Discurso en el Chunhui Hall de la Universidad del Sureste (Resumen)
Deborah Howard, profesora invitada de la Universidad del Sureste, profesora del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Cambridge
Primera parte : Florencia y el Renacimiento temprano.
Renacimiento "Renaissance" es la palabra francesa para "renacimiento". Se utilizó por primera vez para describir la civilización italiana de los siglos XV al XVI en "La civilización renacentista de Italia" (1860) de Jacob Burckhardt. Ya en 1550, el concepto de "renacimiento" fue utilizado por el artista italiano Vasari en la primera edición de su libro "Vida del artista". Dividió el desarrollo artístico de esa época en tres etapas: el período de incipiente en el siglo XIV, la adolescencia en el siglo XV y el período principal en el siglo XVI. La división de estos tres períodos hace que el vago concepto de desarrollo y progreso artístico sea claro e intuitivo. Los historiadores posteriores heredaron de Vasari este eficaz marco de investigación. El concepto de "arte renacentista italiano" todavía se utiliza hoy en día y sus connotaciones son las siguientes: Primero, Vasari dividió su biografía de artista en tres etapas, correspondiendo cada etapa a un siglo independiente. En segundo lugar, Italia es la cuna de este Renacimiento. En tercer lugar, la idea de renacimiento surge del renacimiento anterior del gran arte de la antigua Roma. En cuarto lugar, por primera vez, la biografía de Vasari se centró en las "características de personalidad de los artistas" y llamó a quienes se destacaban entre todos los artistas "dones de genio". Pero Vasari también tenía algunos prejuicios. Por ejemplo, cree que sólo la pintura, la escultura y la arquitectura son formas de arte avanzadas y presta poca atención a otras formas de arte. Este concepto influyó en las investigaciones artísticas posteriores.
Florencia realizó sorprendentes avances simultáneos en pintura, escultura y arquitectura a principios del siglo XV, convirtiéndose en el centro artístico de la época. Estos logros dependen de patrocinadores ilustrados. Florencia proporcionaba un ambiente excelente para las artes, con el poder en la ciudad y el campo concentrado en gran medida en manos de un gremio de banqueros, comerciantes y fabricantes. Esas familias ricas, especialmente los grandes banqueros Medici y Lucila, estaban interesadas en el patrocinio del arte y estaban dispuestas a aprender más sobre la antigua civilización romana. También les gustaba reclutar a un grupo de eruditos llamados "humanistas" para concentrarse en estudiar la antigua Grecia y Roma. Literatura e historia.
Centrémonos en tres artistas que lideraron el renacimiento artístico a principios del siglo XV.
Brunelleschi (1377-1446) Brunelleschi es generalmente considerado como el primer arquitecto del Renacimiento. Vasari creía que la inspiración decisiva para que Brunelleschi se dedicara a la arquitectura fue su primer viaje a Roma con su colega artista Donatello, y que el estudio de la arquitectura romana antigua era un paso importante en el proceso de aprendizaje del arquitecto. La primera demostración arquitectónica de Brunelleschi de su sistema New Harmony fue un orfanato financiado por su gremio. Además de los logros artísticos, el Renacimiento fue también un período importante de progreso tecnológico y desarrollo científico. En 1420, Brunelleschi recibió el encargo de construir la cúpula de la catedral de Florencia. No sólo inventó cómo erigir cúpulas sin soportes temporales, sino que también inventó nueva maquinaria para usar en el proceso de construcción. La cúpula adopta una estructura de techo hueco de doble capa y está sostenida por nervaduras de arco de acero. La parte superior del caparazón inferior está hecha de piedra y la parte superior del caparazón superior está hecha de ladrillos en forma de espiga. Este fue probablemente el avance tecnológico más importante del Renacimiento italiano. Al mismo tiempo, Brunelleschi inventó la técnica de utilizar la perspectiva de un punto para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Fue la técnica de la perspectiva la que provocó una revolución en la pintura. Esto lo podemos ver en su trabajo con el gran pintor contemporáneo Masaccio.
Masaccio (1401-C.1428) Las obras de Masaccio demuestran plenamente cómo utilizar la perspectiva para dar a las personas una sensación de calidad y cantidad. Su estilo era simple y menos ornamental, mostrando un nuevo enfoque en el espacio y el volumen. Él y Mazzoli Noo produjeron una serie de frescos para la Capilla Burca de Notre Dame de Camille en Florencia, con figuras realistas y formas precisas que crearon una increíble sensación de extensión espacial en la pintura. La técnica de la perspectiva pronto fue mencionada por Alberti, otro arquitecto, artista y erudito florentino, en su libro Sobre la pintura (1435). La nueva tecnología de la perspectiva permitió al espectador adentrarse de forma inmersiva en el mundo de la pintura.
