Quizás suene demasiado esotérico para atraer a una gran audiencia. Gran parte de la música ambiental es creada por un grupo de músicos que también incursionan en otras formas musicales. Todos tienen diferentes tradiciones o orígenes: electrónica experimental académica, música minimalista, música espacial, música dance, música electrónica folk, música gótica o industrial, etc. La complejidad de la identidad de este compositor puede conducir fácilmente a asignaciones entre industrias. La definición de música ambiental ha sido extremadamente vaga desde el principio. Más tarde, Ambient se separó gradualmente de su énfasis original en sonidos específicos y utilizó un método menos claramente identificable para procesar los sonidos, prestando más atención al sentido espacial, el color y el timbre del sonido, en lugar de limitarse simplemente al ritmo de fondo y a la melodía discernible. y La presencia o ausencia de estructura armónica.
Antes de Eno, "esos sonidos que antes eran inaceptables se utilizaban en la creación musical, y la tranquilidad pasada de la industria musical se vio perturbada". "El siglo XX fue una era de revolución musical", llamó Da An al instrumento. "Arpa eólica" mencionada por David Cope en el poema épico de Homero "La Odisea". Desde un concepto moderno, la música que produjo puede ser la música ambiental más antigua. Las arpas jónicas suelen colgarse al aire libre y suenan automáticamente cuando el aire (viento) pasa a través de las cuerdas. Más tarde, la música tocada por el órgano de la iglesia también podría considerarse música ambiental. El propósito de tocar el órgano en la iglesia no es que los creyentes escuchen, sino hacer que los creyentes se concentren más y ayudar a crear la atmósfera adecuada para la predicación. Este tipo de música religiosa, utilizada para cambiar el estado de ánimo de los participantes, era muy diferente de la música de las salas de conciertos o de los locales privados de música de cámara que prevalecían en aquella época. Las ideas detrás de estos sonidos históricos tienen algo en común con la música ambiental actual.
La mayor parte de la música antigua sólo usaba intervalos de quinta, pero posteriormente se permitieron cada vez más intervalos, como cuartas, terceras, sextas e incluso se permitía cualquier intervalo en la música de 12 tonos de Schoenberg. Por supuesto, estos desarrollos se llevan a cabo sin duda bajo el concepto lineal del sonido musical, como un determinado tono y una determinada duración. Schoenberg y otros compositores contemporáneos, como Debussy y Ravel, lograron avances al acercar la música del mundo subjetivo interno (mundo emocional) al mundo objetivo externo. Curiosamente, esta es exactamente la línea opuesta a la de las pinturas impresionistas del mismo período.
Al mismo tiempo, surgió el concepto de volumen de sonido, que ya no enfatizaba los sonidos musicales individuales, sino que debilitaba elementos anteriormente muy valorados, como la regularidad rítmica, la melodía evidente y la estructura musical distinta. La música creada bajo la guía de este concepto era a menudo considerada por los oyentes de la época como ruido (música inarmónica), lo que puede verse como una disputa sobre cómo dividir la música antigua y el ruido. Mahler y Stravinsky fueron los dos primeros compositores en utilizar el concepto de grupos sonoros, y más tarde György Ligeti utilizó este concepto como foco principal de su creación. Aunque Mahler y Ligdi todavía utilizaban notas musicales, su revolución fue que las notas musicales se utilizaban para crear ruidos discordantes. El concepto de agrupaciones sonoras también está presente en la obra del músico figurativo Yanis Xenakis y otros, pero adoptan un enfoque diferente. Ya no solo intentan integrar sonidos individuales en toda la música, sino que utilizan el método de partículas de sonido, es decir, cortan los sonidos muestreados para obtener aquellos fragmentos de sonido que aún representan el todo, generalmente solo de 5 a 40 milisegundos, es decir, crear a través de la combinación de partículas sonoras, y luego el sonido obtenido mediante muestreo no es solo.
Entre los compositores clásicos de vanguardia que influyeron directamente en la música ambiental se encuentran Claude Debussy y Eric Satie a finales del siglo XIX. Las obras impresionistas de Debussy "La tarde del fauno" y "La Mer" rompieron con los sistemas tradicionales mayores y menores y anunciaron la llegada de una nueva era de la música occidental.
El concepto de “música de mobiliario” propuesto por Satie es similar al propuesto por Eno. Presentó música que escribió para la inauguración de una galería. “Pedimos que durante el intermedio no presten atención a la música, sino que se muevan como si la música no existiera.
Creía que el valor de esta música era que era como "un cuadro o una silla en la que puedes sentarte o no, contribuyendo así a la vida". En su obra posterior "Show Show", utiliza máquinas de escribir como decoración. ruidos Obviamente, los valores que Satie sostiene aquí son diferentes del elitismo tradicional, que cree que el arte está por encima de la vida y enfatiza que la música es parte de la vida.
