Cantar es un arte auditivo y su atractivo artístico se refleja en última instancia a través del canto. El proceso mediante el cual un cantante transforma notas y caracteres en sonidos es un proceso de recreación artística, que a menudo se denomina "creación secundaria". Al fin y al cabo, la poesía y la música de una canción buena o incluso clásica sólo quedan en el papel y el cantante debe cantarlas vívidamente para que el público las sienta plenamente. Por ello, como cantante debes enriquecerte en todos los aspectos, mejorar tu calidad cultural y artística y realizar arduas actividades de recreación artística con los pies en la tierra.
Cuando obtengas una canción, debes prestar atención a los siguientes aspectos artísticos en la segunda creación de la canción:
1. Comprender la connotación
La La llamada connotación se refiere principalmente al significado interno de la obra, es decir, pensamientos y sentimientos. Comprender la connotación de la obra es la base del canto. Cuando escuches una canción, no te apresures a cantarla, pero memoriza la letra varias veces para que puedas comprender el trasfondo, el entorno específico y los pensamientos y sentimientos del protagonista. Ya sea que una canción sea larga o corta, encarna las fuertes emociones del compositor. Cada nota contiene los sentimientos profundos del compositor, lo que requiere que el cantante los explore y comprenda cuidadosamente. Cuanto más profunda es la comprensión de la obra y más profundo el sentimiento, más pura y perfecta es la expresión al cantar. El grado de alfabetización literaria de un actor o cantante afectará directamente su comprensión de la connotación de la obra. Muchas personas que aprenden a cantar tienden a hablar sobre la interpretación del canto únicamente desde la perspectiva de las habilidades vocales, por lo que su exposición suele ser relativamente limitada. No leen novelas, pinturas, poesía, música y ni siquiera periódicos. Sus horizontes no son amplios y sus conocimientos no son ricos. Es imposible aprender a cantar así. Si tienes una comprensión profunda de la connotación de la obra, el resultado será muy diferente, porque sólo a partir de la comprensión de la obra podrás expresar tus verdaderos sentimientos.
2. Imaginación de la concepción artística
La imaginación de la concepción artística es estimular al máximo la imaginación de la música. El cantante debe convertirse en una imagen en movimiento en su mente, en un escritor, un poeta y el protagonista de la obra en función del contenido y la imagen musical de la canción. En otras palabras, como actor dramático que asume un papel, uno necesita estar inmerso en la escena. Si imaginas la concepción artística básica y el estado de ánimo de una canción de manera muy concreta, entonces serás muy real y vívido al expresarla. La imaginación y la concepción artística te ayudarán rápidamente a establecer la imagen musical correcta o la imagen del protagonista de la canción. La imagen del protagonista de la canción es completa y unificada, y el tema de la canción es claro, lo que te permite sentirte fiel a tus sentimientos. Por supuesto, la capacidad de interpretación musical de un cantante no es algo que se pueda lograr en un día. Es una especie de acumulación de vida, memoria y emoción. Cuanto más y más rica sea esta acumulación, más activa y rica será la "inspiración". Por lo tanto, como cantante, a menudo debes usar tus ojos y oídos para recopilar y escuchar diversas imágenes y sonidos de la vida, para sentir la vida, mejorando así tu comprensión e imaginación de la vida y los personajes, y obteniendo así una comprensión más profunda de la connotación. de la obra.
