La leyenda del origen de los instrumentos de cuerda
Mercurio es el mensajero de los dioses en la mitología griega. Se dice que mientras caminaba por el Nilo, su pie chocó con algo que emitió un hermoso sonido. Cuando lo recogió, descubrió que era un caparazón de tortuga vacío con una costilla seca en su interior. Mercurio se inspiró para inventar instrumentos de cuerda. Aunque las generaciones posteriores tuvieron instrumentos de cuerda antes de Mercurio, es posible que se hayan inspirado en él.
2. La leyenda del origen de los instrumentos de viento
La historia antigua china registra la era del Emperador Amarillo hace cinco mil años. Un músico llamado Ling Lun fue a la montaña Kunhua en el oeste a recolectar bambú para hacer flautas. Resultó que había cinco fénix volando en el cielo en ese momento y él estaba en sintonía con Francia. Aunque esta historia no se puede creer del todo, se puede considerar como una misteriosa leyenda sobre el origen de los instrumentos de viento.
En tercer lugar, la música china antigua
El primer emperador de China, el Emperador Amarillo, fue un monarca famoso hace cinco mil años. Creó el calendario y la escritura. En ese momento, además del mencionado Ling Lun, también había un músico llamado "Fuxi". Se dice que Fuxi es una serpiente con cabeza humana que fue concebida en el útero de su madre durante doce años. Tocaba un piano de 50 cuerdas. Como el sonido era demasiado triste, Huang Di lo cortó por la mitad y lo cambió a 25 cuerdas.
Además, en la leyenda del Emperador Amarillo, había un músico llamado Shen Nong que enseñaba a la gente a cultivar y descubrió la medicina, que se decía que era una cabeza de buey. Creó el banjo, lo cual es un hecho si se supone que la música de la época utilizaba la escala pentatónica.
Se dice que existen nada menos que 300 libros sobre música antigua china. Confucio vivió hace unos 2.500 años. Soy músico y escribo muchos ensayos sobre música. Una vez practicó formalmente el piano, lo acariciaba y consolaba cuando estaba triste y feliz, y se lo enseñaba a sus discípulos. Se dice que tuvo 3.000 discípulos, 72 de los cuales dominaban las Seis Artes. Lo que enseñó Confucio se puede llamar "poesía, caligrafía, etiqueta y música". "Li" se refiere al orden del yin y el yang en el cielo y la tierra, y "alegría" se refiere a lograr la armonía. Es decir, en su filosofía la moral y la música están en la misma posición, intentando utilizar la música para mejorar la moral. A Confucio le gustaba mucho el guqin y podía componer su propia música. También hay comentarios sobre música en Las Analectas.
Por otro lado, la mayor parte de la música de la corte en la antigua China era música de baile, que integraba poesía, danza y música, lo cual es completamente diferente a la danza actual.
En cuarto lugar, la música antigua de Egipto y Arabia
La civilización egipcia es una de las civilizaciones más antiguas del mundo. Desde las esculturas en las paredes de piedra dentro de la pirámide que sirvió como tumbas de los emperadores, podemos ver la grandeza de la música interpretada y las filas de los músicos. Las esculturas presentan instrumentos de cuerda en forma de arpa que se tocan con los dedos y varios instrumentos de flauta.
La música instrumental en las regiones árabes y de otras regiones también está bastante desarrollada. Desde la antigüedad, la gente ha utilizado escalas musicales especiales, divididas en 17 nombres dentro de una octava.
verbo (abreviatura de verbo) música griega antigua
El origen de la música griega también está envuelto en un velo de misterio. Apolo está a cargo de la música y hay nueve musas bajo su mando, llamadas música o Musik. Entre los instrumentos griegos se encontraban la flauta doble en forma de V llamada Aouros, la Lyra y la Zittel, un instrumento de cuerda parecido a una guitarra, todos importados de Egipto o Arabia.
