No hay duda de que la música y la poesía se derivan de fuentes culturales como las oraciones y los cantos laborales en la sociedad primitiva. Aunque la literatura y la música se separaron y se convirtieron en dos formas diferentes de cultura humana, sus procesos de desarrollo todavía se comunicaban e influyeban mutuamente de muchas maneras. A menudo se ha observado que no existe diferencia conceptual entre los poemas narrativos o los poemas líricos de la literatura oral primitiva y las melodías o acompañamientos con los que se cantaban. En el concepto de estética clásica, incluso varias formas literarias que hoy clasificamos como música, poesía y danza se denominan colectivamente "música". A lo largo de la era clásica, la música instrumental sin letra continuó desarrollándose y formando su propio canon. Sin embargo, sólo las obras musicales con letra son adecuadas para el análisis de significado. El ritmo es una característica de las letras y la música antiguas. Por tanto, en la práctica del arte antiguo, el ritmo se ha convertido en un vínculo poderoso entre la letra y la música. Los lectores modernos pueden ver esto claramente en la notación antigua: las partituras de esa época solo marcaban notas altas y bajas. En cuanto a la longitud y la fuerza de las notas, generalmente seguían las reglas poéticas de la escritura lírica sin ninguna otra marca. El concepto de "música" todavía puede utilizarse para incluir poesía, música y danza, siempre que los ritmos de la poesía conserven el significado de la música moderna. Pero cuando la poesía adopta su propio formato literario independiente, reemplazando el significado musical, resulta imposible incorporar la poesía al concepto de "música". En rigor, el principio que rige la estructura de la poesía debería llamarse "melodía" y ya no está completamente subordinado a la categoría de acústica. Más tarde, los poetas trasplantaron las sílabas largas de la poesía griega a la poesía latina, lo que resultó en el debilitamiento gradual de las sílabas fuertes basadas en la acentuación de las palabras. De esta manera, el formato "melódico" de la poesía se convierte cada vez más en un arreglo y una composición puramente escrita.
Por supuesto, la situación anterior no significa que con el declive de la sociedad clásica, la poesía y la música se separarán completamente en dos formas de arte independientes. De hecho, el desarrollo de la música instrumental es un proceso largo y gradual. No fue hasta finales del siglo XVI que la música instrumental y vocal adquirió cierta independencia en la práctica. Sólo cuando la creación musical trascienda el estatus de mero acompañamiento del canto y la danza en el pasado, la música puramente instrumental podrá considerarse música abstracta en el sentido moderno. Por otro lado, después del Renacimiento, el desarrollo de la poesía lírica se separó completamente del canto. Sólo entonces se hizo posible el concepto de "poesía y música". La llamada "música poética" describe las estructuras sonoras de la poesía que pertenecen únicamente al lenguaje, y la relación entre estas estructuras sonoras y los tonos de la música abstracta moderna. La música abstracta moderna y la música poética generalmente afectan a los oyentes de una manera subracional. En cierto sentido, los oyentes "perciben" más que "conocen" estos dos tipos de música.
La relación entre música y poesía se puede dividir a grandes rasgos en varias etapas en la historia del desarrollo del arte occidental. La primera etapa incluye el período preateniense, el período cultural germánico anterior al siglo IX y la tradición cultural oral popular desde la antigüedad. Durante este período, la música y la poesía se fusionaron. El poeta y el compositor son uno y lo mismo. En esta etapa sólo la danza puede asociarse a la música y nada tiene que ver con la poesía. Sin embargo, en la mayoría de las ceremonias sociales siempre se combinan el canto y la danza.
