La belleza del periodo de incipiente y desarrollo inicial del capitalismo europeo del siglo XIV al XVI.
Cirugía. Se produjo por primera vez en Italia y alcanzó su punto máximo, para luego extenderse a los Países Bajos, Francia, Alemania, el Reino Unido, España y otros países, arrasando Europa.
Descripción general
La etimología y definición de la palabra Renacimiento proviene del italiano rinas-
Cita significa regeneración o renacimiento. En el siglo XIV, la burguesía emergente la consideraba China.
La cultura del siglo es un oscuro retroceso, mientras que la cultura clásica griega y romana es brillante.
Intentó resucitar la cultura clásica, de ahí el "Renacimiento".
Ci, un buen nombre para una nueva cultura. Esta formulación apareció en las obras del poeta F. Petrarca y del novelista G. Boccaccio y fue popular entre los siglos XV y XVI.
En 1550, G. Vasari lo utilizó oficialmente en su "Quién es quién en los jardines del arte".
Como nombre de una nueva cultura. La palabra se transcribe en francés como renaissace17.
Siglo después, fue utilizado por todos los países europeos. En el siglo XIX, los historiadores occidentales consideraron además
como un término general para la cultura de Europa occidental de los siglos XIV al XVI. Marcó la Europa moderna.
La primera etapa del desarrollo histórico y cultural.
Logros y significado Aunque el Renacimiento se caracteriza por el estudio de los clásicos, definitivamente no es una simple restauración. En esencia, es la creación de nueva literatura a través del estudio de los clásicos.
Cambiar. El arte clásico de Grecia y Roma había sido destruido durante mucho tiempo durante la Edad Media.
Después de quedar bastante discapacitado, aunque se hicieron esfuerzos por recuperarse, los ingresos seguían siendo limitados. Sin embargo, los clásicos de las humanidades en la era del renacimiento literario no se limitaron a imitar a los clásicos, sino que adoptaron su espíritu.
Las formas específicas del arte clásico son instructivas, pero lo más importante es comprender los métodos realistas y las ideas democráticas de la sociedad clásica. El arte controlado por la iglesia medieval era básicamente irreal, y la teología religiosa lo abarcaba todo; el nuevo arte antifeudal del Renacimiento tenía como objetivo principal implementar el realismo y encarnar el humanismo que se oponía al ascetismo religioso, y fue en estos dos aspectos donde el arte clásico se convirtió. Buen maestro y servicial amigo del Art Nouveau, por tanto, el estudio del clasicismo en el arte del Renacimiento se diferencia de las tendencias retro y antiguas de otras épocas. También es diferente del uso ocasional de formas clásicas en el arte medieval. En relación con esto, desde la perspectiva de las características esenciales del realismo, algunos del arte del Renacimiento temprano en Europa occidental (como el arte de los Países Bajos) deben considerarse representantes destacados del realismo. el nuevo arte. Aunque no ha habido mucho desarrollo en el aprendizaje de los clásicos.
Los métodos realistas y las ideas humanistas del arte renacentista están estrechamente integrados en
la práctica creativa. El humanismo enfatiza la sublimidad y el cuerpo de la humanidad.
La perfección global del corazón, dando importancia a la vida real secular, y oponiéndose a la autoridad teológica y
privilegios feudales. La nueva creación artística tiene un carácter verdadero y perfecto y una realidad vívida y rica. Puede reflejar mejor este tipo de pensamiento y producir las obras más extensas y completas.
La reacción fue fuerte. En las condiciones específicas de la época, la creación de arte nuevo era más una forma cultural que era fácilmente aceptada por las masas y la burguesía emergente, por lo que era hermosa
El arte se convirtió en el Renacimiento Los representantes más populares de la cultura tienen los logros más ricos.
El arte renacentista es la fuente del arte moderno occidental. Su estilo básico y sus técnicas de expresión constituyen la principal tradición del arte moderno occidental y tienen una influencia de gran alcance. En términos de artes plásticas, toma como tarea principal los faxes realistas y crea técnicas de expresión como la anatomía humana y reglas de perspectiva basadas en teorías científicas e investigaciones prácticas, lo que lo lleva a alcanzar un nuevo pico después del arte clásico. es fundamentalmente diferente del arte oriental y de todo el arte anterior a los tiempos modernos. En términos de arte arquitectónico, su tarea principal es la restauración de la tradición arquitectónica clásica y, al mismo tiempo, presta atención a las leyes racionales de la estética arquitectónica, estableciendo así un modelo para la arquitectura moderna occidental que ha durado cientos de años. . En términos de identidad social y formación profesional, los artistas del Renacimiento también experimentaron una evolución desde la Edad Media hasta la era moderna.
