El desarrollo de la pintura al óleo
Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el movimiento del Renacimiento europeo en el siglo XV, el pensamiento humanista produjo llamamientos positivos a prestar atención a la realidad social a partir de la crítica a la religión. Para deshacerse gradualmente de la creación única con los clásicos cristianos como tema, muchos pintores famosos comenzaron a observar y describir directamente las personas, los paisajes y los objetos de la vida en ese momento, de modo que las obras de temática religiosa contenían un evidente realismo y Factores seculares Algunos pintores La descripción de la vida real también es relativamente completa. Los pintores del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no sólo se centraron en describir un evento o hecho en sus obras, sino que también revelaron las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así un estilo que se centraba en concebir lo típico. Tramas y configuración de imágenes típicas. Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía y la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando los principios científicos del modelado.
La aplicación de la anatomía humana permite que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales realistas y precisas; el establecimiento de una perspectiva focal permite que las pinturas formen una ilusión de profundidad espacial a través de la composición y las escenas en Las pinturas son diferentes a las de la realidad. La experiencia visual instantánea es la misma; el método del claroscuro unifica los objetos en la pintura bajo la luz de una fuente de luz principal, formando una jerarquía clara de cerca a lejos. Los temas artísticos del humanismo y la búsqueda del realismo en otras pinturas no pueden perfeccionarse debido a las limitaciones de las herramientas y materiales, y el rendimiento de las herramientas y materiales de la pintura al óleo es adecuado para una expresión completa. Por lo tanto, después de un largo período de producción, las pinturas al óleo clásicas se han vuelto muy realistas.
En general, la pintura al óleo clásica es el resultado del uso simultáneo y completo de múltiples factores en el lenguaje de la pintura al óleo. Sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención. uno o varios factores, formando los diferentes estilos. Los pintores italianos durante el Renacimiento prestaron más atención al uso de luces y sombras. Las partes oscuras de la escena de la pintura están envueltas uniformemente en sombras, y los límites entre la luz y la oscuridad muestran una transición suave, creando un efecto concentrado y fluido. La "Madonna de las Rocas" de Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Al mismo tiempo, el pintor holandés representó claramente todos los detalles de la escena en su pintura, y las diferencias entre las escenas no fueron transiciones entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Aviso de Embarazo" presenta en detalle todas las escenas interiores y exteriores. Tiziano de Italia fue el primer pintor que prestó especial atención al poder expresivo de la pintura al óleo. Pinta sobre fondos oscuros, a menudo utilizando colores brillantes de brillo similar pero con tonos ligeramente diferentes, lo que da como resultado magníficos tonos dorados. La superposición repetida de pigmentos transparentes y distintas pinceladas hacen que los colores y las formas se mezclen orgánicamente, creando un efecto de textura.
El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países han realizado distintas exploraciones en profundidad del lenguaje de la pintura al óleo en función del origen social y el temperamento nacional en el que viven. Los tipos de pinturas al óleo se dividen en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se enriquecen cada vez más, formándose escuelas en diversos países y regiones.
Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, la intensidad de la luz y la oscuridad y los niveles de espesor para crear una sensación de luz y formar una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de las pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, a menudo usando las grandes áreas oscuras del plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo que la gente sintiera que la luz en la pintura es muy deslumbrante. El pintor español El Greco pintó paisajes con luces y sombras moteadas. No lo modeló desde la perspectiva mojigata de la luz y la oscuridad, sino a partir de la distribución intermitente de la luz y la oscuridad. Los colores fríos y cálidos también forman cambios intermitentes y continuos con una pincelada solemne, las capas de color se penetran entre sí durante la compresión, dando a las personas un efecto confuso, y algunas incluso impregnan una atmósfera misteriosa e inquietante.
El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus pinturas como medio para expresar el estado mental de las personas. En muchos de sus retratos, los personajes están envueltos en grandes áreas de oscuridad, y sólo partes importantes, como rostros y manos, expresan expresiones que muestran un brillo brillante. Usó colores tranquilos para crear múltiples capas delgadas de pintura en las áreas oscuras para hacer que las áreas oscuras parecieran profundas, mientras que usó pintura espesa y superposiciones con técnicas de cuchillo para crear una gran sensación de volumen en las áreas brillantes.
Al mismo tiempo, el uso de la pincelada también ha sido explorado por muchos pintores. Las pinceladas son las huellas del movimiento de la pintura sobre el lienzo por el pincel al óleo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de la pintura era relativamente consistente y las pinceladas eran uniformes y casi invisibles. Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por el estado de ánimo y el ritmo emocional de la pintura, y que los pintores podían generar emociones para controlar el movimiento de las pinceladas mientras pintaban. La ligereza, el peso, la lentitud y la urgencia de las pinceladas no sólo hacen que la imagen sea vívida, sino que las pinceladas mismas también tienen expresión artística.
