(1) Cuadro de dibujo. Caja de herramientas para guardar materiales de pintura como pinturas, pinceles, paletas y mezclas. Hecho principalmente de madera, tiene tres patas retráctiles para pintar en interiores y dibujar en exteriores.
(2) Caballete. Se utiliza para arreglar el marco. Según las necesidades del pintor, el caballete interior puede mover la imagen hacia arriba y hacia abajo; el caballete plegable se utiliza para dibujar al aire libre. Los caballetes también se pueden combinar con marcos de cuadros o mesas: caballetes con marcos de cuadros.
(3) Dibujar una tabla. Al pintar en interiores se utiliza para colocar utensilios y elementos como paletas y pinturas. Las mesas de dibujo profesionales tienen muchas funciones, y las que se pueden mover libremente y ajustar en altura son las mejores.
(4)Dibujar un taburete. El taburete para pintar en interiores es regulable en altura y el taburete para pintar en exteriores es plegable. También hay un taburete para pintar en forma de escalera que se puede mover hacia arriba y hacia abajo y que se utiliza para pintar cuadros al óleo de gran tamaño.
(5)Dibuja un paraguas. Es especial cuando sales a dibujar. Puede bloquear la lluvia y la luz solar directa. Los paraguas especiales suelen tener ajustes fijos.
(6) Pincel. Existen diferentes tipos, tamaños y modelos de bolígrafos, divididos en pelo de animal y pelo artificial, para combinar colores y colorear imágenes.
(7) Saca un cuchillo. Hay muchas formas. Se utiliza principalmente para mezclar colores, pintar, raspar, limpiar tableros de dibujo, etc.
(8) Paleta. Disponible en formas rectangulares y ovaladas, se utiliza para combinar colores y colocar pintura.
(9) Olla de aceite. Se utiliza para contener aceites coloreados, trementina y otras mezclas. Se puede enganchar a la paleta una pequeña botella de aceite con una hoja de resorte en el fondo.
(10) Lavaplumas. Se utiliza para limpiar o sujetar pinceles de colores.
(11)Dibuja un bastón. También llamado muñequera. Se utiliza para apoyar los brazos mientras se pinta.
(12) Tenazas tensoras de tela. Las mandíbulas son más anchas y están especialmente diseñadas para estirar lienzos.
(13) Encargar armas de fuego. Se utiliza para fijar el lienzo, similar a una grapadora. Hay dos tipos de grapas, grandes y pequeñas, que son un poco más largas y duras que las grapas normales.
(14) Martillo pequeño y clavos. Método tradicional para estirar lienzos. Algunos martillos pequeños tienen imanes en un extremo que pueden atraer clavos.
(15) Se utiliza papel de lija o piedra pómez para pulir el lienzo al hacer la base.
(16)Carbón, lápiz y borrador. Utilizado para dibujar.
(17) Tablero de dibujo. Para dibujar o crear.
(18) Periódico o tela. Se utiliza para limpiar bolígrafos o cuchillos de dibujo. La punta del paño también tiene un propósito especial para limpiar fotografías.
(19) Batidora eléctrica. Se utiliza para hacer base o pegamento.
(20) Cepillos y raspadores. Utilizado como base de lienzo.
(21) Calentador. Se utiliza para calentar al hacer pegamento o mezclas.
(22) Losa de mármol y mano de moler. Se utiliza para moler pinturas al óleo.
(23)Espejo. Al mirar la imagen en el espejo, se pueden detectar errores de modelado. La lupa facilita la observación del efecto general y la lente negra se utiliza para observar la relación entre el blanco y el negro.
Además, hay vasos, botellas, cajas metálicas, latas metálicas y otros recipientes, además de reglas, tijeras, alicates, cintas métricas, pinzas, básculas, morteros de cobre, secadores de pelo, pistolas pulverizadoras, etc. Todos son útiles.