En tercer lugar, el uso del sonido
Cuando cantamos una obra, ¿qué tipo de sonido podemos utilizar para que coincida con el contenido ideológico y la emoción de la obra? Esto es digno de investigación y diseño. . Como cantante, además de tener una voz hermosa, es particularmente importante poder controlar varios sonidos y cambios de timbre. Por ejemplo, elegir una voz majestuosa al enfrentar marchas, elegir una voz brillante, hermosa y ligera al enfrentar valses. y elige a la hora de afrontar canciones de cuna Voz suave y dulce. Aquí el sonido también debería tener un proceso imaginativo. Por ejemplo, para una canción lírica y suave, el sonido se puede imaginar como "una bufanda suave ondeando con la brisa", "hojas cayendo suavemente al suelo" y otros controles de sonido. Para otro ejemplo, cuando se canta una canción suave y animada; el sonido se puede comparar con "gotas de rocío transparentes", "gotas de lluvia en una noche de primavera", etc. En resumen, hay que saber movilizar la voz más adecuada en la "biblioteca" vocal para cantar el efecto auditivo requerido por el contenido de la canción y expresar la obra de manera adecuada.
Cuarto, captar el estilo
El estilo de la obra o el estilo de la música puede ser bueno o malo, y el efecto del canto variará mucho. A menudo asistimos a conciertos individuales. Algunas personas tienen voces hermosas y excelentes habilidades para el canto, pero todo el concierto, desde canciones populares chinas hasta canciones de arte clásico europeo, sonó bien en términos de voz, intensidad y encanto, y todos fueron iguales, con un sabor diferente que hizo que la gente lo olvidara después de escucharlos, falta de voz conmovedora y regusto artístico, y menos logros artísticos y alfabetización cultural.
La razón principal de estos fenómenos es que el cantante no analizó ni comprendió cuidadosamente el estilo de la época, el estilo nacional, el estilo regional y el estilo personal de la obra antes de cantar, y no utilizó sus propias habilidades de canto para expresar adecuadamente el estilo de la obra. . Por lo tanto, para expresar con precisión la connotación de la obra, el cantante también debe estudiar el estilo de la obra (es decir, el estilo de canto) de antemano. Por supuesto, el estilo de música es más abstracto que sus otras artes hermanas. La música es un arte invisible del tiempo, mientras que la pintura, la escultura y la arquitectura son artes tangibles del espacio, por lo que sus estilos suelen ser más fáciles de entender de un vistazo que la música. La profundidad de los logros literarios de un cantante afectará directamente su comprensión de la obra y su comprensión del estilo, porque la formación del estilo se basa principalmente en la comprensión más profunda. Un cantante maduro puede expresar vívidamente la intención creativa del compositor y las características estilísticas de la obra, y puede hacer que el significado general de la música sea "claro" para el público.
Quinto, la encarnación del encanto
La segunda creación del canto es un proceso laboral complejo, y los requisitos para el cantante también son multifacéticos. Un buen cantante no sólo puede comprender y transmitir con precisión la concepción artística de la canción, sino también, a través de su propia recreación, descubrir algunas cosas potenciales en la canción que ni siquiera el compositor esperaba. Un compositor no puede aportar encanto a una obra; ésta debe ser experimentada y creada por el propio cantante. Un buen cantante no está satisfecho con las notas grabadas en la partitura. Definitivamente trabajará duro en el tono extra (el tono también es el encanto) y lo usará adecuadamente. Después de cantar una nueva canción, de acuerdo con las características del lenguaje y las necesidades de emoción, naturalmente agregarás algunos otros sonidos a la melodía para hacerla decorativa, vibrato, portamento, inclinación, etc. Será más conmovedor y natural cantar, y será más sabroso y hermoso. Ésta es la nueva vitalidad que el encanto aporta al trabajo.
