Pequeños puntos de conocimiento sobre la historia de la música occidental 1. Quiero aprender algunos conocimientos simples de teoría musical en la música clásica occidental, como el tono, el timbre, etc.
Hablando de música clásica, después de ingresar a la universidad, no dudé en inscribirme en el curso optativo de apreciación de la música occidental, pero no esperaba volver a inscribirme cuando era estudiante de posgrado.
Al principio sólo conocía a Beethoven, Mozart y Tchaikovsky. Posteriormente, a través del estudio de cursos optativos, aprendí sobre grandes músicos como Strauss, Chopin, Vivaldi, Britten y Dvořák. Siento que la apreciación de la música clásica no es sólo la apreciación de la música en sí, sino también la apreciación y exploración de la connotación expresada por la música. A través del estilo y las características de la música clásica, podemos comprender el mundo interior y la personalidad personal de los músicos.
Así que es imposible que un músico sin connotaciones profundas escriba una gran obra, y en el mejor de los casos sólo puede llegar a ser excelente. Creo que esto es lo que un músico quiere lograr, expresar su comprensión de la vida, la sociedad y el arte al público a través de la forma de expresión musical.
Grandes obras nacerán cuando compitas para ti mismo, no para atender a la nobleza y al público, aunque a nadie le importe en ese momento. Por eso, cuando escucho música clásica, primero debo fijarme en el trasfondo y origen de la pieza.
De lo contrario, si sólo aprecias su melodía, es posible que no consigas nada. "Mozart" es la que más me emocionó y es digna de ser una película ganadora del Oscar.
La película destaca el genio de Mozart y los celos de Salieri (la película vilipendia a Salieri por su personalidad distintiva y sus contradicciones). Mozart tenía mucho talento musical. Cuando Salieri vio su manuscrito, quedó impactado. Mozart no hizo ningún cambio y nada se puede cambiar en aras de la perfección.
Salieri creía que Mozart no estaba componiendo música. Lo único que tenía que hacer era copiar los símbolos musicales en su mente. También lamentó por qué Dios no le había dado tal talento. Salieri estaba celoso de Mozart no sólo por su talento, sino también por la arrogancia y la confianza en sí mismo de Mozart, así como por su desprecio por el sistema tradicional dentro de la corte, porque siempre creyó que era el mejor compositor del mundo y no estaba sujeto a ninguna restricción ni control.
También está el "Réquiem" de Mozart, que es realmente una gran obra que estremece el alma. Muestra vívidamente el estado psicológico de Mozart durante su vida.
Hay impotencia, frustración, tristeza y condiciones psicológicas complejas que hacen que el oyente sienta lástima por ellos. ¡No es de extrañar que algunas personas digan que existen melodías tan tristes en el mundo! Se puede decir que Beethoven siempre ha sido una persona que lucha contra el destino.
Debido a su fea apariencia, fue rechazado varias veces por sus amadas mujeres, lo que fue un gran golpe para él. Su posterior sordera también demostró que no era el favorito de Dios. En tales dificultades, pudo crear obras como la "Novena Sinfonía", que refleja aún más la grandeza de Beethoven.
Ya sabes lo que significa ser sordo para un compositor. Así como un chef pierde el sentido del gusto, un pintor pierde la vista.
Fue Beethoven quien creó un pico sinfónico que no pudo ser superado por las generaciones posteriores. Por eso no se puede ignorar la música de Beethoven.
Invité a su pastoral, destino y noveno a la computadora. Luego está el maestro del vals Strauss. Se puede decir que sus "Blue Danube", "Vienna Woods", "Emperor's Waltz" y "Sound of Spring Waltz" son clásicos.
Fue también en ese momento cuando escuché la que creo que es la mejor sinfonía: "Nuevo Mundo" de Dvořák. Especialmente el majestuoso cuarto movimiento, no me canso de escucharlo.
En resumen, estoy muy agradecido de poder estar expuesto a la música clásica y estoy muy agradecido por la felicidad que me brinda la música clásica. Espero que más personas puedan compartir estas alegrías conmigo. ¿A ti también te gusta la música clásica? ¡Quiero ser tu amigo! ~.
