Los pintores representativos del cubismo son Picasso y Braque. Picasso dijo una vez: "No hacemos cubismo para hacer cubismo, sino para expresar lo que tenemos". Braque admitió: "El cubismo, o más bien mi cubismo, fue mi creación y como un medio para adaptar la pintura a mi genio". sus dos temperamentos y su reunificación gracias a los esfuerzos de Grice y Legge dieron como resultado un cubismo dinámico.
El desarrollo del Cubismo pasó por tres periodos: el periodo Cézanne de 1907 a 1909; el periodo del Cubismo Analítico de 1909 a 1912. Primero, rompieron el método de pintura tradicional que sólo puede expresarse desde un punto de vista fijo, y luego los dispusieron en el mismo plano de pintura. A medida que la exploración se profundizó, descubrieron que ese "análisis" a menudo hacía que la imagen perdiera su forma original y cayera en una forma abstracta. Por tanto, de 1912 a 1914 entraron en el período del "cubismo sintético". Su punto de vista es que en lugar de representar la forma externa de objetos objetivos, es mejor introducir objetos objetivos en las pinturas para que los objetos concretos puedan integrarse con formas estructurales abstractas.
Los pintores cubistas no tuvieron una orientación teórica sistemática, y cada uno exploró según sus propias ideas. Picasso decía: "Quiero pintar según mi imaginación, no según lo que veo". Braque también decía: "El pintor no quiere formar una anécdota, sino crear un hecho pictórico".
La aparición del cubismo es también inevitable para el desarrollo del propio arte. En la pintura tradicional, las pinturas sólo se basan en la naturaleza objetiva, y sólo se representa una parte y un lado de la naturaleza. Con los cambios en la vida moderna de la gente moderna: objetividad y microscopicidad, velocidad y variabilidad, así como las limitaciones de las máquinas en las personas, se requieren pinturas que muestren tal diversidad y complejidad, la visión de la belleza geométrica del antiguo Platón griego y La deliberada de Cézanne; La descripción de la estructura de las cosas y la perspectiva eterna, junto con la ilustración de las esculturas negras africanas, llevaron al surgimiento del arte cubista "Les Demoiselles d'Avignon"
A principios del siglo XX, un Se produjeron una serie de cambios en el mundo de la pintura francesa: las obras fauvistas se exhibieron en el Salón en el otoño de 1905, y simultáneamente se celebró una exposición que conmemora la muerte del maestro en el Museo Cézanne en 1906. Estas exposiciones poco convencionales tuvieron un impacto decisivo en Picasso y en un gran número de jóvenes pintores con espíritu explorador.
En la primavera de 1907, Picasso combinó varias influencias para crear la histórica "Les Demoiselles d'Avignon". La motivación para crear esta pintura fue que cuando el pintor visitó accidentalmente el Museo de la Humanidad en París, se sintió atraído por el arte indígena africano, especialmente las formas simples, extrañas y toscas de las tallas negras, y se inspiró en él para comenzar la creación de el "Período del Arte Negro". Sin embargo, las pinturas posteriores de desnudos femeninos en Bath de Cézanne también le dieron una inspiración específica.
Esta pintura no tiene una composición unificada, los colores son apagados y rígidos, y las figuras gesticulantes no tienen sensación de volumen. Los rostros deformes de las niñas del cuadro son el resultado de la exploración de Picasso de la escultura ibérica y negra africana. Influencias de todas direcciones hacen que esta pintura sea algo ecléctica y contradictoria. El pintor intentó combinar figuras geométricas con figuras geométricas en un fondo cerrado, pero todo el concepto, las imágenes pictóricas y el procesamiento espacial anunciaron el nacimiento de una nueva dirección en la pintura moderna: el arte cubista.
Fábrica de Horta de Hebraud.
La investigación de Picasso sobre Cézanne encontró: “Cézanne realmente no pintó manzanas, pintó el peso del espacio en estos círculos”. Después de conocer a Braque, comencé a explorar y crear el cubismo analítico. Este paisaje fabril es resultado del cubismo analítico.