A mediados del siglo XX, The. El estadounidense John Cage heredó y desarrolló en gran medida los valores de Satie y estuvo profundamente influenciado por la filosofía oriental: el taoísmo, el zen chino, el zen japonés y el budismo indio. Después de la gran conferencia, incluso relacionó la inspiración con la base ideológica de Cage. Proviene del Zen. Considera la vida cotidiana como la "causa suprema" y, en base a esto, cree que la creación musical debe romper el control humano; lo importante es el mundo o la vida misma, no la interpretación del mismo. la encarnación del pensamiento antiartificial y anticontrol. En uno de sus libros, escribió: “¿Cuál es el propósito de hacer música? No se trata de intenciones, por supuesto, sino de sonido. En otras palabras, la respuesta debe tomar la forma de una dualidad: significativa y sin sentido o sin sentido y significativa. Sin embargo, este tipo de juego es una afirmación de la vida: no es un intento de poner orden en el caos, ni un intento de mostrar el valor de la creación, sino simplemente una forma de prestar atención a la vida que vivimos. experiencia. ¡Qué maravillosa sería la vida si dejáramos de interferir en ella con nuestros pensamientos y deseos y dejáramos que la naturaleza siguiera su curso!" A partir de esta idea, el método ideal de composición que encontró fue accidental, aleatorio. Creía en el uso del azar. Este método permite liberar la propia música de los propios gustos y disgustos, y su obra más notoria es "4'33": el público que presenciaba la actuación sólo vio al pianista cerrar la tapa del piano a los 33 segundos y 2'40 segundos abrirla. , pero no se tocan notas. Se trata de una obra silenciosa, derivada de la idea de reducir cualquier sonido artificial y presentar los sonidos producidos por el propio cuerpo del público (el sonido de la actividad del sistema nervioso y el sonido del flujo sanguíneo). Los susurros o quejas provocados por la incomprensión del público también constituyen el propósito de "4 Minutos y 33 Segundos" de permitir que todos escuchen la vida. El control artificial del sonido disuelve la jerarquía del arte sobre la vida con la ayuda de equipos de grabación electrónicos. En sus composiciones se introdujo una gran cantidad de técnicas de muestreo y collage. El concepto de "todos los sonidos que nos rodean pueden escucharse como música" se introdujo en la creación, alienando aún más el marco lineal en el modo de composición tradicional y tendiendo a adoptar sonidos fractales naturales. en sus obras (incluido, por supuesto, el pionero de la música electrónica Carl. Heinz Stockhausen, el músico concreto Pierre Schaefer) y esta filosofía tuvo una profunda influencia en la posterior creación musical ambiental de cualquier sonido.
Kay. que, en 1960, un grupo de compositores estadounidenses con formación en música clásica comenzaron a explorar la música minimalista, ya fuera interpretada por orquestas sinfónicas, instrumentos electrónicos o instrumentos no occidentales, todo lo cual enfatizaba aquellos que se repetían durante un largo período de tiempo. Sin embargo, los cambios sutiles se desarrollan lentamente y estos cambios no necesariamente son percibidos claramente por el oyente. Posteriormente, el concepto se utilizó en diferentes tipos de música, como la música ambiental, la música new age y la música electrónica. La década de 1960 también fue un período en el que estas ideas de vanguardia fueron absorbidas por la música rock. A finales de la década de 1960, las ideas de vanguardia en los campos de la tecnología electrónica, los psicodélicos y el neoclasicismo habían enriquecido enormemente la música rock. ", el art rock comenzó a prestar atención al sentido del espacio auditivo. Muchas de sus obras eran discursos de improvisación puramente instrumentales con un sentido del espacio. El rock también comenzó a tener su propio género musical de vanguardia: el rock progresivo. Personas y fanáticos de la música acuñó los términos "Spacerock" y "Cosmicrock" para describir aquellos grupos con un fuerte sentido del espacio en el rock progresivo. Esta música más tarde se conoció como spacemusic. Existió antes de la música ambiental y se desarrolló en paralelo con la música amient. mencionaremos más adelante).
Cuando se trata de música electrónica, un grupo que hay que mencionar es Power Plant Band.
