Las principales funciones de la música griega y romana antigua eran los sacrificios, el entretenimiento y los rituales. Su forma musical es monofónica y la música instrumental añade decoración a la melodía cantada por la voz para formar polifonía. Los instrumentos musicales incluyen el instrumento pulsado lyra y su kisara mejorado; los instrumentos de viento son Afrodita y Xilinx. Los géneros musicales incluyen la épica, la oda, la lírica y la tragedia. Las actuaciones musicales son en gran medida improvisadas. La música siempre se combina con la poesía y la danza. La iglesia cristiana rechazó la música romana antigua que recordaba a los creyentes la vida pagana. La música cristiana primitiva era muy similar a la música griega antigua en el sentido de que también era monofónica, y la melodía estaba estrechamente relacionada con la letra en ritmo y tiempo. No existe una notación fija, principalmente improvisación, etc. Aunque no hay ejemplos musicales de la música griega antigua en la Edad Media, la teoría musical griega antigua fue la base de la teoría musical medieval. Incluye filosofía musical, teoría de escalas y modos, y terminología musical. Esta teoría cree que la música es un sistema ordenado relacionado con la naturaleza. La música tiene poder moral y puede afectar la calidad de los pensamientos de las personas. Vale la pena señalar que los mitos, epopeyas y tragedias de la antigua Grecia y Roma siempre han sido una gran inspiración para la música occidental.
En cuanto a la herencia de la música judía, durante mucho tiempo los historiadores de la música creyeron que los rituales cristianos imitaban a las sinagogas, pero los estudiosos actuales se muestran escépticos porque no hay apoyo documental. La influencia bizantina merece atención. En el año 330, Bizancio (o Constantinopla) fue designada capital del Imperio Romano. La música allí incorporó una gran cantidad de elementos musicales de los países orientales y se extendió a Occidente. Por ejemplo, los himnos sirios se transmitieron a Roma y Milán a través de Bizancio, especialmente el himno cristiano de ocho modos transmitido desde Bizancio, que se considera originario de los países orientales. La Edad Media comenzó en el año 467, cuando cayó el Imperio Romano de Occidente. En ese momento, los países occidentales estaban fragmentados y los rituales e himnos de sacrificio no estaban unificados en varios lugares. En los siglos V y VI existieron varios centros locales para el desarrollo de la doctrina y el himno: la Galia en el reino franco, Benevento en Italia, Mossabique en España, Roma y Milán en Roma. En 590, Gregorio se convirtió en Papa. Según la leyenda, envió gente a recopilar y organizar himnos de todo el país, compilarlos en una colección de himnos, unificar los rituales e himnos de la Iglesia Romana y reconstruir la escuela de canto de la Iglesia Romana. Los himnos cristianos llevan el nombre de su apellido y se llaman himnos gregorianos o himnos simples. El canto gregoriano se utiliza en los servicios litúrgicos y su contenido está tomado de la Biblia y cantado en latín. Es una canción solista sin ritmo fijo ni acompañamiento. Su melodía se puede dividir en tipo sílaba, tipo Newham y tipo canto floral según la relación entre palabras y canciones. Los salmos se han clasificado según el estilo desde aproximadamente el siglo VIII. En el desarrollo de las arias monofónicas, aparecieron las siguientes recitaciones con letras para insertar pasajes melódicos como prefacios de himnos regulares o insertados en medio de los himnos y dramas rituales desarrollados a partir de pasajes adicionales;
Según información relevante registrada en el año 900, la música occidental había desarrollado en aquella época un género musical polifónico llamado Órgano. El Organon implica agregar sonidos por encima o por debajo del canto gregoriano. Sus formas se vuelven progresivamente más complejas y ricas. Según la etapa de desarrollo, se puede dividir en Olganon paralelo, Olganon libre o inverso, Olganon brillante (o magnífico) y Olganon cuantitativo organizado por patrón rítmico. Cuando el patrón rítmico organiza tanto las partes del contrapunto como el canto gregoriano en una melodía fija, a menudo forma una textura de contrapunto de antífona vocal, que se llama disco. Una canción polifónica escrita en estilo disco llamada Cloursula. A mediados del siglo XIII, se compusieron letras en latín o francés para la parte superior de Clousella, desarrollando un nuevo género de canción clásica que se utilizó durante mucho tiempo. A medida que las formas musicales se hicieron cada vez más ricas, se formó un sistema de notación a través de la exploración continua por parte de los músicos de la iglesia. En 935, Odón propuso un sistema alfabético, que es la base de los nombres fonéticos modernos. Del siglo VIII al XIV, la notación Newham, que representaba los tonos y alturas de la melodía, evolucionó gradualmente hacia la notación lineal. Guido (de Arezzo) inventó los sistemas de pase de lista, escala y modo.