2. Puntos de conocimiento sobre la historia de la música y el arte chinos y extranjeros.
Aquí hay un poco de historia del desarrollo chino y occidental, ¡mira si puede ayudarte!
La diferenciación e integración de "forma y espíritu" en la historia del arte chino y occidental
Enemigos eternos: "forma" y "espíritu"
"Forma" y "similitud espiritual" significa que uno debe tratar el objeto racionalmente; el otro debe tratar el objeto emocionalmente. Es un tema eterno en el campo de la pintura. Ante este tipo de problemas, es imposible aferrarse a él. Las cuestiones grandes y pequeñas son la clave para evitar perderse y el análisis dialéctico es la única salida del laberinto teórico.
En este artículo no tengo ni la intención ni la capacidad de comentar este eterno misterio teórico. Sólo quiero ordenar varios puntos de vista en un contexto coherente. La forma, como su nombre indica, significa similitud en apariencia. Pero este significado es diferente en diferentes ambientes (chino y occidental, antiguo y moderno...). En Europa occidental, en la antigua Grecia y en el Renacimiento, el estatus de las formas similares está relacionado con el éxito o el fracaso de la pintura. En la antigua China, el estatus del parecido físico era más sutil. Gu Kaizhi es un defensor de los aspectos físicos y espirituales. Dijo: "La vívida representación está ante tus ojos". Ha sido citada por las generaciones futuras a lo largo de los siglos. Más tarde, se incluyó en las "Nuevas Seis Reglas" de Xu Beihong. Esta tradición se mantuvo con éxito en las academias de pintura de la dinastía Song. Pero en esa época, la pintura de los literatos estaba en auge y se produjeron cambios sutiles en la forma en que se trataban formas similares. Bajo la iniciativa de Su Shi, la pintura se centró en la autoexpresión y persiguió la concepción artística y la semejanza espiritual, que fue ampliamente reconocida por los literatos. Wen Tong, Li Li, Zhao Lingrang, Mi Fu y su hijo siguieron la tendencia y la pusieron en práctica. El parecido divino se ha convertido en sinónimo del gusto por la pintura (el parecido aquí es diferente al de Gu Kaizhi. Esa es la diferencia entre el dios de las imágenes y el dios de las imágenes: el autor).
Así que el parecido está lejos de ser tan simple como la apariencia. En primer lugar, no solo es necesario captar el encanto del objeto, sino también agregar sus propios sentimientos a la obra de arte para que la obra de arte tenga sus propias ideas.
Me temo que el tema se hará cada vez más grande, así que me detendré aquí. Entra en la parte superior.
Parte 1: Una trayectoria histórica significativa
——Comparación de las "visiones de forma y espíritu" chinas y occidentales antiguas (modernas).
Siempre es interesante comparar la historia del arte chino y occidental, y es aún más significativo explorar las razones de sus diferencias.
Como se mencionó anteriormente, las imágenes se procesan de manera diferente en diferentes áreas. Pero hay una cosa en la que tanto China como Occidente están de acuerdo. Las primeras pinturas del arte chino y occidental son figuras humanas.
La pintura de figuras chinas se desarrolló a lo largo de las dinastías Qin y Han, y finalmente alcanzó su apogeo en las dinastías Wei, Jin, Sur y Norte. La preocupación de Gu, Lu y Zhang por la pintura de figuras influyó en el desarrollo de la pintura de figuras china.
Gu Kaizhi (346-407), originario de Wuxi, provincia de Jiangsu, era un hombre culto y talentoso. Era un visitante frecuente de Yixi Sanqi. Fue un pintor precoz. Cuando tenía veinte años, los murales del templo de Jiangning Wacoff en realidad "fotografiaron un templo, llenaron la garganta del donante y obtuvieron un millón de dólares" (las "Pinturas famosas del pasado" de Zhang Yanyuan citaron "La historia del templo de Shijing"), y la pintura se hizo famosa desde entonces. Su estatus es el más alto entre los tres milagros: "Si te gusta la belleza de una persona, puedes obtener su carne, sus huesos, su dios, sus milagros son incomparables y su cuidado es precioso. Obviamente, en Wei durante la dinastía Jin". , Los conceptos de la pintura china habían establecido profundamente que la expresión del "espíritu" era más importante que la expresión de la "forma".