Durante los siglos XIV y XV, los artistas se organizaron en gremios, equivalentes a los artesanos, y el aprendizaje de habilidades también tomó la forma de maestros y aprendices en los talleres.
A partir del siglo XVI, los artistas se convirtieron en miembros de la clase intelectual moderna, los gremios se convirtieron en sociedades o academias de arte y se reconocieron las personalidades, los talentos personales y las características estilísticas de los artistas. En esta época comenzaron a surgir investigaciones sobre biografías de artistas, crítica e historia del arte.
El trasfondo del arte escénico del Renacimiento es el feudalismo europeo.
Los brotes de la economía capitalista y la complicación de la industria y el comercio urbanos han aparecido dentro de la sociedad.
El contenido y sus políticas son relativamente independientes o autónomos. A finales de la Edad Media surgieron dos situaciones evidentes en Europa occidental: Italia en el sur, especialmente Florencia y los Países Bajos en el norte, incluidos lo que hoy son los Países Bajos y Bélgica; En el siglo XVI, Francia, Gran Bretaña y España establecieron un poder real nacional unificado y también se desarrollaron las economías urbanas. Existió una cierta alianza entre el poder real y la clase civil contra el separatismo feudal, y allí se extendió el arte renacentista. Según las condiciones específicas de los diferentes países, las etapas de desarrollo del arte renacentista son diferentes: en Italia (representada principalmente por Florencia), se puede dividir en tres etapas: la etapa inicial (siglo XIV), la etapa temprana (siglo XV) y la etapa de prosperidad (siglo XVI); en los Países Bajos, hay dos períodos: el siglo XV y el siglo XVI; en Francia, Gran Bretaña, Alemania, España y otros países, es principalmente el siglo XVI, y generalmente es. no subdividido. En el siglo XVII, al arte renacentista le siguió el arte barroco en Europa occidental. Debido a que el arte barroco tiene muchas herencias de las tradiciones renacentistas, algunas personas en el pasado lo clasificaron como arte renacentista y creían que todo el arte occidental hasta el siglo XIX pertenecía a la etapa del Renacimiento. En general, se cree que hubo nuevas creaciones en los siglos XVII al XVIII, todas ellas independientes del Renacimiento.
Descripción general del desarrollo
Italia Ya en la segunda mitad del siglo XIII, Florencia en el centro de Italia.
Surgió una nueva corriente artística con Saboya como centro, que supuso la dirección del arte medieval
La transformación del arte renacentista.
Las figuras representativas de esta época son el pintor Cimabue y el escultor N. Pisa.
No, este último completó el oratorio del Baptisterio de Pisa en 1260, considerado
una de las primeras obras renacentistas de imitación del estilo clásico, con figuras en relieve.
Weizhuang, con el estilo de los antiguos romanos, aunque infantil, revela la atmósfera de la nueva era
El amanecer de una generación.
Pisano: Oratorio del Baptisterio de Pisa
En su período inicial, después de Cimabue, la Escuela Florentina adquirió una nueva belleza.
La escuela de arte más importante produjo al gran artista Giotto en el siglo XIV. Gao
Aunque las obras de Tuo pertenecen a la categoría religiosa, su arte tiene una clara tendencia al realismo.
El tema comenzó a mostrar verdaderamente las escenas de la vida secular, centrándose en la profundidad del espacio.
La representación tridimensional de sistemas y personajes encarna realismo y humanismo.
La combinación de significado y justicia es la característica básica del arte renacentista, siguiendo a Giotto y Buda
La escuela de Lorenza tiene un gran número de personas y afecta a toda la región de Toscana. Presencia
En escultura, a Pisano le siguieron su hijo G. Pisano y Florencia.
El escultor y arquitecto Arnolfo di Cambio (1232 ~ 1302), en
Bajo los auspicios de G. Pisano, Florencia inició dos grandes proyectos constructivos:
El edificio del ayuntamiento y la catedral, el primero fue construido entre 1299 y 1311, y el segundo en 2008.
Iniciada su construcción en 1296, no se completó hasta mediados del siglo XV.
El Beso de Judas.
Ya en el siglo XV d.C., el arte renacentista italiano entró en Penguin.