Después de un largo período de práctica musical en la Edad Media, sobre la base de la música religiosa, se desarrollaron la polifonía vocal y la notación exclusiva de la música artística occidental.
La música profana de la Edad Media eran principalmente canciones con letras dialectales. El autor es un bardo francés, un poeta alemán, un cantante famoso y un artista popular profesional. Las letras de las canciones seculares utilizan versos que riman, tienen un ritmo distinto y están ambientadas en melodías de balada. Hereda el modo eclesiástico pero adopta modos más mayores y menores. El canto suele ir acompañado de instrumentos musicales. Existen diferencias obvias entre los cantos seculares y los himnos de la iglesia, pero se influyen mutuamente. Por ejemplo, los dramas rituales religiosos contienen elementos seculares; del siglo XI al XIII, la canción monofónica Conduktus utilizó una melodía fija en lugar del canto gregoriano, que era un estilo de canción de nueva creación. Se puede dividir en dos etapas: la transición de la Edad Media al Renacimiento (1300 ~ 1450) y el Renacimiento (1450 ~ 1600). En el siglo XIV, el poder religioso decayó, surgió la cultura secular y brotó el humanismo. En Francia, se refleja en la disputa entre "arte nuevo" y "arte antiguo", cuyo contenido central es la división del ritmo. El movimiento Art Nouveau se opuso a la dicotomía del arte antiguo dominado por conceptos teológicos y abogó por una dicotomía más científica. Por lo tanto, el siglo XIV también se conoce como el período "Art Nouveau". Las técnicas de este nuevo arte se aplicaron por primera vez a canciones clásicas, dando como resultado una "canción clásica isorrítmica" que utiliza un patrón de ritmo fijo para organizar la parte melódica. Los compositores de este período compusieron más música secular que religiosa. La figura representativa G. de Mashau fue el primero en escribir canciones polifónicas a partir de canciones medievales de formato fijo como baladas, rondós y villarrealistas. El género principal en el que compuso fue la canción profana francesa, que todavía era muy vaga.
En el siglo XIV, entre los intelectuales de Padua, Bolonia, Milán, Florencia y otras ciudades culturales del centro y norte de Italia, surgió una tendencia de pensamiento para revivir la cultura clásica del Siglo de Oro romano, lo que desencadenó el primer movimiento renacentista. Musicalmente, esto se refleja en la prosperidad de las canciones seculares locales. Los principales géneros musicales son Pastoral, Caza y Bharata. La figura representativa es el músico florentino F. Landini.
Desde el siglo XIV, un efecto paralelo de seis acordes llamado "Ferbottom" ha aparecido en tres canciones clásicas inglesas. Las canciones clásicas creadas por J. Dunstable, el compositor británico más famoso del siglo XV, no tienen partes melódicas fijas regulares, sino que son principalmente texturas tonales y contienen una gran cantidad de sonidos con una estructura de tres acordes. En esta época, la música británica tuvo influencia en el continente europeo. Al mismo tiempo, el centro musical de la Europa continental se trasladó al Ducado de Borgoña. En la capilla del palacio hay entre 15 y 27 músicos, además de una banda compuesta por artistas folclóricos. Muchos músicos de Europa estudiaron o trabajaron en las catedrales de esa región, conocida como la "Escuela de Música de Borgoña". La figura representativa, G. Dufe, tiene excelentes habilidades para escribir contrapunto. Sus obras abarcan música profana y música religiosa. Su principal logro es la suite polifónica para masas.
