El ballet, ballet originario de Italia, utiliza la música, la danza y la pantomima para expresar tramas dramáticas. Las actrices suelen bailar de puntillas. Significado: ① Una forma de danza escénica, es decir, danza clásica europea, comúnmente conocida como ballet. Se trata de un arte de danza tradicional europea con estrictas especificaciones y formas estructurales. Se forma a partir de danzas folclóricas de toda Europa y se ha ido procesando, enriqueciendo y desarrollando continuamente durante siglos. Después del siglo XIX, una característica técnica importante era que las actrices tenían que usar zapatos de punta especiales y bailar de puntillas, por lo que algunas personas lo llamaban baile de puntillas. (2) Danza dramática, originalmente se refiere a un arte dramático que utiliza la danza clásica europea como principal medio de expresión e integra música, pantomima, arte escénico y literatura para expresar una historia o un festival emocional. Se llama ballet clásico (o clásico. danza dramática). Tras el surgimiento de la danza moderna en el siglo XX, el ballet moderno que combina técnicas de danza moderna y danza clásica como principal medio de expresión se denomina ballet moderno. Poco a poco, la palabra ballet también se utiliza para referirse a obras de ballet que utilizan otras danzas como principal medio de expresión, aunque se diferencia del ballet clásico o del ballet moderno en cuanto a estilo de danza, características estructurales y técnicas de expresión. (3) Un número considerable de obras de danza creadas por coreógrafos modernos no tienen contenido argumental ni argumento. Los coreógrafos utilizan danza clásica europea o danza moderna, o las combinan para expresar un determinado estado de ánimo, una concepción artística o la comprensión del autor de una obra musical. También se les conoce como ballets.
Ballet proviene del latín antiguo ballo. Originalmente, la palabra simplemente se refería a bailar o realizar bailes en público y no tenía ninguna connotación a representaciones teatrales. Como arte escénico, el ballet nació en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento en Italia durante el Renacimiento, y se formó en la corte francesa en el siglo XVII. Este tipo de ballet de la corte es en realidad una representación integral de danza, canto, música, recitación y teatro en una estructura flexible bajo un tema unificado. Está diseñado por un profesor de danza profesional, con reyes y nobles como actores, y los papeles femeninos son interpretados por hombres. El lugar de la actuación está en el centro del salón del palacio y el público observa desde todos los lados del salón. Los actores usan máscaras de cuero para marcar los diferentes roles, por eso también se le llama ballet de máscaras.
En 1661, Luis XIV ordenó la creación de la Real Academia de Danza en París. 65438+ El Teatro del Palacio de Richelieu comenzó a utilizarse para representaciones de ballet en los años 1970. Los cambios en el lugar y los ángulos de visión del público han provocado cambios en las técnicas y la estética de la danza, y las posturas de los actores se han vuelto cada vez más abiertas, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies y convirtiéndose en la base para el desarrollo de la tecnología del ballet. Surgieron bailarines de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los actores aficionados aristocráticos. Los bailarines de ballet profesionales también comenzaron a actuar en el escenario y la tecnología de la danza se desarrolló rápidamente. Las representaciones de ballet pasaron gradualmente de ser una actividad social de entretenimiento a un arte escénico dramático. Durante este período, el ballet estaba subordinado a la ópera. El compositor de la corte J.B. Lully añadió escenas de ballet a la ópera, que en realidad era una serie de La danza se representa. La trama parece irrelevante, por eso se le llama ballet o ballet ópera. Esta situación duró hasta mediados del siglo XVIII. Novel, maestro de ballet del siglo XVIII, fue el innovador de la danza más influyente en la historia del ballet. Propuso por primera vez el concepto de "ballet argumental" en "Dance and Dance Drama Letters" publicado en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino también una herramienta de expresión dramática y comunicación ideológica. La nueva teoría impulsó la ola de innovación del ballet. Con el esfuerzo continuo de él y de muchos otros actores y directores, el ballet ha pasado por una serie de reformas en contenido, temática, música, técnicas de danza, vestuario y otros aspectos. Estas reformas finalmente separaron el ballet de la ópera y formaron un arte dramático independiente.
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales que han estado presentes. Una opinión es que el ballet es una "danza pura". B. de Beaujoyeulx, profesor de danza italiano del siglo XVI y director de la comedia de la reina "Ballet", cree que el ballet es una "combinación geométrica de varias personas bailando juntas". Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la búsqueda pura de habilidades soberbias y hermosas. Antes de mediados del siglo XVIII, esta visión dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza dramática", que está representada más concentradamente por la teoría del "ballet argumental" de la novela.
Considera que en una obra de ballet la danza debe mostrar contenido dramático, "la trama y la coreografía deben estar unificadas, con una historia lógicamente clara y fácil de entender como tema central, y bailes solistas y segmentos de danza que no tengan nada que ver". que tiene que ver con la trama debe ser eliminado." En el drama de danza, "no sólo la técnica de la danza es deslumbrante, sino que también el público se conmueve con la actuación dramática". Los dos puntos principales anteriores siguen siendo válidos hoy. Muchos directores se comprometen a crear obras de ballet dramáticas o melodramáticas, mientras que algunos directores prefieren ballets sin melodrama y se centran en la belleza formal. Las excelentes obras de ambas obras son apreciadas por el público y, a menudo, se representan como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias en la creación del ballet se ha hecho cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos.
