La pasión de Van Gogh procedía del mundo en el que vivía y de las fuertes reacciones de las personas que conocía. Ésta no es en modo alguno la simple reacción de un hombre primitivo o de un niño. Sus cartas a su hermano Theo se encuentran entre las historias más conmovedoras escritas por el artista. La carta muestra su percepción altamente sensible y corresponde plenamente a su reacción emocional. Es muy consciente del efecto que obtiene, que se consigue mediante el amarillo o el azul. Aunque la mayoría de sus conceptos de color los usaba para expresar su amor por las personas y la naturaleza y su alegría en el proceso de expresión, era muy sensible a los colores oscuros, por lo que al hablar de "Night Café", dijo: "Traté de usar rojo y verde para expresar las terribles pasiones de la humanidad." El café nocturno es una pesadilla compuesta de techos de color verde oscuro, paredes rojas y muebles verdes incongruentes. El suelo dorado aparece en perspectiva vertical, adentrándose en el fondo rojo con un poder increíble. A su vez, el fondo rojo compite con él por igual. La pintura es una lucha irreconciliable entre la perspectiva del espacio y el color agresivo que busca destruirlo. El resultado es una horrible experiencia de claustrofobia y opresión. La obra presagiaba la exploración surrealista de la perspectiva como medio para expresar la fantasía, pero ninguna exploración tuvo un poder tan impactante.
2. Noche estrellada
El universo de Van Gogh puede durar para siempre en la noche estrellada. Es una ilusión que supera cualquier intento de artistas bizantinos o romanos de expresar el gran misterio del cristianismo. Las pinturas de estrellas en explosión de Van Gogh tienen más que ver con la era de la exploración espacial que con la era de las creencias místicas. Sin embargo, esta ilusión se crea mediante una pincelada precisa que requirió mucho esfuerzo. Cuando entendemos el expresionismo en la pintura, tendemos a asociarlo con pinceladas valientes. Ya sea que se trate de una pincelada desenfrenada o parecida a una llama, proviene de la intuición o de la expresión espontánea y no está sujeta a procesos de pensamiento racional ni a técnicas rigurosas. La originalidad de las pinturas de Van Gogh reside en su experiencia sobrenatural, o al menos extrasensorial. Y esta experiencia se puede comprobar con un trazo cuidadoso. Esta pincelada es como si un artista se devanara los sesos para replicar exactamente lo que está observando. En cierto sentido sí, porque Van Gogh era un artista que pintaba lo que veía. Lo que vio fue una ilusión, y él era una ilusión. "Noche estrellada" es una pintura de paisaje cercana y lejana, que se puede ver desde la técnica paisajística de alto punto de vista del pintor paisajista Bruegel del siglo XVI, aunque la fuente más directa de Van Gogh son algunas pinturas de paisajes impresionistas. Los altos álamos temblaban y flotaban lentamente frente a nosotros; los pequeños pueblos del valle vivían seguros bajo la protección del campanario de la iglesia; todas las estrellas y planetas del universo giraban y explotaban en el "Juicio del Juicio Final". Este no es el juicio final sobre el hombre, sino sobre el sistema solar. Esta obra fue pintada en junio de 1889 en el Sanatorio Saint-Remy. Después de una segunda crisis nerviosa, fue ingresado en una residencia de ancianos. Allí su enfermedad tuvo altibajos y siguió pintando cuando estaba consciente y lleno de emociones. Los colores son principalmente azul y violeta, y el amarillo de las estrellas late regularmente. Los álamos de color verde oscuro y marrón en primer plano representan la noche interminable que rodea al mundo.