El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó una gran cantidad de pinturas bañadas en colores finos y brillantes en muchas obras de gran formato, dejando pinceladas libres, desenfrenadas y curvas a lo largo de las figuras, dando como resultado el fuerte impulso de los personajes. y el conflicto dramático de la historia. El pintor holandés Hals pintó retratos con pinceladas ligeras y flexibles, llenando los retratos de vitalidad y complementando su carácter heroico y optimista. Otro pintor holandés, J. Vermeer, representó bien a los personajes de la habitación con trazos redondos y delicados como perlas, dando al cuadro una atmósfera tranquila y cálida. El desarrollo de la pintura al óleo tuvo nuevas tendencias en el siglo XIX, principalmente los cambios en los colores de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre, adquiriendo un rico sentido del color. Yuxtapone colores con pequeñas pinceladas en áreas localizadas, mezclándolos en parches de color más vibrantes, haciendo que la pintura sea mucho más brillante que los clásicos tonos marrones. La complementariedad de los colores (el principio de que los colores en polos opuestos de la rueda cromática realzan el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocida más tarde por la ciencia, pero Constable llegó a ese principio de manera perceptible al observar la naturaleza, y en Se aplica parcialmente en la práctica. . Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix guió sus creaciones con romanticismo y creó pinturas temáticas de gran formato basadas en acontecimientos históricos de la época. Aplicó relaciones de color más complementarias a las expresiones cromáticas de sus creaciones. Utilizó pinceladas positivas en muchas partes de la imagen para formar contrastes de color, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron bajo diferentes condiciones climáticas naturales y se dieron cuenta de la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena, así como la forma en que los tonos reflejan el tiempo, el entorno y la atmósfera, resaltando el carácter artístico. tema y forma La concepción artística y el estado de ánimo de la imagen son de gran importancia. Un gran número de sus creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento natural, la lluvia, la mañana y el anochecer. Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron contribuciones innovadoras al uso del color. Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido, y utilizaron el principio de mezcla de color y luz para resolver el problema del color de las pinturas al óleo. Pintores como C. Monet y A. Sisley captaron la impresión momentánea de color dada por los cambios de luz en la superficie de la escena exterior, yuxtaponiendo colores contrastantes con pinceladas gruesas y finas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios en los tonos negros y cambiaron la práctica tradicional de pintar partes oscuras con un solo color armonioso, usando puntos de color para yuxtaponer las partes oscuras y las partes con sombras. Debido al efecto de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos son transparentes, tienden a ser cálidos y fríos cuando se ven desde cierta distancia y forman transiciones sutiles. El impresionismo minimizó el volumen de la escena y enfatizó el factor color. El impresionismo no se basa en la luz, las sombras y las líneas para crear una sensación de distancia espacial, sino que utiliza colores fríos y cálidos para formar el espacio basándose en el principio de reflexión de la luz del color. El trabajo impresionista nunca ha sido más vívido y expresivo, lo que ilustra que el color es a la vez integral y puramente expresivo.
En el siglo XIX surge una escuela europea de pintura al óleo con ideas artísticas claras. Aunque las técnicas de pintura al óleo se reflejan principalmente en temas y contenidos artísticos, también tienen sus propias características.
Al mezclar colores, las interacciones químicas pueden provocar reacciones adversas entre algunos pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a aprovechar al máximo tus habilidades para pintar al óleo y a mantener el color de tu obra sin cambios durante mucho tiempo.
(2) Los cepillos están hechos de pelo de animal con elasticidad moderada, incluyendo puntas redondas, puntas planas, puntas cortas y planas, formas de abanico, etc.
(3) Las espátulas para pintar, también conocidas como espátulas, están hechas de finas láminas de acero elásticas y se pueden dividir en formas puntiagudas y redondas. Se utiliza para mezclar pintura uniformemente en la paleta. Muchos pintores también utilizan cuchillos en lugar de bolígrafos, pintando directamente con el cuchillo o formando parcialmente capas de pintura y textura sobre el lienzo para aumentar la expresividad.
(4) El lienzo, lienzo estándar, se fabrica estirando lino o lienzo sobre un marco interior de madera, mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y recubriéndolo sobre la superficie de la tela. Generalmente se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de patrón, o se puede convertir en una base semi-absorbente o totalmente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor de la veta de la tela depende del tamaño del marco y de las necesidades del efecto de pintura. Algunos pintores utilizan un lienzo con un color de fondo para formar fácilmente un tono de imagen unificado y también pueden revelar inadvertidamente el color de fondo al pintar. Después de la imprimación, también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite en lugar de lona.