El coreógrafo es la persona clave en la creación de una obra de ballet. Concibe una estructura de ballet o de danza a partir de un guión literario (o de un cuento, un poema, una obra musical), y luego los actores la encarnan. Tanto los coreógrafos como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de utilizar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. Los coreógrafos necesitan saber en qué son buenos y en qué no pueden expresar; los actores, por otro lado, deben estar bien formados y ser capaces de adaptar y encarnar creativamente las ideas del coreógrafo. Sólo cuando se cumplen estas condiciones básicas se puede llevar a cabo y completar la creación del ballet. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. Danza clásica, danza individual (danza folclórica escénica, danza folclórica), danza moderna, etc. Según las formas anteriores, el ballet en múltiples actos (romper y combinar, como "El lago de los cisnes"), el ballet en un solo acto (como "La Sylphide") y los bocetos de ballet (como el ballet), esta forma estructural se desarrolló hasta un Alto grado de estandarización y desarrollo a finales del siglo XIX. La estilización ha influido y restringido el desarrollo del ballet. En una gran cantidad de obras de ballet creadas por directores en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida, y han surgido nuevas exploraciones y Las creaciones han seguido surgiendo.
El símbolo del ballet<. /p>
A los ojos del público, bailar de puntillas es relajante y divertido. Las zapatillas de ballet rosas en los pies de la actriz son tan. hermoso y elegante, lo que recuerda a la gente que es un arte noble. Pero, de hecho, bailar de puntillas es muy difícil.
Quienes se dedican al arte del ballet y exploran sus secretos no están dispuestos a dejarlo. Los secretos de las zapatillas de ballet serán revelados. El misterio del ballet ya no existirá.
La enorme carga que pueden soportar las zapatillas de ballet es comparable a la de las zapatillas de fútbol. La clave es que la puntera no sólo es suave. , pero también tiene un factor de seguridad considerable cuando se rompe la punta del zapato, la actriz tenía la garantía de no quedar discapacitada.
Las zapatillas de ballet producidas por la famosa compañía rusa Grishko son populares en más. de 30 países, desde África hasta México.
La punta de las zapatillas de ballet está hecha de tela, como el satén, con el que se puede fabricar el corsé. Los expertos de "Grishko" concluyeron que es el color más adecuado para el ballet. Los zapatos son color melocotón, lo que estimula al público y también puede reconfortar a la propia actriz, en lugar del color rosa que se suele utilizar en muchos países.
El mayor secreto de la punta de las zapatillas de ballet es la "caja de zapatos". " que permite a la actriz bailar de puntillas. En la puntera, la "caja de zapatos" es en realidad una funda dura que cubre los dedos y parte del pie. La "caja de zapatos" está hecha de seis capas del lino más común. u otros textiles y no contiene madera, plástico, corcho y otros materiales. La empresa "Grishko" tiene experiencia en adhesivos que hacen que la puntera no sea demasiado dura ni demasiado blanda para romperse fácilmente.
La puntera está hecha a mano. cosido y luego integrado con el resto del zapato. El interior y el exterior de la "caja" se cosen juntos. Después de eso, el zapatero gira la punta del zapato hacia atrás y usa un pequeño martillo para golpear la "caja de zapatos". Si no hay desniveles, deje el zapato en posición vertical sobre un objeto duro para ver si puede mantener el equilibrio. Finalmente, deje que los zapatos se sequen a 50 grados centígrados y guárdelos a temperatura ambiente. ¡Un par de zapatillas de ballet están listas! >
Desafortunadamente, la vida de un par de zapatillas de ballet es corta: dos o tres representaciones. El récord de las zapatillas "Lishko" es el de la solista del Teatro Bolshoi Nadezhda Gracio, que colaboró con Kitri y bailó nueve veces en el ballet ". Don Kihuot".
Para adaptarse a las diferentes alturas de pies, siempre existen tres tipos de zapatillas de ballet: "Vaganova", "Alita" y "Fujie". Además, cada modelo está dividido en 17 tallas Hay cinco tallas para la gordura. Cualquier actriz puede elegir sus zapatos ideales entre 255 tipos de zapatos de diferente grosor, tamaño y gordura.
Sin embargo, para que los zapatos se ajusten mejor a sus pies, cada actriz tiene su propio método ingenioso: algunas usan un pequeño martillo para golpear los zapatos, otras usan una puerta para apretar los zapatos y algunas colocan varias cosas en "cajas de zapatos". ." ..
La bailarina de ballet rusa Yekaterina Maximo Vaya admitió que en una época en la que no hay suficientes opciones, tiene que pasar una película entera cada vez que se estrena una nueva obra. Dale a tus pies unos días acostumbrarse a los zapatos de baile.
Hay una cosa más que no se menciona. Cada actriz suele coser ella misma una pequeña cinta en sus zapatos de baile. ¡El camino al escenario está abierto!
En cuanto a los actores, usan los llamados zapatos blandos; para los no iniciados, son simplemente zapatos de tela comunes y corrientes. Su tecnología de producción no es tan buena como la de las actrices, pero también tiene sus propias sutilezas. Hay dos tipos de zapatos blandos: de suela entera y de suela partida. La suela partida consta de dos partes: la parte delantera y el talón. Es la parte delantera del zapato la que permite que los pies del actor se sientan cómodos y libres por dentro.