Conocimientos de música clásica
Hay dos tipos de música, una es la música sinfónica y orquestal ligera, y la otra es la música de baile, la música pop y la música jazz.
La música clásica a menudo se refiere a música seria, y también hace referencia a algunas obras clásicas reconocidas.
Generalmente el número de intérpretes es inferior a 10, y la música clásica se llama música de cámara. Cuando cada instrumento desempeña una parte, el conjunto de dos instrumentos se llama dúo, el conjunto de tres instrumentos se llama trío... El conjunto de ocho instrumentos se llama octeto, pero el trío de piano, el cuarteto de cuerdas y el quinteto de piano se llaman el más popular. Las de más de diez personas se denominan orquestas de cámara. Las actuaciones de música instrumental a gran escala se denominan música orquestal, y las orquestas modernas también se denominan orquestas sinfónicas y orquestas sinfónicas. El número de orquestas sinfónicas clásicas es de más de 30 personas, a veces hasta 100 o 150 personas. Las bandas que tocan música ligera y jazz generalmente se denominan pequeñas bandas de jazz. Suelen tener un número reducido de personas, pero las bandas de música ligera también tienen más de 30 personas. Las bandas de danza modernas no utilizan instrumentos de cuerda, sino que simplemente utilizan instrumentos de viento de madera y de metal como principales instrumentos melódicos, lo que es completamente diferente de la banda de vals vienesa.
En la configuración de una orquesta grande, el número de instrumentos de cuerda representa aproximadamente el 60%, el número de instrumentos de viento de madera representa aproximadamente el 15%, el número de instrumentos de metal representa aproximadamente el 15% y el número de instrumentos de viento representa aproximadamente el 15%. El número de instrumentos de percusión representa alrededor del 10%. Por lo general, el violín está en el frente a la izquierda, el contralto en el centro a la derecha, el violonchelo en el frente a la derecha y el violonchelo doble en el extremo derecho. Detrás de los instrumentos de cuerda está la sección de instrumentos de viento, con los timbales en el centro de la última fila. Cajas, platillos y otros instrumentos de percusión se encuentran en el lado izquierdo de los timbales. La sección de metales está a la derecha de los timbales. El arpa y el piano están en el centro a la izquierda.
La orquesta tiene 4 partes principales:
(1) Instrumentos de cuerda
Violín, viola, violonchelo, contrabajo (bajo).
(2) Instrumentos de viento madera
Flauta (transfer), flautín, oboe (corno inglés), clarinete (flauta dulce, clarinete), fagot (fagot, fagot).
(3) Instrumentos de metal
Trompeta, trombón (tubo trefilado), corno francés (trompa) y tuba.
(4) Instrumentos de percusión
Timbales, bombo, caja, platillos, triángulo, campanas, gongs, xilófono, celesta, etc.
El elemento de la música es el sonido. Los compositores no pueden expresar emociones claramente como las palabras, sino que sólo pueden utilizar el sonido para despertar las emociones de las personas. Los cuatro elementos básicos de la música son ritmo, melodía, armonía y timbre. El ritmo recuerda a las personas los movimientos físicos y la melodía les recuerda las emociones espirituales. La música expresa sus emociones a través de diferencias en melodía, velocidad del ritmo, tono del sonido, cambios en la armonía y diferencias en el timbre. Por ejemplo, las tonalidades mayores representan felicidad y majestad, las tonalidades menores representan tristeza y melancolía; los ritmos tensos y cortos representan vigorosos y enojados, los ritmos suaves y largos representan gentileza y suavidad, los tonos fuertes representan entusiasmo, los sonidos bajos y débiles representan tranquilidad; lucha y disputa, la consonancia representa la paz y la tranquilidad; la trompeta representa la guerra, el oboe representa el pastoreo, etc.
¿Cómo disfrutar de la música?
Cada uno escucha música según sus diferentes capacidades de apreciación y aficiones. Para facilitar el análisis, dividimos la apreciación de la música en tres aspectos.