Florencia siguió siendo el centro más grande durante esta etapa de desarrollo, pero también surgieron otras áreas
escuelas importantes. A principios del siglo XV se construyó por primera vez el arte florentino.
La arquitectura y la escultura alcanzaron un clímax, con el arquitecto F. Brunelleschi siendo pionero en esta práctica.
Un cuidadoso estudio de los restos clásicos, el uso de estilos y columnas clásicas, completó Florencia
Después de la cúpula del Duomo, una guardería (1419) y la Iglesia de Santa Croce fueron construidos.
Capilla Pazzi (1430 ~ 1440), etc. , espacio amplio y proporciones armoniosas.
Creó el estilo arquitectónico renacentista. También inventó la pintura en perspectiva, que dio origen al modelaje.
Revolución artística. Viaje de estudios a Roma con Brunelleschi para estudiar escultura.
El escultor Donatello admiraba profundamente las técnicas realistas del arte clásico y se dedicó a la investigación.
Examina el cuerpo humano y comienza a crear imágenes de desnudos perfectos, como el de David. Además
El escultor florentino L. Ghiberti dedicó su vida a realizar flora.
Las dos puertas de bronce del Baptisterio de Lonza están bellamente elaboradas. Uno de ellos se llama las Puertas del Cielo y es el primer uso de la perspectiva en el arte en relieve. El pintor de Saskatchewan Masaccio aplicó los resultados de las personas mencionadas anteriormente en pintura, por primera vez. es ciencia
Las técnicas de composición y colorido hacen que los personajes sean tridimensionales y majestuosos, llenos de espíritu humanista. Después de él, Florencia estuvo llena de talentos y produjo muchos maestros de primer nivel, como Angelico, Uccello, Lippi, Castano, Bolaioolo, Botticelli y Ghirlandaio. Todos continuaron con la tradición de combinar realismo y humanismo desde diferentes ángulos, y sus estilos majestuosos eran diferentes, mostrando una situación de cien flores floreciendo y cien flores floreciendo. Prestaron atención a la perspectiva espacial y al modelado tridimensional de personajes. y su buen uso de las líneas era lo que consideraban características comunes de las pinturas florentinas. Alberti fue un teórico del arte y arquitecto que ocupó una posición especial en el mundo del arte florentino. Su "Teoría de la pintura" (1435), "Teoría de la arquitectura" (1452) y otras obras son las obras teóricas más importantes sobre el nuevo arte.
Angelico: Lamentaciones por Cristo.
Botticelli: calumnia.
Bajo la influencia de Florencia, aparecieron varias grandes ciudades en el centro de Italia.
Artistas: la pintora Francesca, el escultor J. della Cacia, con
y discípulos del primero, Signorelli y Melozzo Davre. Las esculturas espinosas son pinturas sencillas, majestuosas y únicas de Melozzo da Frei.
Basado en el estilo riguroso de su maestro, es más elegante y refinado, y es sincero y sincero.
Ganó. Otra escuela se formó en la zona adyacente a Florencia: Siena.
Escuela de Pintura y Escuela de Umbría. La Escuela de Pintura de Siena alcanzó su máximo apogeo en el siglo XIV. Su fundador, Duccio di Bonin Sena, alcanzó una reputación comparable a la de Giotto, salvo por su realismo conservador, Sassetta es representativo del siglo XV. Marido
El principal representante de la escuela Bria es el maestro de Rafael, Perugino, cuyo estilo es.
Jingya es hermosa; otro representante es Pintoricciu, con colores brillantes y hermosos. El arte masculino
era popular en Roma.
En el norte de Italia, en el siglo XV, también se inició el movimiento Art Nouveau. El primer maestro fue el pisano Nairo, que era bueno dibujando, con un estilo elegante y bueno grabando emblemas.
Capítulo. El maestro posterior fue A. Mantegna, que dominaba la perspectiva y la estudiaba profundamente.
Famoso por las reliquias culturales clásicas. Impulsados por ellos e influidos por Florencia, existieron también en este departamento dos escuelas de pintura: la Escuela Fralla y la Escuela Veneciana. Vra
Los principales representantes de la Escuela de Pintura de Vra son C. Tula y F. Cosa que sirvieron a Vra.
La corte del Duque se engalanó con esplendor. Escuela veneciana, siglo XV.
Las figuras representativas son Bellini y su hijo. Aunque la Escuela Veneciana llega tarde, su futuro
pero no tiene límites. Gracias a los esfuerzos de Giovanni Bellini surgió la Escuela Veneciana.