En esta pintura, los objetos espaciales se descomponen en muchas formas geométricas y se vuelven a ensamblar según sea necesario, lo que excluye los conceptos de perspectiva y los métodos de pintura tradicionales, pero obtiene un nuevo "Espacio" "tridimensional" unificado: una reacción emocional. , imaginación, memoria y sentimiento provocado por el impacto de las ilusiones ópticas en la visión del espectador. Los pintores utilizan sus técnicas simples y simplificadas para describir objetos de manera integral y general. El "cubismo analítico" se basa en el racionalismo para analizar la forma de todas las cosas, de modo que pueda crear imágenes artísticas que aún sean consistentes con la realidad objetiva pero diferentes de la realidad objetiva.
Tres músicos
A principios de la década de 1920, Picasso revivió un estilo clásico, monumental y colorido mientras exploraba una técnica de pintura de colores brillantes, una composición de imágenes abstractas geométricas planas en estilo cubista. Los tres músicos de la pintura fueron creados a través de formas geométricas abstractas de bloques de colores, composición plana y pintura plana. La temática de la obra es alegre, pero al mismo tiempo reina una atmósfera solemne.
Guernica.
El 26 de abril de 1937, la fuerza aérea fascista alemana bombardeó Guernica, una pequeña ciudad en Basco, España, para probar el poder de la bomba, matando a 2.000 personas inocentes. Este incidente conmocionó al mundo entero y también al pintor Picasso. Creó este enorme cuadro para protestar contra las atrocidades del fascismo alemán.
El significado simbólico de la imagen es: el toro simboliza el fascismo brutal; el caballo simboliza personas trágicas; sobre la cabeza del caballo hay una lámpara eléctrica que representa el "Ojo de la Noche". pintando, levantando las manos Por favor ayuda. No hay aviones bomba en el cuadro, pero está lleno de terror, muerte y gritos. El fondo del cuadro está lleno de oscuridad y luces brillantes iluminan esta escena sangrienta, envolviendo todo el cuadro como una pesadilla fría y cruel. El pintor utiliza el negro, el blanco y el gris como tonalidades contrastantes, muy armoniosas. Es una creación que combina la figuración con la abstracción y el surrealismo. Tiene un espíritu romántico, una estructura rigurosa y una temática distintiva.
Braque (1882-1963)
Georges Braque nació en Argento, cerca de París. Su padre era un pintor aficionado. A los 18 años, Braque llegó a París y vivió en una sencilla habitación en Montmartre para pintar. Dos años más tarde, ingresó en el Estudio Beaune de la Escuela Nacional de Bellas Artes y estuvo profundamente influenciado por Poussin, Conner y el arte impresionista. En 1906, comenzó a recurrir a las nuevas pinturas fauvistas. En 1907 conocieron a Picasso y juntos exploraron nuevas pinturas. Es el fundador del cubismo al igual que Picasso, y el único pintor de este siglo que experimentó la barbarie y fundó el cubismo.
En 1907, las obras de arte de Cézanne se exhibieron en París, lo que estimuló enormemente a Braque. El concepto de Cézanne de "utilizar conos, cilindros y esferas para tratar objetos naturales" quedó profundamente grabado en su mente. A partir de entonces abandonó los colores fauvistas y utilizó el caqui, el verde claro y el gris para pintar figuras geométricas. Cuando su obra fue expuesta en el Salón, Matisse, el entonces juez, dijo "es una acumulación de cubos". El crítico Walker escribió: "Desafió las formas y transformó las figuras del paisaje, las casas y todo en formas geométricas y cubos. Desde entonces, el cubismo se ha convertido en el nombre de la escuela de pintura".
Braque y Picasso exploraron y crearon conjuntamente nuevas formas de pintura, apareciendo uno tras otro en sus obras el collage y la fusión. Braque fue reclutado por el ejército durante la Primera Guerra Mundial y continuó pintando después de la guerra. Más tarde, rompiendo gradualmente con los estereotipos del cubismo temprano, el lenguaje geométrico se modificó y se convirtió en una forma relativamente libre y discreta. Los colores son simples y armoniosos, y la imagen compromete moderadamente el interés naturalista. Es tranquila, armoniosa y hermosa, formando un nuevo ámbito artístico.