(1) Estética
Escuchar música es puramente por el placer de la música. Sólo busca ser agradable a los oídos. Es sólo una apreciación perceptiva. cualquier forma de pensamiento y permite el atractivo de la música. Transpórtate a un reino de fantasía. Por ejemplo, cuando estés haciendo algo, enciende los parlantes y sumérgete en la música distraídamente. En este momento, el atractivo de la música por sí solo puede llevar a las personas a un estado mental inconsciente pero encantador.
La estética juega un papel muy importante en la música, pero no se debe permitir que ocupe demasiado lugar. Incluso en esta etapa temprana de escuchar música, se debe adoptar un enfoque de escucha más significativo.
(2) Expresión
Toda música tiene la capacidad de expresar, y siempre hay algún significado detrás de las notas. Este significado constituye el contenido de la obra y puede despertar emociones. es apreciación emocional.
(3) Música pura
Además del sonido agradable y las emociones expresadas, la música también existe en las notas y en el procesamiento de las mismas. Para seguir las ideas del compositor, explorar conscientemente la estructura de la música, los cambios en los temas y el uso de las técnicas del compositor. Esto es apreciación intelectual y una etapa avanzada de apreciación musical.
La mayoría de los oyentes no son plenamente conscientes de este tercer aspecto. El oyente sabio debe estar preparado para aumentar su conocimiento del material musical y su desarrollo. Debe escuchar más conscientemente la melodía, el ritmo, la armonía y el timbre. Lo que es particularmente importante es seguir las ideas del compositor y comprender algunos principios de la forma musical.
El oyente ideal es una persona que puede adentrarse en la música y trascenderla. Aprecia la música mientras la critica y profundiza constantemente su comprensión de la música.
La única forma de entender la música es escucharla. Sólo escuchando atentamente de principio a fin hasta que te familiarices con ella podrás profundizar tu comprensión. Cuando escuchas una melodía y puedes reconocerla, tienes. las condiciones para disfrutar de la música. Si puedes escuchar las diferencias en cómo diferentes intérpretes interpretan la misma pieza musical y comprender las ideas del compositor, entonces ya has entrado por la puerta para apreciar la música.
La música tiene la capacidad de expresarse y por lo tanto tiene un cierto significado, pero no se puede expresar claramente con palabras y no es necesario encontrar palabras apropiadas para expresar el significado de la música.
Los métodos de expresión musical se pueden dividir a grandes rasgos en dos categorías: música absoluta y música de programa. La música que toma la música misma como propósito se llama música pura. Está compuesta únicamente de sonidos y formas y no tiene una conexión clara con nada más que la música misma. La mayoría de la música instrumental, como las sinfonías y las sonatas, entran en esta categoría. La música que implica literatura, pensamiento, pintura y otros contenidos con títulos específicos se denomina generalmente música de título.
Sonata es una pieza instrumental que contiene cuatro movimientos independientes. Cada movimiento tiene una estructura y estilo independientes, y es interpretada por piano, violín y violonchelo respectivamente. Cuando se toca en el piano, se llama sonata para piano, cuando se toca en el violín, se llama sonata para violín, cuando se toca en el violonchelo, se llama sonata para violonchelo y cuando se toca como música de cámara, también se llama una sonata.
El concierto es una pieza instrumental interpretada por un instrumento solista y una orquesta en pie de igualdad. Los conciertos suelen incluir violín, piano, violonchelo o flauta como instrumento solista.
Una sinfonía es una pieza instrumental de tipo sonata interpretada por una orquesta. Suele dividirse en cuatro movimientos. La complejidad del tono y la riqueza de los colores son las más altas entre todas las piezas musicales.
Suite es una suite para orquesta o piano compuesta por varias piezas cortas conectadas en una, cada una de las cuales es relativamente independiente.
Obertura (Obertura) originalmente se refiere a una pieza instrumental interpretada por una orquesta antes del inicio de una ópera, oratorio o partitura dramática. Sin embargo, en los tiempos modernos existen oberturas orquestales de un solo movimiento compuestas especialmente para concierto. actuación.