Su lugar en la historia de la música electrónica no necesita explicación. "La electrónica trasciende países y colores de piel... Con la música electrónica todo es posible. El único límite es el propio compositor", así lo dijeron en una entrevista. "Cuando se trata de sintetizadores hoy en día, muchas personas pueden no estar de acuerdo, pero en una era en la que las guitarras son populares en todo el mundo, su uso de sintetizadores es sin duda revolucionario. La Power Plant Band tiene una visión de la urbanización, la tecnología y el posindustrial. Sus ideas de futuroismo y los sonidos del futuro que crearon tuvieron un profundo impacto en las generaciones posteriores, especialmente en el pop sintetizador y en los músicos negros de Detroit, incluido el Ambient 70 años después, con la explosión de la música electrónica 24 Minutes of Highway de la Power Plant Band. A partir de ese momento, la música electrónica se utilizó como medio para producir música pop, y la música disco, una nueva forma de música dance, se hizo popular en el mundo occidental a partir de finales de los años 1970, al mismo tiempo que Brain. Eno comenzó a componer música ambiental. En 1978, Brian Eno publicó Ambience 1: Airport Music que era popular en ese momento, y este álbum no fue tomado en serio, e incluso fue criticado sin piedad. De hecho, todo el álbum puede calificarse de indiferente. Los oyentes que accidentalmente cambien sus cinco dólares por estas tonterías recibirán una patada en el trasero” (Ed Naha, en Circus Magazine. Con el tiempo, el álbum demostró que la publicación de "Ambient 1: Airport Music" también es reconocida como la mejor). inicio de la música ambiental De hecho, ya en 1972, Eno y Robert Fripp crearon el álbum No Pussyfooting, que fue el primer álbum lanzado por Braieno. Un álbum descrito como música ambiental. Pussyfooting en 1972 y Ambient 1: Music for Airports en 1978, encontrarás que aunque ambos pueden llamarse música ambiental, sus técnicas no. La diferencia puede estar relacionada con la incorporación de Robert Fripp al álbum en 1972, pero así es. Es innegable que las ideas creativas de Eno han cambiado en estos seis años.
En 1975, Eno acababa de sufrir un accidente automovilístico después de ser dado de alta del hospital y sin poder moverse, le pidió a su amiga Judy Nylo que lo ayudara. Tráele algo de música. Después de que ella se fue, Eno puso esta música de arpa del siglo XVIII en el altavoz porque la salida del amplificador estaba muy baja y un canal del altavoz no estaba disponible en absoluto. Estaba roto y no podía repararlo. él mismo, así que tuvo que conformarse con escuchar música con un sonido extremadamente bajo. Estaba lloviendo en ese momento, y el sonido de la lluvia incluso excedía la música en la habitación. Esta era la nueva forma de escuchar música de Eno: poner. música adentro. En el ambiente, el volumen extremadamente bajo hace que la música en sí sea imperceptible. La música, la experiencia visual (luz interior y color) y el sonido de la lluvia fuera de la ventana constituyen el ambiente en el que se encontraba en ese momento. que tuvo una gran influencia en sus ideas creativas posteriores. Sugirió que el volumen de la obra debería ser extremadamente bajo. La música que Eno quiere crear es el tipo de música que puede brindar al oyente espacio para la introspección y la imaginación. En sí misma no es lo principal. Al contrario, es necesario escucharla. El oyente no debe prestar demasiada atención a la música en sí. Este punto lo recalcó repetidamente en las páginas interiores de diferentes álbumes: “La música ambiental debe ser capaz. para adaptarse a múltiples niveles de audición, en lugar de ser forzado en un nivel específico; debe ser ignorado al escuchar "(Album Environment 1978 0). "Mi música está en algún lugar entre la melodía y la textura del sonido. debería haber un vago retorno a la audición, en lugar de una necesidad directa de escuchar" (Neroli, álbum 1993)
La explicación de Eno sobre la música ambiental - una forma de música que a menudo se utiliza como fondo en lugar de requerir una experiencia subjetiva. sentimientos - es exactamente el mismo que el concepto de Satie mencionado anteriormente, pero desde Eno, se ha vuelto más ampliamente aceptado, por ejemplo, se pidió que "Buried Dreams" de David Toop y Max Eastly se escuchara en forma apenas audible. un volumen visible. Este concepto desafía la vieja idea de aislar la música de la naturaleza/medio ambiente.
De manera similar, en algunos arte multimedia con características ambientales, la persona que está dentro no necesita centrarse en los sentimientos, sino que enfatiza su experiencia de todo el entorno, lo que significa que estar ahí es lo más importante.
De hecho, Klaus Schulz y Eno tuvieron influencias igualmente importantes en la formación general de la estética ambiental. A diferencia de Eno, su experiencia en la música clásica europea es más profunda que la de Eno. Sin embargo, sus primeros trabajos prestaron demasiada atención a la textura del sonido y fueron criticados por mucha gente. Más tarde, Schulz se centró cada vez más en el dominio técnico y en cómo integrar mejor su trabajo con el contexto escénico. Su excelente uso de sonidos electrónicos y composiciones altamente conceptuales sirven como un buen ejemplo tanto para la música electrónica como para la música académica.