La Casa de Estac
Braque y Dufy fueron a Estac, la ciudad natal de Cézanne, para pintar paisajes. Eliminó los colores salvajes y los reemplazó con tonos gris-marrón y gris-verde y formas geométricas abstractas para representar paisajes naturales, y comenzó su exploración de la pintura cubista.
Duo
La exploración artística de Braque volvió a cambiar hacia 1930. Las líneas de sus obras ya no son rígidas, las curvas son más móviles y las imágenes son lo más tridimensionales posible. "Me encuentro registrando la sombra del mundo en varios espejos del mundo mismo", dijo en 1935. Para el mundo, trató de comprenderlo como un todo en las profundidades de la vida, utilizando secciones y sus reflejos en el plano. La proyección se utiliza para expresar el objeto, aumentando el ángulo de percepción, haciendo que el contorno de la forma sea fluido y curvo, y dando una sensación de temblor. Los colores se vuelven comunes, con cambios sutiles en la simplicidad.
El blanco puede emitir un sonido, el marrón tiene vida, el negro brilla, el violeta se vuelve transparente y sus líneas son elegantes y libres. Estos rasgos artísticos se pueden apreciar en este dúo.
Grice (1887-1927)
Juan Gris nació en Madrid y murió en Boulogne-sur-Seine.
Grice ingresó tempranamente a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, España. Llegó a París a los 17 años y solicitó la ciudadanía francesa, pero no pudo hacerlo hasta su muerte. En París, se sintió atraído por los logros de su compatriota Picasso. Mantuvieron un estrecho contacto y trabajaron juntos en el cubismo. Al principio, Grice fue un cubista analítico. Primero analiza los objetos y luego, no en sus superficies cambiantes, sino en sus gestos continuos, intenta capturarlos, creando así superposiciones complejas y extrañas pero expresivas en la pantalla. La obra representativa de este período es Picasso.
Más tarde, Grice creó el cubismo sintético. Cree que existe una cierta separación entre la forma y estructura de las pinturas y los colores, y que a veces los colores son difíciles de expresar de un solo trazo. Por lo tanto, en las pegatinas se pueden intercambiar detalles sin destruir formas y estructuras firmemente establecidas. En 1920, afirmó: "Empiezo mi trabajo organizando mis cuadros y luego caracterizo cada objeto". De hecho, partió de la imaginación, tratando de concretar cosas abstractas y crear algunos individuos especiales. Cézanne transformó la botella en un cilindro, y transformó el cilindro en una botella o botellas. Se infiere que sólo tiene una mente teórica abstracta, subvirtió arbitrariamente todos los temas normales de la creación artística y abandonó toda la naturaleza humana. De hecho, la verdadera grandeza del arte de Grice residía en su proximidad a la música. Creó un efecto global puro, elegante, serio y estático, abandonando todos los detalles. El expresionismo alemán estaba formado principalmente por dos grupos: el club "Bridge" de Dresde (norte de Alemania) y el club "Jóvenes Caballeros" de Múnich (sur de Alemania).
Qiaoshe se fundó en 1905. Entre sus fundadores se encuentran Kalsi y Haeckel, luego Nolde, Pestan y otros. Kalsi dijo en un manifiesto: "Todos, todos los que nos pertenecen, muestran directamente y sin hipocresía lo que los impulsa a crear". Admiran las obras de Van Gogh y Gauguin y son positivos sobre la actitud de Munch, una actitud piadosa hacia el arte primitivo. pero cada uno absorbió lo que necesitaba desde una perspectiva diferente. Describen el mundo en constante cambio en la naturaleza y las ciudades, siempre con una expresión melancólica, vacía y de marionetas. La exploración estilística de "Bridge Society" es profundamente emotiva. En términos de forma, al principio se utilizan líneas suaves, relajadas, libres y suaves, y luego gradualmente tienden a ser tensas, en zigzag y diagonales, y finalmente se vuelven cortas y duras. Este es solo un estilo de pintura general.