Al finalizar los 15, di pleno juego a mi habilidad para usar los colores y prestar atención a las dimensiones.
Entre las diversas escuelas de pintura, la primera en dominar las técnicas de pintura al óleo ha superado a todas las escuelas de pintura locales.
Además de la fuerza y el impulso para competir con Florencia.
El arte italiano alcanzó su punto máximo de prosperidad en el siglo XVI. Existencia
Antes de esto, el arte renacentista del siglo XV básicamente había completado su comprensión de la realidad.
El conocimiento científico sobre los métodos de representación de tareas socialistas, la perspectiva y la estructura humana
es ya bastante rico, y sobre esta base se pueden concentrar los artistas del siglo XVI.
Dedicada a la creación de modelos artísticos.
Es más, aunque los maestros del arte de esta época han alcanzado un alto nivel en términos de logros y habilidades artísticas, el entorno de la época se ha vuelto cada vez más dinámico.
Inquieta, la economía italiana está estancada y la política republicana urbana es difícil de mantener.
Las incursiones militares de China son frecuentes. Ante la peligrosa realidad, los artistas inevitablemente tienen muchas contradicciones ideológicas. La gran creación artística requiere que el autor tenga una buena comprensión de la realidad para llevar a cabo esfuerzos tenaces contra la corriente. Así pues, el siglo XVI fue el apogeo del Renacimiento.
Los profesores prepararon condiciones generosas y plantearon requisitos estrictos. Ese es el sentimiento.
Diversos entornos han creado un florecimiento artístico que refleja los tiempos.
Los tres principales representantes del apogeo del arte renacentista fueron Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel y Rafael. Los dos primeros fueron artistas florentinos en Los Ángeles.
Aunque Phil estudió en la Escuela Ambria, completó principalmente sus estudios en Florencia y formó su propio estilo artístico. Sin embargo, las actividades de los tres no se limitaron a Florencia. Miguel Ángel y Rafael vivieron principalmente en Roma. Leonardo da Vinci estuvo en Milán en el primer período y fue a Francia en el período posterior. Su arte también representa los logros nacionales de Italia a una escala más amplia. La característica de Leonardo da Vinci es que fue a la vez un gran artista y un gran científico. El procesamiento típico del arte y la investigación científica está profunda y estrechamente integrado y se refuerza mutuamente. Por tanto, sus obras han mejorado enormemente la expresión del humanismo y la comprensión del realismo. Obras maestras como "La Última Cena" y "Mona Lisa" son conocidas como las pinturas más famosas del mundo. Miguel Ángel dejó creaciones ejemplares que mejor representan el nivel de la escultura, la pintura y la arquitectura del Renacimiento. Los personajes de sus pinturas son majestuosos y vigorosos, tenaces e infinitamente poderosos, mostrando el extraordinario tratamiento ideal del artista basado en el realismo y convirtiéndose en un símbolo típico de toda la época. Rafael es famoso por su estilo hermoso y elegante, composición armoniosa y estado de ánimo natural, especialmente la imagen de la Virgen María. Su Virgen, sublime pero ordinaria, es vista como la encarnación de la belleza y la perfección, encarnando plenamente los ideales del humanismo. Además de las artes plásticas, los tres se han dedicado a la concepción y práctica del diseño arquitectónico. Leonardo da Vinci admiraba la estructura de la sala de la cúpula central, Rafael defendía el estilo clásico riguroso y armonioso, y Miguel Ángel diseñó la cúpula de la catedral cuando presidió la construcción de la Basílica de San Pedro en sus últimos años, que se convirtió en un modelo para todas las cúpulas. edificios en Europa y Estados Unidos en el futuro.
Miguel Ángel: David
Además de los tres principales representantes mencionados anteriormente, el Renacimiento tiene grandes logros en la arquitectura, la pintura y la pintura y la escultura de muchos artistas famosos, cuyas obras en conjunto forman un conjunto. cohesivo
Los estilos típicos de la tradición artística occidental han prevalecido durante cientos de años. Construcción
Las figuras representativas de la arquitectura son D. Bramante y A. Palladio, excelentes en los detalles.
La forma y el estilo general fueron imitados más a fondo por Grecia y Roma que en el siglo XV.
Arquitectura clásica, pero no estilo antiguo, pero bueno en humanidades.
Quiero utilizar las formas clásicas con flexibilidad y ganar con proporción, armonía y elegancia. Bramante
Al igual que Leonardo da Vinci, trabajó en la estructura ideal para el edificio central.
