La paloma de la paz de Picasso y la oposición entre su óleo "Masacre de Corea", "Guerra" y "Paz"
Los contenidos de guerra agresiva y elogio de la paz tienen características especiales en significado de sus creaciones. Después de la Segunda Guerra Mundial, surgieron en Europa occidental una serie de nuevas escuelas de pintura, como la mesa abstracta, que se originó en Estados Unidos y luego se extendió por toda Europa.
El Modernismo y el Realismo Fantástico se formaron en Austria, mientras que el Pop Art brotó en Inglaterra y se originó en Francia.
Tacitismo, arte accidental, arte conceptual, Op art, tendencias del body art, arte del paisaje,
Neoexpresionismo, etc. En resumen, la pintura modernista ha experimentado nuevos desarrollos, la pintura posmodernista ha alcanzado un clímax uno tras otro, la pintura realista tradicional todavía tiene su lugar y ha surgido una nueva situación de diversidad.
Pintura Surrealista
El surrealismo es un género artístico que se separó del dadaísmo después de la Primera Guerra Mundial.
La escuela, que absorbió el concepto antitradicional de creación automática del dadaísmo, pero también abandonó el prejuicio del dadaísmo de negarlo todo. Bajo la influencia de la teoría del subconsciente de Freud, enfatiza las combinaciones accidentales, los descubrimientos inconscientes y la reproducción verdadera de los sueños, e integra el concepto de realidad con el instinto, el subconsciente y la experiencia onírica para lograr un estado absolutamente surrealista. Sus técnicas son el realismo, el simbolismo y la abstracción. Después de la década de 1930, surgió en esta época el surrealismo, y las figuras representativas en Francia fueron Fortrill y Toussaint. Toussaint fue un defensor del dadaísmo. Una vez escribió "Mona Lisa con barba" y es conocido por expresar su desdén por la famosa pintura que mucha gente admira. En esta época también se convirtió en un activo partidario del surrealismo. Italia tiene Cala y Chirico. En Alemania, Early y otros también crearon obras relativamente buenas. Las pinturas surrealistas también hicieron grandes contribuciones al revelar la connotación de las obras y revivir estilos exóticos cuando prevalecían el cubismo y la abstracción, enfatizando la prioridad del modelado e ignorando el contenido de las pinturas.
Hay dos ramas del Surrealismo. Una es el Surrealismo absoluto, que está dominado por acciones inconscientes que no están controladas por la conciencia. Aunque sus obras son hasta cierto punto visuales, se acercan a rasgos abstractos y sus creaciones enfatizan el azar o los movimientos automáticos. La figura representativa es Milo de España. Sus pinturas están llenas de humor fantástico y el mundo de fantasía es bastante vívido. Las plantas, los animales e incluso los objetos inanimados de sus obras están llenos de vida y parecen más reales que los objetos reales que los rodean. Otros artistas incluyen Masson, Matta y otros. Otra rama se llama surrealismo. Este género muestra principalmente escenas u objetos reconocibles, centrándose en descripciones detalladas de las cosas. Pero, en general, rompe con la estructura natural de los objetos, representa la deformación de los objetos de manera fantástica y los combina en cosas en los sueños, creando imágenes inconscientes que no están controladas por la razón. Entre las figuras representativas se encuentran Salvador Dalí de España y Magritte y Devore de Bélgica. Las obras de Dalí a menudo muestran sueños espantosos o atmósferas inquietantes y tranquilas, y le gusta utilizar imágenes dobles u ocultas.
El mundo pictórico de Magritte está lleno de diversas ilusiones de asuntos triviales cotidianos. Es bueno para exagerar sentimientos espirituales repentinos y crear imaginación alucinatoria.
Pintura abstracta
La pintura abstracta es muy popular en Europa. La abstracción, o arte abstracto, no es una sociedad con manifiestos y programas, sino una corriente y escuela artística que se opone a la imitación de las formas naturales y aboga por la expresión abstracta. Su característica es que no representa objetos específicos, sino que expresa diversas emociones a través de líneas, colores, bloques, formas, composiciones y otros medios, despierta la imaginación del público e ilumina el pensamiento de las personas. Hay dos tipos de arte abstracto: uno consiste en simplificar y deformar formas naturales para formar una imagen muy simple y general.