Tipo de pintura en el que se mezcla aceite vegetal transparente con pigmentos para crear una imagen artística sobre materiales como tela, papel y tableros manufacturados. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en una pintura importante en el mundo en los tiempos modernos. La pintura al temple en la pintura europea anterior al siglo XV fue la predecesora de la pintura al óleo. Mientras utilizaban el método de la tempera, muchos pintores continuaron buscando un temperamento más ideal. Generalmente se cree que los hermanos Van Eyck, pintores holandeses de principios del siglo XV, fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basado en intentos anteriores de disolver pigmentos con aceite, usaron aceite de linaza y aceite de nuez como agentes mezcladores para pintar, lo que hizo que la pintura fuera suave y la pintura tomó un tiempo de secado moderado en la imagen. Fue fácil de cubrir y modificar muchas veces durante el proceso. el proceso de pintura, formando una rica textura y brillo. Después del secado, la pintura tiene una fuerte adherencia y no se despega ni se decolora fácilmente. Utilizaron nuevos materiales de pintura al óleo para crear, lo que fue muy influyente en el mundo de la pintura en ese momento.
Las técnicas de pintura al óleo pronto se extendieron a otros países de Europa occidental, especialmente a Venecia, Italia.
Materiales y Herramientas Los principales materiales y herramientas para pintar al óleo son pintura, pincel, cuchillo, lienzo, barniz, marco, etc.
①Los pigmentos se pueden dividir en dos categorías: minerales y de síntesis química. Los pigmentos originales eran en su mayoría pigmentos minerales, molidos a mano hasta obtener un polvo fino y mezclados durante la pintura. En los tiempos modernos, se producían en masa en fábricas y se guardaban en latas, y los tipos de pigmentos se hicieron cada vez más numerosos. Las propiedades de los pigmentos están relacionadas con su composición química. Al mezclar colores, las interacciones químicas pueden provocar algunas reacciones adversas entre los pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a aprovechar al máximo tus habilidades para pintar al óleo y a mantener el color de tu obra sin cambios durante mucho tiempo.
(2) Los cepillos están hechos de pelo de animal con elasticidad moderada. Tienen puntas redondas, puntas planas, puntas cortas y planas, formas de abanico, etc.
(3) Las espátulas para pintar, también conocidas como espátulas, están hechas de finas láminas de acero elásticas y se pueden dividir en formas puntiagudas y redondas. Se utiliza para mezclar pintura uniformemente en la paleta. Muchos pintores también utilizan cuchillos en lugar de bolígrafos, pintando directamente con el cuchillo o formando parcialmente capas de pintura y textura sobre el lienzo para aumentar la expresividad.
(4) El lienzo, lienzo estándar, se fabrica estirando lino o lienzo sobre un marco interior de madera, mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y recubriéndolo sobre la superficie de la tela. Generalmente se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de patrón, o se puede convertir en una base semi-absorbente o totalmente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor de la veta de la tela depende del tamaño del marco y de las necesidades del efecto de pintura. Algunos pintores utilizan un lienzo con un color de fondo para formar fácilmente un tono de imagen unificado y también pueden revelar inadvertidamente el color de fondo al pintar. Después de la imprimación, también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite en lugar de lona.
⑤ El vidriado, generalmente una vez seca la pintura al óleo, se cubre con barniz para mantener el brillo del cuadro y evitar la cavitación y las manchas.
⑥Marco, una pintura al óleo completa incluye un marco, especialmente una pintura al óleo muy realista. El marco forma el límite visual de la obra del espectador, haciendo que la imagen parezca completa y concentrada. Los objetos de la pintura se desarrollan en profundidad en la percepción del espectador. El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos principalmente de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos principalmente de aleación de aluminio y otros materiales metálicos.
Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo han llevado a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. Durante siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para aprovechar al máximo los efectos expresivos de los materiales de pintura al óleo. Las principales técnicas de pintura al óleo son:
(1) Método de superposición transparente, es decir, utilizar pigmentos diluidos con aceite de color para crear representaciones de múltiples capas sin agregar blanco. Es necesario aplicar la siguiente capa después de que cada capa esté seca. Debido a que cada capa de color es delgada, el color de la capa subyacente se revela débilmente, creando tonos sutiles con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul estable sobre una capa de color rojo intenso producirá un rico efecto de azul y violeta, es decir, frío y cálido. Este es a menudo un tono que no se puede transferir a la paleta de colores. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Es especialmente adecuado para representar vívidamente los delicados cambios de color de la piel humana, haciendo que las personas sientan la sangre fluyendo debajo de la piel. Sus desventajas son una gama de colores estrecha, una tecnología de producción meticulosa, mucho tiempo para completar el trabajo y no es fácil expresar los sentimientos actuales de creación artística del artista.