6. Procesamiento de arte.
Con los verdaderos sentimientos de una canción, es necesario tener una idea general integral para el procesamiento de la canción, incluida la velocidad, intensidad, volumen, timbre, acompañamiento, etc. de toda la canción. Por supuesto, estas ideas no son ciegas ni arbitrarias. La estructura, el estilo y el modo de la canción tienen altibajos, hasta que el ritmo y la armonía le dan al cantante una inspiración general para la expresión artística. Pueden guiar las emociones internas del cantante y encontrar el clímax de toda la canción y las capas de la canción. En el canto se debe captar especialmente el contraste artístico, como la diferencia entre la narración y el canto de una canción, los cambios de intensidad y peso en una canción, y lo más importante es encontrar los puntos altos (clímax) y bajos. Puntos de la canción. En general, para resaltar los puntos altos hay que rebajar los puntos bajos y debe haber un proceso de presagio, de lo contrario ni la fuerza ni la debilidad lograrán el efecto artístico. Cuando se trata de canciones, los toques finales suelen ser algunas frases y palabras clave. Las palabras clave deben estar centradas en la pronunciación y la emoción, y deberás trabajar cada palabra, o incluso cada sonido, practicar el canto repetidamente y explorar con atención para encontrar la forma de expresión más adecuada. Es decir, el cantante debe superar repetidamente las dificultades según su diseño general hasta que su tratamiento se convierta en la encarnación de los verdaderos sentimientos.
Siete, olvídate de mi canto
Para conmover al público al cantar, primero debes ponerte en un estado de emoción al cantar. "Verdadero y falso" es una técnica de expresión artística específica. "Falso" es expresar "realidad artística" y "falso" es una técnica artística para expresar "verdad". Sólo cuando lo verdadero surja de lo falso se podrá poner en juego la unidad de la autenticidad artística y la autenticidad de la interpretación, y se podrá poner en juego el poderoso papel del atractivo artístico. Por lo tanto, cuando cantamos, debemos captar la relación entre los dos y expresar el arte de manera apropiada. En tiempos normales, encontramos que algunas personas todavía están muy nerviosas al cantar, temen a los lobos y tigres y están llenas de pensamientos egoístas. Ese estado de canto definitivamente no es bueno para cantar, y mucho menos para conmover a la audiencia. Entonces, lo que llamamos "canto desinteresado" requiere que el cantante se deshaga de todo el bagaje de sus pensamientos o sonidos, elimine todos los factores de tensión y comience a cantar en un estado apasionado y relajado. Debes saber que sólo cuando se liberan las emociones se pueden obtener efectos sonoros naturales y confortables y lograr una expresión emocional más perfecta. El arte de cantar debe ser "sonido y música".
Ocho. Tecnología y Arte
La tecnología y el arte, es decir, el sonido y la emoción, siempre han sido las dos partes de carne y hueso del canto. La pronunciación, la pronunciación, la enunciación y la expresión emocional constituyen el todo del canto y los tres son inseparables. Cantar implica cantar utilizando todo el cuerpo humano como instrumento. No se puede lograr confiando únicamente en la voz, la respiración o * * *. Cantar es un arte escénico en el que te involucras de todo corazón, no sólo con todo tu cuerpo sino también con tu alma.
El canto debe ser un arte apasionante y perfecto que integre varios factores. Es decir, sólo combinando sonido, emoción y habilidades el canto puede alcanzar un estado conmovedor y producir logros artísticos conmovedores. El sonido y la emoción están dialécticamente unificados y se complementan entre sí. Ya sea un cantante profesional o un aficionado, en el entrenamiento diario, debe fortalecer su conciencia del canto en general y, al mismo tiempo, lograr la expresión de la voz y la emoción del canto, lograr la trinidad de voz, palabra y emoción, y desarrollar el hábito. de cantar con el corazón.
El tratamiento artístico y el estilo de canto de la canción "Mother Motherland"
Esta canción expresa la gratitud del pueblo chino y su infinita lealtad a la patria con pinceladas concisas y fuertes emociones.
La canción entera consta de dos secciones y una cola curva. La primera sección consta de cuatro frases, compuestas principalmente por palabras y canciones de una palabra y una nota. La melodía se interpreta suavemente en el rango de medios graves, recitando el profundo amor por la patria como si fuera un canto. El tono al comienzo de la segunda sección salta al clímax de toda la canción, y luego la melodía baja gradualmente, expresando los elogios y elogios de la gente por la patria. El acento al final de la canción expresa aún más el incomparable y profundo amor de la gente por la patria. patria.
Palabras clave: emoción, motivación, lenguaje literario, creación secundaria.