Después de leer a Gu Kaizhi* * *, la primera persona en la pintura de figuras chinas. Basta con mirar el primer apogeo del arte figurativo occidental: el arte griego antiguo. La escultura es la parte más importante del arte griego. Encarna los ideales griegos de belleza, el extraordinario talento artístico y el estudio profundo del cuerpo humano. Muchas de las mejores esculturas son incomparables debido a su impulso majestuoso, imagen perfecta y estilo refinado. Durante miles de años, innumerables pintores y artesanos se han inspirado e influenciado por ellas, su vitalidad interior única y su encanto artístico aún irradian un brillo brillante hasta el día de hoy; .
La escultura en la antigua Grecia pasó por tres periodos.
Epoca antigua.
Como escultura antigua, suele datar del siglo VII. La mayoría de los retratos escultóricos de esta época eran figuras erguidas. En términos generales, no rompieron la forma estereotipada y las técnicas de peinado fueron bastante contundentes. No fue hasta el siglo VI que las habilidades artísticas de la escultura mejoraron significativamente, volviéndose más libres y dinámicas en el cuerpo humano y en la expresión dinámica.
En segundo lugar, el Período Clásico
El Período Clásico del arte griego comenzó hace 490 años. Un cuerpo fuerte, un espíritu alegre y una forma elegante y grácil son las mismas características talladas en el período clásico. Son la encarnación de los ideales heroicos de la gente de la época en que las ciudades-estado griegas derrotaron la invasión de enemigos extranjeros. y establecieron sus propios países poderosos; al mismo tiempo, se formaron las correspondientes normas de belleza.
En tercer lugar, el período helenístico
Después del pico de desarrollo en el período clásico, el centro de la escultura griega se trasladó al oeste de Asia Menor y a algunas islas del mar Egeo durante el período helenístico. . Durante este período se construyeron pocos templos magníficos. La atmósfera solemne y sublime se desvaneció gradualmente en las esculturas, mientras que la secularización tendió a desarrollarse. Pero en algunas obras excelentes aún se mantiene el espíritu del sabor clásico. Pero en el período posterior (representado por Laocoonte), la escultura había perdido su espíritu sublime.
Observa el arte escultórico de la antigua Grecia. Aunque también se hace hincapié en el espíritu humano y la ira. Pero encarna más claramente el espíritu científico.
La comprensión precisa de las proporciones del cuerpo humano (representada por la regla de oro) obviamente llevó al arte europeo por el camino del realismo. Esta diferencia se puede ver claramente al yuxtaponer las pinturas representativas de China y Occidente antes mencionadas.
¿Quién puede ayudarme a introducir la historia de la música occidental?
Nacido en Florencia, Italia, a finales de 2016 o principios de 2017. Nació de la mano de Vincenzo Galilei, miembro del Badi Court Camerata Club (que significa club o grupo pequeño), y Mei, un erudito florentino, basándose en una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas.
El contenido específico de la enseñanza de la historia de la música occidental incluye principalmente tres aspectos:
1. El desarrollo histórico y la evolución de la música occidental. Por ejemplo, la historia de la evolución del contenido y la forma de la música occidental, la teoría musical occidental y el origen y proceso de desarrollo de diversos géneros musicales, la carrera artística, las características de estilo y la influencia de los principales compositores e intérpretes;
En segundo lugar, Sociedad occidental La historia política, económica y cultural ha influido en el desarrollo de la música occidental y refleja el proceso histórico de la civilización occidental y las características de su espíritu humanista desde la perspectiva única de la música.
En tercer lugar, la interpretación musical y el método estético de la música. Por ejemplo, conocimientos básicos de apreciación musical, elementos de la música, diversas teorías y géneros, etc.