En la historia del arte, 1450 ~ 1600 generalmente se llama Renacimiento. El significado original de Renacimiento es "renacimiento", lo que muestra que los artistas durante este período creían que su objetivo era revivir el arte de la antigua Grecia y Roma. Al mismo tiempo, también refleja que la gente concede la misma importancia al disfrute de la vida real y a la salvación después de la muerte. Los músicos crearon obras con temas religiosos y seculares. Ya en la época del Principado de Borgoña, el norte de Europa había formado un círculo cultural. Tras la incorporación del Ducado de Borgoña a Francia, los músicos de esta región (norte de Francia, sur de Holanda y Flandes, históricamente conocida como Escuela Flamenca) siguieron activos en toda Europa. Estuvieron a la vanguardia de la música occidental y tuvieron una fuerte influencia. en la música occidental. El desarrollo de la música en varios países tiene una gran influencia. La escuela de música flamenca utilizó la imitación para equilibrar las distintas partes de la polifonía y crear un nuevo estilo musical. Son buenos componiendo canciones clásicas y de masas, así como canciones profanas como "Shangsong", "Pastoral" y "Villarreal". Entre los principales compositores se encuentran J. O'Kagan, que trabaja desde hace mucho tiempo en la capilla de la corte francesa y participa activamente en Josquin de Pres en Italia, J. Obrecht, que vino a Italia por primera vez en Cambrai, y otros en Italia. y Alemania e Isaac y O. di Lasso trabajando en Austria. Trajeron los logros de Flandes en la escritura polifónica vocal a otros países y formaron un estilo internacional, al mismo tiempo, lo combinaron con la música local para tener sus propias características nacionales;
El movimiento de Reforma Cristiana en el siglo XVI, con la ayuda de rituales religiosos unificados, música religiosa y lenguaje eclesiástico, rompió la situación de larga data en la que la Iglesia Romana mantenía líderes espirituales occidentales.
Los protestantes también utilizan la música como herramienta para difundir su fe, utilizando su propio idioma en lugar del latín en los servicios de adoración y cantando canciones escritas en dialectos. Alemania produjo himnos, Francia y Suiza tenían poesía métrica e Inglaterra tenía himnos y liturgias. La Contrarreforma católica también influyó en la música. La orientación del Concilio de Torrent sobre la música sacra contribuyó a la pureza y la paz de la escuela de música romana. Representado por Palestrina y los compositores españoles Victoria y Guerrero. Además, la escuela de música veneciana con sede en la Iglesia de San Kel en Venecia comenzó con un músico de Flandes, A. Viyralt, e incluyó generaciones de músicos como A. Gabbrielli, el tío G. Gabbrielli y C. Meruno. Enriquecieron enormemente la música religiosa, crearon cantos alternos compuestos por coros dobles y formaron géneros musicales instrumentales como la Toccata, la Canzona y los Preludios, que fueron los precursores del estilo barroco.
Bajo la influencia del Renacimiento, la música secular occidental se desarrolló sin precedentes. En Italia, hay madrigales que se desarrollaron a partir del estilo de canción secular de Rotola; en Francia, hay canciones polifónicas seculares francesas que todavía están sueltas, en Alemania está el Lide, que también es una forma polifónica, está el Biliangsico; En Inglaterra, además del madrigal influenciado por Italia, la música de Virginia (una familia de clavecín) ha formado un estilo maduro. Los principales compositores son W. Byrd, J. Boole y O. Gibbs. Barroco originalmente significaba "raro". Se refiere al estilo arquitectónico ornamentado de los siglos XVII y XVIII, y más tarde al período Art Nouveau. Las características musicales del período barroco son: el nacimiento de la ópera y el desarrollo de la música instrumental, el estilo polifónico se transformó gradualmente en el estilo melódico principal, el modo de iglesia fue reemplazado gradualmente por los sistemas musicales mayores y menores, y el uso de la música digital. El bajo dio origen al nuevo concepto de "acústica armónica". Están surgiendo nuevos géneros musicales en gran número y el lenguaje musical se actualiza constantemente.
