Una escuela está formada por artistas que tienen ciertos conceptos artísticos, ideas estéticas, gustos estéticos, tendencias creativas y características artísticas o un grupo o facción artística formada con cierta influencia social. Por lo tanto, a continuación presentaré el género de la fotografía desde la perspectiva de la fotografía. Espero que te sea de ayuda
1. El género de la fotografía: Fotografía pictorialista
Fotografía pictorialista. es un género artístico popular en el campo de la fotografía de principios del siglo XX, surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de esta escuela persiguen en sus creaciones el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura". Ha pasado aproximadamente por tres etapas: la etapa de imitar la pintura; la etapa de defender la música elegante y la etapa de la pintura;
Los fotógrafos pictorialistas propusieron que debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía. ?
La fotografía pictorialista ha pasado por un largo período de desarrollo. El primer fotógrafo pictorialista fue el pintor británico Hillard (1802-1870). Era bueno en la fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. . De 1851 a 1853, fue el período de crecimiento del pictorialismo fotográfico. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre el efecto pictórico de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener emociones ricas y una profunda comprensión artística para ser un excelente fotógrafo". Sin duda, la mejora continua y la invención de la fotografía inspiran metas más altas, porque no importa cuán exquisita y completa sea la fotografía en sí, es solo una forma de conducir a una meta más alta. ?Sentaron las bases teóricas para esta escuela.
En 1857, OG Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: dos estilos de vida, que simbolizan la madurez del pictorialismo en el arte de la fotografía.
La mayoría de los temas de las obras de este período son religiosos y tienen cierto grado de metáfora. Al filmar, hacemos un boceto del tráiler, luego usamos modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y la procesamos en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la fotografía pictórica se amplió, pero el estilo todavía defendía el clasicismo, y la forma y la composición seguían las reglas de la academia, por lo que parecía sutil, tranquila y elegante.
Cuando el género evoluciona hacia la etapa de la pintura, la búsqueda de la emoción, la concepción artística y la belleza formal de la obra sigue siendo su característica.
Porque los fotógrafos pictóricos enfatizan los logros artísticos: si quieres que la fotografía tenga un estatus en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar las habilidades estéticas y los logros artísticos. ?Por eso su contribución histórica es guiar la fotografía desde la etapa temprana de la copia mecánica de objetos hasta el campo de las artes plásticas, y promover el desarrollo del arte fotográfico.
Debido a que la mayoría de las creaciones de las pinturas están divorciadas de la vida real, junto con la mejora cada vez mayor del equipo fotográfico, el desarrollo continuo del gusto estético de las personas se ha visto afectado por el "naturalismo". A pesar de ello, todavía hoy tiene un lugar en las salas del arte fotográfico.
Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: The Baron's Banquet, Robinson Crusoe, and the Pagoda Scene de Pleasant (?-1896, When the Day's Work Is Over, Autumn, Two Little Girls de Robin Lin); , The Dying, Juliet with the Poison Bottle, Dawn and Sunset; Leland the Baptist's Covenant, Ifigenia, Eudith y Holofernes Lady Cameron (1815-1897) Thomas Carlyle y Nida (1820-1910) The Dying Man, etc.
2. El género de la fotografía: la fotografía impresionista
En 1899 se celebró en Reino Unido la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo su influencia, el fotógrafo pictórico Robinson propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas programables es más hermosa que la fotografía nítida" y abogó por la "fotografía con teclas programables". Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo del arte fotográfico.
Al principio, utilizaron lentes de enfoque suave para fotografiar, revelar e imprimir en papel texturizado, buscando un efecto de expresión artística nebuloso. Con la aparición del "método de lavado en fase de bromuro de plata" y el método de mezclar goma de ácido dicrómico con pigmentos para lavar papel fotográfico, las obras impresionistas se desarrollaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro.
Propusieron que la obra no debería parecerse en absoluto a una fotografía y creían que sin pintura no habría fotografía real.
Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, lápices y borradores para procesar la pantalla fotográfica, cambiando deliberadamente sus cambios originales de luz y oscuridad y buscando un efecto de "pintura", como Lacros. "The Park Sweeper", creado por Ya en 1900, es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo. Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características del arte fotográfico en sus obras, por eso algunos lo llaman la "escuela de imitación". Se puede decir que es una rama de la fotografía pictorialista.
Las características artísticas de este género son los tonos sombríos, los patrones de sombras ásperos, la riqueza en decoración, pero la falta de sensación de espacio. Entre sus fotógrafos famosos se encuentran Dumash (?-1937), Puyo (1857-1933), Qiu En (1866-1944), Wasek (1848-1903) y los hermanos Hofmeister (1868-1943), Durkov (); 1848-1918), Evert (1874-1948), Mizunnet (1870-1943), Sinton (1863-1908), Chili (1861-1947), etc.
3. Géneros fotográficos: Fotografía realista
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga trayectoria que continúa hasta nuestros días y sigue siendo el género básico y principal en el arte de la fotografía. . Es un reflejo del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género adhieren al carácter documental de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debe ser tan fiel como la naturaleza misma. Cada detalle de la imagen debe ser lo más fiel posible a las matemáticas. precisión, la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. A. Stiglitz dijo una vez: "Nuestra misión sólo es explorar la lealtad". ?Por otro lado, se oponen a reflejar los objetos de forma indiferente y puramente objetiva como un espejo, y defienden que la creación debe ser selectiva y que se debe aplicar el propio juicio estético del artista a las cosas reflejadas. El famoso maestro de la fotografía realista Lewis Hine dijo una vez este famoso dicho: "Quiero exponer aquellas cosas que deben corregirse; al mismo tiempo, quiero reflejar aquellas cosas que deben ser elogiadas". Se puede ver que defienden la opinión de que el arte debe reflejar la vida. Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
La primera afición a la fotografía realista son los documentales con colodión realizados por el fotógrafo británico Philippe de la Motte en 1853. Más tarde, fueron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los años sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el fotógrafo Dr. Barnardo de la época conmocionó a la gente al fotografiar la trágica situación de los niños de la calle.
Posteriormente, surgieron en gran número fotógrafos realistas, y sus obras son famosas por su fuerte realismo y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "The Coal Pickers" de Brandt en el Reino Unido; "The Collaborative French Woman with a Shaved Head and Parade in the Streets" de R. Capa en los Estados Unidos "Girls" de Weiss en Francia, y así sucesivamente.
4. El género de la fotografía: la fotografía naturalista
En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Naturalismo" ante las debilidades del pictorialismo en el periódico "Principalista". Photography" criticó la fotografía pictorialista como fotografía fragmentada y abogó por que los fotógrafos regresaran a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el principio y el fin del arte, y sólo el arte que está más cerca de la naturaleza y se parece a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. Desde un punto de vista emocional y psicológico, el efecto de la afición a la fotografía radica en la escena sin modificaciones captada por materiales fotosensibles. Otro maestro de la escuela, A.L. Paqiu, lo dijo más claramente: "El arte debe dejarse en manos de los artistas. En lo que respecta a la fotografía, no tenemos nada que depender del arte y debemos dedicarnos a la creación independiente". ?
Se puede observar que esta propuesta artística es una reacción contra el pictorialismo, incita a liberar la fotografía de las ataduras del academicismo y promueve el pleno uso de las características propias de la fotografía.
Los temas creativos de este género son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, ignora la exploración de la esencia de la realidad y el refinamiento de los objetos superficiales. No se presta atención a la tipificación de la creación artística y a la tipicidad de las imágenes artísticas, por tanto, se trata esencialmente de una vulgarización del realismo. A veces esto conduce a una distorsión de la realidad.
Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Davidson (1856-1930), Wilchinson (1857-1921), Gurr (?-1906), Tieye (1856-?), Savoy Cutcliffe (1859-1940) y otros. .
5. Género fotográfico: Fotografía purista
La fotografía purista es un género artístico fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Stieglitz (1864-1946). Abogan por que el arte de la fotografía debe aprovechar plenamente las características y el rendimiento de la fotografía, liberarla de la influencia de la pintura y utilizar tecnología fotográfica pura para lograr los efectos estéticos únicos de la fotografía: alta claridad, ricos niveles tonales, sutileza. cambios en luces y sombras, tonos puros en blanco y negro, expresión de textura detallada y representación precisa de la imagen. En definitiva, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, delicada y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio plástico. .