Otro grupo expresionista, llamado los Caballeros Verdes, estaba activo en Munich, la capital de Baviera, en el sur de Alemania. Entre sus miembros se encuentran Mark y Klee. Las estructuras geométricas sueltas de Delaud basadas en el cubismo interior, así como su audaz absorción de la óptica del color, inspiraron enormemente a los miembros del Caballero Verde, que lo consideraban el fundador del "arte moderno". El propósito de los Junior Knights es el mismo que el del Bridge Club, pero el lenguaje de expresión es mayoritariamente lírico y abstracto. Están más interesados en el espíritu interior invisible que en cualquier mundo exterior visible, con la esperanza de darle a este espíritu interior una forma y un color visibles, integrando así el arte con un profundo contenido espiritual. Principalmente en el arte de Kandinsky.
Haeckel (1883-1970)
Erich Hecker nació en Dubern, Sajonia. A los 21 años ingresó en el Politécnico de Dresde para estudiar arquitectura y participó en la fundación de la Bridge Society. Las primeras obras son ricas en color. Tras viajar a Italia a los 25 años, cambió el tono de sus pinturas y poco a poco se volvió más armonioso.
En la creación artística de Haeckel, es bueno usando tramas dramáticas para representar el pensamiento, la ansiedad y la perspectiva mental morbosa de los personajes. Parece estar reprimiendo su pasión interior y haciendo que la imagen sea más armoniosa y estable.
Nold (1867-1956)
Emil Nold nació en una familia de campesinos en Schleswig, al norte de Alemania. A los 17 años ingresó en la escuela de escultura de Schaumann en Fernsburg para estudiar talla en madera y más tarde estudió en la Academia de Artes y Oficios de Karlsruhe. A los 32 años se trasladó a París para ampliar sus estudios en la Académie Julian des Beaux-Arts.
Nold se unió al Bridge Club en 1906 y era el pintor más talentoso del grupo.
Es capaz de expresar armoniosamente los elementos sutiles y el poder de la naturaleza, el primitivismo y la espiritualidad a través de formas simples y colores apasionados, especialmente sus colores. Es un pintor que usa colores para expresar emociones humanas y usa notas de colores para tocar música dulce y fuerte. El tratamiento de colores brillantes en sus pinturas se inspiró en el impresionismo. Como él mismo dijo: "Los colores son mis notas, con las que dibujan sonidos y acordes armoniosos y contradictorios". En sus obras persigue una expresión emocional fría y ardiente que irradia su sentimiento subjetivo. Los golpes y los colores fuertes de sus pinturas transportan a la gente a un mundo turbulento, una especie de indulgencia primitiva.
La personalidad de Nolde es una combinación de granjero, ermitaño y profeta. Después de que Hitler llegó al poder, su arte fue declarado "decadente" y prohibido.
"El gran caballo verde" de Mark
El "Caballero Verde" es el nombre del grupo artístico expresionista alemán. Durante las dos primeras décadas del siglo XX se elaboraba, producía y operaba en Múnich. El nombre original alemán de "Caballero Verde" es der Blaue Reiter, que en teoría debería traducirse como "Caballero Azul", pero en el mundo del arte chino se llama "Caballero Verde". Originalmente, estaba bien llamarlo "Blue Rider" en chino, pero como "Blue Rider" siempre es inseparable de los caballos, de hecho hay muchos pintores de caballos en el grupo. Si el caballo definido por el mismo adjetivo en alemán se llama "caballo azul" en chino. El caballo es el caballo verde y el hombre es el "caballero verde".
El gran caballo amarillo de Mark
En espíritu, Mark es el más cercano a las tradiciones románticas y líricas alemanas. En sus primeras obras, los colores son simbólicos, las formas sinuosas, llenas de volumen y poderosa estructura. Posteriormente sus obras tendieron a ser abstractas.