Por ser la encarnación más adecuada del humanismo, está construyendo la Universidad de San Pedro.
La iglesia decidió abandonar la tradicional forma de cruz y adoptar una sala central con cúpula.
Don, pero murió después de que el gran proyecto de construcción de la muralla de la ciudad hubiera comenzado y finalizado
Para la tarea central de la arquitectura italiana en los dos siglos siguientes (finalizada por Miguel Ángel / p>
La Gran Cúpula también forma parte de ella). La realidad ideal de la arquitectura de Bramante
La encarnación internacional es el pequeño templo (1502 ~
1514), una columnata clásica circular con una cúpula, de pequeña escala pero magnífica.
Es amplio y se ha convertido en una obra maestra poco común en la historia de la arquitectura mundial. Allí estaba Paladio.
La práctica arquitectónica y los escritos teóricos han dejado un rico legado a las generaciones futuras.
Es profundo. Su obra maestra, la Villa Rotonda (1550), tiene un diseño simétrico.
La belleza es que hay una columnata clásica a cada lado de la casa, y se forma una cúpula en el medio de la casa.
Lobby. Visto desde lejos y de cerca, es armonioso y elegante, lo cual es de gran importancia para la futura construcción de la región occidental.
Establecer un límite es muy instructivo.
En pintura, el representante del estilo clásico es Frodo.
Los pintores renzanos F. Bartolomeo y A. De Sarto. Aunque el primero fue maestro y erudito, absorbió nuevos estilos y no escatimó esfuerzos para lograr la equilibrada composición de Leonardo da Vinci.
Y su obra “Las bodas de Santa Catalina” (1512) es considerada una obra representativa de la Escuela Florentina de Pintura. Este último fue considerado un pintor consumado, considerado por sus contemporáneos impecable en composición y forma. La obra representativa "El milagro del Santo Habib" es conocida por su pureza y sublimidad y se considera un modelo de estilo clásico. Al mismo tiempo, Cosimo P.di era pausado y le gustaba pintar obras humorísticas con temas mitológicos, creando así su propio camino único en la escuela de pintura florentina. Además, el trabajo a largo plazo de Leonardo da Vinci en Milán también promovió el desarrollo del nuevo arte local y formó la Escuela de Pintura de Milán. Las actividades de Miguel Ángel y Rafael en Roma contribuyeron a la Escuela Romana.
Durante el apogeo del arte renacentista, otra escuela con más logros fue la Escuela Veneciana. En el siglo XVI, Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Verona fueron los cuatro grandes maestros, especialmente la creación de Tiziano en 70 años.
Como actividad, se ha ganado la reputación de la Escuela de Pintura de Venecia como la primera de Europa. Venecia
Todos los pintores se basan en el color, pero sus estilos personales son diferentes. Como Joe.
La poesía de Ergionne, la robustez y riqueza de Tiziano, la inmensidad de Tintoretto.
Flexibilidad, la riqueza y el lujo de Verona y más. , todos interpretaron nuevos roles desde diferentes ángulos
La voz más fuerte. Porque las excelentes técnicas de pintura al óleo de la escuela veneciana son de gran importancia para el futuro
La influencia del arte moderno occidental es incluso más directa que la de la escuela florentina.
Veronés: Las bodas de Canaán
El estilo fue un género importante que surgió en el arte italiano en el siglo XVI.
ismo. Sus artistas admiraban a Miguel Ángel y Rafael.
Los maestros del arte resurgieron, pero solo persiguieron el estilo y la forma y perdieron la esencia espiritual, y
Debido a la novedad de los asuntos especializados, avanzaron hacia la estilización y se desviaron de Realidad del arte renacentista.
La dirección de la realidad. El manierismo vivió por primera vez en Florencia, de 1515 a 1520.
La germinación de Sa fue muy popular a mediados y finales del siglo XVI, representada por "J.da"
Pontormo, F. Rosso, Il Bronzino y g· Vasari et al. . Así, cuando
durante su popularidad, el arte renacentista había estado
en declive, a excepción de la Escuela Veneciana. El surgimiento del manierismo reflejó la crisis económica, política y cultural en Italia en el siglo XVI. Su objetivo no era la burguesía emergente de la ciudad, sino la corte aristocrática renaciente. Sin embargo, la tendencia conservadora del manierismo no representó la corriente principal del desarrollo del nuevo arte. El realismo y las tradiciones humanistas del arte renacentista todavía tenían un gran potencial, lo que contribuyó al surgimiento del arte barroco en la nueva situación del siglo XVII.