El Overlooking New York que Cobán envió a la exposición en 1913 es una obra maestra entre los puristas. El fotógrafo contempla una plaza de Nueva York desde un lugar elevado. Aunque no hay ningún procesamiento ni modificación, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es el del sincero E. Sandberg, que utilizó la técnica de múltiples exposiciones. espacio y tiempo en una sola obra, y plasma con delicadeza la transformación emocional del poeta, la combinación de tonos y los cambios de composición en un solo cuadro, con un fuerte sentido del ritmo.
Desde cierta perspectiva, algunas de las proposiciones y creaciones de los puristas son "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "nuevo materialismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.
Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos de la organización de fotografía del grupo F64, como Adams, Cunningham, etc.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia los aspectos abstractos de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Sus fotógrafos influyentes son Yabo, Stinner, Stetvin y Evans.
6. El género de la fotografía: Fotografía del Nuevo Objetismo
La Fotografía del Nuevo Objetismo también se llama "Fotografía de Dominación" y "Fotografía del Nuevo Realismo". Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas comunes. Utilice primeros planos, primeros planos y otras técnicas para separar el sujeto del todo, resaltar un determinado detalle del objeto y representar la estructura de su superficie de forma precisa y fiel, a fin de lograr un efecto visual deslumbrante. No considera que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto que suscita, por lo que sus pensamientos estéticos pertenecen a la categoría del naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pa Qiu tomó un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen omitía otros detalles, dio al público una fuerte impresión visual.
El pionero teórico del Nuevo Objetismo es Strand, quien definió las características artísticas del Objetismo de la siguiente manera: El Nuevo Objetismo es la esencia de la fotografía, y es también el producto y límite de la fotografía. ?Él cree que la fotografía? es extremadamente expresiva de la vida y requiere ojos para ver las cosas correctas. Para ello, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino que debe utilizar fotografía pura. ?Los pioneros de la fotografía del nuevo materialismo son Ajie y Steichen. El fundador real es Paqiu mencionado anteriormente.
La contribución de los fotógrafos del Nuevo Objetivista es impulsar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí, y devolver la fotografía del mundo de fantasía estética a la vida real. Sin embargo, debido al énfasis excesivo en la descripción de estructuras detalladas de la superficie del material, proporcionó el terreno para la germinación de fotografías abstractas posteriores.
Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo en el campo de expresión del Nuevo Materialismo, que produjo numerosos retratos y fotografías que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.
Entre los fotógrafos famosos del Nuevo Objetismo se encuentran Sander (1876-1964), Lesky (1871-1956), Heige (1893-1955), Hirsch (1881-1948) Hugh Liman Hoppe (1878-?) , Evert (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.
7. Género de la Fotografía: Fotografía Surrealista
La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante la decadencia del Dadá. Surgió en el siglo III del pasado. siglo.
Este género tiene un programa artístico y una teoría artística relativamente rigurosos. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar la parte nueva e inexplorada del "mundo espiritual" humano. Por lo tanto, las actividades subconscientes humanas, la inspiración accidental, las anomalías psicológicas y los sueños se han convertido en objetos expresados deliberadamente por los artistas de la fotografía surrealista.
Los surrealistas en la fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utilizaron tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como sus principales métodos de modelado para crear un espacio entre la realidad y la fantasía, lo concreto y la abstracción. Un "reino artístico" surrealista. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.
Los fundadores de este género son el fotógrafo británico Stone y la estadounidense Bleu Quail (1880-1945). La persona real que lo logró fue el fotógrafo escénico británico Marco Bin (1905-?). En su creación, combinó la virtualidad de la "superrealidad" con la realidad real, creando una especie de ilusión que es a la vez ilusoria y real. reino. Por ejemplo, el "Autorretrato de Marcopin", creado en 1946, es una obra surrealista típica. Fue filmada utilizando cuatro técnicas de exposición: una frontal, dos laterales y una lateral.