4. Ayúdanos a introducir tus conocimientos sobre música.
Música clásica, la traducción china es "música clásica".
Algunas personas piensan que "clásica" le da a la gente un sabor antiguo, anticuado y aburrido, por lo que cambiaron su nombre a "música clásica". Según la definición de clasicismo del Oxford English Dictionary: un estilo tradicional y serio que algunos llaman "música seria".
La música romántica es la continuación y desarrollo de la música clásica. Es un estilo musical o época de la historia de la música europea. La música de estilo romántico se centra en la expresión de emociones y contenidos, rompiendo las diversas limitaciones formales del período de la música clásica.
Música barroca El significado original de la palabra Barroco hace referencia a una perla de forma irregular, lo que tenía una connotación despectiva en la época. En aquel momento, la gente pensaba que su estilo ostentoso era una derogación del estilo renacentista, pero ahora, la gente ha reconocido el barroco como el gran estilo artístico de Europa. El nombre de música country surgió en los Estados Unidos en la década de 1920 y tiene amplios orígenes.
El contenido de las canciones de esa época, además de expresar la vida laboral, el disgusto por la vida solitaria y errante, el anhelo de un hogar cálido y tranquilo, cantando sobre el dulce amor y el dolor del desamor. Jazz El jazz se desarrolla a partir de canciones populares. Tiene muchas fuentes y no es fácil de estudiar detenidamente.
Durante el siglo XIX, la música fue un medio importante para que los esclavos negros de las plantaciones del sur de Estados Unidos expresaran sus vidas y emociones. Desde finales del siglo XIX, el jazz se basa en la música tradicional británica y estadounidense, integrando blues, ragtime y otros tipos de música. Es un producto "híbrido".
La forma más pura de rock and roll, el llamado rock and roll, es la combinación de golpes de tambor duros y continuos y una melodía hablada. El rock no es sólo una forma de música, sino también una "actitud y filosofía de vida", razón por la cual el rock es diferente de la música pop.
La verdadera cultura del rock puede al menos destilar ese microcosmos: cultura hippie, art rock, música punk, música de vanguardia, heavy metal, etc. El heavy metal, en pocas palabras, es música rock tocada con una intensidad extraordinaria.
La guitarra, elemento principal de este tipo de música, suena más fuerte de lo habitual y tiene sentido de venganza. Punk Punk es una fuerza musical anti-rock que surgió en la década de 1970.
Punk se traduce como "punk" en China continental; se traduce como "punk" en la provincia de Taiwán y se llama "colapso" en Hong Kong. En Occidente, punk significa (jerga) gángster, basura, * * *, abusador de menores, complejo de inferioridad, etc. en el diccionario (aunque su significado ha cambiado hasta cierto punto ahora).
Música soul. Soul es una fusión de gospel sureño y Rhythm and Blues del Medio Oeste, un resurgimiento de la música de adoración llevada al mundo del boogie-woogie del Rhythm and Blues.
De esta base fértil nació la música soul. La música soul se caracteriza por una dinámica decididamente secular y los sólidos ritmos de la música religiosa.
La guitarra dio paso en muchas ocasiones al órgano Hammond B-3, y se utilizaron algunos instrumentos de viento. Sin embargo, casi toda la música soul está marcada por la pasión y las voces altísimas, a veces salpicadas de algo de improvisación.
El nombre completo de R&b es Rhythm & Blues, comúnmente conocido como “rhythm and blues”.
En un sentido amplio, el R&B puede considerarse como "música pop negra". Se originó a partir de la música blues negra y es la base del pop y rock actual del oeste. La revista Billboard alguna vez definió el R&B como toda la música negra, excepto el jazz y el blues, que pueden clasificarse como R&B. Esto muestra cuán amplio es el alcance del R&B.
El hip hop y el rap, que han sido muy populares en el círculo de la música negra en los últimos años, se originaron en I + D, lo que ahorra muchos costos de investigación y desarrollo durante la investigación y el desarrollo. El componente B. HOUSE es una música de baile desarrollada a partir de DISCO en la década de 1980.