Se trata de una composición geométrica que no se basa en formas naturales. La primera pintura abstracta fue creada por Kandinsky en 1910. Antes de la Segunda Guerra Mundial, además de Kandinsky, el representante del arte abstracto era el holandés Mondrian. El arte abstracto que enfatiza la expresión emocional como Kandinsky se llama abstracción lírica o abstracción caliente; el arte abstracto que expresa pensamientos como Mondrian se llama abstracción conceptual o abstracción fría. Después de la Segunda Guerra Mundial, la abstracción no sólo se hizo popular en Europa, sino que también se desarrolló. En 1952, el crítico de arte francés Tapie utilizó por primera vez la palabra "tahismo" para resumir la obra, que era un nuevo estilo de arte abstracto. Tahi significa manchas y manchas. El taschismo, por otro lado, es una pintura formada por manchas accidentales y bloques de color. Artistas franceses como Atland, Buren, Mathier, Aller, Dubuffet, etc. Fue un pintor abstracto tahitiano. En este momento, los artistas que tuvieron logros sobresalientes en el arte abstracto, como los británicos David y Nicholson, "Repainting Silence" y "Snake" de Huo también eran obras abstractas. Después de la década de 1960, recurrió al estilo realista. Durante 1948, Gran Bretaña, Francia y Estados Unidos celebraron la primera exposición de arte abstracto en Berlín Occidental. Los artistas alemanes jóvenes y de mediana edad están explorando activamente el arte no tradicional, derribando el muro entre el arte alemán y el arte europeo y americano que se formó después de que los fascistas llegaron al poder, y alineando el arte alemán con el arte europeo y americano. Entre ellos destacan Walters, Hatton y Winter, pintores destacados del arte abstracto. Entre las pinturas abstractas europeas contemporáneas cabe mencionar en particular al pintor franco-chino Zhao Wou-Ki (1921-). En 1951, vio las obras de Klee en Suiza, lo que le despertó la idea de que los antiguos jeroglíficos chinos evolucionaran hacia símbolos como conceptos artísticos. Absorbió la tradición de no buscar similitudes en las pinturas chinas, lo que le dio un nuevo avance en su creación. a finales de la década de 1950, formando su estilo único.
Arte pop y otras artes afines
Pop es la abreviatura de la palabra inglesa, que significa arte popular y arte popular. Se originó en el Reino Unido en 1952 y posteriormente se hizo popular en. Europa y Estados Unidos. El arte modernista evita la presión de la civilización urbana y se opone a la cultura de consumo mecanizada y deshumanizada. Los artistas pop creen que la civilización urbana creada por las masas es un material excelente para la creación de arte moderno. Ante el impacto de la civilización comercial, los artistas no sólo deben prestar atención, sino también convertirse en cantantes de la cultura popular. En 1956, Hamilton exhibió "POP" en la exposición "This Is Tomorrow".
¿Qué hace que las familias de hoy sean tan diferentes y coloridas? Considerada la primera obra de arte pop, la Exposición de Arte Juvenil Contemporáneo se celebró en 1961, que demostró el poderoso impacto del arte pop. Figuras representativas del arte pop británico incluyen a Paolozzi, Tilson, Honeyco, Smith, Jones, etc. El representante de los artistas pop franceses debería recomendar a Reiser. Aunque el arte pop es principalmente británico y estadounidense, su influencia es muy variada. En general, se cree que el arte accidental y el arte colectivo son dos ramas del arte pop que enfatiza la conexión entre el arte y la vida.
Así que prestamos atención a las personas que nos rodean y a la cultura popular. El ensamblaje es el arte de recolectar, reorganizar y dar un nuevo significado a los productos de desecho de la civilización mecánica y del consumo de todos. Las colecciones de obras de artistas suelen incorporar productos existentes como latas, botellas de plástico, restos de máquinas, etc. , producir obras de arte visibles y modulares en formas bidimensionales o tridimensionales, y organizarlas en ambientes interiores y exteriores para producir sentimientos espirituales, esto es arte ambiental.