Los fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que participó en colecciones de fotografías surrealistas; el fotógrafo de cuerpos deformes Brandt; el fotógrafo de retratos y publicidad Carson, así como Blumenthal y Lowe, Halsman, Rei, etc. Alabama.
8. Género fotográfico: fotografía abstracta
La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.
Los fotógrafos de esta escuela niegan la característica básica del arte plástico de que refleja la vida y expresa los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas escrutables, y declaran que quieren "liberar la fotografía de la fotografía".
Al principio, se utilizaba el método de ampliación sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del sujeto, y crear una pintura de luz que solo expresaba su forma. Más tarde, se desarrolló para usar luz, editar luces, exponer a mitad de camino o agitar la cámara durante el disparo para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerlo varias veces para convertirlo en fantasma, hasta que se cambia la estructura de la superficie de la imagen. Se intenta utilizar la forma original y la estructura espacial del objeto fotografiado utilizando el llamado "lenguaje absolutamente abstracto" de forma, tono (color) y material para transformar el objeto fotografiado en líneas, manchas y combinaciones irreconocibles. Expresar lo que los artistas de esta escuela consideran el llamado mundo subconsciente más real y más esencial del ser humano. En la obra, el artista simplemente toma prestados los objetos fotografiados para producir notas que expresan su propia imaginación y personalidad (melodía) a voluntad.
El fundador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). Al principio, la imagen de la obra aún mantiene cierto grado de legibilidad. En 1917, la "Bordeaux Pictorial" fotografiada por el fotógrafo Cobain (1882-?) utilizando astillas de madera y fragmentos de vidrio transparente era completamente irreconocible. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) lo desarrolló basándose en Manray (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky, Koehler y otros introdujeron la microfotografía en los países europeos y americanos.
A los representantes de este género, además de los ya mencionados en el artículo, se encuentran Scott, Fenninger, Anzhenlanth, Freitai, Winchester, Greenbach, Xia De y Bruquier et al.
9. Escuela de Fotografía: Kandi Photography
Kandi Photography es una importante escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía pictórica.
Los fotógrafos de esta escuela abogan por respetar las características de la fotografía, enfatizando la autenticidad y la naturaleza, abogando por no disponer ni interferir con los objetos al disparar, y abogando por capturar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en su estado natural. El famoso fotógrafo escandinavo francés Henri Cartier-Bresson dijo una vez: "Para mí, la fotografía es capturar el significado de un evento en un momento y poder expresarlo con precisión en la forma organizativa precisa". ?Por tanto, las características artísticas de este género son objetivas, reales, naturales, amigables, casuales, sin tallar, vívidas y llenas de vida.
La situación de los fotógrafos de la Escuela Escandinava es relativamente complicada en cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, aunque todos defienden la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica a la fotografía de noticias. algunos son naturalistas y otros son realistas.
La obra que dio origen a este género fue “Invierno en la Quinta Calle, Nueva York” del fotógrafo Alfred Stieglitz en 1893, y la verdadera persona que la completó fue el fotógrafo alemán Dr. Eric Salomon. El "Encuentro político de Roma", que rodó con una cámara pequeña al final de una reunión nocturna en Alemania y Francia, se ha convertido en una obra clásica en la historia de la fotografía de este género por su viveza, autenticidad, sencillez y naturaleza. .
En términos de estética fotográfica, creen que las fotografías basadas en las características básicas de la fotografía no pueden ser imitadas por pintores o grabadores. Tiene su propio yo indivisible y su propia expresión especial, o incluso características que. ¿Es imposible expresarse utilizando otros medios? En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, diciendo: (Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no para ver el mundo a través de los ojos de otros, y esto es lo que distingue si una foto es mediocre o brillante, el estándar de ser valioso o inútil. ?
Los fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dowell McAvoy de los Estados Unidos; Celie Model del Reino Unido; Victor Halfman de Francia; y Louis Dahl, Peter Stackpier Bruwich, etc.