Los preludios son en su mayoría piezas orquestales breves, a menudo utilizadas como preludio de composiciones musicales a gran escala y dramas cinematográficos.
El intermezzo es música que se reproduce entre los actos de un drama u ópera. Tiene la función de sugerir escenas y cambiar la atmósfera del público. Además tiene una forma de trabajo independiente. su longitud es relativamente larga.
Toccata es una pieza de teclado de forma libre que puede mostrar varias técnicas magníficas.
La serenata es un tipo de música solista o instrumental que se toca al aire libre al anochecer o de noche. La música tiene un tono persistente y eufemístico.
Nocturn (Nocturn) es un tipo de música elegante y romántica con una melodía cantada, a menudo con exquisitos sonidos decorativos, y acompañamiento con arpegios o acordes. Es una rama de la serenata.
Impromptu (1mpromptu) es una pieza instrumental improvisada.
La balada originalmente pretendía contar una historia, y es un tipo de música instrumental con un carácter lírico y romántico.
El estudio es una pieza musical que se utiliza para mejorar las habilidades de interpretación instrumental.
Scherzo, también conocido como scherzo, es un tipo de música instrumental con velocidad rápida, ritmo activo y claro y, a menudo, contraste repentino entre fuerte y débil.
Humoresque es una pieza musical libre y libre, caracterizada por el humor y la fantasía.
Capriccio es un nombre general para la música compuesta por un compositor a partir de su imaginación. Es un tipo de música de forma libre que expresa cambios ricos.
La rapsodia es una pieza musical instrumental compuesta por un compositor sobre temas heroicos, nacionales o emotivos.
Fantasía es una pieza instrumental con características de fantasía y espíritu libre. Es una pieza instrumental corta de color romántico y sin forma fija.
Pastoral tiene una melodía suave y es música pastoral desarrollada tras imitar los instrumentos utilizados por los pastores.
Gondoliera es música lenta y ondulante con una hermosa y suave melodía.
Las variaciones son música instrumental basada en un tema determinado, que utiliza diversos métodos para realizar cambios sucesivos. Los poemas sinfónicos también se denominan poemas sinfónicos. Fueron creados por primera vez por Liszt y suelen expresar obras literarias poéticas y artísticas. Sólo un movimiento en términos de contenido sexual y puede ser utilizado libremente en términos de estructura y forma musical. Es una obra sinfónica mucho más corta que una sinfonía.
Marzo es música utilizada para acompañar el progreso de un grupo. Es mayoritariamente de cuatro tiempos y enfatiza el tiempo fuerte. Generalmente tocado con instrumentos de viento, los militares suelen utilizarlo para mantener las filas alineadas y elevar la moral. También hay marchas para bodas, funerales y celebraciones triunfales.
Canción de Cuna (Berceuse), también conocida como canción de cuna, tiene una forma sencilla, velocidad lenta, melodía principal suave y lírica, y ritmo de balanceo, simulando el ritmo de balanceo de una cuna para hacer que los bebés se duerman.
El coro era originalmente una canción popular alemana y un himno cristiano, y más tarde se convirtió en una pieza instrumental.
La música de baile se divide en 6 tipos. ① Vals, también traducido como vals, es una música de baile de tres tiempos con un tiempo por compás, que es a la vez práctica y artística. El acompañamiento consta del primer tiempo del bajo y el segundo y tercer tiempo del acorde de agudos. La melodía principal es fluida y estirada, y la armonía y estructura musical son simples y claras. ② Gavotte, música de baile francesa con un ambiente animado en 2/2 tiempos. ⑧Minuet (Minuet), originalmente una música de baile folclórica francesa, en tiempo medio de 3/4, es una música de baile de velocidad lenta y estilo elegante. ④Mazurka, una danza folclórica polaca de tres tiempos de media a rápida, popular en las zonas rurales. ⑤ La polonesa, junto con la mazurca, es una danza representativa de Polonia. Es popular en la sociedad aristocrática. Tiene un sentimiento fuerte y hermoso en una atmósfera cálida. El ritmo es un ritmo triple único, de velocidad moderada y solemne. El ritmo es consistente. También traducido como polonesa. ⑥Polka, un baile rápido de dos tiempos popular en Bohemia en el siglo XIX.