Sexto, el surgimiento de la ley pura
En el siglo VI a. C., el gran filósofo y matemático griego Pitágoras utilizó por primera vez un instrumento llamado monocordio. El instrumento de una sola cuerda explica lo puro. teoría jurídica. Este es un método para calcular todos los intervalos utilizados en ese momento en función de la longitud de la cuerda, tomando uno a dos como la octava completa y dos a tres como la quinta completa.
En primer lugar, el cristianismo y la música medieval
En la Europa medieval, la iglesia tenía un poder de gobierno más poderoso que el estado u otros grupos sociales.
En aquella época, todo tipo de conocimientos y artes, incluida la filosofía, servían a la Iglesia, y la música medieval también experimentó un extraordinario desarrollo gracias al cristianismo. En la música religiosa se creó la forma de la polifonía y se completó el contrapunto. La partitura original impresa se utilizó en las iglesias para las misas. El auge de los instrumentos de teclado y sus métodos de enseñanza, nada se puede producir sin la iglesia. Desde toda la teoría musical hasta la notación, el coro y el conjunto, gran parte es un legado de la iglesia medieval. Aunque la mayoría de las sinfonías y óperas actuales son seculares, no se puede decir que no tengan nada que ver con la iglesia medieval.
La música de la iglesia probablemente adoptó intacta al principio la forma del Reino judío, es decir, cantar himnos y recitar la Biblia. Se puede imaginar como música puramente vocal. La música religiosa siempre ha estado dominada por la música vocal, porque la música vocal tiene letra. En cambio, la música instrumental se desarrolló principalmente como música secular.
En segundo lugar, la música románica
El término "románico" proviene principalmente de la terminología arquitectónica de esa época. Uno de los mayores artefactos monumentales en la historia del arte mundial, la música románica es una música sin armonía ni acompañamiento, caracterizada por coros y creando una sensación de armonía solemne a través de los ecos de los patios de las iglesias. Sus sentimientos religiosos simples y hermosos son completamente consistentes con la arquitectura de la iglesia de estilo romano.
La música románica fue una de las formas musicales importantes durante este período de la Edad Media, representada por el canto gregoriano, una música típica católica. Durante la larga Edad Media, el canto gregoriano desempeñó el papel más importante en la música, que era el canto puro de una sola melodía. En el canto gregoriano, hay cuatro modos eclesiásticos y sus estilos variantes: modo dórico, modo frigio, modo lidio y modo lidio mixto. El modo jónico y el modo aria aparecieron en el siglo XVI, formando las escalas mayores y menores actuales. En la época de Gregorio I, se estableció en Roma una escuela llamada "Clase de Canto", que puede considerarse como una de las primeras escuelas de música del mundo.
Ambrosio (340-397) recopiló canciones cantadas en las iglesias, formuló cuatro modos eclesiásticos para la música religiosa que constan de siete tonos y creó la forma de dúo. En los himnos, la relación entre la letra y la situación del lenguaje, el tono y el ritmo se resuelve de forma ideal. Expresan de forma natural y perfecta los sentimientos religiosos y pueden considerarse como un resumen del arte musical de esta época.
1. Estilo gótico y Renacimiento
Desde mediados y finales del siglo XIII hasta el siglo XIV, la sociedad europea entró en el período del Renacimiento y el arte gótico surgió en el norte de Europa. El estilo gótico es más evidente en la arquitectura. En la música, el estilo gótico nunca se formó claramente como una forma que representara una época, sino que comenzó con las formas polifónicas de Oganam, que exhibían claramente las características del estilo gótico. Entre las muchas canciones clásicas del siglo XII, además de las melodías fijas de los cantos gregorianos solemnes, también hay melodías de danza y canciones de amor con diferentes letras y ritmos. 2. Renacimiento y Música
El Renacimiento en la música es ligeramente posterior a otras formas literarias como la literatura y el arte. El compositor representativo puede ser en primer lugar Francescl Landino (Francescl Landino, 1325(?)-1397), él. Adoptó la audaz técnica de cantar tres letras diferentes al mismo tiempo, dejando atrás muchos madrigales y baladas. Guillaume Dufay completó la tetralogía de las técnicas. La polifonía de Oganam condujo a la finalización de la teoría del contrapunto con Bach como culminación.