(2) Método de superposición de opacos, también conocido como método de coloración multicapa. Al pintar, primero dibuje una forma grande con un solo color y luego déle forma con varios colores. Las partes oscuras a menudo se pintan finamente, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan gruesamente en capas, ya sea cubriéndolas o dejándolas, para crear un bloque de color contrastante. Debido a los diferentes espesores, muestra el rico encanto y textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los métodos de pintura transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar una combinación de ellos en una pintura. Al expresar objetos en la oscuridad o en la sombra, el método de color de cobertura transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio. Las reglas de superposición de colores opacos facilitan la creación de formas fuera de las partes oscuras y aumentan la saturación del color; imagen. Antes del siglo XIX, la mayoría de los pintores utilizaban estos dos métodos de pintura y, por lo general, llevaba mucho tiempo completar la obra. Algunos pintan una capa y luego la dejan durante mucho tiempo, esperando a que la capa de color se seque por completo antes de pintar.
③ Método de color primario opaco, también conocido como método de coloración directa.
El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países han realizado diferentes exploraciones en profundidad del lenguaje de la pintura al óleo en función del origen social y el temperamento nacional en el que viven. Los tipos de pinturas al óleo se dividen en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se enriquecen cada vez más, formándose escuelas en diversos países y regiones.
Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, la intensidad de la luz y la oscuridad y los niveles de espesor para crear una sensación de luz y formar una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de las pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, a menudo usando las grandes áreas oscuras del plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo que la gente sintiera que la luz en la pintura es muy deslumbrante. El pintor español El Greco pintó paisajes con luces y sombras moteadas. No lo modeló desde la perspectiva mojigata de la luz y la oscuridad, sino a partir de la distribución intermitente de la luz y la oscuridad. Los colores fríos y cálidos también forman cambios intermitentes y continuos con una pincelada solemne, las capas de color se penetran entre sí durante la compresión, dando a las personas un efecto confuso, y algunas incluso impregnan una atmósfera misteriosa e inquietante. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus pinturas como medio para expresar el estado mental de las personas. En muchos de sus retratos, los personajes están envueltos en grandes áreas de oscuridad, y sólo partes importantes, como rostros y manos, expresan expresiones que muestran un brillo brillante. Usó colores tranquilos para crear múltiples capas delgadas de pintura en las áreas oscuras para hacer que las áreas oscuras parecieran profundas, mientras que usó pintura espesa y superposiciones estilo cuchillo en las áreas brillantes para crear una sensación de volumen pesado.
Al mismo tiempo, el uso de la pincelada también ha sido explorado por muchos pintores. Las pinceladas son las huellas del movimiento de la pintura sobre el lienzo por el pincel al óleo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de la pintura era relativamente consistente y las pinceladas eran uniformes y casi invisibles. Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por el estado de ánimo y el ritmo emocional de la pintura, y que los pintores podían generar emociones para controlar el movimiento de las pinceladas mientras pintaban. La ligereza, el peso, la lentitud y la urgencia de las pinceladas no sólo hacen que la imagen sea vívida, sino que las pinceladas mismas también tienen expresión artística. El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó una gran cantidad de pinturas bañadas en colores finos y brillantes en muchas obras de gran escala, dejando pinceladas libres, desenfrenadas y curvas a lo largo de las figuras, creando el fuerte impulso de los personajes y la trama de la historia. conflicto. El pintor holandés Hals pintó retratos con pinceladas ligeras y flexibles, llenando los retratos de vitalidad y complementando su carácter heroico y optimista. Otro pintor holandés, J. Vermeer, representó bien a los personajes de la habitación con trazos redondos y delicados como perlas, dando al cuadro una atmósfera tranquila y cálida.