La canción "Kind Motherland" es una canción artística china. Las llamadas obras artísticas tienen sus propias características únicas. Después de comprender las características, todos tendrán una comprensión más profunda del canto de canciones artísticas.
En primer lugar, es muy importante elegir las letras de las canciones artísticas, que presten atención a pensamientos profundos, sentimientos y connotaciones detalladas, y que logren la unidad de contenido y forma.
El habla es fruto de la emoción y el lenguaje de la sabiduría.
Sin los verdaderos sentimientos del poeta, sería imposible despertar las voces de las personas con tanta naturalidad como el brote de la vegetación. Las personas que saben escribir sobre sus sentimientos poco a poco recurrirán a la abstracción. La palabra misma es una imagen. Para lograr una combinación de escenas, es necesario escribir "virtual" en un lado y "real" en el otro. De lo contrario, el significado de la palabra será insulso e indeseable.
La escritura de letras no sólo debe ser poética, sino también adecuada a la composición y coherente con la lógica musical.
En segundo lugar, la escritura melódica de canciones artísticas debe centrarse en recordar las emociones de las letras. Hay palabras en la canción y hay una canción en las palabras. La música y las letras deben mezclarse en una sola. Ya sea una melodía lírica o narrativa, debe tener una experiencia y comprensión profundas del trasfondo histórico de la música. Los requisitos melódicos de las canciones artísticas son muy estrictos.
Los compositores deben utilizar excelentes técnicas de composición y escribir cada letra de la mejor manera posible. Las palabras sin significado directo no pueden dar al compositor espacio para la imaginación. La hermosa y conmovedora melodía cantada es el perfecto reflejo y sublimación de la letra del compositor.
Por último, el acompañamiento de las canciones artísticas también es muy particular, normalmente con acompañamiento de piano. El acompañamiento de piano, ya sea simple o complejo, debe escribirse con mucha elegancia, porque su función definitivamente no es solo una forma de acompañamiento, sino también una interpretación que se ajuste al contenido artístico, como la parte de canto.
El acompañamiento de piano juega un papel importante a la hora de expresar el entorno y el espacio, retratar y complementar la imagen interior y comunicarse con el cantante. La combinación orgánica de dúo y canto es también una característica única de las canciones artísticas.
Esta canción es una canción obligatoria para que los estudiantes de música vocal practiquen. Adecuado para que niños y niñas de nivel medio practiquen canto. Fue escrito por Zhang Hongxi y compuesto por Lu Yi. Generalmente, la parte de tenor canta la clave de G y la parte de alto canta la clave de F.
Lu Yiyi (1943——) es compositor. Yuyao, Zhejiang. En 1953, fue admitido en la escuela secundaria afiliada al Conservatorio de Música de Shanghai y estudió piano y composición. En 1962, fue ascendido al Departamento de Composición de la universidad y, tras graduarse en 1967, permaneció en la escuela para enseñar. En 1973, fue trasladado al Teatro de la Ópera de Pekín de Shanghai y participó en la creación musical de más de diez óperas de Pekín en Panshiwan. Se unió a la Orquesta de Shanghai en 1981 como compositor profesional. Se desempeñó como director de orquesta en 1985 y director artístico en 1988. Fue elegido miembro del presidium de la Asociación de Músicos de Shanghai y editor en jefe de Shanghai Songs. . Sus obras principales incluyen "Blue Sky", "The Sun", "Pursuit - para coro y banda de mujeres", "China", "My Lovely Mother - para gran coro y banda", "Arco iris después de la lluvia", "Orquesta". "Nenúfares", "Sentimientos del Sur", "Danza del bosque nocturno" y canciones artísticas "Patria", "Madre", "Puente", etc. Las melodías de sus obras son frescas y suaves, llenas de nuevas ideas, novedosas armonías y una exquisita orquestación.
Esta canción utiliza una escritura concisa y emociones fuertes para expresar la gratitud y la lealtad infinita del pueblo chino a la patria.