Un poco de perspectiva amplía enormemente las posibilidades del arte realista.
Donatello (1386-1466) Donatello se especializó en una variedad de medios, incluidos mármol, roca y bronce. Las primeras series de esculturas de los evangelistas exhiben un nuevo estilo plástico grandioso y monumental. Su estudio del estilo clásico es evidente en su tradicional escultura de bronce David. Donatello y Padua hicieron una famosa estatua de bronce del comandante mercenario a caballo, la Cata Mirada.
Conclusión Las enseñanzas de estos tres pioneros a principios del siglo XV influyeron en casi todos los artistas italianos posteriores. La innovación en la pintura se puede ver en las obras de muchos pintores. Repasamos imágenes artísticas de Florencia, que innovó en arquitectura, pintura y escultura a principios del siglo XV. La antigua Roma se consideraba una edad de oro perdida y todos los artistas y mecenas estaban ansiosos por recrearla. Inevitablemente, sólo podemos conocer esa época a través del relato de Vasari, y debemos ser cautelosos con las muchas ideas más recientes que han llenado nuestra comprensión del Renacimiento.
Parte 2: Roma durante el apogeo del Renacimiento (1500-1527)
En aquel momento, Roma, que se encontraba en las primeras etapas de la “madurez” de Vasari, se había convertido en una nuevo centro de arte italiano.
Papa 65438 Tres papas poderosos de principios del siglo VI eran todos apasionados por el arte. El primero fue Julia II. Fue un entusiasta partidario del arte y presidió el período de genio más glorioso que floreció en la historia de. Arte occidental, Julia II murió en 1513 y fue reemplazada por el Papa León X, que provenía de la familia Medici y se convirtió en un entusiasta mecenas de las artes. León X murió en 1521. El Papa Adriano VI sólo reinó dos años antes de ser reemplazado por otro Papa de los Medici, Clemente VII (1523-1534). El reinado de Clemente llegó a un abrupto final con el terrible "Saqueo de Roma" en 1527. El "Saqueo de Roma" marcó el final de esta gloriosa era de mecenazgo artístico.
Boul Lamont (1444-1514) Con el apoyo de Julio II, los tres maestros del Renacimiento Boul Lamont, Miguel Ángel y Rafael crearon sus obras más perfectas. Bramont llegó a Roma después de la invasión francesa de Milán y comenzó una serie de ambiciosos proyectos de construcción con Julia II. Uno de ellos fue la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en el Vaticano. El primer boceto nuevo de la Basílica de San Pedro era simétrico. La tumba de San Pedro está coronada por una gran bóveda principal con cuatro pequeñas cúpulas en las cuatro esquinas, y los huecos se utilizan de forma flexible como factor activo en el diseño. Sin embargo, este diseño de cruz romana de simetría central finalmente fue abandonado y añadió una nave.
Miguel Ángel (1475-1564) Julia II quería construir para ella un lujoso mausoleo gigante en el complejo de la Nueva Basílica de San Pedro. Nombró al famoso escultor Miguel Ángel para hacerse cargo del proyecto, quien diseñó cuatro grandes monumentos separados con más de 40 figuras. Al final, el plan nunca se completó y sólo sobrevivieron unas pocas estatuas. Una de las razones por las que el mausoleo no se completó fue que Giulia le pidió a Miguel Ángel que decorara el techo de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Miguel Ángel completó todo el proyecto por su cuenta. En aquel momento, él era sólo un joven escultor de 30 años sin experiencia en pintar frescos. Miguel Ángel finalmente completó todo el mural del techo en 1512. Esta obra también es reconocida como una de las obras más importantes de la historia de la humanidad.
Rafael (1483-1520) Julia II encargó a Rafael la tarea de decorar la "Sala de Contratos" del Palacio Vaticano. La primera sala (llamada Sala de Autógrafos) fue diseñada como biblioteca personal del Papa. Las paredes y el techo de la habitación estaban cubiertos de cuadros sobre todos los temas del conocimiento humano. El techo representa principalmente las cuatro categorías típicas de bibliotecas: filosofía, derecho, teología y literatura. Estas cuatro ramas del conocimiento humano se hacen eco entre sí en los enormes frescos, completando una compleja fusión de filosofía antigua, literatura y credos y doctrinas cristianas. Más tarde, el Papa León encargó a Rafael que diseñara una serie de cuadros de gran tamaño, hiciera exquisitos tapices para decorar las paredes inferiores y le pidió que construyera una enorme "Villa Madama" en las laderas del Monte Maglio en las afueras de Roma.