Esta es la música que pone el DJ de Chicago. Mezclaron un disco de la banda electrónica alemana Kraftwerk con el ritmo regular de una caja de ritmos y una canción de blues negro, y nació el House, generalmente traducido como música de baile "Shi Hao", es la forma más básica de música de baile electrónica. , con un ritmo de 4/ 4 tiempos, golpes de tambor, melodía sencilla. A menudo canta una voz femenina aguda. Después de que la música disco se hizo popular, algunos DJ la cambiaron para hacerla deliberadamente menos comercial. El bajo y la batería se vuelven cada vez más profundos, y muchas veces se convierte en una pieza puramente musical. Incluso si hay partes cantadas, en su mayoría son frases cortas cantadas por el cantante, a menudo sin una letra clara. Aunque BritPop tiene la palabra "Pop", en realidad es un tipo de música rock que se originó en el Reino Unido en la década de 1990. Puede traducirse como "rock británico" en chino. Es una respuesta de la escena musical británica a la tendencia de la música grunge estadounidense, principalmente en forma de bandas.
Sin embargo, el estilo del Britpop es en realidad muy amplio. Por ejemplo, Oasis es una banda de rock con guitarras, Blur tiene mucho pop y Pulp está cerca del glam rook y los estilos dance, pero todos lo son. clasificado como BritPop. Bounce es una música de baile británica/europea. Su nombre proviene de "Trip+Hip Hop" = Trip-Hop. Debido a que se originó en Bristol, Inglaterra, originalmente se llamó "Bristol Hip-Hop".
Gangsta Rap es un tipo de rap. El contenido está principalmente relacionado con el crimen urbano y está lleno de violencia y emoción. Es una dirección musical que refleja la realidad. Gangsta Rap surgió en los Estados Unidos a finales de la década de 1980. El género del rap musical fuerte y agudo es muy popular en los Estados Unidos y sus ventas de discos son muy buenas.
Synth Pop "Synth", o sintetizador, como su nombre indica, es "música pop producida por sintetizadores". Por supuesto, además de sintetizadores, también se utilizan computadoras, baterías y otros instrumentos electrónicos. El Synth Pop se hizo popular a principios de la década de 1980, pero luego quedó en silencio a mediados de la década de 1980, cuando surgió una moda en Hong Kong.
El Synth Pop se caracteriza por un fuerte sentido de la tecnología, y en ocasiones resulta bastante frío. La mayoría de las canciones son "pop de 3 minutos" y los músicos de Synth pop suelen vestirse muy a la moda. La orquesta es una orquesta dividida en cuatro grupos: 1 de cuerdas, incluidos violines y violonchelos, 2 de metales, 3 de instrumentos de viento y 4 de percusión.
Cada instrumento de la sección de cuerda es tocado por varias personas (excepto el arpa), y los cuatro grupos de intérpretes están coordinados y dirigidos por una persona, que es el director de la orquesta. El pop de cámara se refiere a la música clásica.
5. Cómo postularse para el examen escrito de revisión de profesores de música de escuela primaria y conocimientos básicos profesionales, principalmente música occidental.
Acabo de obtener mi certificado de calificación de maestro de secundaria el año pasado y aún no he revisado la teoría profesional, porque no hay forma de revisar esto, así que tengo que confiar en mi acumulación diaria. La proporción de historia de la música occidental e historia del alto no es muy grande y solo aparece en preguntas de opción múltiple. Lo más importante es la redacción del último gran tema, el plan de lección.
Hablando de esto, ¿por qué dije que no puedo revisar? Si observa las preguntas reales de años anteriores, encontrará que hay demasiados puntos para probar este conocimiento básico y no hay nada que probar una y otra vez. Algunos conocimientos básicos como "¿Quién es el compositor de la Cantata del Río Amarillo" no se evaluarán en absoluto, por lo que mi sugerencia es centrarse en las grandes preguntas. Compra cualquier libro y explora la historia de la música.