Las Cruzadas tuvieron lugar en Europa desde finales del siglo XI hasta finales del siglo XIII. Este hecho histórico tuvo un impacto significativo en los intercambios culturales entre Oriente y Occidente. En materia de música, la manifestación más significativa fue el surgimiento de figuras como los bardos, bardos y cantantes líricos. Su poesía incluía canciones de amor, historias narrativas, de naturaleza. himnos, contenido religioso o moral, etc. Como instrumento musical se utiliza un pequeño clavicémbalo como un clavicémbalo o un instrumento perteneciente a la antigua familia de los violines.
Capítulo 4 Música de la Época Barroca
Primero, estilo barroco
Cronológicamente se llama música barroca a la música desde finales del siglo XVI hasta 1750. . A finales del siglo XVI se representó en Florencia, Italia, la primera ópera de la historia de la música, también basada en Giovanni Gabrieli (1557).
)-1612) como centro de la "Escuela de Venecia" en su apogeo. 1750 fue el año en que murió el maestro polifónico Johann Sebastian Bach. Se puede considerar que la música de contrapunto, que representa la cúspide del barroco, terminó con la muerte de Bach.
La palabra barroco originalmente significaba perlas de forma irregular y originalmente se refería a una forma de arte en la arquitectura. El arte del Renacimiento se basó en la belleza formal de Grecia y Roma. Para él, el estilo barroco era una forma de expresión completamente nueva y la premisa para el posterior surgimiento del arte rococó.
La música europea durante el período barroco estuvo representada por Alemania, Italia y Francia. El arte musical de este período alcanzó un rápido desarrollo sin precedentes.
2. La época barroca de la música alemana
Xu Ci, Bach y Handel son representantes de la música alemana en la época barroca. Si se comparara la polifonía desde la Edad Media con una pirámide, su música sería la cima. Absorbieron la nueva música italiana desde el Renacimiento y abrieron un nuevo camino.
Xu Ci (1585-1672) nació cien años antes que Bach y Handel Chacha. A los 24 años viajó a Italia para estudiar bajo la dirección del maestro de música veneciano Gabrieli (1557-1612). Después de regresar a Alemania, publicó la primera ópera alemana "Daphne" y también escribió muchas canciones apasionantes. El estilo de Xu Ci tuvo una influencia importante en las creaciones de dos maestros barrocos posteriores, Bach y Handel.
Las obras musicales de Handel y Bach brillan en la historia de la música, ya sean la fusión de música tradicional o el seguimiento de nuevas corrientes de pensamiento. Las obras de Handel son en su mayoría música de ópera y oratorio, y también hay fuertes elementos vocales en la música instrumental, que obviamente están influenciados por Italia. La música de Bach también contiene fuertes elementos instrumentales en las obras vocales, lo que presagia la llegada de la era clásica tardía.
En tercer lugar, la música italiana en la época barroca
La gran forma de arte de la ópera nació en Italia, la "cuna de la música", la antigua civilización europea. La antigua ciudad de Florencia tenía muchos grandes artistas y un grupo de nobles interesados en el arte griego antiguo. Estaban decididos a darle nueva vida al teatro griego. Estos nobles comenzaron a componer música para historias griegas antiguas y a vestirse para interpretar. Toda la historia fue escrita por Cantando por el coro, este es sin duda el prototipo de la ópera. Más tarde, después del desarrollo, cada personaje de la historia fue cantado por un cantante, y entre las actuaciones corales, cantantes masculinos y femeninos cantaron solos. Cuando las palabras del personaje sean suaves, las líneas se cantarán y pronunciarán. Este estilo de canto es casi como un himno: se llama recital. Las emociones fuertes se expresan a través de melodías reales llamadas arias. Pronto, Arias estaba presumiendo la hermosa voz de la cantante. En aquella época, ya sea que una ópera se representara en Italia, Inglaterra o Alemania, sus arias siempre se cantaban en italiano y la parte recitativa en el idioma de ese país.
