El cartel parece estar escribiendo una tesis
Después de leer las respuestas de todos, eso es lo que dijeron. Ahora déjame compartir algunas de mis opiniones.
1. desarrollo y características de la sinfonía en el período romántico
Período romántico temprano: 1810~1830 Período romántico medio: 1830~1850 Pseudoclasicismo romántico 1850~1900 Las tres etapas generalmente comienzan con Schubert. Aunque la música de Schubert todavía tiene un fuerte legado de la escuela de música clásica vienesa, también está llena de pequeñez, gentileza, tentación instantánea, emoción y una sensación de felicidad casi irreal. Es la primera ola embriagadora después de la música clásica. atmósfera, por lo que la gente está acostumbrada a llamarlo un "romántico clásico". Weber también es un representante de la escuela romántica. Después de haber sido influenciados por Beethoven y Mozart, estos dos compositores mostraron particularmente el lado delicado y delicado del estilo romántico.
Los representantes del período medio son Mendelssohn y Schumann. Ambos, además de sus estilos subjetivos especiales, transmitieron conjuntamente el espíritu de esta época romántica, heredaron la pureza y el carácter absoluto de Beethoven y desarrollaron una sinfonía de hermosa forma. En Brahms, la esencia del romance es más refinada y condensada. Por ejemplo: en las obras de Schubert el “dolor romántico” sólo se refleja emocionalmente, pero en Brahms ya es un dolor sensorial.
Berlioz y Liszt comprendieron selectivamente la inspiración de la descripción del título de Beethoven y desarrollaron poemas sinfónicos con rico contenido. La influencia de la "naturaleza" en el período romántico fue profunda, e incluso las sinfonías que enfatizan la belleza formal no son una excepción. A veces esta reflexión es más directa (como las sinfonías "Escocia" e "Italiana" de Mendelssohn), y otras veces es más abstracta (como "Primavera" y "Rin" de Schumann). Si bien puso énfasis en la naturaleza, también sembró las semillas para el surgimiento del nacionalismo en el futuro.
Los famosos compositores del pseudoclasicismo (también llamado posromanticismo) recomiendan primero a Bruckner y Brahms. Las dos características principales de la música sinfónica de Bruckner son el sentimiento religioso y el "sonido cuasi órgano". Principalmente porque el catolicismo austriaco era excesivamente feudal y conservador en el siglo XIX, se presentó el mundo sinfónico elegante y ascético de Bruckner. No tenía dudas acerca de su fe en la doctrina y era como un viejo granjero trabajador que nunca se quejaba de su vida, sin importar las circunstancias. Esto no quiere decir que no tenga conflictos, pero sabe enterrarlos en lo más profundo de su corazón y no salir nunca.
La influencia más profunda en Bruckner fue Wagner, especialmente en la armonía y la música orquestal. Sin embargo, Bruckner siempre estuvo acostumbrado a escuchar los musicales de Wagner con los ojos cerrados. Todo en el escenario no tenía nada que ver con él. La música de la obra se ha vuelto espiritual. Aunque Brahms y Bruckner vivieron juntos en Viena, su relación no estaba bien integrada. Brahms provenía de una familia cristiana del norte de Alemania. Su temperamento contradictorio no podía ser enterrado profundamente en su corazón. Tenía miedo del fuego que ardía en su corazón porque no podía apagarse. Su alma solitaria e inquieta no podía calmarse. Puedo sentirlo por su swing constante, ritmo pesado y vago.
Después de que la Sinfónica de Viena experimentó a Bruckner y Brahms, el único que pudo integrarla y llevarla al clímax fue Mahler, que estaba sobre los hombros de gigantes. Mahler era el final del siglo en el que prevalecían los pensamientos decadentes. Los conflictos y fricciones de la realidad (la vida) y los recuerdos de los buenos tiempos en el retiro (la muerte) eran temas que aparecían constantemente en sus obras. Estaba al borde de la neurosis. Por un lado, expresa vívidamente el éxtasis y el dolor del romance tardío, y también prepara la alfombra roja para Schoenberg, la nueva misión de la música moderna.
2. Música del Nuevo Romanticismo
(No escuché mucha música de esta época, pero escuché “Adagio for Strings”, “Symphony” de Barber, etc.)