Por ejemplo, un tema que me impresionó profundamente este año se llama "Cuarteto de cuerda". Sí. ¿Quién es el autor de "Oda"? Entre las opciones se encuentran compositores chinos contemporáneos como Tan Dun y Guo Wenjing. ¿Cómo revisar este tipo de preguntas? Por lo tanto, estos dependen principalmente de la acumulación y realmente no tienen mucho efecto más adelante. La inversión y el retorno no son proporcionales.
6. Historia del desarrollo de la música occidental
1. Música griega y romana antigua: Sabemos muy poco sobre la música de este período porque quedan muy pocas partituras.
El origen de la música griega antigua está relacionado con el culto a los dioses y con los mitos y leyendas. La palabra "música" proviene de "Musa", la diosa encargada del arte en la mitología griega antigua.
Los famosos dioses Apolo, Atenea y Dioniso son todos dioses del arte y se dice que crearon la música. La música griega antigua se utilizó ampliamente en actividades religiosas y también jugó un papel importante.
En la antigua Grecia, las arpas y los violines eran los principales instrumentos musicales. Fueron inventados y poseídos por diferentes dioses, por lo que a menudo se asociaban con la adoración de diferentes dioses. La lira es un instrumento de cuerda que se utiliza principalmente para acompañamiento solista, interpretación épica y canto, y a menudo se asocia con la adoración de Apolo. Fue el principal instrumento utilizado en los rituales dedicados a Apolo.
Afrodita es un instrumento de viento utilizado frecuentemente para adorar a Dioniso, el dios del vino. En los conceptos culturales occidentales modernos, la música de lira y el culto a Apolo, así como la música de Afrodita y el culto a Dioniso, se han convertido en símbolos de una música con dos personalidades opuestas.
El primero es un estilo apolíneo tranquilo y sobrio, mientras que el segundo es un estilo dionisíaco indulgente y romántico. A menudo se combina con poesía, danza y teatro, y en ocasiones se acompaña de instrumentos musicales al cantar.
2. La música medieval comenzó en el siglo V d.C. y finalizó en el siglo XIV d.C., que fue el período más largo de la historia de la música occidental. La música medieval era principalmente música religiosa cristiana y la música folclórica secular no se tomaba en serio.
El poder de la iglesia es mayor que el del estado y otros grupos sociales. Todas las ideologías sociales, incluidas diversas artes y filosofías, deben servir a la iglesia. Durante este período, los himnos e himnos circularon ampliamente en los servicios religiosos.
El concepto de “Art Nouveau” proviene de un artículo del obispo, poeta y músico francés Philippe Vitry.
Este concepto rápidamente tuvo una amplia difusión, lo que indica que en aquella época surgió una nueva corriente musical, diferente del antiguo "arte antiguo" del siglo XIII. La principal característica del "arte nuevo" fue una secularización sin precedentes de la creación musical. Los compositores combinan la polifonía religiosa con el vocabulario musical secular para explorar nuevas posibilidades en la creación de formas musicales.
Adopte el método de notación de menor duración de nota y el método de notación rítmica es sistemático. El representante más importante del movimiento Art Nouveau fue Ma Xiao (1300-1377), y el representante italiano fue Landini (1325-1397).
La "Edad Media" en la historia de la civilización occidental alguna vez fue considerada una época oscura de ignorancia, pero hoy tendemos a juzgar este período de la historia con una actitud más objetiva. Desde una perspectiva musical, aunque la influencia de la iglesia en la música tiene su lado negativo, también tiene su lado positivo.
El énfasis de la iglesia en la música, sus esfuerzos por unificar los instrumentos musicales y la gran cantidad de mano de obra y recursos materiales invertidos en el desarrollo de la música promovieron el desarrollo de la música europea en la Edad Media y también dieron como resultado preservación relativamente mejor de los materiales musicales. La aparición de la polifonía y el órgano de tubos sentó una base sólida para el posterior desarrollo de la música profesional.
En tercer lugar, la palabra Renacimiento es francesa y significa "renacimiento". Este período de la historia occidental duró desde 1300 hasta 1650.