Divertimento es una suite alegre.
El romance (Romance) era originalmente unas canciones líricas y música instrumental con poemas narrativos legendarios como letra.
La obertura es uno de los géneros musicales instrumentales más antiguos y juega un papel importante en el desarrollo de otros géneros musicales instrumentales, especialmente las sinfonías y los poemas sinfónicos. Como sugiere el nombre, una obertura se puede comparar con el prefacio o la introducción de una obra. En música, originalmente se refiere a una pieza instrumental de estilo preludio antes de la representación de una ópera, oratorio, cantata, danza dramática u otra obra dramática. es decir, es principalmente de naturaleza cómica. Sin embargo, esta música escénica temprana era muy simple y en realidad consistía solo en unos pocos toques de bocina, equivalentes a tres campanas antes de una representación teatral moderna. Las representaciones de títeres o de mercado folclórico más antiguas eran así, e incluso en las óperas italianas de principios del siglo XVII, como en las obras de Monteverdi (1567-1643), esto ocurría a veces.
A finales del siglo XVII comenzaron a aparecer dos tipos diferentes de preludios dramáticos: las oberturas francesas y las oberturas italianas. La llamada obertura francesa fue creada por Lulli (1632-1687), el fundador de la ópera nacional francesa. Este tipo de obertura comienza con una introducción grandiosa, majestuosa, lenta y, a menudo, al estilo de una marcha, seguida de una pieza musical rápida y activa, principalmente escrita en un estilo polifónico, y finalmente repite la música lenta al principio, o finaliza con un minueto lento. Esta obertura de ópera francesa tiene una estructura "lento-rápido-lento".
La obertura italiana, por otro lado, también se puede dividir en tres secciones obvias, pero su sección inicial es rápida, activa y poderosa, con una melodía lenta, parecida a una canción, insertada en ella, y finalmente una sección de baile de ritmo rápido. que se utiliza a menudo El ritmo de la tarantela o kig popular italiano. De esta manera, las oberturas italianas forman una estructura "rápido-lento-rápido". Este tipo de obertura de ópera italiana fue creada principalmente por el compositor italiano A. Scarlatti (1660-1725). Se puede decir que este tipo de obertura es el prototipo de la sinfonía de múltiples movimientos que apareció un siglo después. Dado que la ópera francesa en ese momento se usaba principalmente para las celebraciones festivas de la dinastía Borbón, mientras que la ópera italiana tenía una audiencia más amplia, es natural que las oberturas de la ópera italiana no sean tan "elegantes y nobles" como las francesas en términos de estilo y contenido. . Sin embargo, estos dos tipos de oberturas de ópera de los siglos XVII al XVIII no tienen una conexión profunda con el contenido y el tono de la ópera misma. Debido a que el público frívolo de esa época siempre estaba ocupado entreteniendo a sus amigos antes de que se presentaran los personajes, el teatro no estaba tranquilo. El compositor también sabía que el público nunca prestaba atención a la interpretación de la obertura, por lo que no quería gastar más. tiempo en este aspecto. Como resultado, se ha vuelto común que una obertura de ópera se utilice varias veces en diferentes óperas, y ni al autor ni al público les importa.
Como forma de arte, la obertura se ha convertido en una parte importante del teatro, que se inició en la segunda mitad del siglo XVIII. En ese momento, cuando el compositor de ópera alemán Gluck estaba llevando a cabo reformas operísticas, estableció un criterio que hizo época para la obertura: escribió en el prefacio de su ópera "Alcestis": "Creo que la obertura debería insinuar el tema. de la obra y prepara emocionalmente al público para el drama que están a punto de ver". La obertura de la ópera de Gluck "Ifigenia en Áulide" es uno de los ejemplos más destacados de este tipo de obertura de ópera en aquella época. Este tipo de obertura de ópera antigua creada por Gluck no se finalizó hasta finales del siglo XVIII. Básicamente adopta la estructura de la forma de sonata. La mayoría de las oberturas de ópera de Mozart entran en esta categoría.