El desarrollo de la pintura al óleo tuvo una nueva tendencia en el siglo XIX, principalmente el cambio de color de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre, adquiriendo un rico sentido del color. Yuxtapone colores con pequeñas pinceladas en áreas localizadas, mezclándolos en parches de color más vibrantes, haciendo que la pintura sea mucho más brillante que los clásicos tonos marrones. La complementariedad de los colores (el principio de que los colores en polos opuestos de la rueda cromática realzan el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocida más tarde por la ciencia, pero fue Constable quien adquirió el principio de los colores complementarios de manera perceptible al observar la naturaleza, y en él se aplica parcialmente en la práctica. Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix lideró sus creaciones con el romanticismo y creó pinturas temáticas de gran formato basadas en acontecimientos históricos de la época. Aplicó relaciones de color más complementarias a las expresiones cromáticas de sus creaciones. Utilizó pinceladas positivas en muchas partes de la imagen para formar contrastes de color, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron en diferentes condiciones climáticas naturales y se dieron cuenta de la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena, así como el papel del tono de color al reflejar el tiempo, el entorno y la atmósfera. resaltar el tema artístico y formar La concepción artística y el estado de ánimo de la imagen son de gran importancia. Un gran número de sus creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento natural, la lluvia, la mañana y el anochecer. Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron contribuciones innovadoras al uso del color.
De 65438 a 0887, Li Tiefu estudió en Inglaterra y Estados Unidos y estudió con pintores impresionistas. Del 65438 al 0904, Li Shutong y otros estudiaron pintura al óleo en Japón. Además, hay pintores que estudiaron en Europa por cuenta propia. A finales de la década de 1920, los estudiantes extranjeros regresaron a China uno tras otro y participaron activamente en la creación y educación de la pintura al óleo. Formaron varias sociedades de pintura y sociedades artísticas con ellos como cuerpo principal, publicaron álbumes de imágenes e introdujeron las pinturas al óleo occidentales. De esta manera, la pintura al óleo se introdujo en China directamente desde Europa e indirectamente desde Japón, convirtiéndose en un nuevo tipo de pintura en China.
Los estudiantes internacionales estudiaron en diferentes escuelas de arte o estudiaron con pintores de diferentes estilos, lo que hizo que las primeras pinturas al óleo de China parecieran diferentes. Debido a la falta de atmósfera social para el arte de la pintura al óleo y las limitaciones de los materiales después de que el pintor regresó a China, las primeras pinturas al óleo chinas no eran tan suaves y expresivas como las pinturas al óleo occidentales. Algunas obras utilizan materiales de pintura al óleo para expresar el contenido y las características de modelado de las pinturas tradicionales chinas. Las imágenes a menudo parecen secas y estancadas y no son fáciles de conservar durante mucho tiempo.
Desde la década de 1920 hasta la década de 1940, la Facultad de Arte de Beiping, el Departamento de Arte de la Universidad Central, el Instituto de Arte de Hangzhou, el Instituto de Arte de Shanghai, el Instituto de Arte de Suzhou, el Instituto de Arte de Wuchang, etc. cultivaron una serie de talentos para la pintura al óleo. Liu Haisu, Lin Fengmian y Xu Beihong son artistas de la pintura al óleo que han tenido una gran influencia en el sector educativo y sus obras representaban el nivel más alto en ese momento. Muchos pintores, representados por Xu Beihong, insisten en utilizar contenidos de la vida real como tema, representando tramas específicas, centrándose en la forma rigurosa del cuerpo y los colores realistas. Los temas de sus obras están estrechamente relacionados con el trasfondo social e histórico de la época, formando una fuerte significación social y educativa. Algunos pintores, como Lin Fengmian y Liu Haisu, prestan atención a absorber los estilos de varias escuelas posteriores al impresionismo europeo, expresando principalmente sus sentimientos subjetivos sobre el paisaje a través de colores ricos y pinceladas libres. Las imágenes tienen un fuerte sentido de forma artística y en su mayoría son suaves y relajadas. En la década de 1940, algunos pintores al óleo que regresaron de estudiar en el extranjero fueron a las Grutas de Dunhuang y otros lugares para estudiar el arte chino antiguo, y pintaron obras que absorbieron las formas y colores de las pinturas tradicionales chinas.