Este término refleja el escepticismo y la negación de la Edad Media y la admiración por la cultura antigua por parte de pensadores que estaban interesados en revivir el patrimonio cultural de la antigua Grecia y Roma. Sin embargo, este resurgimiento no fue una simple reproducción del original, sino la construcción de una nueva cultura y tradición reviviendo la esencia de la antigüedad, y sus logros pronto superaron la influencia de las antiguas Grecia y Roma.
En este movimiento, el "humanismo" es la corriente de pensamiento más influyente y el núcleo de este cambio. Los humanistas abogan por poner a las personas en primer lugar, alentarlas a expresar su humanidad y deshacerse de los grilletes de la divinidad, enfatizando que las personas son los amos de la sociedad y no los dioses.
Ellos alaban el amor humano por la vida y la sabiduría humana, y creen que el poder humano puede vencerlo todo. El Renacimiento generalmente se refiere al período comprendido aproximadamente entre 1430 y 1600. Los cambios en el campo de la música siguieron a los de campos como la literatura y la pintura.
Por un lado, la música del Renacimiento tiene una clara tendencia secular, por otro lado, todavía mantiene una estrecha conexión con la religión. 1. Escuela de Música de Holanda.
La Escuela de Música Holandesa hace referencia a un grupo de músicos de los Países Bajos de los siglos XV y XVI, distribuidos principalmente en Francia, Bélgica, Países Bajos y otras regiones nórdicas. 2. Música profana del siglo XVI.
En el siglo XVI surgieron algunas nuevas tendencias en la música de Europa occidental.
En varios países han surgido varios estilos nacionales de música, que son principalmente música vocal, entre los que se incluyen principalmente el madrigal italiano, el campeón francés, el lied alemán, el madrigal español y el romance, el madrigal británico y la canción de laúd, etc.
3. La música de la reforma religiosa corresponde al desarrollo de la música secular. La reforma religiosa del siglo XVI también trajo cambios profundos a la música religiosa. 4. Música del Período Barroco El período Barroco suele referirse a los 150 años comprendidos entre 1600 y 1750.
La palabra “Barroco” proviene del portugués, y su significado original es perlas irregulares. Originalmente era un término utilizado en los campos de la arquitectura y el arte, y luego gradualmente se utilizó en los campos del arte y la música. El nacimiento de la ópera es una especie de drama expresado a través de la música. Sus predecesores se remontan a las antiguas tragedias griegas, los dramas rituales medievales y las obras de misterio. 2. El desarrollo de la música instrumental Durante el período barroco, la música instrumental alcanzó una nueva posición prominente, formando una situación tripartita de música vocal, música instrumental y ópera. Por primera vez, la música instrumental estuvo en pie de igualdad con la música vocal. .
Una de las características más importantes del período Barroco es el uso extensivo del "continuo", que es una melodía principal y textura armónica diferente a la textura polifónica del Renacimiento. Se compone básicamente de melodía y. Compuesto con acompañamiento armonioso. Hay un bajo separado a lo largo de la obra, unos agudos ricamente decorados arriba, y el alto no está escrito y los intérpretes improvisan.
En el periodo Barroco se fueron estableciendo paulatinamente los sistemas tonales menores y menores y la música funcional. La notación también siguió mejorando; surgió la teoría de la "teoría de las emociones", creyendo que el objetivo principal de la música es despertar las emociones de las personas. Utilizan un género musical para expresar la emoción de la letra, como las notas altas que representan la luz.
7. El desarrollo de la historia de la música occidental se divide en varios períodos, así como las obras representativas de los períodos anteriores.
