables compositores, su originalidad en la música sinfónica y las técnicas creativas utilizadas en sus obras no sólo hacen que sus obras sean únicas, sino que también hacen que la sinfonía siga mejorando y desarrollándose a través de sus esfuerzos, convirtiéndose en una estrella en el mundo de la música actual. estrella brillante con una estructura enorme y un gran reparto.