El nacimiento de la ópera es fruto de la búsqueda de ideales humanísticos y artísticos. Apareció por primera vez en Florencia, Italia, y luego se extendió a otras ciudades. En la primera mitad del siglo XVIII, gradualmente se fue estilizando y dando forma a la "ópera ortodoxa". Un gran número de escritores se dedican a la creación de ópera, como C. Monteverdi, A. Scarlatti, G. F. Handel, etc. La ópera francesa no sólo está influenciada por Italia, sino que también tiene sus propias tradiciones clásicas de tragedia y ballet, por lo que concede gran importancia a la combinación del canto y la fonología del lenguaje, y organiza las escenas de ballet siguiendo el patrón. Entre los compositores importantes se encuentran Luli, Ramos, etc. Las mascaradas y las semióperas eran populares en Inglaterra, y sólo H. Purcell escribió una ópera con música en todas partes. La ópera alemana se desarrolló en Hamburgo. Los géneros vocales importantes del período barroco incluyeron el oratorio, el oratorio y la pasión.
Los instrumentos de teclado populares en el período barroco incluyen el órgano, el clavecín y el martillo de cuña. Los géneros importantes incluyen la improvisación de toccata, fantasías y preludios; variaciones y fugas de Passacaglia y Chacón. Hay compositores importantes en todos los países, como G. Frescobaldi, D. Baxter Hood, F. Coubertin, etc. Durante el Barroco convivieron los instrumentos de violín y viola. El género principal de la música de cámara es la sonata, que consta de tres sonatas (dos violines y dos instrumentos de continuo) y sonatas solistas (un instrumento solista y dos instrumentos de continuo). Los géneros se pueden dividir en sonatas de iglesia y sonatas de cámara. La música de conjunto incluye conciertos y suites para orquesta. Los conciertos se pueden dividir en conciertos grosso, conciertos para orquesta y conciertos para solista debido a las diferentes combinaciones de instrumentos. Muchos músicos utilizaron estos temas, siendo los compositores más importantes A. Corelli y A. Vivaldi. Los compositores más destacados del período barroco fueron Bach y Handel. Se puede dividir en dos etapas: el período temprano (1730 ~ 1770) y el período próspero (es decir, la Escuela Clásica de Viena, 1770 ~ 1820). A principios del siglo XVIII, la música occidental adquirió un aspecto complejo. Por un lado, el estilo clásico no es una continuación directa de la música barroca. Ambos iban de la mano y existieron al mismo tiempo en los años 1930 y 1950. Por otro lado, el estilo preclásico en sí tiene características propias en diferentes países, que se reflejan en el campo de la música instrumental. Francia está dominada por un estilo magnífico, Alemania desarrolló un estilo emocional e Italia tiene un estilo instrumental influenciado por la ópera cómica. Los nuevos géneros y formas más importantes formados durante este período fueron la forma sonata y las suites en forma sonata, que se utilizaron no sólo para sonatas solistas sino también para música de cámara y música orquestal. A su creación contribuyeron compositores italianos y alemanes como D. Scarlatti y C.P.E. Entre las diversas combinaciones de conjuntos de música de cámara, el cuarteto de cuerda se ha convertido en el método más importante.
La sinfonía clásica se desarrolló y moldeó sobre la base de conjuntos instrumentales barrocos, especialmente las oberturas de ópera italiana. También comenzaron a surgir nuevos géneros y estilos en la ópera. Compositores de ópera italianos como N. Iomelli y T. Traetta reformaron la ópera ortodoxa, y C. W. Gluck combinó perfectamente la ópera italiana con la francesa en un intento de hacer que la ópera se ajustara a los ideales clásicos. Como representante del nuevo estilo, la ópera occidental va ocupando poco a poco una posición importante en la vida musical. Tanto Italia como Francia tienen sus propias características nacionales, como la ópera cómica, la ópera popular alemana y austriaca y la ópera popular británica.