Los Países Bajos fueron la región industrial y comercial más desarrollada del norte de Europa Occidental entre los siglos XIV y XV.
Es Holanda. Tenía ciudades prósperas, especialmente la industria textil en Brujas.
Y Amberes tiene la industria de comercio internacional más próspera desde Amberes 1460.
Estableció el mercado de valores número uno de Europa. Políticamente, Holanda está en el puesto 15.
En los siglos tempranos y medios había sido territorio de los duques de Borgoña, Francia y Borgoña.
La capital, Dijon, estaba estrechamente asociada a finales del siglo XV con los Países Bajos; fue trasladado al Hab Castle King.
Corea del Norte, que tenía un emperador alemán y un trono español, al igual que Holanda
Tuvo contactos frecuentes con Alemania y España en el siglo XVI, aunque la filiación política era complicada.
Delan City todavía tiene cierto grado de autonomía y la nueva cultura está relativamente desarrollada.
El auge del arte renacentista holandés en el siglo XV se produjo a finales del siglo XIV.
A principios del siglo XV recibió cierta influencia italiana, pero principalmente de aquí.
El arte gótico tardío en esta tierra se transformó. El primer representante fue el escultor c.
Los pintores M. Brohier Drum y P. de Limburg. Aunque tienen éxito
Crecí en los Países Bajos pero trabajo principalmente en Francia.
La ocupación de Dijon por Rueter
El campo de la puerta tallada del templo de Fumo (1395 ~ 1406) comenzó a desaparecer.
El programa del Siglo está orientado a la vida, y los personajes son vívidos y poderosos, pero
se compara con los Maestros italianos. La batería de Breuer también empezó a llenar el cuadro.
Las profundas implicaciones del boceto espacial y físico, estos nuevos desarrollos estaban en manos de Limbaugh.
El mayor avance fue su minucioso trabajo en el libro de horas escrito por el duque francés de Burleigh.
Las ilustraciones (1413 ~ 1416) muestran el paisaje natural y la vida durante todo el año.
Las costumbres se han descrito como nunca antes, la nieve y los campos de trigo están representados de manera realista, y
el tiempo de 1 muestra la verdadera sombra. Después de ellos, aparecieron varios grandes maestros del realismo en el arte holandés: R. Camping y Van Eyre.
Los hermanos Dick y R. Vanderdenwei. Están dominando la perspectiva y las personas.
Aunque la estructura física no es tan buena como la de los artistas italianos, la exactitud y sutileza del realismo ya lo superan
otro de sus grandes aportes en la historia de Occidente; La pintura es la que primero hicieron
La técnica de la pintura al óleo fue utilizada y luego introducida en Italia.
A finales del siglo XV d.C., las pinturas holandesas ya eran muy famosas en los países de Europa occidental.
Absorber los nuevos logros de Italia. Los Países Bajos tienen varias regiones.
Escuela de Arte: P. Christus y H. Bruges en el Sur de Holanda.
Memling; H. van der Hus de Gante, y D. Potts de Lovaina. Norte
En Holanda está el Gergen de Saint-Youngs y el final del 15.
El maestro más famoso H. Bos. Este tipo de competición en la que florecen cien flores sólo se puede encontrar en Italia.
El arte se puede comparar con él. Las acrobacias facsímiles del maestro holandés también fueron populares.
Me gusta.
Siglo XVI El siglo XVI fue el segundo desarrollo del arte renacentista holandés.
Etapa de desarrollo, esta época se caracteriza por el fortalecimiento de la influencia italiana, muchas de ellas holandesa.
Los pintores imitaron deliberadamente el arte de la Escuela Romana y de la Escuela Veneciana, por eso hay
marxistas romanos o románticos. Les apasionan los dioramas y los dibujos del cuerpo humano.
Se trata de un espectáculo desnudo, pero se debilita el espíritu de realismo inherente al arte holandés.
Los representantes famosos de la Escuela Romántica son J. Van Scolari y J. Gochard.
Aunque tienen diferentes estilos, todos ellos desempeñan un papel en la difusión de la doctrina del Renacimiento y las humanidades. papel importante.
El efecto es genial. Al mismo tiempo, algunos pintores holandeses continuaron creando nuevas obras, como J. Patini, que era bueno pintando paisajes, P. Arschen, que era bueno pintando costumbres locales, y A.
Boceto del retrato de Moore, etc. En el siglo XVI, sin embargo, la más grande, la Universidad de Artes holandesa, era la más grande.