Nacido en Florencia, Italia, a finales de 2016 o principios de 2017. Nació de la mano de Vincenzo Galilei, miembro del Badi Court Camerata Club (que significa club o grupo pequeño), y Mei, un erudito florentino, basándose en una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas. El contenido específico de la enseñanza de la historia de la música occidental incluye principalmente tres aspectos: primero, el desarrollo histórico y la evolución de la música occidental. Por ejemplo, la historia de la evolución del contenido y la forma de la música occidental, la teoría musical occidental y el origen y proceso de desarrollo de diversos géneros musicales; la carrera artística, las características de estilo y la influencia de los principales compositores e intérpretes; en segundo lugar, la historia política, económica y cultural; de la sociedad occidental Ha influido en el desarrollo de la música occidental y ha reflejado el proceso histórico de la civilización occidental y las características de su espíritu humanista desde la perspectiva única de la música. En tercer lugar, la interpretación de la música y el método estético de la música. Por ejemplo, conocimientos básicos de apreciación musical, elementos de la música, diversas teorías y géneros, etc. , y la experiencia de desarrollo durante este período es la siguiente: La historia de la música occidental y el desarrollo de los géneros musicales han pasado principalmente por las siguientes etapas:
En primer lugar, se puede rastrear el origen de la música occidental. de regreso a la antigua llanura de Mesopotamia. La música en el período de origen se usaba principalmente para sacrificios y festivales en los templos, con evidentes connotaciones religiosas. Los sumerios, egipcios, hebreos y griegos antiguos contribuyeron al desarrollo de la música.
En segundo lugar, la Alta Edad Media y el Período Próspero
Este período es principalmente el período de la música monofónica, aproximadamente del 600 al 1300 d.C.
En tercer lugar, el período del "Arte Nuevo"
El período comprendido entre 1300 y 1450 d.C. fue la etapa de transición de la Edad Media al Renacimiento.
Cuarto, Renacimiento
De 1450 a 1600, el centro del Renacimiento estuvo en Italia, pero el centro de la música estuvo en Borgoña y Flandes en Francia. Durante este período, el auge de la música alemana y británica, la reforma de la música religiosa romana y la actividad de la escuela de música veneciana hicieron que los logros musicales de este período no fueran menores que los de otras artes.
Verbo (abreviatura de verbo) Período barroco
1600~1750, comenzando con Monteverdi y terminando con Bach y Handel. La época barroca es una época muy importante en la historia de la música occidental e incluso en toda la historia del arte. La música barroca es noble y conmovedora, más rica en contenido y más dramática que la del Renacimiento. En esta etapa se formaron inicialmente muchos géneros importantes de la música europea, como óperas, suites, sonatas, conciertos, oratorios, oratorios (grandes suites vocales), etc. Los gigantes de la música Bach y Handel llevaron la música barroca a un primer plano.
Sexto, el Período Clásico
La música clásica con el propósito de restaurar el estilo clásico de Grecia y Roma y la búsqueda de la belleza objetiva como contenido principal formó un clima en Haydn. , Mozart, Las destacadas obras de tres músicos de Beethoven inspiraron la historia de la música. Este período se convirtió en la época dorada de la música instrumental, con la creación de numerosos conciertos para piano y violín. El establecimiento de la forma sonata se considera representativo de los logros de este período.
7. Periodo romántico.
El género musical romántico es un "tesoro" en la historia del arte humano. Este período no sólo produjo grandes músicos, sino que la variedad de géneros musicales también fue sin precedentes, incluidas canciones sin letra, nocturnos y. canciones de arte., canciones narrativas, poemas sinfónicos y otras formas novedosas y singulares. Este género musical que presta más atención al contenido musical hace que algunos factores no musicales dominen la música. La música romántica fue perfeccionada por Mendelssohn, Schumann, Chopin y Verdi y alcanzó su apogeo en la era de Tchaikovsky, Liszt y Wagner.
8. Nueva Música
Este es el término general para la música del siglo XX. La música, como otras artes, ha comenzado a florecer en muchas escuelas. Las escuelas de creación musical conservadoras e innovadoras compiten entre sí en lugares con una cultura musical desarrollada como Alemania, Rusia, Gran Bretaña y Estados Unidos, lo que hasta cierto punto promueve la prosperidad de la música. Sin embargo, después de la década de 1950, con el surgimiento de altas tecnologías como la música electrónica y las computadoras, los músicos esperan encontrar similitudes en el desarrollo de una nueva generación de lenguaje y ritmo musical, remodelando el papel del compositor y el desarrollo del arte musical. Esencia..