Desde 65438 hasta la década de 1970, la música clásica entró en su apogeo. El estilo clásico maduro está representado por las obras intermedias y tardías de Haydn, Mozart y Beethoven. A través de las creaciones de muchos compositores en el período inicial del clasicismo, el vocabulario básico y las técnicas de expresión del estilo clásico se han perfeccionado básicamente, y los tres compositores en su apogeo lo desarrollaron aún más con sus propias técnicas de expresión. Como todos vivían en Viena, el estilo clásico maduro se combinó con factores austriacos obvios. La música en el apogeo del clasicismo se conoce históricamente como la "Escuela de Música Clásica de Viena". Desde el siglo XIX, los factores románticos en la música han ocupado un lugar importante. Estos 100 años se denominan el "período romántico" de la historia de la música. Tras el bautismo de la Revolución Francesa, el valor humano ha quedado plenamente afirmado. Si bien la autoexpresión en la música es particularmente popular, los conciertos públicos se han convertido en un formato importante. Para complacer a su público, los músicos buscan el virtuosismo, una acústica grandiosa y estilos coloridos. La música pura es el mejor medio para expresar sentimientos románticos extraordinarios. También han recibido atención el concepto de "arte holístico" y la música titular que se espera que se integre con otras categorías artísticas. Con el desarrollo del nacionalismo, los compositores de todo el mundo dan importancia a los factores locales en la música. En Europa del Este, del Norte y del Sur, el desarrollo de la cultura musical nacional se ha convertido en un movimiento consciente. Los músicos recopilan, organizan y publican música folclórica, utilizando como temas sus propias leyendas históricas, la vida de las personas y los paisajes naturales. Prefieren óperas, títulos sinfónicos, canciones artísticas y piezas instrumentales. Utilizan los tonos y ritmos de las canciones y danzas folclóricas. Explorar los orígenes de la música nacional. Una variedad de métodos de expresión forman un vocabulario musical con características nacionales. Esta práctica musical se conoce como "escuela de etnomúsica". La Escuela Nacional de Música fue una fuerza importante en la tendencia de la música romántica, inyectando vitalidad y color a la música occidental en el siglo XIX. La música se extendió a una audiencia más amplia y la vida musical amateur se volvió cada vez más activa, promoviendo el desarrollo de las industrias de crítica y edición musical. Para cultivar la música, se crearon instituciones especiales de educación musical. Muchos son compositores, intérpretes y excelentes profesores famosos. El lenguaje musical utilizado en el siglo XIX no sólo heredó el período clásico, sino que también tuvo innovaciones. El modo, el sistema de armonía y las especificaciones formales son básicamente los mismos, pero las técnicas son más ricas, más personalizadas y más libres. Varios géneros se desarrollaron simultáneamente con las tendencias musicales de la época, reflejando directamente las características de la música de la época.
El piano se mejoró aún más y se convirtió en un instrumento musical favorito en el siglo XIX. En los géneros tradicionales, la sonata no es tan importante como en el período clásico, pero tiene sus propias características. Por ejemplo, F. Schubert la dotó de lirismo y canto, F. Chopin mantuvo su enorme capacidad y connotación ideológica, y F. Liszt integró la suite de múltiples movimientos en un solo movimiento, las variaciones se desarrollaron desde variaciones decorativas segmentadas hasta las de larga duración; Variaciones. Variaciones de texto. Surgió una gran cantidad de temas conocidos como música característica (también conocidos como "piezas de estilo"), que reflejan la preferencia de los compositores del siglo XIX por expresar emociones personales. Este tipo de trabajo fue iniciado por J. Field, incluidos los nocturnos amados por Chopin y G. Foley, los intermezzos de R. Schumann y J. Brahms, y las fantasías de Schubert, Schumann y Balakirev, las baladas de Chopin y Brahms. , etc. También es una forma común de combinar una serie de obras instrumentales con contenido relacionado según una idea determinada, como "Carnaval" de Schumann, "Años de viaje" de Liszt, "Exposición de cuadros" de Mussorgsky, "Las cuatro estaciones" de Tchaikovsky.
Se puede decir que la música de cámara del siglo XIX era un campo carente de espíritu romántico. Continúa enfatizando la pureza de las ideas musicales, el diálogo contrapuntístico entre instrumentos y el desarrollo de motivos temáticos. Dado que la música de cámara durante este período era interpretada principalmente por músicos profesionales con excelentes habilidades y un fuerte sentido del color, se produjeron una gran cantidad de excelentes obras de conjunto. Las orquestas del siglo XIX siguieron un conjunto de instrumentos del período clásico. Los instrumentos de viento mejoraron, se mejoraron el rendimiento técnico y la expresividad y la organización orquestal se amplió en manos de compositores posrománticos.