La forma más sencilla para que una obertura de ópera mantenga una conexión orgánica con la propia ópera es extraer directamente de la ópera los fragmentos que más se relacionan con el desarrollo de la obra o con la melodía que mejor encarna la personaje del protagonista de la ópera (como arias, etc.) como tema. La obertura de la ópera "Don Giovanni" de Mozart y la obertura de la ópera "Ruslan y Lyudmila" de Glinka son ejemplos de ello. Sin embargo, algunas oberturas no tienen conexión temática con la ópera en sí, como la obertura de la ópera "Las bodas de Fígaro" de Mozart y la obertura de la ópera "El barbero de Sevilla" de Rossini.
Las oberturas de Beethoven son de gran importancia en la historia de la música. En un género pequeño como las oberturas, utilizó imágenes musicales simples, concisas y muy resumidas para expresar un profundo contenido ideológico. la función general de "introducción", y se ha convertido en una expresión concentrada del contenido central de toda la obra dramática.
Sin embargo, después de todo, el talento de Beethoven se concentró en la sinfonía, y el desarrollo de la obertura finalmente recayó en su joven contemporáneo, Weber, el padre de la ópera romántica alemana. Las oberturas de la ópera de Weber, ya sea en términos de tema musical o color emocional, están estrechamente relacionadas con la ópera misma, convirtiéndose en una especie de sonido e imagen exquisitos que llevan al oyente a la atmósfera emocional de la ópera. Las óperas de Weber "El tiro libre", "Oberon" y la obertura "Euranti" son obras maestras de este tipo de obras.
La primera mitad del siglo XIX fue la época dorada de las oberturas de ópera romántica. Después de eso, la influencia de las oberturas obviamente se desvaneció. Hay dos razones para esto: primero, en la segunda mitad del siglo XIX, algunos compositores, como Wagner, creían que la ópera en sí era suficiente para ilustrar la trama de la historia dramática, y que la obertura no necesitaba involucrar al Por lo tanto, muchos compositores tendieron a comprimir la escala de la obertura. Preferiría cambiar a un género más corto como un preludio, que se limita a generar una emoción frente al telón. En segundo lugar, el nuevo público del Teatro Lírico en ese momento generalmente venía a ver la representación con sinceridad y también tenía cierta cierta sensación de sinceridad. capacidad de apreciarlo, por lo que también No es necesario retrasar el momento de apertura con música a todo volumen. El resultado es que, como en la ópera "La Bohème" del compositor italiano Puccini de finales del siglo XIX, hay casi sólo una introducción de unos pocos compases e inmediatamente se pasa al primer acto de la ópera.
Además de las oberturas de ópera, muchos compositores del siglo XIX también quisieron crear un nuevo tipo de obertura que no funcionara como "prefacio". Este tipo de obertura no estaba subordinada a ninguna obra dramática. , pero a menudo trae Hay un título que está relacionado con cierto contenido poético, como imágenes y tramas de la literatura clásica o creaciones populares, e imágenes de la vida popular. Este tipo de obertura de título independiente se llama obertura de concierto. Su fundador es el compositor alemán Mendelssohn. La primera obertura de este tipo escrita específicamente para interpretación en concierto fue su obertura "El sueño de una noche de verano". Hay muchas oberturas de concierto que dan título al título, como la obertura “La gruta de Fingel” de Mendelssohn, la “Obertura española” de Glinka, la Obertura solemne “1812” de Tchaikovsky y la Obertura fantástica “Romeo y "Julieta", etc. Algunas de estas oberturas son en realidad una variante de la título sinfonía o poema sinfónico.
