Desarrollo
Los orígenes del modernismo se remontan al impresionismo francés. De 1938 a 1980, los pintores postimpresionistas, neoimpresionistas y simbolistas franceses propusieron "el valor independiente del propio lenguaje artístico", "la pintura no debería estar al servicio de la naturaleza", "la pintura debería deshacerse de su dependencia de la literatura y la historia". ", "porque Conceptos como "arte por el arte" son la base teórica del sistema artístico modernista. Por eso, el pintor postimpresionista francés P. Cézanne persiguió algo en sus obras. El estilo de pintura modernista más obvio apareció por primera vez en las obras de los pintores fauvistas franceses. Un grupo de jóvenes pintores representados por H. Matisse expuso en el Salón de Otoño de París de 1905 una serie de obras con estilos salvajes, lenguaje artístico exagerado, deformación y expresividad, que fueron llamadas "Bestias", de ahí el nombre de "Brutalismo". En 1908, otro grupo de jóvenes pintores, representado por P. Picasso y G. Braque, introdujo el cubismo en Francia. Los principios del cubismo aparecieron por primera vez en el óleo de Picasso "Las señoritas de Aviñón". Esta pintura se considera como el punto de inflexión entre el arte tradicional y el arte moderno. El cubismo utilizó la relación estructural de los bloques para analizar los objetos y mostrar la belleza de la superposición y el entrelazado adecuados, que era el objetivo que perseguía el cubismo. Tanto el animismo como el cubismo se alimentaron de la escultura africana, y el lenguaje artístico se alejó de las reglas tradicionales, lo que marcó el comienzo del autoestablecimiento del modernismo. Al mismo tiempo, surgieron sociedades expresionistas como el Bridge Club organizado en Alemania en 1905 y el Young Knights Club establecido en 1909. Sus objetivos estéticos y actividades artísticas son similares a los del fauvismo francés, pero con un fuerte sabor nórdico y tradición nacional alemana. Si el expresionismo fue influenciado por la tecnología industrial y expresó la belleza estática de los objetos, entonces el futurismo, que surgió en Italia, fue estimulado por la tecnología industrial moderna y utilizó el método de descomposición de los objetos para expresar escenas y emociones en movimiento. También les gusta usar líneas y colores para representar una serie de formas superpuestas y capas continuas, e intentan usar líneas para representar la luz y el sonido. Monk: Las ideas y movimientos antes mencionados en "La Virgen", especialmente el futurismo, se reflejan en el campo de la escultura. El pintor y escultor futurista U. boccioni firmó un manifiesto sobre el arte de la escultura en abril de 1912 y aplicó principios futuristas a su obra, expresados como "formas continuas en el espacio" (1913). La corriente artística modernista correspondiente también estuvo bastante activa en Rusia a principios del siglo XX. Además de algunas sociedades influenciadas por el cubismo y el futurismo, el constructivismo ruso hizo una contribución única al arte moderno al explorar cómo expresar la belleza industrial. Las primeras obras de arte abstracto aparecieron alrededor de 1910. El pintor ruso W. Kandinsky, que participó en las actividades del Club de Jóvenes Caballeros de Alemania, fue el primero en dedicarse a la creación de arte abstracto. Utiliza la combinación y composición de puntos, líneas y superficies, y recurre al lenguaje expresivo de la música para transmitir pensamientos y emociones a través de la pintura. Sus obras "Espíritu en el arte" (1912) y "Puntos, líneas y superficies" (1923) sentaron las bases teóricas de la abstracción. Como practicante, trabaja principalmente en pinturas abstractas líricas, pero también explora la abstracción geométrica. El pintor ruso K.C. Malevic fundó hacia 1913 el suprematismo, que pertenece a la categoría de la abstracción geométrica. Los esfuerzos supremacistas en la composición plana son significativos a la hora de explorar el vacío, la vacuidad y la nada del arte. Fue el pintor holandés P. Mondrian quien fundó el de stijl (o neoplasticismo). A lo largo del siglo XX, la abstracción siguió básicamente el desarrollo de la abstracción lírica y la abstracción geométrica, pero cambió en varias etapas. Kandinsky: "La primera acuarela abstracta" fue la sociedad dadaísta que surgió en Zurich, Suiza, durante la Primera Guerra Mundial, y su influencia se extendió a países europeos y americanos. Hay sociedades de arte dadaísta en Francia y Alemania. Dadá estaba en contra de la guerra, la autoridad y la tradición, así como en contra del arte y todo lo demás. Como sociedad, está destinada a avanzar hacia un estado de abnegación.