Tras la fundación de la República Popular China, las pinturas al óleo chinas se hicieron populares. A finales de la década de 1950, la enseñanza y la creación de la pintura al óleo se vieron influenciadas por nuevas influencias extranjeras, y se adoptó principalmente el modelo de pintura al óleo ruso-soviético. En el trabajo básico, las características de las técnicas de pintura al óleo son: centrarse en representar el efecto de los objetos bajo una fuente de luz principal, utilizando la transición entre la luz y la oscuridad, es decir, la relación entre el boceto, como factor dominante en el modelado. El color representa los tonos que se desarrollan entre objetos e imágenes debido a la influencia de los colores ambientales. Generalmente, la pintura multicapa se utiliza para mantener la transparencia de las partes oscuras y la superposición de las capas de color en las partes brillantes. Las pinceladas son más amplias y obvias, formando giros y texturas decentes de objetos e imágenes.
La pintura al óleo china sigue principalmente los principios artísticos que reflejan la vida social real. Sobre la base de observar la vida, recopila materiales creativos a través de bocetos para formar una concepción artística clara. Encarna el tema artístico creando escenas de un cierto estado momentáneo de la vida, enfatizando la trama y la naturaleza literaria del contenido. La imagen generalmente tiene una perspectiva de enfoque realista, utilizando luces, sombras y formas para resaltar el tema. La tendencia del tono forma la concepción artística de la imagen y resalta el tema. Muchas obras basadas en la vida real y hechos históricos modernos reflejan la conciencia social común en los años 1950 y la primera mitad de los años 1960. Las técnicas de pintura al óleo se han vuelto cada vez más ricas y se han convertido en una forma de pintura vibrante en el mundo de la pintura china. A finales de la década de 1960, la pintura al óleo china pasó de un camino artístico estrecho a la conceptualización, presentando un contenido único. Muchas obras se convirtieron en ilustraciones de los lemas políticos de la época, perdiendo casi por completo las características de las pinturas al óleo.
Después de 1979, la pintura al óleo china se desarrolló gradualmente con normalidad, cambiando la situación anterior de absorber un solo modelo de pintura al óleo y absorber varios estilos y escuelas occidentales, desde el clásico al moderno. Los artistas prestaron más atención a la función estética de la pintura al óleo y a la diversificación y personalización del lenguaje formal de la pintura al óleo, formando así la prosperidad inicial de la pintura al óleo china. Entre ellos, el destacado estilo de pintura al óleo absorbe las técnicas de la pintura al óleo clásica francesa y presta atención a formas rigurosas y resumidas artísticamente. Los delicados cambios de color y los colores de múltiples capas constituyen tonos armoniosos, haciendo que las obras sean elegantes y frescas en concepción artística. Algunos se inspiran en el realismo fotográfico americano y utilizan pinceladas extremadamente finas para representar objetos con estructuras racionales. Sus obras se basan en la vida real y a menudo expresan un estado de ánimo indiferente. Cada vez más pintores buscan la expresión emocional artística y utilizan materiales de pintura al óleo de manera flexible para crear obras de arte llenas de personalidad.
El rico poder expresivo de la pintura al óleo es cada vez más evidente en su desarrollo. Es un lenguaje artístico importante en el mundo para comunicar las emociones humanas.
Tengo entendido: las personas que estudian pintura al óleo siempre quieren combinar la pintura china y occidental, así que primero aprendan las técnicas de pintura al óleo occidentales y luego combínenlas con la pintura china.
Las personas que; Estudiar pintura china también quiere combinar la pintura china y occidental, así que primero aprenda las técnicas de pintura tradicional china y luego combínelas con la pintura occidental.
El arte chino y el occidental son sistemas diferentes. Sólo cuando hayas dominado ambos a un nivel muy alto podrás plantearte combinarlos. No seas superficial sólo para ser famoso. De hecho, cada sistema puede ser único. Mientras estudies mucho, puedes brillar en un tema pequeño. No seas oportunista. No hay atajos para llegar al reino más elevado del arte.