Van Gogh heredó una gran tradición retratista poco común entre los artistas de su generación. Su apasionado amor por la gente le hizo inevitable pintar retratos. Estudió tanto a las personas como a la naturaleza, desde sus primeros bocetos hasta su último autorretrato, pintado pocos meses antes de su suicidio en 1890. Capta fielmente la aterradora e intensa mirada de un loco. Un loco, o una persona que no puede controlar su propio comportamiento, nunca sería capaz de dibujar un cuadro tan mesurado y hábil. En diferentes tonos de azul, unas líneas rítmicas realzan la bella cabeza escultural y el fuerte torso. Todo en el cuadro es azul o verde azulado, excepto la camisa oscura y la cabeza con barba roja. La combinación de todos los colores y ritmos desde la cabeza hasta el torso y el fondo, así como los sutiles cambios en las partes enfatizadas, demuestran que se trata de un artista que domina muy bien los métodos de modelado, como si Van Gogh pudiera grabar. mismo incluso cuando estaba completamente despierto de una enfermedad mental.
3. "Bandadas de cuervos volando en campos de trigo"
En esta pintura, todavía existe su color dorado único y familiar, pero está lleno de ansiedad y tristeza. El espeso cielo azul cubierto de nubes oscuras presionaba contra los dorados campos de trigo, dificultando la respiración y el aire parecía helado. Un grupo de cuervos desordenados que vuelan bajo, el horizonte ondulado y los golpes violentos aumentan la sensación de opresión, resistencia e inquietud.
La escena es extremadamente turbulenta y el camino verde se adentra en la distancia entre los campos de trigo amarillos, lo que aumenta la ansiedad y la emoción. Este cuadro está lleno de tensión y presagios siniestros, como si se tratara de un libro de suicidio silencioso compuesto de colores y líneas. Al día siguiente, llegó a este campo de trigo y se pegó un tiro en el corazón.
4. "Selfie después de cortarse la oreja"
En 1888, Van Gogh invitó a Gauguin a vivir en Arlés, pero los dos obstinados artistas continuaron peleándose. Después de una acalorada discusión, Gauguin se marchó furioso. Incapaz de detener o reprimir su emoción, Van Gogh se cortó la oreja izquierda.
El mundo fue el primero en infectar al pintor humano con su locura, del mismo modo que una vez inyectó magia en sus pinceladas. Contemplamos con asombro el rostro deformado, los ojos asustados y los gestos temblorosos de Van Gogh: parecía sufrir por toda la humanidad y se convirtió en la encarnación del dolor. Pensando en esto, también podemos entender las líneas que luchan y los colores danzantes en las obras de Van Gogh: su sangre se mezcla con la pintura vertida y el lienzo es solo un vendaje para sus heridas. Este es un maestro en vivir con trauma. Está acostumbrado a hablarle al mundo con heridas. Este es un segador del dolor cuya guadaña finalmente llega a sus oídos.
Van Gogh murió, pero dejó una oreja famosa: esta última reliquia no pareció perder su oído, recogiendo comentarios de las generaciones futuras. El oído sangrante de la historia sigue siendo como un estetoscopio enterrado en nuestras vidas, sondeando nuestras conciencias. Van Gogh está muerto, pero sus oídos siguen vivos y su memoria sigue ahí. ¿Por qué no le das una mano cuando gime y se derrumba? Mundo, ¿lo oyes? ¿Dónde están tus oídos?
5. Catorce Girasoles
Estos girasoles se colocan simplemente en un jarrón, mostrando una magnificencia impresionante. Van Gogh utilizó trazos pesados, como una escultura, para colocar un trozo de arcilla sobre el relieve. Los colores y técnicas de amarillos y tonos tierra revelan un mundo maravilloso lleno de esperanza y sol. Sin embargo, mientras pintaba este cuadro, el mundo que el artista deseaba desesperadamente capturar se fue desvaneciendo lenta pero inexorablemente. Quizás la superficie del cuadro refleje su estado de ánimo hacia el final de su corta y trágica vida. Era un pintor amante de la naturaleza que podía ver la belleza pura en las cosas simples. Dijo que preferiría pintar las sombras de los árboles vistas desde la ventana que los fantasmas de su imaginación.