El nihilismo y el espíritu antitradicional de Dadá atraviesan todo el proceso de la literatura y el arte occidentales modernos. El uso del collage en pinturas planas y el uso de la contingencia y la contingencia en la creación artística son las contribuciones de Dadá al arte moderno. La comunidad surrealista era diferente del dadaísmo. Fue necesaria una actitud constructiva hacia la creación artística para reemplazar la destrucción y los desafíos del dadaísmo. Se nutre ideológicamente directamente de la teoría del subconsciente de Freud y utiliza la teoría de Freud como ideología rectora de este movimiento artístico. Los artistas surrealistas se inspiraron en los niños, los pacientes mentales y los sueños, y se comprometieron a explorar los aspectos trascendentales de la experiencia humana. Intentaron romper con el concepto de realismo y combinarlo con la experiencia del instinto, el subconsciente y los sueños para lograr una realidad. Estado absoluto y surrealista. Los surrealistas solían utilizar combinaciones inesperadas y fortuitas, descubrimientos inconscientes y objetos prefabricados. El lenguaje del realismo y la abstracción está presente en su obra. Desde 1924 hasta finales de la década de 1930, el arte surrealista estuvo activo. Después de la década de 1930, como movimiento artístico, el surrealismo gradualmente se fue silenciando, pero muchos pintores surrealistas importantes todavía estaban activos en los círculos pictóricos europeos y estadounidenses. Powys: explicando imágenes a los conejos El expresionismo abstracto (también conocido como pintura de acción o Escuela de Nueva York), que nació en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, es un género que combina expresionismo, abstracción y surrealismo, y también enfatiza la cima del modernismo. pintura con personalidad y estilo. El expresionismo abstracto enfatiza la libertad, la automatización y la falta de propósito del comportamiento del creador, elevando el comportamiento creativo en sí mismo a una posición importante, y ha dado origen a factores que utilizan el comportamiento del creador como medio de comunicación artística. Duchamp: La abstracción dura y la abstracción pospictórica en "Dry Potty" después del expresionismo abstracto son los cambios y el desarrollo de la abstracción geométrica en la nueva situación. También reflejan el cambio del arte de enfatizar los sentimientos subjetivos a centrarse en la expresión objetiva. Este cambio fue aún más pronunciado en el arte pop, que era exactamente lo contrario del expresionismo abstracto. El auge del arte pop indicó el cambio del modernismo occidental al posmodernismo. Por supuesto, los historiadores del arte occidentales también tienen diferentes puntos de vista sobre el concepto de posmodernismo. El posmodernismo, utilizado por primera vez en la arquitectura, es, por supuesto, un concepto relativo, vago y controvertido. En sentido estricto, el posmodernismo no puede divorciarse completamente del modernismo. Muchos métodos y principios defendidos por el posmodernismo han sido probados y comprobados en el arte modernista, pero los métodos y principios individuales han sido extremadamente desarrollados y exagerados en la sociedad postindustrial. El posmodernismo es en cierto modo un contraataque al modernismo. Sin embargo, los principios estéticos del modernismo todavía influyen fuertemente en los artistas occidentales contemporáneos. El auge del neoexpresionismo, el neosurrealismo, el neoabstractismo y otras escuelas en los años 1980 ilustra este problema hasta cierto punto. En los cambios en las corrientes artísticas del modernismo y el posmodernismo, parece que la subjetividad y la objetividad, la racionalidad y la sensibilidad, la naturaleza humana y * * *, el fortalecimiento y desaparición de los rasgos estilísticos, la naturaleza humana y la maquinaria, la nieve primaveral y la belleza del mentón, la Estética y antiestética del arte Siempre confunde a los artistas y los impulsa a explorar. En el proceso histórico del desarrollo del arte suele haber cambios o cambios, especialmente en las sociedades industrializadas y postindustriales. La razón por la que las tendencias posmodernas como el arte conceptual son tan impactantes es que no sólo van en contra del arte tradicional, sino que también desafían al modernismo. Sin embargo, la propia historia parece indicar que el desarrollo del arte tiene una ley objetiva e independiente de la voluntad humana. El proceso del arte en sí, como el proceso de la sociedad misma, tiene un poder de autorregulación y debe buscar un equilibrio entre los dos polos anteriores. Por supuesto, el equilibrio es temporal y temporal, mientras que el desequilibrio es absoluto y permanente. Sólo cuando está desequilibrado y lleno de contradicciones puede el arte seguir desarrollándose. Aunque el proceso de desarrollo está lleno de contradicciones y giros y vueltas, la tendencia general va hacia adelante. En este sentido, el arte modernista debe considerarse un poderoso complemento del realismo. En otras palabras, el modernismo es un nuevo sistema de expresión artística diferente del realismo y más acorde con el ritmo de la sociedad industrial moderna. Al menos gana fuerza para convivir con el realismo.