En la historia de la música, la clasificación de instrumentos suele estar muy relacionada con la orquestación. La clasificación de los instrumentos musicales no sólo refleja los hábitos de vida y las costumbres populares de las personas (nacionales, humanas), sino que, lo que es más importante, también refleja el contenido de la vida musical, las formas musicales, los niveles científicos y tecnológicos y el nivel de ciencia y tecnología en ese momento. tiempo y en diversas etapas de la comprensión humana Estado de productividad... Uno de los métodos de clasificación más importantes de los instrumentos musicales chinos antiguos es el "método de clasificación de ocho tonos", que divide los instrumentos musicales chinos antiguos en ocho categorías según los materiales utilizados. para hacerlos. Ha aparecido la dinastía Zhou Occidental (alrededor del siglo XI a. C. - 771 a. C.).
"Guoyu? ¿Zhou Yuxia? Lingzhou On Music" afirma: "Por lo tanto, los instrumentos pesados deben ser pequeños y los livianos deben ser grandes. Por lo tanto, el oro debe usarse para las plumas, las piedras deben ser Se usa para ángulos, y las tejas deben usarse para palacios (las tejas son tierra, cerámica, se refiere a xun, etc.), todavía se habla del bambú y se escucha la madera de cuero "Los ocho tonos son dorados (como). campanas, dúo), piedra (como campanas), seda (como qin, arpa), bambú (como Xiao, Chi Hay ocho categorías: , Gu (como Sheng, Yu), tierra (como Xun). , Fou), cuero (como el tambor taoísta, Jiangu) y madera (como el Bangzi, pez de madera).
Existe otra forma de clasificar la música folklórica, que divide a grandes rasgos los instrumentos musicales en cuatro categorías: soplar, tirar, tocar y tocar. Por ejemplo: soplar (suona, xiao), tocar (huqin), tocar (sanxian, pipa), tocar (dulcimer, yunluo).
La música occidental utiliza un sistema de clasificación de cinco categorías:
(1) Instrumentos de viento de madera: flauta dulce, flauta, instrumento con lengüeta simple o doble (posteriormente hecha de metal), como el oboe y fagot;
(2) Tubo de latón: hecho de metal, originalmente hecho de madera. Los primeros objetos solo podían tocar la escala natural o incluso la serie de armónicos dentro de dos octavas, como la trompeta y la trompa, la tuba.
(3) Percusión: batería, platillos, castañuelas;
(4) Teclado: desde el teclado de tono natural original hasta los cuatro teclados parciales posteriores de Janko (no hay equivalentes). instrumentos orientales tradicionales), como pianos, clavecines y órganos de tubos;
(5) Instrumentos de cuerda: las cuerdas de seda van desde textiles, intestinos, barbas de ballena y acero hasta nailon... como el laúd, violín, guitarra, arpa.
Kurt Sachs (1881-1959) y Hornbostel estudiaron y clasificaron instrumentos musicales de diferentes épocas y culturas según principios acústicos, y en 1914 (el primer año de su vida) (El estallido de la guerra) diseñaron un conjunto de terminología para distinguir cinco categorías principales de instrumentos musicales [más tarde conocida como "Clasificación de saxofones (instrumentos musicales)"]:
(1) Instrumentos que suenan en el cuerpo: instrumentos musicales hechos de materiales que suenan naturales, como campanillas y triángulos (2) Instrumentos musicales de membrana: instrumentos musicales con membranas estiradas, como timbales, tambores y tambores de cintura;
(3) Instrumentos musicales que suenan en el aire: incluidas vibraciones de tubos sin lengüeta y cañas que utilizan vibraciones libres Instrumentos de lengua, como órgano y sheng;
(4) Instrumentos de cuerda: instrumentos de cuerda, como violín y sanxian;
(5) Instrumentos electrónicos: electrónicos y Electroacústica, como teclados electrónicos y órganos eléctricos.