El Nuevo Romanticismo es un género que surgió en los años 1970. Habitualmente este tipo de música tiene una tonalidad, pero la tonalidad en esta época no es la misma que "*** En lugar de la armonía, la estructura y la tonalidad. del período de "Escritura sexual", es una combinación de romanticismo y modernismo. Utiliza un lenguaje musical novedoso para negar la secuencia musical demasiado intelectual y abstracta que fue popular en las décadas de 1950 y 1960. La música comienza a enfatizar las expresiones emocionales, aplicando la tonalidad. en distintos grados, centrándose en el estilo romántico. Esta es la nueva música romántica.
Figuras y obras representativas incluyen: Berio de Italia y su “Sinfonía”, Cram de los Estados Unidos y su “Macrocosmos” y “Summer Night Music”, Edición “Soft Strings” de Barber”, “Sinfonía” , la "Sinfonía" de Rochberg, la "Suite para piano", el alemán Henze y su "El sueño de Jacob", etc.
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Luciano Berio, Luciano
(nacido en Oneglia, Italia en 1925, ahora conocido como Periya). Compositor italiano. Estudió en la Academia de Milán con Ghedini hasta 1951, luego en Tanglewood, donde aprendió técnicas de secuencia de Dallapiccola. En 1955, él y Maderna fundaron el laboratorio de música electrónica en la emisora de radio italiana y trabajaron en el laboratorio hasta 1961. Se fue a los Estados Unidos en 1963 y enseñó en California. Enseñó en la Juilliard School desde 1965 y regresó a Italia en 1971. La obra está influenciada por el serialismo, las técnicas electrónicas y la música aleatoria. Desarrolló de forma única la técnica del "collage", tomando prestados fragmentos de música de otros compositores o imitando sus rasgos estilísticos. Por ejemplo, en "Sinfonia", Berio citó la Segunda Sinfonía de Mahler, "Das Rheingold" de Wagner, "La Valse" de Ravel, el material de Schitt de Der Rosenkavalier de Routh. En "Laborintos II", los gritos y exclamaciones callejeras se mezclan con elementos pastorales y de jazz. Otro collage es "Recital I" (Dedicado a Cathy), que se compone de varias obras para su ex esposa, la soprano Cathy Berberian (como "Epifanie" (Epifanie) y "Sequenza 3" (Sequenza 3)). Una serie de "Sequenza" (Sequenza) escrita para diferentes instrumentos es básicamente música del azar. En "Círculos", la cantante puede cantar el tono marcado en la partitura, o un tono similar, según elija. En su juventud, Berio se desempeñó como director de una pequeña compañía de ópera itinerante en Milán. Por lo tanto, siempre ha tenido pasión por la música dramática, aunque las obras dramáticas que ha creado hasta ahora han sido originales.
Barbero, Samuel
(nacido en 1910 en West Chester, Pensilvania; fallecido en 1981 en Nueva York). Compositor estadounidense. Tocaba el piano a los 6 años y compuso música a los 7. A los 14 años ingresó al Curtis Junior College de Filadelfia como uno de los primeros estudiantes especiales. De 1925 a 1934 estudió composición con Scalero, piano con Isabel Vengirova de 1926 a 31 y piano con E. Milio Degogorza. Estudió música vocal. Después de conocer a Gian Carlo Menotti en 1928, su amistad se volvió duradera y fructífera. Sus obras comenzaron a interpretarse en 1933, entre las que destaca la música del poema de Arnold "Dover Beach" (en el que cantó la parte de barítono) y su Sonata para violonchelo (en la que tocó la parte de piano). Ganó la Beca Pulitzer en 1935 y el Premio de Roma de la Academia Estadounidense en 1936. Ese mismo año se estrenó en Roma su Sinfonía n.º 1, dirigida por Molinari. Toscanini dirigió el Adagio para cuerdas de Barber (originalmente el movimiento lento para cuarteto de cuerdas) y el primer ensayo para orquesta en 1938, y en los años siguientes dirigió Las obras se estrenaron en Nueva York, Boston y Filadelfia bajo la dirección de directores como Walter, Kusevitzki, Leinsdorf. , Mitropoulos, Ormandía y Meta. Su ópera en cuatro actos "Antony and Cleopatra" (Antonio y Cleopatra), libreto de Zeffirelli, fue encargada por la New Metropolitan Opera House del Lincoln Center de Nueva York para su ceremonia de inauguración en septiembre de 1966.