En la música barroca italiana, la música de cuerdas se puede comparar con la ópera antigua. Los instrumentos de cuerda como el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo siguen siendo instrumentos indispensables en la orquesta, y también son extremadamente importantes en la música de cámara y en los instrumentos solistas. En Italia, durante el período barroco, la música de cuerdas y la ópera se combinaron para convertirse en una antigua obertura. El preludio de una ópera debe estar compuesto de tres partes: un comienzo rápido, una parte media lenta y un final rápido, que más tarde se convirtió en la forma básica de conciertos y sinfonías. En aquella época, las oberturas y conciertos antiguos se componían principalmente de instrumentos de cuerda. Hubo muchos violinistas italianos durante este período, como Giuseppe Torelli (1650-1708), Colleri (1653-1713), T. Antonio Vitali (1665-1735), Vitali Valdi (Antonio Vivaldi, 1675-17438). También se encuentran numerosos violinistas italianos, como Amati, Gneri y Stradivari, todos ellos procedentes de Cremona, en los Alpes del norte de Italia. Sus violines cuidadosamente elaborados todavía están activos en el escenario hoy en día, mostrando un encanto artístico sin precedentes.
En cuarto lugar, la música francesa en la época barroca
En Francia durante este período, con París como centro y los palacios de los príncipes y nobles como fondo, la ópera y la música de clavicordio eran extremadamente popular.
La ópera francesa en ese momento se separó de la tradición de la ópera italiana, creció de manera independiente y se acercó a la forma del ballet.
En la época barroca, el compositor de ópera francés más representativo fue Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Sus óperas son concisas, claras, melodiosas, con fuertes rasgos de danza y contenido profundo, y utilizan muchas técnicas picantes y humorísticas.
Al mismo tiempo que la ópera, se popularizó la música para clavicordio. El clavicordio es un instrumento musical decorado a menudo con adornos representativos de la cultura barroca. Junto con el clavecín, es el predecesor del piano actual. Los maestros más famosos en este campo son François Couperin (1668-1733) y J.P. Jean Philippe Rameau (1683-1764), muchas de cuyas obras fueron escritas para partituras para piano antiguas. La "Introducción a la acústica armónica" de Mora se publicó en 1722 y es el trabajo teórico más antiguo sobre acústica armónica en la historia de la música.
Primero, el clasicismo en la música
El germen del clasicismo se produjo en Italia durante la época del Barroco. Posteriormente, con la aparición de Haydn, Mozart y Beethoven en Viena, se formó la música clásica. Por lo tanto, la "escuela clásica" en música en realidad se refiere a la "Escuela clásica vienesa". El arte clásico, que surgió por primera vez en el campo de la literatura y el arte, tiene como objetivo restaurar el arte clásico de Grecia y Roma. Presta atención a la simetría y armonía formales y se centra principalmente en la búsqueda de la belleza objetiva.
2. Escuela de Música Clásica
Después del Renacimiento, surgió en Italia nueva música en forma de temas principales y floreció en Alemania y Austria en el contexto de la sociedad aristocrática. Al principio había tres escuelas de música principales: la primera escuela fue la Escuela de Berlín centrada en el segundo hijo del maestro de música Bach; la segunda escuela fue la Escuela de Mannheim (1717-1757) centrada en Johann Stamitz; La tercera escuela es la antigua Escuela de Música de Viena centrada en Wagenza y Moon.
En la música clásica, aunque la ópera también tiene una parte importante, en general la música clásica se caracteriza por la música instrumental, especialmente en forma de sonatas y sinfonías. La música de cámara y la sinfonía de la Escuela de Mannheim no sólo influyeron en la Escuela de Viena, sino que también influyeron directamente en el joven Beethoven de Bonn.
La forma sonata es una forma muy representativa de la música clásica. Es decir, la parte de presentación tiene un contraste entre el primer y segundo tema, una parte de desarrollo en el medio, y luego una parte de reproducción donde se repiten los dos temas. El Conservatorio de Mannheim ya tenía en aquel momento un formato bastante completo. La Escuela de Música de Mannheim también incorporó el minueto a la forma sinfónica y los instrumentos de viento adoptaron arreglos de doble tubo en su orquestación sinfónica. Mozart añadió el clarinete a su sinfonía, que aprendió después de escuchar tocar a su banda en Mannheim.