Kelly (1879-1940)
Paul Klee nació en una familia de profesores de música en los suburbios de Berna. Kelly ha sido un apasionado de la literatura y el arte desde la infancia. Escribió novelas y poemas en la escuela secundaria y fue violinista aficionado. A los 19 años estudió pintura en el Estudio Kahler de Múnich. A los 21 años ingresó en la Academia de Bellas Artes de Múnich y colaboró con Kandinsky en el Estudio Chutwick.
A principios del siglo XX, Klee viajó a Italia para investigar el arte renacentista, por lo que conocía mucho sobre el arte clásico. En 1905, vino a París para admirar a los impresionistas. Se mudó a Munich y en 1912 se unió al grupo "Caballero Verde". Cuando estalló la guerra, se alistó en el ejército y comenzó a pintar hasta el final de la guerra. Posteriormente solicitó plaza para enseñar en la Bauhaus. Después de que Hitler llegó al poder, fue deportado a su país y murió en Locarno.
El arte de Klee es un fenómeno cultural complejo y su lenguaje artístico en constante cambio es deslumbrante e impredecible. Esto se debe a que sus pensamientos siempre vagan libremente entre la realidad y la fantasía, el oído y la visión, lo concreto y la abstracción, por lo que la gente lo considera un pintor surrealista. En sus obras, la combinación de formas, líneas y bloques de color proviene a veces del símbolo de un determinado concepto, a veces de la imaginación infantil e ingenua, a veces del ritmo de la forma objetiva misma y a veces del mundo sonoro de la música. Klee Siempre es capaz de captar imágenes maravillosas con agudeza. No importa cómo se mire, el lenguaje artístico utilizado por Klee, ya sean símbolos concretos o abstractos, proviene de sus sentimientos sobre las cosas objetivas y se refina y procesa a partir de su comprensión de las formas objetivas. En el proceso creativo juegan un papel las cualidades propias del pintor. Intenta expresar sus pensamientos y sentimientos a través del lenguaje creativo.
Kandinsky (1866-1944)
Wassily Kandinsky nació en Moscú y murió en Nay-sur-Seine. A los 20 años ingresó en el Departamento de Derecho de la Universidad Estatal de Moscú. Mientras se dedicaba a la investigación de la historia popular, tuvo un amplio contacto con el arte popular y las artes decorativas rusas. A la edad de 30 años, como doctor en derecho y profesor universitario, decidió dedicarse a la pintura y entró en la Academia de Bellas Artes de Munich. en Alemania para estudiar pintura. Tras graduarse a la edad de 34 años, se convirtió en pintor profesional. Como pintor, Kandinsky viajó a Italia, Francia, Países Bajos y Bélgica. Alguna vez tuvo un gran interés en el puntillismo neoimpresionista. Combinando sus aficiones y la investigación sobre el arte popular ruso, sus obras en este momento mostraban un estilo de pintura popular fuerte, tosco y simple, con poca tradición clásica. Algunas son realistas, como "El jinete azul", y otras son coloridas, como "Pareja a caballo". No han formado un estilo personal estable. Después de 1910, el estilo pictórico cambió repentinamente y giró hacia el expresionismo abstracto.
En 1910, por casualidad, descubrió el significado de la abstracción a partir de un boceto al revés, lo que le hizo darse cuenta de que las cosas concretas del exterior a menudo interfieren con la apreciación de la belleza del arte en sí, por lo que Poco a poco se dedicó a una exploración de imágenes abstractas. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Kandinsky regresó a Rusia. Después de la Revolución de Octubre, se desempeñó como director del Museo de Pintura de Moscú, participó en el establecimiento de la "Asociación Cultural Proletaria", se desempeñó como profesor en la Universidad de Moscú y fundó la Academia Rusa de Arte en 1921. Debido a que la Unión Soviética promovía el realismo, el arte abstracto de Kandinsky no podía existir, por lo que regresó a Alemania y postuló para enseñar en la Escuela Bauhaus para convertirse en un excelente educador de arte. A partir de entonces, reemplazó completamente su estilo anterior por la abstracción geométrica. La escuela Bauhaus, que se trasladó a Berlín en 1933, fue cerrada por los nazis. Las obras de Kandinsky fueron declaradas arte decadente y el pintor se vio obligado a trasladarse a París, donde permaneció hasta su muerte.