Aunque inacabada, se pueden imaginar las intenciones de Raphael a partir de varios bocetos y una carta que describe muy bien la idea de la villa. La hermosa terraza con vista a los jardines de la ladera muestra el deseo de Rafael de recrear el estilo de vida de una antigua villa romana.
Conclusión Durante la horrible atrocidad del saqueo de Roma en 1527, muchos artistas fueron robados, atacados o encarcelados. La mayoría de los artistas abandonaron Roma lo más rápido posible para evitar daños. El "Saqueo de Roma" puso fin a esta gloriosa era de mecenazgo artístico. Si bien algunos se sorprenderían por los enormes gastos en arte y arquitectura, esto dio a los mejores artistas la oportunidad de mostrar sus destacadas habilidades y talentos.
Tercera parte: Venecia en el siglo XVI.
Venecia, Venecia, se ha vuelto próspera y poderosa a través de siglos de comercio con Oriente. El contacto prolongado con el mundo islámico bizantino y el norte de Europa dio a los ciudadanos el gusto por los colores magníficos y las tallas decorativas. En el centro de la ciudad hay dos edificios majestuosos que demuestran el dominio de Venecia en el comercio exterior. Uno es el Salón Bizantino de San Kyle y el otro es el Palacio del Gobernador con estilos arquitectónicos islámico y gótico nórdico.
Piazza San Cale 1500 En el siglo XVI, la Piazza San Cale, el centro político de Venecia, iba a ser reconstruida, pero se permitió que permanecieran el Palacio de St. Cale y el Palacio Ducal. El artista Barbagli representa fielmente toda la arquitectura de Venecia en su xilografía Vista aérea (1500). La imagen muestra que la Plaza de San Kyle es una estructura en forma de L, que incluye la plaza grande frente al Salón de San Kyle y la plaza pequeña frente al Palacio del Gobernador. La plaza con forma de anfiteatro donde se celebraban varias ceremonias importantes parecía precaria e incongruente con las grandes ceremonias del país. Venecia y China están decididas a mejorar el aspecto del centro de la ciudad. En 1496, el arquitecto Cordes construyó un campanario a la entrada de la calle Machelia, la calle principal del centro comercial del distrito comercial de la ciudad. El reloj no sólo podía indicar con precisión la hora de celebraciones y reuniones gubernamentales, sino que también podía predecir las mareas. Antes de eso, la gente sólo podía saber la hora por las campanas en lo alto del campanario de St. Kel. Cada mediodía, sobre él se proyecta la sombra del campanario, que parece simbolizar el proceso histórico desde la Edad Media hasta los tiempos modernos, la era científica del Renacimiento. En plena guerra entre Venecia y la Liga de Cambrai (1509-1517), se produjo un incendio accidental en la parte norte de la plaza Saint-Kyle, y las autoridades de gestión decidieron decididamente reconstruir toda la parte norte de la plaza. Fue esta hazaña la que inició el Renacimiento en Venecia.
Cabe mencionar que Venecia durante el Renacimiento fue el centro de impresión y edición de libros más importante del mundo en aquella época. Aquí se imprimieron muchos manuscritos originales importantes de la antigua Grecia y Roma para una mayor difusión. Entre ellos, la "Teoría arquitectónica" de Vitruvio en la antigua Roma ha brindado al público una mejor comprensión de las leyes teóricas de la arquitectura romana antigua.
Al igual que la importante relación entre arquitectos y mecenas formada entre Bramont y Julia II, el ambicioso Doge Grati de Venecia (1523-1538) y su arquitecto favorito San. Tales relaciones también se establecieron en Severino, el Sanseverino Sorbino que Hizo una gran contribución a la reconstrucción de la Plaza de Saint-Caire. Sorbino fue saqueada por Roma y exiliada en el extranjero. Cuando llegó por primera vez a Venecia, tenía poca experiencia en arquitectura y era famoso sólo por su talento escultórico. Pronto tuvo la oportunidad de renovar la cúpula en ruinas del Salón de Saint-Caire y tomó prestados los métodos de Brunelleschi para fortalecerla. Vasari creía que Sam Sorbino fue altamente recomendado por el gobernador Grady, conocido como "un amigo cercano del genio", antes de que ella tuviera la oportunidad de demostrar su talento. Al reconocer que convertirse en protector de los artistas no sólo aumentaba la influencia personal sino que también ganaba el apoyo del público, Grady recomendó que Sam Sorbino reconstruyera los edificios de la Plaza de San Cale. En aquel momento, el problema más apremiante de Sorbino no era mejorar el estado caótico de la plaza sino reconstruir los edificios. El proyecto de reconstrucción dependía no sólo de la estabilidad económica sino también de la comprensión pública del estilo arquitectónico y el lenguaje de Roma durante el Alto Renacimiento.