Primero, toda la canción es una pieza vocal de dos partes con un final concluyente.
En términos generales, el estilo de canto de las dos piezas vocales debe resaltar la naturaleza narrativa de la primera mitad y la naturaleza de alabanza de la segunda mitad. Generalmente, el contraste emocional entre la primera y la segunda sección de una pieza vocal de dos partes es relativamente fuerte. Cuando se trata de canciones artísticas de dos partes en general, preste atención a la comparación entre el recuerdo de la primera parte y la realidad de la segunda. Esta canción también. Pero después de una cuidadosa consideración, todavía hay muchas cosas a las que se debe prestar atención, y también hay cosas que no todos pueden hacer cuando cantan.
1. El requisito emocional de toda la canción es de tempo medio y conmovedor. Pero esto es diferente. El método de canto específico todavía requiere canto en vivo, pero el sentimiento general se puede controlar en esta dirección.
A juzgar por el preludio, es un signo "F", que es un tratamiento fuerte. Por lo tanto, al comienzo de la colaboración, todos eran acompañantes. Esta fue una expresión precisa de emoción, pero no debería ser demasiado fuerte. Si el acompañante basa sus emociones en una gran excitación desde el principio, entonces cuando se enfrente al clímax de la canción, será contundente y pacífica, sin ningún sentido de contraste con la introducción. Por tanto, el acompañante debe ayudar al cantante a controlar sus emociones al tocar la introducción. En términos generales, no seas demasiado fuerte, sólo sé fuerte.
La melodía general del preludio es una etapa de declive emocional, que retrocede lenta y gradualmente, y se retira gradual y débilmente, haciendo que la emoción del cantante vuelva a caer a un estado mental narrativo normal que es consistente con la comienzo del canto:
La nota alta "a" al principio y la nota baja "a" al final de la intro son un contraste de octava, volviendo a la velocidad original. Es muy común utilizar la melodía del clímax como preludio de toda la canción, pero también tiene sus desventajas, es decir, es fácil hacer estallar la emoción demasiado fuerte y demasiado rápido, y te quedarás perdido cuando La canción realmente llega al clímax.
2. Tras el preludio, el cantante entra en la primera sección de canto. Desde el final del preludio hasta la primera palabra del inicio, se completa un quinto salto. Los rasgos melódicos son tranquilos y naturales, lo que dificulta que el cantante se escape. Un salto de quinta introduce naturalmente al cantante en un tono emocional narrativo profundo, por lo que en lugar de empezar a cantar débilmente, es mejor empezar a cantar lentamente.
① La parte de canto de la primera sección consta de tres etapas. Hay que pensar en las dos primeras letras: "¿Quién no ama a mamá, con ese corazón de fuego? ¿Quién no ama a mamá, con ese corazón de fuego? ¿Con ese corazón de fuego?" Corazón". El contenido de las dos letras es el mismo, pero la melodía es diferente, lo que hace que las dos primeras frases del primer párrafo de la primera parte sean diferentes en el procesamiento emocional del canto.
② A juzgar por la coordinación entre la letra y la melodía de las dos primeras frases: la primera frase es más narrativa y la melodía refleja sentimientos progresivos, lo que indica la base emocional ascendente:
Impulsa este tono emocional. El ascenso gradual levanta lentamente el ánimo del cantante.
(3) Introduce la segunda letra: una misma letra, colocada en diferentes melodías, tiene diferentes sentimientos. Esta frase tiene la sensación de añadir insulto a la herida y lamenta profundamente el sentimiento de estabilidad en el corazón:
La melodía de esta frase es un sentimiento de altibajos, pero no hay emoción de desahogo o darse por vencido, más de un sentimiento profundo y responsable. Establezca su mente, prepárese para el clímax y prepare el escenario para el contraste entre narrativa y elogio.