El método de división de ocho tonos es un método de clasificación que existió en la historia y ya no se utiliza. Refleja el nivel de ciencia y tecnología en la antigua China, así como la situación social en ese momento que enfatizaba la artesanía, la tecnología y la teoría de la luz y la investigación científica (y su impacto en la forma humanística). El método de división de ocho tonos es en realidad un método de división técnico relativamente elemental. Debido a que nunca ha habido "ciencia" en la historia de China, sólo artesanía y tecnología, esta clasificación lamentablemente no refleja ni implementa los principios de la ciencia. Según esta clasificación, los tambores y campanillas de bronce pertenecen a la categoría de metal, mientras que las campanas de cerámica y las campanas de cobre pertenecen a las categorías de tierra y metal, respectivamente. Por lo tanto, en términos de interpretación, organización y actividades musicales reales, el método de las ocho notas puede no ser práctico. Sólo refleja los arreglos preliminares y los intentos de organizar las cosas por parte de los antiguos eruditos chinos.
Soplar, tirar y tocar refleja vívidamente el método de ejecución del instrumento. La música folclórica se utiliza generalmente para bodas y funerales o para entretenimiento personal, y no existe una banda fija. El número de participantes y el método son relativamente flexibles. Normalmente una persona toca varios instrumentos al mismo tiempo. Las personas que juegan Yueqin juntas también pueden jugar Pipa, Ruan, etc. de este tipo. Además, el aprendizaje y la enseñanza de instrumentos de música folclórica son de estilo maestro-aprendiz, con fuertes características de talleres manuales y artesanías. La clasificación de soplar, tirar y golpear es fácil de entender y acorde con las características del oficio, similar a la diferencia entre un yesero y un peletero. Por lo tanto, circula ampliamente entre la gente y ocupa una posición dominante.
La clasificación de los instrumentos musicales clásicos occidentales en realidad tiene fuertes características artesanales y no es científica; por ejemplo, los instrumentos de viento de madera actuales están hechos de metal, mientras que los instrumentos de metal originales estaban hechos de madera. Los tubos de madera y de cobre se han arreglado, y no de forma sistemática. La razón de su existencia es que detrás de él hay otra ley sistemática y teórica: el método de orquestación, que hace que este método de clasificación tenga su valor práctico y sus reglas. La orquestación es el arte de componer para una orquesta, centrándose en el timbre, la técnica, la interpretación y el rango efectivo de los instrumentos, así como en la combinación, uso y arreglo de la partitura. Fundamentalmente, el método de orquestación se basa en este método de clasificación de instrumentos musicales como punto de partida, base y guía de aplicación, y también permite aplicar eficazmente este método occidental de clasificación de instrumentos musicales; aunque esta aplicación puede no ser estrictamente científica, encarna la con espíritu e ideas científicas.
El llamado "método de clasificación de saxofón (instrumento)" en realidad no es un método de clasificación de cuasi instrumentos. Es solo una clasificación de instrumentos musicales basada en los cinco términos (ni siquiera conceptos) propuestos por Sachs. Aunque inicialmente ha logrado sistematización y estructura, no es completamente precisa y científica, de hecho, porque los sonidos utilizados en la música son extensos. Materiales , complejos y diversos... determinan que las herramientas utilizadas para producir tales sonidos sean cada vez más sofisticadas e infinitamente complejas (incluidos los métodos de ejecución). Nuestra taxonomía siempre está poniéndose al día, lo cual es el orgullo de la ciencia humana y el prurito del arte. Por un lado, la clasificación de instrumentos musicales está comprometida con un sistema científico riguroso y, por otro lado, también debe guiar de manera efectiva la música y la vida y la práctica musicales en constante cambio. No se puede lograr de la noche a la mañana. La "Clasificación de (instrumentos) de saxofón" es la mejor clasificación que ya existe. Es la clasificación más científica y rigurosa entre todas las clasificaciones de instrumentos musicales en la actualidad. Debemos continuar construyendo este edificio, enriqueciéndolo y mejorándolo. Esto requiere incluso el esfuerzo de varias generaciones, porque esta materia incorpora cada vez más componentes científicos y contenidos técnicos, y lo que es más importante, la estructura se vuelve cada vez más compleja, el contenido se enriquece y el contenido se vuelve cada vez más complejo. Música más vívida y moderna.