La música de Barber tiene un estilo tradicional europeo más que un especial "gusto americano". El lenguaje musical es relativamente conservador, lleno de melodía, elegancia y magnificencia.
Su lirismo se puede escuchar con mayor claridad en "Vanessa" y "Knoxville: Summer of 1915" para soprano y orquesta, y su romanticismo queda plenamente demostrado en "Dover Beach", Sonata para violonchelo y Sinfonía n.° 1. Su sonata para piano, estrenada por Horowitz, es una obra brillante y virtuosa. Varias óperas recibieron una respuesta inicial tibia, pero la actitud del público cambió gradualmente y los conciertos y las canciones funcionaron extremadamente bien.
Crumb, George
(nacido en 1929 en Charlestown, Virginia Occidental). Compositor estadounidense. Enseñó piano y composición en la Universidad de Colorado, Boulder, 1959-64. En 1965, enseñó en el Departamento de Música de la Universidad de Pensilvania y se convirtió en profesor de humanidades en la escuela en 1983. La música es muy personal. Influenciado por Webern en sus inicios, más tarde se interesó por nuevos sonidos y adoptó técnicas de composición a veces fragmentadas y otras basadas en el azar. Sin embargo, no persiguió efectos deformados y las ideas que expresó aún eran claras y fáciles de interpretar. entender. Por ejemplo, en el conjunto de fantasías de 1972 "Makrokosmos" para piano extendido, no se utilizan muchas técnicas especiales de piano y el efecto es muy poético.
Rochberg, George
(nacido en 1918 en Paterson, Nueva Jersey). Compositor estadounidense. De 1939 a 1942 estudió composición con Mannes y Serre en la Mannes School of Music de Nueva York; en 1945 estudió en Tees College bajo la tutela de Scalero; De 1948 a 1954, se desempeñó como profesor en Curtis Junior College; de 1961 a 1968, se desempeñó como presidente del Departamento de Música de la Universidad de Pensilvania y, desde 1968, ha sido profesor de música. Fue influenciado por Mahler y Schoenberg, y su música se desarrolló hacia un estilo serialista único, pero luego volvió a la tonalidad. Escribió muchos artículos críticos.
Henze, Hans Werner
(nacido en 1926 en Gütersloh, Westfalia). Compositor y director de orquesta alemán. De 1942 a 1944 estudió en la Escuela Estatal de Música de Braunschweig y en 1946 en Heidelberg. Estudió en privado con Fortner de 1946 a 1948; en 1948 estudió el sistema dodecafónico de Schoenberg con Leibowitz en Darmstadt. En 1950 se convirtió en director musical de la Ópera y el Ballet Estatal de Hesse en Wiesbaden. Se estableció en Italia en 1953. A mediados de la década de 1960, se movió políticamente hacia la extrema izquierda. Muchas de sus obras posteriores reflejan sus ideales y credos radicales. La variedad de estilos musicales es deslumbrante, mostrando su don de rica imaginación y carácter desinhibido. No sólo fue un compositor alemán, sino también francés e italiano. Se siente cómodo en los estilos de Schoenberg, Stravinsky o la música Chance. Las principales características de la creación son líricas y ricas en sonido y color. Con un color vocal rico y delicado y hábiles habilidades de escritura coral.
Hay un artículo sobre Rochberg en el ordenador (La colisión e integración de múltiples estilos musicales
Rochberg Piano Suite - Carnival Music, IV. "Sfumato", Análisis)
Si es necesario, te la puedo pasar
La Suite "Planeta" es una obra gigantesca. La obra entera está dividida en siete movimientos y se basa en los nombres de los nueve planetas. Se nombraron siete planetas (excepto la Tierra y Plutón, que en ese momento eran desconocidos para los humanos). Además, la orquesta también es muy numerosa y utiliza instrumentos de viento como flauta baja, oboe bajo, clarinete bajo, fagot, tuba tenor, etc., que rara vez se utilizan en el escenario, así como órganos de tubos y numerosos instrumentos de percusión. movimiento final, un coro femenino de seis partes (a veces reemplazado por dos flautas solistas). La combinación de tantos instrumentos musicales produce ricos colores de sonido. Por ejemplo, en una pieza musical sobre el movimiento "Marte", la interpretación completa de la banda muestra el impulso de un terremoto y el temblor de una montaña. Pero tal vez sea precisamente porque la propia suite "Planet" y su orquesta son demasiado grandes que esta obra rara vez se interpreta en su totalidad, y normalmente sólo se interpretan tres o cinco movimientos, y a veces un movimiento se interpreta solo.