Sinfonías, conciertos, oberturas de concierto, poemas sinfónicos y suites sinfónicas fueron géneros comunes durante este período. En respuesta a la contradicción entre la estructura cada vez más grande y el tema relativamente conciso y concentrado, los compositores adoptaron la "motivación principal" (R. Wagner), la "deformación del tema" (Liszt) y las "variaciones ampliadas" (Brahms), la "forma circular". " (c.a. Frank) y otras técnicas para solucionarlo.
Las canciones artísticas que combinan música y poesía no sólo se han desarrollado enormemente en Alemania, Austria y Francia, sino que también son apreciadas por compositores musicales de todo el mundo. La prosperidad de la ópera es una de las características de este período. Cada país tiene su propia ópera: la ópera nacional romántica alemana, la "Musique" francesa de Wagner, la ópera cómica, la opereta y la ópera lírica constituyen casi toda la música de este país. gran significado. 2011 es el centenario de la Revolución de 1911. Para hacer un balance de un siglo de historia de la música, no es necesario revisar tomos y buscar términos en diccionarios musicales. Una época produce una palabra que presenta fielmente el sabor de esa época. Tan pronto como la palabra sale de tu boca, la moda te golpea. Consultar un diccionario es como leer la historia de la música china.
En 1900, la "canción de música escolar" saltó de repente, encantadora y seductora. Conceptos occidentales como sonata, sinfonía y ópera. Túrnense para pronunciar palabras habladas. Por un tiempo, si no puedes escuchar ese concepto de un grupo de personas, significa que la educación del hablante es inmadura y su mente no está abierta. Los instrumentos al unísono, de cuerda y de cuerpo comenzaron a reemplazar a la antigua "octava". Como resultado, se hicieron populares los pianos, violines, flautas, trompas y saxofones, junto con los nombres de músicos extranjeros como Mozart, Beethoven y Schubert. así como los nombres de obras como “Sinfonía del Destino”, “Sonata a la Luz de la Luna”, “Ópera Carmen” y “Ballet El Lago de los Cisnes”. Estos conceptos acaban de ser traducidos, así que no estoy seguro de qué palabra usar y no sé qué significan en este momento. No fue hasta la década de 1980 que el "Diccionario de música extranjera", el "Diccionario de música china" y la "Enciclopedia de música y danza chinas" se publicaron uno tras otro, y se finalizó la versión final, conservando el vocabulario clásico que nunca se había publicado. equivocado. Una gran cantidad de terminología profesional, pentagrama, líneas de compás, clave de sol, partitura, armonía, polifonía, orquestación y la conciencia de las "cuatro grandes cosas" comenzaron a entrar en la mente, entrando a la sala desde el borde, entrando a la corriente principal desde el exterior. , e incluso penetró en A nivel subconsciente, ha llegado al punto en que son principalmente anti-cliente, lo que hace que los músicos chinos olviden a sus antepasados y regresen a sus raíces.
Si "iluminación" se ha convertido en una categoría importante del nuevo vocabulario, entonces "salvación" se ha convertido en otra categoría importante. En tiempos de crisis nacional, las canciones de salvación nacional, las canciones de guerra antijaponesas, las canciones de marcha, las canciones de coro y las canciones de masas se convirtieron gradualmente en el vocabulario de primera fila. Melodías como "La marcha de los voluntarios", "Cantata del río Amarillo", "En el río Songhua", "La marcha de la espada brillante" son muy populares, y nombres como Nie Er y Xian Xinghai son bien conocidos por mujeres y niños. .
En 1930, apareció la primera ronda de "música del tiempo" y la primera ola de canciones pop modernas aterrizó en la playa de Huangpu. Pero esta ola fue rápidamente definida como "música amarilla", y durante un período de tiempo, la conciencia dominante evaluó este suave "opio espiritual" en los términos más despectivos. En 1953, la "música ligera lírica" equivalía a la pintura capitalista y pertenecía al "sentimiento pequeñoburgués", producto de la cultura semicolonial. Estos conceptos no fueron abolidos hasta finales del siglo XX, convirtiéndose en viejos almanaques que nadie interesaba ni consultaba.
En 1966 empezó a sonar "la voz más fuerte del mundo" y la "canción de las citas" se extendió por toda China. Por el contrario, las "canciones de fantasmas y dioses" más extrañas de la historia de la música mundial salieron de la boca de un grupo de niños sordos, por lo que debemos hacer pedazos el mundo y convertirnos en símbolos en la partitura. En 1970 apareció el "Menor Educado" y finalmente supe que la tristeza de la tristeza significaba la madurez del niño rojo.