10. El género de la fotografía: Dadaísmo Fotografía
El dadaísmo es un pensamiento literario y artístico que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" es originalmente un vocabulario incoherente para "pony" o "caballo de juguete" en el idioma infantil francés. Porque los artistas dadaístas niegan la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declaran que el arte y la estética no tienen nada que ver entre sí, abogan por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogan por la nada, haciendo de sus creaciones casi una broma, por eso la gente llama a esto género artístico grupo "Dada"?.
Debido a que las obras fotográficas de Dadá no respondían a los gustos y requisitos estéticos generales de la gente, después de 1924 fueron impactadas gradualmente por la escuela de arte surrealista, que tenía una agenda y un programa artístico más claro y completo. Pero su influencia todavía se puede ver en el arte de la fotografía moderna que apareció más tarde.
Los fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, Ratslo Moholinaki y Listky.
11. Escuela de Fotografía: Fotografía Subjetivista
La fotografía subjetivista es un arte fotográfico que se formó después de la Segunda Guerra Mundial que es más abstracto que la fotografía abstracta, por eso también se le llama. "escuela de posguerra".
Es el reflejo de la corriente filosófica existencial en el campo del arte fotográfico. Su fundador es el fotógrafo alemán Ott Steinert. Considera que la fotografía es un campo amplio en el que se pueden ejercer las capacidades y que también tiene un alto grado de iniciativa subjetiva. ¿Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico? Por ello, se planteó la propuesta artística de subjetivizar el arte fotográfico. Defiende firmemente que el propósito final del arte fotográfico debería ser recordarle al fotógrafo sus propios pensamientos confusos y expresar su indescriptible estado interior y sus actividades subconscientes. ?La fotografía subjetiva es fotografía personalizada y personalizada. Este es el programa artístico de este género.
Los artistas de la fotografía subjetiva dan gran importancia a su individualidad creativa y desprecian todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela afirmaron públicamente que la fotografía subjetiva no es sólo un arte visual experimental, sino un arte creativo libre y sin restricciones. Podemos utilizar cualquier tecnología para crear fotografías. ?
La evolución de la fotografía corporal occidental. En la historia del arte mundial, hubo un período glorioso del arte corporal en Grecia y el Renacimiento europeo. El arte fotográfico que nació a partir de entonces experimentó una impactante etapa inicial. reproducir la realidad objetiva Después de desarrollar su expresión artística, fotógrafos llenos de espíritu exploratorio y creativo comenzaron a avanzar en el campo de la fotografía del cuerpo humano. En 1857, el fotógrafo sueco Redland, que luego vivió en Inglaterra, tomó una fotografía llamada "Los dos caminos de la vida", que se considera un clásico en la historia de la fotografía. Esta fotografía es rica en tramas y numerosas escenas y usos. Una gran cantidad de cuerpos humanos El tema de la obra es observar el bien y castigar el mal, con el anciano de pelo blanco como centro, y dos grupos de personajes en ambos lados encarnan dos conceptos morales diferentes, ideales de vida y viajes de vida. Sin embargo, también ha sido atacado por algunas personas, diciendo que utiliza muchas mujeres desnudas, tiene posturas bruscas y obscenas, es pornográfico, etc. Se puede ver que en todo momento y en todos los países, el arte corporal será criticado y atacado por algunas personas por muy positivo que sea su significado ideológico o su excelente tratamiento artístico. Esto probablemente se ha convertido en una reacción habitual.
La tendencia de desarrollo de la fotografía corporal occidental es muy evidente. Mientras se desarrolla la fotografía tradicional del cuerpo humano, también se ha vuelto popular expresar fuertes sentimientos subjetivos y el lenguaje de la fotografía moderna, creando obras de diversos géneros y estilos, e incluso se han desarrollado concepciones artísticas como la deformidad, el corte, la reorganización, el misterio, el absurdo y la fealdad. apareció. Como la fotografía de desnudo simbólico de Jerry Usman, "Random Body" de Roger Madin, la fotografía de desnudo original de gran formato de Todd Volk, la fotografía corporal cortada y reorganizada de Robert Henneschian y Kai Tak Su ?Okhama, la fotografía corporal absurda de Li Sili Cronus y Ningda, Konradoni Mitchell. fotografía de cuerpo sexy, etc.