En lo que respecta al significado de la suite "Planeta", la pieza no tiene nada que ver con la astronomía, sino que simplemente se basa en la astrología familiar a los antiguos caldeos, chinos, egipcios y persas. En este punto, Holst dijo a los periodistas cuando se interpretó la canción completa en 1920: "La creación de estas piezas se inspiró en el significado astrológico de los planetas. No son el título musical ni están relacionados con la mitología antigua. Si se necesita alguna guía musical , los subtítulos de cada pieza serán suficientes, especialmente en el sentido más amplio. El tipo de alegría ceremonial asociada con las celebraciones religiosas o nacionales; Saturno trae no sólo la decadencia del cuerpo, sino que también marca la realización de los ideales; el alma."
P. Un movimiento Marte - Mensajero de la Guerra
Holst completó este movimiento en vísperas del estallido de la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914. Por lo tanto, algunas personas creen que la música del compositor era un homenaje a esa época. Profecía de una guerra inminente. De hecho, la música de este movimiento, especialmente el brutal y apasionado ritmo creciente interpretado por los arcos de los instrumentos de percusión y de cuerda, da a la gente una sensación agresiva de urgencia e insinúa la marcha del ejército. El primer tema del movimiento es deprimente y provocativo, interpretado por fagot y corno francés.
El característico patrón rítmico pianissimo (p) al comienzo de la música aumenta gradualmente en intensidad a medida que relincha el primer tema, y cuando llega al fortissimo (fff), estalla en los instrumentos de metal. El segundo tema del movimiento. El efecto se puede resumir de la siguiente manera: dos ejércitos asesinos se acercan, espadas y espadas por todas partes, y cuando finalmente entran en contacto, inevitablemente estalla una lucha cuerpo a cuerpo.
La guerra continuó y la incorporación del órgano llevó la música a un nuevo clímax. En ese momento, la tuba en si y la trompeta en do tocaban la trompa.
Sin embargo, esta no es la trompeta de la victoria a medida que los instrumentos de viento de madera y de cuerda despliegan el segundo tema con un sonido bajo, deprimido, quejumbroso, y la reaparición brutal y brutal de cada tema, la escena se desarrolla. Una escena de guerra más emocionante.
Segundo Movimiento Venus - Mensajero de la Paz
Debido al contraste con la feroz música de guerra del movimiento anterior, este movimiento se vuelve cada vez más pacífico. Recuerda a la gente un paraíso sin relámpagos ni truenos, lejos del ajetreo y el bullicio de la guerra, donde hay un escenario pacífico y feliz por todas partes. Al inicio del movimiento, la trompa presenta una melodía ascendente, y la flauta y el oboe responden con una serie de acordes.
El desarrollo de la música es extremadamente poético: el sostenido de la flauta y la trompa es como el chirrido de las cigarras en otoño; las cuerdas de las dos arpas son como corrientes claras que fluyen del carillón y del piano; El patrón de sonido descendente del piano es como un manantial que brota. En este ambiente, el violín solista cantó una conmovedora canción de amor, y sobre este tema se basó el desarrollo posterior de todo el movimiento.
El tercer movimiento Mercurio - Mensajero Volador
Se dice que Mercurio es el símbolo del mensajero alado y el santo patrón de los ladrones. Por lo tanto, la música en este movimiento es extremadamente ágil. y flexible, es un presto scherzo. El movimiento comienza con patrones que progresan rápidamente en las cuerdas apagadas y los instrumentos de viento de madera, y luego los oboes y los cornos ingleses presentan la melodía ligera y divertida del primer tema. Se puede decir que esta es la representación del mensajero. Él está ocupado yendo de casa en casa, llevando el evangelio y la alegría a la gente.
La melodía del segundo tema tiene un estilo de canción folklórica, mostrando a personas cantando y bailando para celebrar la llegada del mensajero volador y el mensaje que trae.
El cuarto movimiento Júpiter - el Mensajero de la Alegría
En comparación con otros movimientos, este movimiento tiene una concepción grandiosa y una duración más larga. Todo el movimiento se puede dividir en tres partes. La primera parte comienza con el rápido movimiento del arco del violín. Bajo su dirección, el primer tema estalla con gran entusiasmo, su impulso alegre es extremadamente majestuoso y parece traer el cielo. el cielo.