Combinar el arte con la naturaleza, confiar directamente en los paisajes naturales en lugar de los medios tradicionales de las artes plásticas, o estructurar o modificar ligeramente la naturaleza para que las personas puedan prestarle atención y obtener de ella una experiencia estética inusual es lo que significa "land art". en Europa figuran los franceses Alman y Sieza, los alemanes Shi y Elmeister, los españoles Serrano y Chiguida, el italiano Casella y otros. Algunas de sus obras son pinturas y otras esculturas, pero muchas veces son difíciles de clasificar de manera tradicional.
El arte accidental surgió en los años 60. Es un arte que expresa eventos accidentales u oportunidades inesperadas, presta atención a los procesos de comportamiento de las personas y revela las reacciones instintivas de las personas. Es la continuación y el desarrollo del arte del collage y del arte ambiental. El arte del collage y el arte ambiental también se basan en materiales materiales, mientras que el arte incidental enfatiza las oportunidades de actividad. Las actividades artísticas se basan en la improvisación y, a menudo, se convierten en representaciones sin argumento, y el cuerpo del artista también puede utilizarse como material escénico para integrar el arte y la vida, por lo que también se le llama "arte escénico". Por ejemplo, el pintor francés Mathieu se puso una armadura para una representación pictórica y llamó a su actuación en el lienzo "Batalla medieval". Otro pintor francés, Klein, salió por la ventana del segundo piso, estiró los brazos, equilibró su cuerpo y saltó en el aire a riesgo de morir y resultar herido. Se trataba de una obra de "pintura" creada con su propio cuerpo. En 1970, la organización artística "Lingshe" también apareció en Francia, presentando su arte en todas partes.
El arte conceptual es un arte que evolucionó gradualmente desde el arte accidental y el arte ambiental en los años 1960. Rechaza el modelado del arte tradicional y cree que la verdadera obra de arte no es la forma material creada por el artista, sino una combinación de ideas o conceptos. Dado que el público no puede obtener más información de las obras físicas que el significado de conceptos y eventos, los artistas conceptuales utilizan gráficos, descripciones de texto, videos e incluso sus propios cuerpos como medios para demostrar la formación, el desarrollo y la variación de conceptos, permitiendo al público pasar. a través de estas Formas y completa la configuración de la obra de arte en tu propia mente. Entre las figuras representativas se encuentran el francés Armand, el holandés Brown, el italiano Manzoni, el británico Anat, Birkin, Clark, Hilliard y otros. El primer arte conceptual utilizó el lenguaje como medio, inspirado en la "Primavera" realizada por el artista dadaísta Dusan utilizando un urinario, y sus técnicas de expresión se hicieron cada vez más ricas. Por ejemplo, Armand realizó una exposición individual en París en 1960, y las exhibiciones eran dos camiones de basura; la exposición de Brown tenía un título que decía "Todas las zapaterías de Ámsterdam realizan exposiciones de mis obras".
El arte corporal es el arte que utiliza el propio cuerpo del artista o el cuerpo de otros como medio para crear arte.
Cirugía. Surgió a partir del arte incidental, una rama del arte pop, que no describe eventos ni expresa los sentimientos del artista. Es simplemente un registro en vivo de actividad física sin personalidad. El público puede experimentar el trabajo del artista observando el proceso de actuación. En 1961, el artista francés Klein pidió a dos modelos femeninas, cubiertas con pintura al óleo, que se arrastraran y rodaran sobre el lienzo para pintar. Este fue el preludio del arte corporal europeo. A partir de entonces, el arte corporal se hizo popular en Europa. Cuanto más extraño se volvió, más popular se volvió.