La segunda etapa fue durante la antigua cultura ateniense, cuando comenzaron a florecer la música y la poesía. Por un lado, la ciencia y la filosofía se centran en las características de los sonidos puros, por otro lado, la crítica literaria se centra en el estilo de la poesía, que poco a poco separa conceptualmente música y poesía. Es concebible que los ataques a la música sin letra de Platón (427-347 a. C.) y Aristóteles (384-322 a. C.) estuvieran definitivamente dirigidos a la música instrumental de aquella época. Más importante aún, en el período cultural clásico, con la separación de letras y canciones, surgieron gradualmente formas poéticas puramente literarias y, al mismo tiempo, surgió la distinción entre "lectores" y "oyentes". Pero el desarrollo de la música y la poesía a lo largo del segundo período fue desigual. Fue principalmente el florecimiento de la música lo que llevó a su separación de la poesía.
Pero en los siglos siguientes, el desarrollo de la música occidental quedó por detrás de su arte hermano, la poesía, y sólo pudo seguir sus pasos sin ser completamente independiente. Con el declive del Imperio Romano, la música y la poesía se utilizaron principalmente en los servicios religiosos y en las primeras composiciones narrativas populares. Sin embargo, los poemas narrativos populares aún muestran las características de la etapa anterior en la que música y poesía son completamente inseparables. Los artistas folclóricos anglosajones, los bardos medievales y los músicos eran todos poetas y músicos buenos tocando instrumentos musicales y recitando poesía. Pero en el desarrollo posterior, tanto la música como la poesía estuvieron subordinadas a la iglesia, porque la iglesia en ese momento controlaba la difusión de la literatura y el arte antiguos, y sólo la iglesia podía establecer y preservar convenciones y tradiciones en el lenguaje y la música.
A finales del siglo VI, el Papa San Gregorio I formuló un programa musical para las ceremonias eclesiásticas, que marcó la tercera etapa en la historia de la música y la poesía. La música finalmente pudo competir con la poesía y ganar un lugar propio. Especialmente entre el 900 y el 1400, la música se convirtió gradualmente en una creación artística completamente diferente de la poesía a través de su propia exploración teórica y práctica. Vale la pena señalar que durante toda la Edad Media se creía que un compositor debía haber concebido el contenido de sus letras antes de componer la música. Se puede ver que la letra y la música todavía estaban ligadas en ese momento. Sin embargo, la música y la poesía han comenzado a divergir en términos de técnicas creativas.
Al principio, las actividades de creación musical de este período sólo insertaban algunos fragmentos musicales "novedosos" en himnos religiosos primitivos con melodías sencillas. Estas composiciones musicales siempre van acompañadas de alguna letra latina nueva, intercalada entre pasajes del himno principal. El interludio de este himno religioso es una composición musical de la época. Alrededor del siglo X, comenzó a aparecer la música polifónica, lo que condujo al desarrollo de la música occidental típica y compleja (incluida la música religiosa y la no religiosa). Por pura necesidad musical, los compositores comenzaron a ignorar o incluso abandonar por completo los elementos líricos de la estructura formal. A principios del siglo XIII, la música polifónica para uso eclesiástico se había perfeccionado y acompañada de instrumentos, y los compositores firmaban sus propias obras por primera vez. Desde 1100 hasta 1450 d.C., la poesía musical temprana se incorporó únicamente a la poesía lírica secular de naturaleza no religiosa. En aquella época, nombres como conductus en la nación latina, canzo y vers en el sur de Francia y el norte de Italia, chanson, rondeau y vire-lai en el norte de Europa, y bar y leich en Alemania eran todos géneros de poesía musical popular, y los letristas también eran compositores. Vale la pena señalar que la mayoría de estas piezas musicales son música melódica y, a veces, hay una obertura instrumental interpretada por el séquito del poeta antes de cantar. También se produjeron cambios durante este período de fusión de poesía y música, con el aumento de la popularidad de los himnos polifónicos: cada voz tenía su propia letra. Esta tradición de música polifónica finalmente absorbió e incorporó canciones líricas monofónicas no religiosas. El último gran poeta y compositor de este período fue Guillaume de Marchaud. Durante este período, los compositores y teóricos de la música lograron avances significativos en las técnicas de expresión musical, promoviendo así una mayor separación de la música y la poesía y avanzando hacia el camino del desarrollo independiente.