3. Avance del clímax.
(1) Este es un proceso de preparación emocional gradual. El clímax tiene una melodía clara y fresca para desarrollar el interludio, utilizando la superposición de sonidos (o en ocasiones es mejor adelantar la mayor parte del acompañamiento octavas hacia adelante y hacia atrás). Cuando se reproduce este breve interludio, el cantante almacena sus emociones, esperando la excitación explosiva:
(2) Al entrar en el clímax de la canción, cabe señalar que las emociones del cantante deben seguir la melodía. durante el interludio. Las características progresivas se almacenan en la mente. No dejes que tus sentimientos se escapen en este momento, de lo contrario será difícil cantar bien el clímax de la canción. Esta frase requiere suficiente respiración y una posición de la cabeza ligeramente elevada. Cuando cantes el clímax de la canción, usa tu voz para expresar emoción, de modo que el clímax no parezca demasiado rígido o abrupto.
La fuerza de esta frase está marcada como una fuerte curación. No hagas lo mejor que puedas para ser fuerte. Sólo buscando la fuerza en la estabilidad se puede alcanzar el clímax con facilidad.
(3) Desde el punto de vista de la melodía, después de la explosión emocional, el estado de ánimo de la canción tiene la motivación para retroceder:
La melodía tiene altibajos y regresa gradualmente. a la realidad, y entrando en la primera parte de la tercera etapa, y el clímax es el punto culminante de toda la canción, el punto de ruptura de toda la canción y un reflejo general de la naturaleza técnica y emocional de toda la canción. y unas pocas palabras contienen el resumen anterior y conducen también al siguiente desarrollo continuo del tema en la tercera etapa.
4. La tercera etapa del canto: la intensidad se marca como media fuerte y esta frase retrocede.
(1) Se mantiene el calor residual después del clímax de la canción, que es más fuerte que la primera etapa, pero más débil que el clímax, hasta que termina la segunda frase de la tercera etapa y entra toda la canción. el interludio.
(2) En esta oración, la velocidad del canto debe acelerarse ligeramente y debe haber un tono que continúe el clímax emocional de la canción, conectando la tercera etapa con el clímax, para que el sentimiento general Cae de forma natural y tranquila, sin ningún sentimiento de sorpresa. La segunda mitad de la frase vuelve lentamente al tono emocional de la primera etapa:
Los símbolos descoloridos se cantan hasta que vuelven al tono narrativo. Vuelve al tono emocional del principio. El procesamiento debería debilitarse y ralentizarse gradualmente, formando un contraste emocional entre la segunda recreación y el interludio. Para allanar el camino para el próximo gran segmento.
③Después de interpretar la primera parte, el estado de ánimo se recupera y entra en el interludio. El patrón de acompañamiento del interludio es el mismo que el patrón de superposición del clímax de la canción, y la melodía ascendente conduce una vez más al preludio de la canción (el mismo que el clímax). Una vez finalizada la primera parte de la interpretación, el acompañante debe ayudar al cantante a recordar el tono emocional básico y compararlo con la primera parte durante el canto.
En segundo lugar, entrando en la segunda parte, esta parte es más elogiosa que la primera y es similar a la primera en detalles. La combinación de melodía y letra todavía se ajusta al método mencionado anteriormente, pero después de cantar la primera parte, experimenté altibajos de emociones, pero los sentimientos internos generales permanecieron. La razón principal por la que la primera parte y la segunda parte son diferentes en general es que las letras son diferentes. La segunda parte es más profunda. Basado en la primera parte, es un poco más racional y reflexivo, acorta la distancia entre el corazón y la patria, y muestra más atmósfera y apertura. Así que acérquese a ello con un poco de profundidad y razón elogiosas.
1. La segunda parte es un poco más profunda y racional que la primera: en comparación. (Segunda letra: ¿Quién no ama a su madre con su brillante y hermosa juventud? Querida patria, amable madre, el cielo azul y el mar están llenos de alegría y lealtad. Es nuestra lealtad hacia ti.)