El maestro era P. Bruegel, conocido como el granjero. No sólo es bueno retratando personajes.
Especialmente la forma de vida de los agricultores es un gran paisaje en el oeste.
El pintor es efectivamente un maestro del arte holandés. Aunque tiene ricas cualidades humanísticas.
Conocimiento, pero no imitación mecánica, del estilo clásico italiano y de la concepción artística de la pintura.
Distante, humorístico y sarcástico. Obras representativas como "Danza bajo la horca"
(también conocida como "Urraca en la horca") ofrecen una vista aérea del fuerte viento en el bosque.
La luz, el humor contenido en el argumento de la danza en primer plano y la tranquilidad y perfección del paisaje lejano
Al contrario, se complementan, son poéticos y son únicos. en las pinturas de paisajes occidentales.
Francia El arte del Renacimiento francés estuvo influenciado por Italia y Italia a finales del siglo XV.
Comenzó a brotar la influencia de Países Bajos, representada por maestros como el pintor J. Fouquet y otros. Que
Floreció en el siglo XVI. En ese momento, el ejército francés invadió Italia varias veces
Milán y otros lugares estuvieron ocupados durante mucho tiempo. El gobierno y el público tenían estrechos vínculos con Italia, llegando a
Maestros del arte. Como Vinci también fueron invitados a trabajar en Francia y contribuyeron a la literatura francesa.
El auge del movimiento revival.
Da Vinci fue a Francia en sus últimos años, pero no lo hizo mientras estuvo en Francia.
Qué creación, pero su llegada y muerte definitiva en Francia ya fueron grandes.
El significado simbólico de. Posteriormente, Rosseau, B. Cellini y otros llegaron a Francia.
Se basaron en Fontainebleau y tuvieron una gran influencia en el arte francés, aunque Rosseau y otros pertenecían a la misma escuela familiar.
del manierismo, pero los franceses avanzados todavía valoran lo que aportan.
Los logros del arte renacentista italiano Al mismo tiempo, muchos maestros del arte francés
también crecieron, como la arquitectura y la escultura
Grabado con j. · Rong antiguo, pintado por F·Chloe. Con el Renacimiento francés,
Uno de los monumentos artísticos más importantes es el Palacio del Louvre (iniciado en 1546), Le Louvre.
Los principales edificios de Scot y las principales esculturas de Gujon son una combinación perfecta. su trabajo.
Se trata de un edificio situado en el lado oeste y sur de la plaza del Palacio del Louvre, de estilo tradicional francés.
Decorado con columnas clásicas y un hermoso estilo, no es sólo para futuros Budas de la carretera.
Toda la arquitectura de Le Palace marca la pauta, así como la arquitectura clásica francesa.
Tono.
El arte del Renacimiento alemán produjo muchas pinturas de primer nivel.
Siéntete orgulloso de tu maestro. Durante el Renacimiento, el emperador alemán siguió siendo italiano.
El monarca titular del siglo XVI dirigió sus tropas a Italia y a estos dos países en varias ocasiones.
Los vínculos económicos y culturales también son muy estrechos, y muchos artistas alemanes utilizan
Estudiar en Italia se trata principalmente de estudios de arte. El siglo XVI también fue Alemania, especialmente.
Cuando la industria y el comercio en las ciudades del sur florecieron, la clase ciudadana y los grupos campesinos
Todos tenían fuertes demandas antifeudales, que eventualmente llevaron al movimiento de reforma religiosa y
La Gran Guerra Campesina. Estos orígenes sociales han producido artistas destacados.
Las condiciones de la época hicieron que el mundo de la pintura alemana de repente fuera glorioso y espectacular. Sus
Los artistas más famosos son Durero, Grunewald, Krannach, Holbein y Altdorfer. Aunque sus estilos son diferentes, todos demuestran el gran avance del nuevo arte con la consecución del realismo. Alemania es también la cuna y el mayor centro de la imprenta occidental, lo que hace que sus artistas presten atención e incluso se centren en la creación de grabados. Durero y Holbein son los maestros más famosos de la historia del grabado occidental. En arquitectura y escultura, los artistas alemanes se centraron en la fusión de la tradición gótica y el estilo italiano, con un sabor nacional. En obras representativas como el Palacio Candidato de Heidelberg (1556 ~ 1559), toda la fachada está decorada con columnas y estatuas clásicas, pero las proporciones generales siguen siendo tradicionales y su estilo rico y lujoso está en armonía con la exquisitez de la arquitectura gótica tardía.