En tercer lugar, la Escuela de Música Clásica de Viena
La Escuela de Música Clásica de Viena, representada por Haydn, Mozart y Beethoven, el padre de la sinfonía, ha erigido un monumento inmortal en el historia de la música. Las principales características de este género musical son reflejar las exigencias ideológicas universales de la humanidad, perseguir el concepto de belleza, enfatizar la elegancia del estilo y dar a las personas un espíritu optimista y emprendedor.
Primero, el romanticismo en la música
El significado de la palabra romanticismo originalmente se refería a los cuentos escritos en escritura romana, y más tarde específicamente a las novelas o cuentos de caballeros, y más tarde incluía también las leyendas novedosas. El auge del romanticismo en el arte apareció por primera vez en la literatura del siglo XVIII. En el trabajo, todos los sentimientos, intereses y talentos personales no tienen ninguna restricción. Es decir, el compositor expresa fuertemente sus propias preferencias. Esto se opone teóricamente al clasicismo dominado por la forma. La música clásica es lineal y vívida, mientras que la música romántica está llena de color y emoción y contiene muchos elementos subjetivos y utópicos. Sin embargo, esto es sólo una diferencia de principio. De hecho, ya existen elementos románticos en la música clásica y también hay muchos contenidos clásicos en las obras románticas.
2. La formación de la música romántica
La música romántica temprana, como otras artes hermanas, se originó en la "Edad de la Ilustración" en Europa y las ideas democráticas liberales relacionadas con la Revolución Francesa. Décadas más tarde que el Romanticismo en la literatura.
Las últimas obras de Beethoven se convirtieron en las precursoras del romanticismo temprano, y los compositores posteriores pueden clasificarse como románticos. Desde una perspectiva temporal, la mitad del siglo XIX fue su apogeo.
3. Figuras representativas de la música romántica
De hecho, en las obras posteriores de compositores clásicos como Beethoven, Rossini y Weber, el estilo de la música romántica ha quedado evidentemente revelado. Fueron ellos quienes crearon el romanticismo.
Los compositores nacidos alrededor de 1800 formaron el centro del romanticismo temprano. Como primeros compositores románticos se pueden citar a Schubert y Berlioz. Todos partieron de las tradiciones de Gluck, Haydn, Mozart y Beethoven y formaron sus propias escuelas. Posteriormente, la música romántica fue refinada aún más por Mendelssohn, Schumann, Chopin y Verdi, alcanzando su apogeo en la era de Tchaikovsky, Liszt y Wagner. Esta serie de compositores y pianistas formó el centro del romanticismo medio. En cuanto a las obras de famosos artistas modernos como Mahler, Richard Strauss y Rachmaninoff, pertenecen a la música romántica tardía en la historia de la música.
En cuarto lugar, el estatus histórico de la música romántica
El estatus del género de la música romántica en la historia de la música es evidente. Este período no sólo fue rico en grandes músicos, sino que también tuvo géneros musicales sin precedentes: canciones sin palabras, nocturnos, canciones artísticas, canciones narrativas, poemas sinfónicos y otras formas novedosas y únicas que son un "tesoro" en la historia del arte humano.
La música romántica también es un puente: Weber aceptó las tradiciones de Gluck y Mozart y las transmitió a Wagner en los tiempos modernos; Schubert fue el sucesor de Beethoven en la música instrumental, pero sus Lieder del Romanticismo han sobrevivido hasta nuestros días a través de Schumann. y Lobo. La música que da título a Berlioz proviene de la sinfonía "Pastoral" de Beethoven, que más tarde se asoció con el impresionismo francés moderno.