⑤ El vidriado, generalmente una vez seca la pintura al óleo, se cubre con barniz para mantener el brillo del cuadro y evitar la cavitación y las manchas.
⑥Marco, una pintura al óleo completa incluye un marco, especialmente una pintura al óleo muy realista. El marco forma el límite visual de la obra del espectador, haciendo que la imagen parezca completa y concentrada. Los objetos de la pintura se desarrollan en profundidad en la percepción del espectador. El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos principalmente de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos principalmente de aleación de aluminio y otros materiales metálicos.
Técnicas de pintura al óleo
Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo han llevado a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. Durante siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para aprovechar al máximo los efectos expresivos de los materiales de pintura al óleo. Las principales técnicas de pintura al óleo son:
(1) Método de superposición transparente, es decir, utilizar pigmentos diluidos con aceite de color para crear representaciones de múltiples capas sin agregar blanco. Es necesario aplicar la siguiente capa después de que cada capa esté seca. Debido a que cada capa de color es delgada, el color de la capa subyacente se revela débilmente, creando tonos sutiles con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul estable sobre una capa de color rojo intenso producirá un rico efecto de azul y violeta, es decir, frío y cálido. Este es a menudo un tono que no se puede transferir a la paleta de colores. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Es especialmente adecuado para representar vívidamente los delicados cambios de color de la piel humana, haciendo que las personas sientan la sangre fluyendo debajo de la piel. Sus desventajas son su estrecha gama de colores, su meticuloso proceso de producción, el largo tiempo para completar la obra y la dificultad para expresar los sentimientos artísticos creativos actuales del artista.
(2) Método de superposición de opacos, también conocido como método de coloración multicapa. Al pintar, primero dibuje una forma grande con un solo color y luego déle forma con varios colores. Las partes oscuras a menudo se pintan finamente, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan gruesamente en capas, ya sea cubriéndolas o dejándolas, para formar contrastes de bloques de color. Debido a los diferentes espesores, muestra el rico encanto y textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los métodos de pintura transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar una combinación de ellos en una pintura. Al expresar objetos en la oscuridad o en la sombra, el método de color de cobertura transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio. Las reglas de superposición de colores opacos facilitan la creación de formas fuera de las partes oscuras y aumentan la saturación del color; imagen. Antes del siglo XIX, la mayoría de los pintores utilizaban estos dos métodos de pintura y, por lo general, llevaba mucho tiempo completar la obra. Algunos pintan una capa y luego la dejan durante mucho tiempo, esperando a que la capa de color se seque por completo antes de pintar.
③ Método de color primario opaco, también conocido como método de coloración directa. Es decir, después de hacer el contorno del objeto en el lienzo, el color se coloca en función de la sensación de color del objeto o la idea del color de la imagen. Básicamente se completa de una vez, y el Las partes incorrectas se raspan con una espátula antes de continuar ajustando el color. En este método de pintura, cada trazo de pintura es más grueso, la saturación del color es alta y los trazos son claros, lo que puede expresar fácilmente la sensación vívida de la pintura. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron este método de pintura. Para lograr el efecto de una capa a todo color después de una aplicación de color, se debe prestar atención al uso de trazos, es decir, al método de pintura. Los métodos de pintura más utilizados se dividen en revestimiento plano, revestimiento suelto y revestimiento grueso.
La pintura plana utiliza fuerza unidireccional y trazos uniformes para dibujar una gran área de color, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y tranquila. La pintura suelta significa que las pinceladas son sueltas y flexibles de acuerdo con la tendencia natural del giro; del sujeto que se está pintando. Una capa gruesa es una capa gruesa de todo o parte de un pigmento, parte del cual forma capas o manchas de color de hasta varios milímetros de alto, dando al pigmento una textura interesante que realza su imagen.
Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye muchos factores de modelado como el color, la luz y la sombra, las líneas, la textura, la pincelada, la textura, la luz, el espacio, la composición, etc. La función de las técnicas de pintura al óleo es reflejar de forma integral o individual todos los factores del modelado. El rendimiento de los materiales de pintura al óleo ofrece plenamente la posibilidad de aplicar técnicas de pintura al óleo de forma bidimensional. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista domina consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y forma una imagen artística. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también expresan el lenguaje único de las pinturas al óleo. El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno. Las pinturas al óleo de diferentes épocas muestran diferentes miradas, dominadas por los conceptos y técnicas artísticas de la época.
Materiales de referencia:
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