El arte renacentista británico comenzó a desarrollarse en el siglo XVI. Debido a que este era el período Tudor, el nuevo edificio se ganó su reputación de estilo Tudor. Se exhibe principalmente
en mansiones nobles. Obras representativas como la Mansión Longoria (1567 ~)
1579), con luminosos ventanales abiertos de par en par, una distribución armoniosa y ordenada, y detalles mezclados con columnas clásicas.
La decoración mantiene en general las características sencillas y alegres de la tradición arquitectónica británica.
La pintura del Renacimiento británico estuvo profundamente influenciada por el artista alemán Holbein.
Como el retratista más famoso de Europa, vino dos veces a Inglaterra para trabajar hasta su muerte.
(1526 ~ 1528, 1532 ~ 1543) Pintó para la familia real y los dignatarios de la corte.
Hay muchos y son muy bien recibidos por personas de todos los ámbitos de la vida. Holbein se destacó en el retrato y la viveza.
Su técnica y estilo tranquilo y libre inspiraron a una generación de pintores británicos
El más famoso es el retratista N. Hilliard. Sus obras son pequeñas y exquisitas.
El ambiente aristocrático largo, colorido, elegante y romántico se puede escuchar en el exquisito estilo de las obras, que es muy popular entre Isabel, tanto política como política.
El arte del Renacimiento español en España de repente se volvió poderoso debido al poder nacional.
Obtén un gran impulso. España en el siglo XVI estuvo ocupada por los descubrimientos de Colón.
Existe una gran zona en el Nuevo Mundo de América, cuya familia real pertenece a la dinastía Habsburgo
Tiene estrechas relaciones con Alemania, es propietaria de los Países Bajos y ocupa el sur de Italia.
Es la fuerza más grande de Europa.
Estas condiciones transformaron a la España económicamente atrasada.
Pero es un papel importante en el escenario europeo. Una generación importante de la pintura renacentista española
Watch es El Greco, nacido en Grecia. El edificio principal del edificio
El Palacio de El Escorial (1563 ~ 1584) es una bolsa enorme.
Los edificios, incluidos palacios, iglesias y monasterios, son todos uniformes, grandes y rigurosos.
El ganador es el arquitecto español J. de Herrera. Aunque el diseño original provino de otros, Herrera fue quien completó el plan maestro. Su estilo clásico regular encarna las características de la cultura cortesana española.
En el siglo XVI se extendió por Alemania, Países Bajos, Inglaterra, Francia y España. Desde el siglo XIV al XVI, los escritores y eruditos humanistas italianos utilizaron el concepto de "Renacimiento". La palabra proviene del italiano "Rinascita" y a menudo se escribe como "Renacimiento" en francés. Resume las características de las actividades literarias y artísticas desde Giotto y todavía es utilizado por países de todo el mundo. El chino se traduce literalmente como "renacimiento" o "movimiento de renacimiento", pero la traducción "Renacimiento" es generalmente aceptada. En ese momento, la gente creía que la literatura y el arte habían sido muy prósperos en la era clásica griega y romana, pero declinaron en la "Edad Oscura" de la Edad Media, y no fueron "regenerados" ni "revividos" hasta después del siglo XIV. . Por tanto, el Renacimiento enfatizó que la nueva cultura debería basarse en los clásicos, pero no fue un simple Renacimiento clásico. En realidad fue la creación de una nueva cultura antifeudal. El Renacimiento se manifestó principalmente como un auge general de la ciencia, la literatura y el arte, pero tuvo sus propias características en diferentes países debido a las diferentes condiciones sociales, económicas e históricas.
A finales de 2013 y principios de 2008, Italia fue el primer país de Europa donde brotó el capitalismo. Sin embargo, debido al desarrollo político y económico desigual, las áreas avanzadas se limitaron a unas pocas ciudades, especialmente Florencia y Venecia. En Florencia, situada en el centro de Italia, había siete gremios, centrados principalmente en la lana, la banca y el procesamiento de telas. No sólo controlaban la economía de Florencia, sino que también controlaban directamente el poder político de la ciudad. Los miembros del Consejo de Ancianos, máxima autoridad en Florencia, sólo podían ser elegidos entre sus miembros por los siete gremios. La nobleza fue privada del derecho a participar en el poder político y los trabajadores quedaron impotentes. En este contexto político y económico, Florencia se convirtió en la cuna y el mayor centro del Renacimiento italiano e incluso europeo.