1. La formación de escuelas de etnomúsica
A mediados del siglo XIX, aunque muchos músicos de Europa del Este, del Norte de Europa y Rusia estaban profundamente influenciados por la creación de música romántica de Europa Occidental, ellos En realidad, prestando más atención a la creación musical con sus propias características nacionales, ha producido una gran cantidad de excelentes obras musicales que expresan su propio carácter, aspiraciones y vida nacionales. Fueron ellos quienes fundaron y desarrollaron esta escuela de música relativamente independiente: la Escuela Nacional de Música. Este género musical no pertenece a una época determinada, sino que se clasifica como un todo en la historia de la música porque tiene un estándar estético común.
La escuela de música folclórica en sentido estricto sólo cuenta con cuatro representantes: los músicos checos Smetana y Dvořák, el músico noruego Grieg y el músico finlandés Sibelius. La amplia escuela de etnomúsica tiene un alcance ligeramente mayor, e incluye al músico ruso Glinka y los "cinco poderosos" rusos (Balakirev, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Borodin y Gay Iraq). Algunos teóricos de la música incluso creen que el músico ruso Tchaikovsky, el músico polaco Chopin y el músico húngaro Liszt deberían pertenecer a los géneros musicales románticos y nacionales.
Se puede decir que mientras un compositor basa su música en las canciones y danzas folklóricas de su propio país, o intenta utilizar diversos sonidos para expresar su leyenda o escenografía, está creando algo llamado Nacionalista. cosas de música.
2. Escuela Nacional de Música de Rusia
Rusia es un país vasto que ocupa una sexta parte de la superficie terrestre. En el norte, gigantes de cabello rubio cantaban canciones solitarias, pescaban en el mar helado, cazaban visones en el mar helado y confeccionaban túnicas de piel para los príncipes más famosos del mundo. En el sur, gente de piel oscura llegaba desde Asia a estas montañas con sus extrañas y toscas danzas. Esta nación, dividida entre ricos y pobres y con constantes guerras civiles, siempre ha dado la impresión de estar "atormentada por desastres". Es este destino el que da a esta nación una personalidad única: un temperamento profundo y melancólico, una cultura popular entusiasta y desenfrenada y un espíritu nacional competitivo.
Desde el "padre de la música rusa" Glinka, hasta el "músico ruso" Tchaikovsky, pasando por innumerables compositores, intérpretes y directores rusos activos en la industria musical de este siglo, el lenguaje musical está impregnado de la esencia de la nación rusa.
En tercer lugar, la Escuela Nacional Checa de Música
La República Checa está situada en el cruce de Europa central y oriental, con hermosas montañas y ríos.
Las danzas folclóricas también tienen características de Europa central y oriental. En las obras de dos grandes músicos, Smetana y Dvořák, podemos sentir verdaderamente su infinito amor y apego a su patria. Sus obras están profundamente influenciadas por la música de danza folclórica, y representan las montañas y ríos de la patria y otros paisajes naturales con colores fuertes y pinceladas afectuosas.
Además de estos dos maestros, en la República Checa también nacieron músicos famosos como Phoebe Bach (1850-1900), Janak (1854-1928), Suk y Derdra.
Cuarto, Escuela Nacional de Música Nórdica
Esta escuela de música también se llama "Escuela Nacional de Música Escandinava" y entre sus representantes se encuentran Grieg y Sibelius.
El noruego Grieg estuvo profundamente influenciado por la música romántica y la combinó con la esencia de su propia música nacional para formar su propio estilo único. Sus obras describen principalmente la naturaleza, aunque están llenas de características de la música nacional, nunca copian la melodía de ninguna canción popular, sino que integran la pasión en la creación y reflejan el carácter nacional de la creación real.
Sibelius de Finlandia fue un músico lleno de pasión patriótica. La mayoría de sus obras importantes reflejaban la tendencia de luchar por la independencia nacional y eran muy contagiosas e inspiradoras. Admiraba a Beethoven y sus obras a menudo mostraban una "naturaleza combativa" similar al carácter musical de Beethoven. Las generaciones posteriores consideran a Sibelius como el compositor sinfónico más importante después de Beethoven.