①Mente: Palabra sensorial que siempre ha ido acompañada de actividades de pensamiento.
Juventud: frase para una etapa de estado, que se puede vivir a través del tiempo.
②Río Yangtze y Río Amarillo: amor desde dentro de la patria.
Cielo azul y mar: un amor amplio que se eleva a todo el mundo, a todo el estado de ánimo.
③Buena impresión tuya: una palabra perceptiva que describe el estado psicológico.
Fiel a ti: palabra preparatoria, siempre lista para la patria.
Desde varios aspectos de la letra, podemos ver la conexión interna y las diferencias específicas entre la segunda parte y la primera. La diferencia entre la segunda parte y la primera se puede captar con precisión durante el canto.
2. Después de cantar toda la canción, el sonido persistente aún persiste. Al final, el autor reproduce el motivo melódico del inicio de la primera parte con el sonido inicial "La".
3. "Segunda creación":
① Es necesario captar con precisión la connotación de la expresión de la palabra y distinguir el contenido y el tipo de expresión de la canción, para que sea fácil de determinar. La posición psicológica al cantar.
A veces en una canción, un cantante necesita interpretar varios roles diferentes al mismo tiempo, si no se presta atención con antelación, la interpretación será caótica.
Las letras de las canciones artísticas son en su mayoría excelentes poemas. Mientras estudiamos cuidadosamente la connotación de la letra, debemos realizar un análisis detallado del género, el valor literario y el contenido emocional de la letra. Si es necesario, debemos captar las diferentes características del lenguaje y resaltar los puntos clave, de modo que las características artísticas. de cada canción son claramente diferentes. Para hacer esto, debemos leer la letra repetidamente y comprender la connotación literaria en el idioma. Esto puede ayudar al cantante a captar los puntos clave de la canción artística y desarrollar aún más la melodía a partir del proceso de lectura de la letra.
La elección del timbre apropiado también es un requisito para la creación secundaria y la interpretación de canciones artísticas. Los cambios de timbre son una de las formas importantes de distinguir diferentes tipos de canciones artísticas. Para satisfacer las necesidades de expresión de las canciones, los cantantes deben ajustar su timbre en cualquier momento.
La selección y determinación del timbre es a menudo un reflejo del propio punto de vista estético del cantante. El letrista y el compositor en realidad han expresado su propio punto de vista literario en la partitura. Que el cantante pueda transmitir con precisión este punto de vista en la "creación secundaria" depende de sus propios logros artísticos, por un lado, y de la elección del timbre, por otro, lo que también afectará la profundidad de la comprensión general del tema. trabajar.
Las canciones artísticas tienen diferentes técnicas creativas y también tienen diferentes requisitos para los puntos clave que los cantantes deben captar. Al elegir canciones artísticas, los cantantes deben alcanzar un cierto nivel en habilidades de canto vocal y habilidad en el lenguaje; de lo contrario, no podrán cubrir todo al cantar.
②Empieza con A”——“E” termina con un salto de quinto grado. El salto de escala entre “A” y “E” nos da una sensación que hace eco del comienzo de la canción. El mismo quinto salto se usa para recrear la melodía al final, con infinito afecto familiar y recuerdos lentos. El final usa el material motivador al comienzo de la canción, y la melodía avanza gradualmente, haciendo que toda la canción se ralentice. Termina lentamente y cae en la sensación de recuerdos infinitos, dejando al oyente espacio para la imaginación y la comparación:
(3) La última vocal cerrada "Woo" es una vocal difícil de dominar en técnicas vocales. Al cantar esta canción, "Woo" gradualmente se debilita y ralentiza. Los estudiantes que han practicado tararear pueden manejar el final de una manera más humana y no lo manejarán de una manera rígida y antinatural. El final cuestiona y responde las preguntas emocionales originales, terminando con éxito toda la canción, dejando al oyente con un sinfín de recuerdos y también dejando al cantante con un sentimiento profundo de que la expresión está incompleta y el significado todavía está en la canción. p>
En tercer lugar, hay muchas cuestiones técnicas a las que prestar atención al cantar esta canción. En primer lugar, es una canción de arte chino, además de sus propias emociones internas específicas, debe ser completamente expresiva. entendido desde todos los niveles.