El arte pop y sus combinaciones relacionadas, el arte accidental, el arte ambiental, el land art,
el arte escénico, el arte conceptual y el arte corporal pertenecen a la categoría de posmodernismo. Hay muchas similitudes entre ellos y a veces es difícil definirlos porque están mezclados. Sólo porque aparecen en momentos ligeramente diferentes o tienen enfoques ligeramente diferentes, sus nombres tienden a ser diferentes. Estas artes todavía están evolucionando.
Neoexpresionismo y otras artes
Se trata de una escuela de arte que surgió en Europa en los años 1980. Apareció por primera vez en Alemania en 1980 y causó una gran conmoción en los círculos artísticos europeos y americanos. Sobre la base del expresionismo pasado, el neoexpresionismo absorbió algunas técnicas de la escuela de arte posmoderna, como la organización jerárquica de la pintura de campos de color, la expresión directa del arte de nicho y la imagen del arte pop, utilizando el lenguaje de la pintura para transmitir fuertes emociones. Se caracteriza por la búsqueda de la libre expresión, la libre asociación y un fuerte sentido de franqueza e inocencia. De hecho, es un contraataque contra la debilidad de algunas escuelas de arte posmodernas que carecen de personalidad y emoción, y es el desarrollo del arte realista en nuevas condiciones históricas.
La figura representativa es Bazlitz de Alemania. Sus obras son no asociativas, llenas de imaginación y de colores brillantes. Incluso representa personajes agachando la cabeza para expresar sus emociones libremente. En forma de fantasía libre, las obras del punk son buenas para expresar fuertes actividades internas, y todo el panorama es infantil. Polke utilizó el arte pop para combinar pintura y escultura. Las obras de Immendorf dan a la gente una sensación de fantasía en su conjunto, pero son realistas en los detalles. Los estilos neoexpresionistas también son diversos y generalmente reflejan la personalidad del artista.
Pintura Realista
Europa tiene una tradición de realismo. Durante las décadas de 1930 y 1970, hubo una fuerte tendencia de pintura realista centrada en Francia, siendo la figura representativa el francés Courbet. Desde el siglo XX, mientras la pintura modernista se ha vuelto cada vez más común, el realismo ha seguido brillando. En Gran Bretaña, los representantes del realismo o del realismo social incluyen a Bratby, Smith y otros. Inicialmente, Huo estaba interesado en la abstracción, pero después de la década de 1960, también recurrió al realismo. A menudo utiliza fuentes de luz y luz como objetos de descripción, y representa personajes y accesorios de manera realista y vívida. El francés Forgeron es una figura representativa de la escuela de pintura del realismo social. Ya en 1936 continuó publicando obras que mostraban la vida y las luchas de trabajadores, campesinos, soldados y ciudadanos, como el óleo "Calles de París 1943", que exponía la trágica vida durante la ocupación nazi.
En la década de 1950, vivió en una mina de carbón en la provincia de Noor durante un período de tiempo y creó una serie de 12 pinturas llamadas "Mining Country", que utilizaba pinceladas profundas y severas para expresar el dolor, la lucha y el sufrimiento de los trabajadores en el duro entorno que esperan. Heredó las técnicas tradicionales de pintores realistas como Courbet, y también absorbió algunas técnicas modernistas, dando a sus obras un estilo único. Hasta los años 1970 y 1980, todavía exhibía un gran número de obras ante el público, como "Subway - Work - Sleep" (1978). El famoso pintor Gerlai fue originalmente un maestro de la abstracción. Después de la Segunda Guerra Mundial también creó obras realistas. A principios del período de posguerra, aparecieron en Alemania obras realistas que describían los desastres de la guerra y detestaban los males del fascismo, pero pronto recurrieron a las pinturas modernistas. Después de la década de 1960, el realismo desató un auge de resurgimiento, representado por Stark, Immendorff, Kiefer y otros. Una parte considerable de las obras de posguerra de Gross expusieron regímenes autoritarios, morales corruptas y la crueldad y el horror de la guerra en forma de cómics. También es evidente el contenido realista de la obra de Dix.