5. Otras escuelas de música étnica
La música folklórica de cada país tiene unas melodías y ritmos diferentes a los de cualquier otro país del mundo. Por ejemplo, una vez que nos familiarizamos con la música española, cuando escuchamos esos ritmos apasionantes marcados por el golpe de las castañuelas y el baile de tacones, nunca podremos confundirla con ninguna otra música. España es un país de danza. El tango, la jota, el bolero, el aragão nez y la mara parecen tener un encanto. Este tipo de música ha contagiado a muchos compositores. Los grandes compositores españoles Falla, Alberni y Granados, así como el guitarrista Terrega, conocido por las generaciones posteriores como "Chopin en la historia de la música para guitarra", incorporaron en sus obras las características de la música nacional española, convirtiéndose en sus fundadores. del género musical nacional español.
En la primera mitad de este siglo, la escuela de música folclórica latinoamericana, que estaba estrechamente relacionada con la escuela de música folclórica española, también tuvo un profundo impacto en el desarrollo de las músicas mundiales. Entre ellos, figuras representativas incluyen al compositor mexicano Ponce, la compositora brasileña Vera Robles, el compositor venezolano Lauro y otros.
Desde finales del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial, se puede llamar la era de la "música moderna" en la historia de la música. Durante este período, varios géneros musicales representados por la música impresionista realizaron la transición del romanticismo tardío a la música moderna del siglo XX.
1. La formación de la música impresionista
La música impresionista se produjo a finales del siglo XIX. Es un género musical influenciado por la "Literatura Simbolista" y la "Pintura Impresionista". Los músicos de este género eran muy diferentes de los músicos románticos que los precedieron. No describen directamente las escenas de la vida real a través de la música, sino que describen más bien los sentimientos o impresiones que nos dan esas escenas, generando una atmósfera y un tono misteriosos y confusos.
Los dos músicos que representan la música impresionista son ambos franceses: Debussy y Ravel. Además, el compositor francés Duca y el compositor italiano Repiki también son representantes de la música impresionista.
En segundo lugar, la música impresionista francesa
Al igual que otros compositores franceses, la música de Debussy es música de título más que música absoluta. A finales del siglo XIX existía en Francia una escuela de pintores y poetas llamada Impresionismo, por lo que el famoso compositor francés Debussy intentó utilizar la música para lograr los efectos que los impresionistas lograban con la pintura. El artista impresionista no pintó la belleza de la vida sino la belleza de los sueños, tan lejanos como una masa de oro al final de un arco iris. Debussy fue un pionero en el uso de nuevas armonías y sonidos en la música moderna.
La música extraña y sobrenatural de Debussy se compone principalmente de "escalas diatónicas" sin ninguna relación cromática y muchos "sobretonos" que no pueden vibrar en absoluto en el aire. También utilizó diferentes combinaciones de varios instrumentos de la orquesta para crear efectos de sonido suaves y brillantes.
Al principio todos estaban confundidos por su música y no sabían cómo entenderla, pero una vez que se acostumbraron les gustó mucho.
El compositor más importante que imitó a Debussy fue su compatriota Ravel, pero Ravel no hizo tanto uso de escalas diatónicas y acordes de sonidos extraños como Debussy. Quizás ningún otro compositor supo extraer tanto timbre de una orquesta como él. Por ejemplo, en el bolero, el ritmo es el mismo de principio a fin y la melodía se repite una y otra vez. Los cambios y el interés en la forma de esta música de baile española provienen del ingenioso uso de la dinámica por parte de Ravel (de ligero a pesado o de pesado a ligero) y su ingeniosa combinación de timbres.
En tercer lugar, la influencia de la música impresionista
La música impresionista es uno de los puentes entre la música romántica y la música moderna. Aunque este género musical se concentró principalmente en Francia a finales del siglo XIX y principios del XX, este estilo jugó un papel inconmensurable en el desarrollo de la música moderna. Varios géneros musicales del siglo XX, como el expresionismo, el sistema dodecafónico, la música secuencial, etc., fueron influenciados hasta cierto punto por la música impresionista.