Las emociones alegres son como escenas, que suben y bajan sin cesar. Y entre estas "escenas", siempre hay un feliz pensamiento musical fijo tocado por un instrumento de metal, que es como una trompeta, anunciando la llegada de una nueva alegría. El segundo tema del movimiento es una melodía cantada, interpretada por seis trompas e instrumentos de cuerda.
El tercer tema es una danza folclórica digna, interpretada primero por los cuernos franceses y luego pasando entre la sección de instrumentos de viento, la sección de cuerdas y la sección de metales.
Después de entrar en la segunda parte, el tempo cambia de Allegro a Andante, y la música se vuelve particularmente solemne y llena de lo que Holst llama "alegría ceremonial". Toda la segunda parte consiste en un himno piadoso, cuya progresión elocuente recuerda a los himnos cantados por un coro en una iglesia.
La tercera parte vuelve a la velocidad de Allegro, y tras la breve reaparición de los tres temas vuelve a desencadenar un clímax de fiesta folclórica, Lecao finaliza con una majestuosa coda corta.
Quinto Movimiento Saturno - El Mensajero Anciano
El movimiento "Saturno" es uno de los capítulos más emocionantes de la suite "Planeta", y también es una sección que se reproduce a menudo. solo. El movimiento comienza con un ritmo fijo compuesto por la alternancia de dos notas adyacentes interpretadas por la flauta, el fagot y dos arpas. Simboliza el andar oscuro, lento y monótono de las personas mayores. Es también un símbolo del paso del tiempo y del físico. Fuerza. Un retrato de la decadencia. En este contexto, el contrabajo interpreta un motivo lamentable, que poco a poco se convierte en el único tema del movimiento interpretado por el trombón tenor. Como señala claramente Holst, este tema representa no sólo la "decadencia del cuerpo" sino también la "realización del ideal".
Basado en este tema, la música desarrolla variaciones en capas. Hay aquí pensamientos y esperanzas profundas, así como el ritmo de una marcha fúnebre y las campanadas de vísperas, así como el recuerdo del pasado bueno y feliz.
Sexto Movimiento Urano - El Mago
Esta pieza musical es también un maravilloso pasaje de la suite "Planeta". Holst utiliza aquí técnicas de composición modernas como el cambio de tonalidad, el color de la orquestación y los cambios repentinos de intensidad, logrando así un efecto confuso y mágico. La música comienza con un motivo interpretado por instrumentos de metal, que es la imagen de un mago: misterioso e impredecible, aterrador y siniestro.
El tema principal del movimiento es una malvada melodía de salto y galope interpretada por el fagot staccato, que atrae a otros grupos instrumentales a unirse a las filas.
En el contexto de esta "marcha cojeante", aparecieron dos temas más, el primero estaba ocupado y el segundo era arrogante.
La música alcanza gradualmente un clímax, luego se detiene repentinamente, convirtiéndose en una serie de patrones de sonido descendentes triviales en el flautín, la flauta y el clarinete. El excitante ritmo del tambor desafinado parece ser el nuevo hechizo del mago, que trae una nueva sección y lleva la música a un nuevo clímax.
De repente, un extraño sonido de deslizamiento sonó en el órgano, como una puerta que bloquea el enorme flujo de sonido, haciendo que el ritmo sea bajo y lento, y convirtiendo el clímax en unas pocas notas largas y delgadas. El movimiento termina en esta atmósfera inquietante.
Séptimo Movimiento Neptuno - Místico
El último movimiento "Neptuno" no solo da a las personas una sensación de tranquilidad y gentileza, sino que también expresa misterio y neblina. La escena espacial, el primer tema. del movimiento se construye con este tono.
Holst interpretó con éxito una escena confusa y mágica con un amplio uso de arpegios de celesta, arpa y violín. Después de que la música cambia de Andante a Allegro Allegro, el clarinete presenta el segundo tema muy suavemente, acompañado por la armonía de voces humanas e instrumentos de cuerda.
Para lograr el efecto que quería, Holst anotó específicamente los arreglos para el coro en la partitura: "El coro debe ubicarse en una habitación adyacente al escenario, con la puerta abierta, hasta que el último compás de la pieza, cuando la puerta se cierra suave y silenciosamente, y el coro, la puerta y cualquier director secundario que pueda ser necesario quedan separados del público por una pantalla.”
(To be continúa)