Entre los pintores realistas europeos contemporáneos, Guttuso (1912-1987) ha logrado logros destacados. Durante 1943-1945, publicó dibujos y bocetos exponiendo los crímenes de la ocupación fascista nazi. En 1946, firmó un manifiesto con 11 artistas, entre ellos Cascina y Corpora, y lanzó el Frente de Arte Nuevo, expresando su insistencia en el realismo y el humanitarismo. Sus obras siempre se centran en cuestiones prácticas que interesan a la gente y expresan un pensamiento profundo. Como Ocupación del páramo siciliano, Seminario (1960), Funeral de Togliatti, etc.
Hay muchas escuelas de pintura en Europa Occidental. Además, existen el expresionismo abstracto, el neodadaísmo, el neoabstractismo, etc. Se puede decir que hay escuelas de pintura en el Occidente contemporáneo y también hay escuelas de pintura en Europa. Es difícil presentarlas una por una. Pero el contenido anterior es suficiente para resumir las características básicas de la pintura europea contemporánea.
(2) Pintura de Europa del Este
Las pinturas de la antigua Unión Soviética tienen una profunda tradición y son modernas en el impresionismo, el expresionismo y el futurismo.
Cuando la pintura surgió en Europa Occidental, apareció una especie de pintura constructivista en la Rusia soviética. Kandinsky, el fundador de la pintura abstracta, fue un pintor ruso. Sin embargo, después de la Revolución de Octubre, la Unión Soviética criticó el formalismo, el constructivismo y otras escuelas de pintura, y estipuló que el realismo socialista era el método creativo para toda la literatura y el arte. Durante mucho tiempo después, la pintura realista se convirtió en la corriente principal de la pintura soviética. Otras escuelas de pintura, especialmente la pintura modernista, casi desaparecieron en la Unión Soviética.
En la actualidad, las pinturas en la antigua Unión Soviética son principalmente pinturas realistas, que se pueden dividir en dos períodos según la década de 1960. Las pinturas del período anterior tienen características diferentes.
En 1941, el fascismo alemán lanzó un ataque a gran escala contra la Unión Soviética, y la Unión Soviética entró en el período de la Guerra Patriótica Nacional. Los artistas, sin excepción, se dedicaron a defender la patria y crearon una gran cantidad de carteles.
La mayor parte del contenido está contra la guerra, defendiendo la patria, alabando a los héroes y promoviendo la unidad contra el enemigo. , que está lleno de noble patriotismo. Tiene un color distintivo de la época y una tenaz efectividad en el combate. Durante algún tiempo después de la guerra, los carteles con este tema siguieron ocupando un lugar destacado. Sus representantes son Ivanov y Prokov.
Ivanov creó más de 100 carteles y obras como "Por la paz" (1950) de Prokov se hicieron populares. Además, las pinturas al óleo que reflejaban el gran entusiasmo revolucionario del pueblo soviético, especialmente las pinturas al óleo con temas militares, también lograron logros destacados. Figuras representativas incluyen a Moiseyenko, Krivonogov, Neplintsev, etc. Las pinturas históricas y de género incluyen "Representantes campesinos visitan a Lenin" (1950) de Serov, "Temporada de siega" de Plastov (1945) y El grano de la pintora Yablonskaya (1949).
Este tipo de obras son representativas.
Después de 1960, las pinturas en la antigua Unión Soviética todavía eran principalmente realistas, pero hubo nuevos cambios en el estilo y el estilo. La manifestación más destacada es la aparición de un realismo estricto y un estilo pictórico serio. La escuela de pintura de estricto realismo aboga por la extracción de materiales de la vida cotidiana para expresar las costumbres de vida y la perspectiva mental de la gente común. Entre las figuras representativas se encuentran Korzhev, Tkachev y otros. Entre las figuras representativas de la pintura de estilo serio se encuentran Popkov y otros. Desde la década de 1950, con la prosperidad económica de la Unión Soviética y el debilitamiento de la atmósfera democrática, ha habido una mala tendencia en los círculos pictóricos soviéticos de embellecer la música, blanquear la paz e incluso halagar. Las obras son hermosas, erráticas y vacías. . En esta época surgen en el mundo de la pintura los pintores de la "generación de los 60", intentando corregir las carencias de la época. Por tanto, el estricto realismo y el estilo estricto que defienden están dirigidos a los malos hábitos antes mencionados y tienen una evidente combatividad.