Después de 1980, apareció el método de canto del "unísono" y el "amor" ya no necesitaba limitarse a la patria. Cada vez flotan más palabras humanas. Originalmente una canción sobre "la felicidad de un caballero", finalmente volvió a su función y comenzó a expresar abiertamente sentimientos personales. Con la eliminación de varias definiciones de color antes del título de la música, la publicación de "música religiosa" ya no está marcada con palabras misteriosas como "material de referencia interno", "sólo como referencia" y "no se permite su difusión en el extranjero". Desde una perspectiva sociológica, su retorno funcional está más en línea con la naturaleza humana recién liberada, mientras que desde una perspectiva musical, su "retorno espiritual" presenta un canal natural más en línea con los sentimientos artísticos.
Jazz, discoteca, punk, música electrónica, batería, el río Xiangjiang, "hay un vasto espacio dentro y fuera de la Gran Muralla", animando y alardeando.
A principios de la década de 1980, cualquiera que quisiera ser clasificado como "cantante" era clasificado como "artista", un caso atípico sin formación universitaria. Ahora, por muy bien o mal que cante, quiere unirse a las filas de los "cantantes". La popularidad de los "rankings" y los "fans" se ha convertido en el estándar para evaluar si un estatus es "popular". Sólo que los medios de comunicación lo reconozcan como "estrella" es el reconocimiento de su estatus futuro. Los “cantantes” y los “discotecas” ya no son exclusivos del capitalismo. Los nombres de un grupo de cantantes representados por Teresa Teng se han convertido en palabras populares, e incluso los nombres personales humildes han ganado atención histórica debido a su conexión con una canción. "Música de Internet", "música electrónica" y "descarga CRBT" cubren los medios, reescribiendo las entradas del diccionario que se habían actualizado antes de iniciar sesión con una intensidad y velocidad sin precedentes. Trabajando solo, siguiendo mi propio camino, el vocabulario es contraproducente y confuso.
A principios del siglo XXI, la ópera Kun y las artes Guqin solicitaron la Lista Representativa del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO. Este no era el tema más importante en la sociedad en ese momento, pero sí en el pasado. año Aquí, la selección de "cantantes originales" en el 17º Gran Premio de Cantantes Jóvenes de CCTV presentó una tormenta sin precedentes, y "patrimonio cultural inmaterial" y "cantantes originales" se convirtieron en los términos con mayor tasa de clics. Algunas personas hablan en serio y dicen que la descripción del vocabulario no es razonable. De hecho, la base para la rápida difusión del lenguaje hablado que es convencional y razonable sin la necesidad de la voluntad humana es un signo de la conciencia cultural y el ascenso cultural de China, lo cual es muy "asombroso". La "diversidad cultural" y la "conciencia cultural" se han convertido en nuevos conceptos que lideran una nueva ronda de arte. Las canciones Dong, Fujian Nanyin y Twelve Muqam se han convertido en variedades de arte doméstico. Estas palabras, en desuso durante mucho tiempo, reaparecen en el establecimiento y la herencia de las tradiciones chinas, completando una nueva ronda de acciones para defender la dignidad de la cultura nacional.
El vocabulario musical tiene varias formas y similitudes. Ha pasado por las olas de las tendencias históricas, la conciencia dominante, los cambios sociales y la economía de mercado, ha abierto los horizontes de las personas en cada período y ha demostrado un nuevo concepto a partir del tema. género y tecnología. A un nuevo mundo de orientación, emoción e imaginación. La palabra se hizo muy popular y el mundo adquirió un nuevo aspecto. El nodo temporal y la presentación intensiva del vocabulario son el período cumbre de la locura histórica y se convierten en el subnodo apropiado para la división de eras. El amor a la casa y al pájaro, los elogios, el odio y el disgusto por la sotana, la descripción incisiva y el retrato vívido se benefician del impulso de las personas de derramar su corazón, expresar sus sentimientos y expresar su depresión. Con el paso del tiempo, muchos textos se han vuelto oscuros e incluso ridículos, pero guardan fielmente nuestra memoria histórica.