Durante el Renacimiento, surgió una contradicción en la historia: por un lado, había una corriente de pensamiento que pedía la reintegración de la música y la poesía, por otro lado, diversos componentes que contribuyeron a la separación; de la música y la poesía se utilizaron en la práctica de la creación musical para ampliar y mejorar aún más. En el siglo XVI, la música instrumental surgió como una rama musical independiente y comenzaron las actuaciones de músicos famosos. Al mismo tiempo se estableció la armonía y la acústica en el sentido moderno. Pero al mismo tiempo, las escuelas estéticas neoclásicas emergentes, como la Escuela Camerata de Florencia y la Sociedad de Poesía de las Siete Estrellas de Francia, declararon abiertamente que estaban comprometidas con la combinación ideal de letra y melodía basada en su comprensión de la antigüedad. tradición. . En ese momento, muchos escritores y críticos intentaron establecer normas clásicas de análisis del ritmo para la escritura de poesía basadas en las lenguas modernas de sus respectivos países. Haciendo eco de esta dinámica en el campo de la poesía, a finales de 2016, algunas personas de la industria musical se dedicaron a la purificación de la música, reafirmando la importancia de las letras y restaurando la función de expresión vocal perdida en el desarrollo de la música polifónica moderna.
En el primer Barroco, la relación entre música y poesía se consideraba una relación complementaria: la música es a la poesía lo que la emoción al conocimiento. En palabras de Hobbes, la relación entre ambos es "como la fantasía al juicio". Esta visión siguió siendo popular durante todo el siglo XVII y principios del XVIII. Durante este período, la música y la poesía todavía se desarrollaban como dos géneros artísticos independientes. Por supuesto, el desarrollo de la ópera brinda la oportunidad de combinar ambas cosas. Sin embargo, la tendencia general del desarrollo de la música barroca es establecer ciertos estándares de habilidad musical y enfatizar el papel de la música vocal. Los logros de la poesía durante este período aún permanecían en el campo del conocimiento.
La mayoría de los esteticistas del siglo XVIII distinguieron deliberadamente entre el significado interno y la decoración externa de la poesía. El poeta inglés Alexander Pope escribió una vez en su poema "Crítica": "El sonido de la poesía debería ser como el eco de su significado. Pero unas líneas antes, en el mismo poema, acusó a algunas personas de "ir a la iglesia, no". Escucha el oráculo, pero ama la música." En general, la estética neoclásica defiende que "música" y "significado" son distintos, devaluando la música y centrándose en el significado.
Sin embargo, la estética romántica posterior se opuso al estilo pretencioso que había prevalecido en el último siglo y medio, alabando la música y la emoción y menospreciando la distinción entre lenguaje y pensamiento, pero el resultado de su crítica profundizó objetivamente la separación entre ambos.
Desde el siglo XVIII han florecido la ópera y las canciones artísticas. Pero, en general, la música y la poesía, como rama de la literatura, siguen estando en gran medida separadas entre sí. Durante el período romántico, la música, e incluso la música puramente instrumental, tendieron a adquirir un carácter más abiertamente literario, desarrollando la música titular. Al mismo tiempo, la poesía se esfuerza por desarrollar su propia "música" dentro de su propia estructura. Lo que la literatura busca en la música es siempre un poder irracional (es decir, perceptivo); lo que la música busca en la literatura es la base del contenido emocional. El poeta francés Paul Verland alguna vez defendió firmemente que la belleza del sonido debería tener prioridad sobre el contenido ideológico en la creación de poesía, lo que requería que los poetas ignoraran el conocimiento para poder expresar sus sentimientos. El concepto único de "música poética" todavía se utiliza hoy en día, lo que indica que todavía existe una relación importante entre la música moderna y la literatura, es decir, mientras la función de la música sea más misteriosa que la función de la literatura, el poder de la música. Contagiar al público seguirá siendo importante para el desarrollo de la poesía.