¿Cómo entender el arte abstracto de Kandinsky?
Kandinsky creía que la pintura puede surgir de una fuerte necesidad de abstracción y no está necesariamente limitada por la apariencia del mundo objetivo. En cuanto a la imaginación, es una perspectiva subjetiva de las relaciones existenciales, y hay que buscar una nueva forma simbólica y armonía de colores. En la mente de Kandinsky, la pintura es como una gran colisión de mundos diferentes, creando un mundo nuevo en la lucha entre ellos. El origen de cada obra, como el origen del universo, es producto del cataclismo, y el resultado es como una sinfonía extraída del ruido caótico de diversos instrumentos. Crear una obra es como crear un mundo. En las pinturas de Kandinsky, hay una expresión libre del espíritu interior, el deseo y la pasión a partir de su estructura compositiva y bloques de colores lineales. La combinación de líneas y bloques de color no tiene un formato fijo y es producto del énfasis del pintor en la expresión espiritual.
Mondrian (1872-1944)
Peter Mondrian nació en la familia del director de una escuela religiosa en Amsford, Países Bajos. Comenzó a aprender pintura a los 65.438+04 años. A la edad de 20 años, se convirtió en profesor de arte en una escuela secundaria local y comenzó a dedicarse a creaciones académicas y realistas. Posteriormente se alimentó del impresionismo, el simbolismo y el postimpresionismo. No fue hasta 1911 que vio las primeras obras cubistas de Picasso y Braque en los Países Bajos. Luego, al año siguiente, se apresuró a viajar a París y comenzó a pintar utilizando métodos cubistas. Al principio, la gente usaba los colores primarios más simples, como rojo, amarillo, azul y verde, para representar el paisaje. En sus últimos años utilizó planos abstractos para expresar paisajes de forma positiva. En 1914, regresó a los Países Bajos para establecer el estilo y defender nuevos estilos.
Mondrian utilizó el neopatternismo como un medio para simplificar la naturaleza rica y colorida en un objeto de expresión relevante a través de este símbolo abstracto. Él cree: "Sólo el modelado puro puede alcanzar la abstracción final. En las artes plásticas, la autenticidad sólo puede expresarse a través del equilibrio de forma y color y el movimiento dinámico. Los medios puros son la forma más eficaz de lograrlo". realizar equilibrios no congruentes y opuestos a través de ángulos rectos, reduciendo los colores a sus colores primarios y agregando blanco y negro. Como él mismo dijo: "Excluyo las curvas paso a paso hasta que mi trabajo finalmente se completa con líneas rectas y horizontales, formando una cruz, donde cada una está separada y separada de la otra. Las líneas rectas y las líneas horizontales son expresiones de dos fuerzas opuestas. Este equilibrio de opuestos está en todas partes, controlándolo todo”.
En las pinturas de Mondrian de 1914, las curvas han desaparecido, y después de 1919 dominan las estructuras verticales y horizontales, el equilibrio dinámico y el equilibrio de las estructuras verticales y horizontales; Se han vuelto dominantes. El uso de colores primarios completó su ideal de expresión del universo y alcanzó el reino de la unidad entre la naturaleza y el hombre.
Composición
Mondrian creía que las formas geométricas compuestas de líneas verticales y paralelas son los elementos más básicos de las formas artísticas, y que sólo las formas geométricas son las más adecuadas para expresar la "pura realidad" de . Espera utilizar estos elementos básicos y los colores más puros para crear un equilibrio externo e interno, un equilibrio físico y espiritual.
El pensamiento artístico de crear este equilibrio estaba arraigado en la realidad social de la época. Después de una gran guerra, la sociedad se encontraba en general en un estado de inquietud. Creó este arte tranquilo y equilibrado en un intento de consolar los corazones inquietos de las personas.