1. Esta canción tiene su propio ritmo y características específicas en términos de fonología. El propósito de entrenamiento del autor y los objetivos de entrenamiento en ese momento también deben reflejarse en la canción. >
2. Las vocales de cada oración desde el principio hasta el final de esta oración permanecen en la vocal "e", y el sonido cerrado se refleja en las dos primeras oraciones del primer párrafo de esta canción. expresión emocional, el cantante debe enfatizar el rigor de esta rima y el ritmo es estable, para que el oyente pueda escuchar con una buena actitud tranquila y silenciosa. Este aspecto debe lograrse fortaleciendo la práctica del mandarín. p>3. Prestar atención a la coordinación de sonidos cerrados y sonidos abiertos, para que la transición entre sonidos abiertos y cerrados sea natural y redonda, y la pronunciación sea el primer paso en el proceso de redondear el tono, la posición, el tono. El timbre y otros aspectos requieren un alto grado de unidad, y ligeros cambios afectarán la confesión emocional y la expresividad de toda la canción.
La dificultad de este clímax se refleja en los ojos de Song:
<. p> La palabra "Dear Motherland" en esta oración es una manifestación técnica a la que el cantante debe prestar atención. La aparición de una gran cantidad de sonidos iniciales también es una característica intuitiva de esta canción para poder practicar el estado y la posición. del sonido abierto, los ejercicios vocales se duplican en la canción específica.La práctica del procesamiento débil de las vocales también es un punto de examen de la aplicación del procesamiento débil en esta canción. Tiene un significado especial en específico. funciona, y esta canción no es una excepción. El procesamiento perfecto del canto débil puede profundizar la expresión de los sentimientos internos de la canción.
5. Requisitos de pronunciación de la canción: requisitos para el lenguaje de canto. y es un enfoque de transición para ingresar al idioma del canto sobre la base del mandarín estándar.
El idioma del canto es más exagerado en el estado básico del habla, y la pronunciación es más abierta y el tono de pronunciación debería. ser prominente. La palabra "人" debe explicarse completamente en el idioma del canto. Después de cantar una palabra, debes prepararte para cantar la siguiente palabra. No hagas que la letra sea ambigua para que el oyente no conozca el idioma de la letra, lo que afecta el procesamiento general de toda la obra.
La primera frase "Quién no ama a su madre" debe quedar especialmente clara a la hora de afinar las vocales de la lengua: la conversión entre ei y U, la integridad de ei y el carácter no emergente de la Procesamiento de vocales U entre. Conversión entre u y ei, u y e, u y ai, etc.
Para conectar estas vocales: ei a u a ai a zi a e a u a in para completar una serie de conversiones de vocales se requiere una comprensión sistemática del estado de práctica de cada vocal. Esto debe acumularse en la práctica vocal diaria.
Conversión vocal completa. Cuando la siguiente transición vocal no se complete, no te centres en la vocal mala sino en la vocal anterior o en la vocal pasajera. Sólo así el ritmo general y la pronunciación pueden formar una unidad auditiva más completa. Sólo así se podrá unificar completamente la emoción y el estado de canto de la canción.
En resumen, cuando se nos presenta una canción artística, ¿cómo debemos ver la obra y cómo debemos expresarla completamente sobre la base de nuestras habilidades para el canto? Estos requieren que experimentemos y refinemos la canción desde diferentes niveles y ángulos. Sólo cuando tengamos una comprensión más profunda de la obra podremos cantarla a un nivel satisfactorio. Las anteriores son todas mis propias opiniones. Si tiene alguna sugerencia valiosa o inexactitud, critíquela y corríjala. Estoy muy agradecido.