En la década de 1970, un grupo de artistas se inspiró en el Renacimiento europeo y el arte popular ruso para crear imágenes que combinaban realidad e ideales, formando un auge de la pintura neoclásica. Por ejemplo, "Tarde", "Florencia antigua" (1973) y "Lino" (1977) de Yablonskaya están llenas de idealización y romantización. Son la cristalización de su fuerte interés por el arte clásico y se nutren de ellos, un intento. para seguir los clásicos.
En la década de 1980, la sociedad de la antigua Unión Soviética se abrió aún más. Abundaron las pinturas modernistas occidentales y, como resultado, un gran número de artistas soviéticos viajaron al extranjero para realizar visitas e intercambios. El arte modernista aumentó día a día en el mundo de la pintura soviética, rompiendo el antiguo dominio de la pintura realista.
Las pinturas de la antigua Unión Soviética se han adherido durante mucho tiempo al método de creación realista, con temas distintivos, contenido profundo y estilos ricos y coloridos. Como pinturas al óleo, pinturas gouache, grabados, mosaicos, pinturas de propaganda política, retratos, pinturas de paisajes, cómics, ilustraciones, etc. , varias pinturas incluyen obras maestras de artistas famosos que han atraído la atención mundial. Moiseenko es famoso por sus pinturas al óleo, entre ellas "Victoria" (1972) y "Song" (1980). Kiblik, Shmarinov y Prokov son grabadores famosos y sus obras "Ah, This is America" (1949) e "International News" (1968) son de renombre mundial. Los mosaicos de Deineka también son destacados y las pinturas de la sala de conferencias del Kremlin son sus obras representativas. Saryan es conocido por su gran interés en pintar retratos de intelectuales. Melnikov tenía amplios intereses en el arte. Además de ser bueno pintando Xiaoxiang, sus pinturas históricas, pinturas de género, pinturas de paisajes y grandes murales son muy distintivas. Sus principales obras son “En”
Seguridad en el campo (1950), Adiós (1975), etc. , muchos pintores de la Unión Soviética fueron maestros de la ilustración, como Favorsky, Gerasimov, Kiblik y Shmarinov.
Por "La empresa familiar Artamonov" de Gorky y "Guerra y paz" de Tolstoi.
Las ilustraciones causaron sensación en el mundo de la pintura y fueron consideradas obras maestras.
Las pinturas contemporáneas en Polonia, la República Checa, Hungría, Rumania y otros países también están dominadas por el realismo. "El proletario" (1948) del polaco Kowalski y "Before Tapping" (1954) del húngaro Domanowski son obras que expresan el tema de los trabajadores. Kule Cevic creó una gran cantidad de pinturas colectivas, como "Varsovia" (1945) y "Luchadores por la revolución y la paz" (1952).
Es un grabador polaco de fama mundial. El búlgaro Dimitrov Mestola ha estado profundamente involucrado en las zonas rurales durante mucho tiempo y es bueno en obras rurales, como "La muchacha búlgara" (1952). Los estampados búlgaros también son muy distintivos. Desde la década de 1960 hasta la de 1980, la atención se centró en los cambios y la exploración formales, con un estilo contemporáneo. Las figuras representativas de la pintura al óleo realista rumana incluyen a Barbareni y otros. Después de la década de 1960, las características nacionales se han vuelto cada vez más fuertes. Pintura checa, 1948. Después de la promoción oficial del realismo socialista, las obras modernistas que alguna vez estuvieron activas se redujeron considerablemente. Los artistas expusieron los crímenes nazis o mostraron una nueva vida, y sus obras se volvieron cada vez más ideológicas. En las décadas de 1970 y 1980, la pintura neorrealista era popular, con figuras representativas como Elodek y Fischalk. En estos países, como en la ex Unión Soviética, el arte de la pintura tomó un camino diversificado a finales de los años 1980.