Les: Características de la escena del estilo francés Dado que el arte modernista se produjo después de que Occidente entró en la era del monopolio y fue producto de la segunda revolución industrial, refleja inevitablemente los importantes cambios en la vida política, económica y espiritual y cultural de esta época. Refleja los pensamientos y sentimientos extremadamente complejos y ricos y el profundo pensamiento filosófico de la gente de esta época. A diferencia del realismo, el arte modernista está desequilibrado al abordar la relación entre la sociedad, las personas, la naturaleza y el yo, y la relación está distorsionada. De esta manera, los artistas modernistas parecían desvinculados de la sociedad y la naturaleza. No describen directamente la sociedad y la vida (salvo algunos artistas), pero sus obras aluden a la sociedad y la vida, y el lenguaje que utilizan es absurdo, moral o abstracto. En sus obras, podemos sentir que estos artistas muestran el trauma mental y la psicología anormal de la gente moderna (incluidos los propios artistas), sienten su negatividad, pesimismo y decepción en la vida real, y sienten el fuerte vacío en sus pensamientos. Son estas características de las obras de arte moderno las que les confieren un valor social, histórico y estético que no puede ignorarse. Porque son un retrato de aspectos importantes de la sociedad occidental moderna y de la vida espiritual moderna.
La industria moderna, la ciencia y la tecnología han jugado un papel importante en el desarrollo del arte modernista. La psicología y la actitud de los artistas modernistas hacia la ciencia moderna y la civilización mecánica son complejas. En la práctica de algunos artistas (como el cubismo, el futurismo y el constructivismo), intentan reflejar este profundo cambio en la sociedad, mientras que en las obras de la mayoría de los artistas adoptan una actitud evasiva y distante hacia la civilización industrial. Están descontentos con la devaluación de la naturaleza humana y la apreciación de la maquinaria en la sociedad industrial. Pero esto no significa que la corriente principal del arte modernista sea contraria al proceso de la sociedad industrial. De hecho, la civilización industrial y tecnológica ha cambiado enormemente la faz de la sociedad moderna y ha promovido eficazmente los rápidos cambios espirituales en el arte moderno.
El arte modernista se alimentó inicialmente del arsenal de idealismo trascendental de Kant y, al mismo tiempo, estuvo fuertemente influenciado por el pensamiento filosófico moderno, especialmente Nietzsche, Freud, Bergson, Jung y Sargón. La teoría de Nietzsche no sólo promovió el movimiento expresionista en Alemania, sino que también tuvo un enorme impacto en todo el movimiento literario modernista. En particular, niega la autoridad, defiende la creatividad basada en la voluntad y el instinto humanos, desprecia la civilización de clase media y la moral hipócrita, defiende la inconsciencia y el instinto y mantiene una actitud pesimista hacia el futuro del mundo. Esto se refleja en las teorías y teorías. de diversas escuelas del modernismo se reflejan en la práctica. La teoría del subconsciente de Freud es el pilar teórico del movimiento surrealista, que cree que "el inconsciente es la existencia real del espíritu". Fue bajo la guía de la teoría de Freud que los artistas del surrealismo y otros géneros utilizaron diversos métodos para explorar las profundidades del mundo espiritual de las personas, por un lado, abrieron nuevas áreas de expresión artística y, por otro, crearon. El lenguaje artístico tiende a ser absurdo y extraño. Muchas obras de la naturaleza crean un nuevo reino de absurdo y extrañeza.
Comparado con el arte tradicional basado en el realismo y la imitación, el arte modernista tiene características simbólicas, expresivas y abstractas. Muchas escuelas del modernismo afirman ser antitradicionales, pero en realidad es posible que hayan abandonado la tradición por completo. Lo que intenta negar y rechazar es la tradición realista con características académicas desde mediados del siglo XIX. Al abordar el patrimonio histórico, prestaron más atención al estudio del arte social primitivo, el arte egipcio y mesopotámico, el arte antiguo griego y el arte medieval europeo. Después del impresionismo, los artistas occidentales comenzaron a centrar su atención en el arte de China, Japón y la India. El lenguaje expresivo de la pintura y la artesanía, explorando la pincelada a mano alzada. Los artistas fauvistas y cubistas estaban en deuda directa con la escultura africana. Al mismo tiempo, el arte islámico de Oriente Medio y el patrimonio artístico de Oceanía son también objeto de investigación de los artistas modernos. El patrimonio artístico antes mencionado en la historia de la humanidad ha proporcionado un alimento útil a los artistas modernistas.
En general, desde el siglo XX, el arte moderno occidental se ha adaptado a las necesidades de las personas en la sociedad moderna y ha creado una serie de obras que pueden incorporarse a la cultura humana clásica. Sin embargo, las teorías de todas las escuelas y tendencias de pensamiento son irreprochables, sin mencionar que las tendencias ideológicas de algunas de ellas son dignas de estudio.
No es aconsejable elogiar ciegamente el arte modernista sin analizarlo, pero es aún más estúpido y triste tratar el modernismo como un flagelo y excluirlo e impedir que la gente entre en contacto con él y lo comprenda. La prosperidad y la actividad de la creación y la teoría artística china desde la década de 1980 no están ajenas a factores importantes como la promoción social y económica, sino también a la rica información proporcionada por la literatura y el arte extranjeros, incluido el modernismo occidental.