Fue el socio de Sorbino, Serio, quien proporcionó apoyo teórico para el renacimiento de Roma. En 1528, Sergio solicitó permiso al Senado veneciano para publicar una serie de grabados en madera: "Los cinco pilares de la arquitectura". Planeaba escribir una serie de libros, incluidos varios volúmenes sobre arquitectura.
El primero en publicarse es el Volumen 4, que presenta los estilos arquitectónicos clásicos. El tercer volumen, publicado en 1540, trata sobre los monumentos de la antigua Roma. La publicación de estos dos libros promovió la comprensión del público de la teoría arquitectónica clásica. No se puede subestimar la influencia de estas obras en el diseño de la Piazza San Cair de Sorbino. Serio dice ser profesor de arquitectura (educador). En el libro cuarto clasificó por primera vez los cinco pilares. Sobre esta base, no sólo influyó teóricamente en el estilo de los nuevos edificios de la plaza, sino que también comparó los estilos y calidades de diferentes edificios. Después de que Sergio dejó Venecia para ir a Francia, publicó un segundo libro en París en 1545, que describía vívida y claramente la reconstrucción del centro de Venecia (combinar la atmósfera aristocrática con el clasicismo era la esencia de las ideas innovadoras de Grati).
En 1538, Sorbino diseñó el Gran Campanario. Jonia y Corinto estaban mezcladas en una columna compuesta, una combinación que Serio pensó que era muy adecuada para expresar el impulso del triunfo. Sorbino eliminó la necesidad de soportes para el campanario y separó la biblioteca del campanario para que el Palacio Ducal pudiera verse desde cualquier ángulo de la plaza.
No tiene sentido distinguir deliberadamente las diferencias estilísticas entre Serio y Sansevino. Sorbino fue un talentoso arquitecto y escultor, y Serlio fue el evangelista de grandes teorías nuevas. Sus éxitos individuales se benefician de los logros de los demás y dependen de ellos. De esta manera, el público europeo también puede comprender la superioridad de aquellas columnas en el diseño de estilo neorromano veneciano del período Grati.
En 1570, después de la muerte de Sorbino, el famoso arquitecto italiano Palladio mencionó en su artículo "Cuatro lecturas sobre arquitectura" publicado en Venecia: Sólo después de que el famoso arquitecto y escultor Sr. Sorbino comenzara Después del diseño arquitectónico llegamos a buena arquitectura, y su diseño para la Fiscalía de San Marcos es el más exquisito de la historia. Palladio anticipó el vacío creado por la muerte de Sorbino y presentó su carta de autorización al gobierno de Viena. En sus diseños para las fachadas de la Iglesia de San Giorgio y de la Iglesia Abacial podemos ver su afirmación del diseño de la Piazza San Cair en Sorbino. El Palacio Ducal sufrió dos graves incendios en 1574 y 1577, y se recomendó a Palladio reconstruir todo el palacio en un estilo clásico. Sin embargo, el gobierno veneciano nunca tuvo el coraje de destruir este edificio medieval que había marcado los siglos de poder y prosperidad del país.
Conclusión Sorbino firmó su nombre "Florentino" hacia el final de su vida. ¿Cómo lideró con éxito la industria de la construcción desde 1527 hasta 1570? Las razones son muy complicadas y, en primer lugar, hay que atribuirlas al perfecto sistema de patrocinadores. En segundo lugar, el estilo escultórico neorromano se ajusta a la ideología de la gente de la ciudad. Además, la experiencia de Sorbino como refugiado también lo acercó a los venecianos.
Sorbino se basó en publicaciones existentes y en el talento para crear los efectos visuales ideales y la atmósfera clásica que sólo un artista talentoso podía crear, como lo hizo Palladio. Vasari dijo: "El padre Sorbino fue de hecho el mejor arquitecto de la ciudad, y sus habilidades fueron admiradas desde la gente común hasta los nobles". Fue él quien planeó el Renacimiento, el mayor renacimiento urbano de Italia.
(Traducción: Zhao Li, estudiante de doctorado en el Departamento de Arte, Zhao Yan)