Cabe mencionar que en la misma era de Eno, el movimiento musical industrial, que utilizaba el ruido como medio, adoptó tácticas de choque y apuntó al antiarte, la antimúsica y el anticontrol. , también se lanzó en el Reino Unido y Alemania. Después de varios años de desarrollo, el rock progresivo y la psicodelia británicos también se han alejado del modelo tradicional de banda de rock y de la forma musical de 3 minutos. Las tres tendencias provienen de las escuelas de arte británicas de los años 1960 y 1970.
Por supuesto, la música ambiental no sólo se originó en el Reino Unido, también hay muchas combinaciones de Spacerock/música espacial que se desarrollaron simultáneamente con la música ambiental en Alemania, Estados Unidos y Canadá. El concepto habitual de espacio está asociado con el espacio exterior (algunas obras son así), pero esta música se refiere al espacio que se escucha en ese momento, así como al "espacio interior" del oyente. Este tipo de concierto involucra las emociones subconscientes de muchos espectadores, lo cual es muy diferente de la descripción original del entorno de Eno: Spacemusic se ubica entre la "música de primer plano" y la "música de fondo", confundiendo el concepto original de música ambiental con la música de fondo. vida diaria. Por supuesto, desde la perspectiva actual, la música espacial es una extensión de la música ambiental original.
En esta época, los compositores minimalistas estadounidenses comenzaron a coleccionar música más exótica, como extraer elementos musicales del Raja indio (algunas melodías tradicionales con intervalos, ritmos y sonidos decorativos únicos, etc.). ), experimentó con sistemas modales y utilizó sinfonías electrónicas para crear música meditativa adecuada a la época.
Con el desarrollo de la música ambiental y la madurez de la música con características similares en ese momento (como la música espacial y la música minimalista), ha habido opiniones entre críticos y entusiastas de la música de que la música ambiental debería considerarse como una especie de escucha. Discusión de métodos musicales o modos compositivos. Algunos aficionados a la música propusieron la idea de un "ritual auditivo", creyendo que el Ambient, como tipo de música que cambia el estado de conciencia, tiene la capacidad de comunicarse visualmente. Por supuesto, la discusión también se desarrolla al nivel de los modelos compositivos. Estas discusiones por sí solas ilustran que la música ambiental y los conceptos detrás de ella están comenzando a ser más aceptados.
Eno no fue el primero en explorar el concepto de música ambiental; en lo profundo de la historia, puede que no haya sido la primera vez que llamó a esta música música Ambiet. Puede que su contribución a la música ambiental no resida en su creación, sino en el impacto de sus obras en las generaciones posteriores. En 1983, House nació en la música de los Warehouse Club de Chicago; en 1985, Juan Atkin, nativo de Detroit, lanzó su primer álbum de techno "No UFOs". El acid house se hizo popular en el Reino Unido a finales de los años 1980. Alex Paterson es el ex director de gira de Killing Joke. Trabajó en la industria hotelera del Reino Unido durante muchos años y fue contratado por Paul Oakenfold como DJ en Paradise Club. Toca música para que los bailarines cansados se relajen en la fría sala del segundo piso del salón de baile. El Ambient House nació de las obras de la serie Ambient de Eno y Tangerine Dream, que tocó con frecuencia en la década de 1970, mezcladas con el ritmo del house que flotaba en la pista de baile de la planta baja. A diferencia de la música house dance de la época, era música electrónica creada para los oídos, no para mover el cuerpo.
Alex Patterson y Jimmy Courtey***, miembro del grupo de rap escocés JAMS, formaron Orb, pero se disolvieron menos de un año después del lanzamiento de su primer álbum. Más tarde, Jimmy Cauty y Bill Drummond formaron el KLF. Tanto Esfera como el KLF fueron pioneros de la familia Amnient en ese momento. Hasta ahora, la música electrónica apta para sentarse y escuchar se ha convertido en una rama de la música electrónica.
B12 es uno de los pocos dúos londinenses que hereda el manto de la estética Tchno de Detroit. Junto con los grupos estadounidenses AphexTwin, The Black Dog, Higher Intelligence Agency y Noruega's Biosphere, transformaron el techno contundente en techno ambiental con timbres transparentes, melodías menores y samples extraños.
Otros músicos importantes incluyen a los maestros de remezclas Morris (Irritable Power) y Pete Namluk y artistas de su sello Fax Records.
Después de la década de 1990, la integración de elementos de danza cambió el significado de la música ambiental. La música ambiental en este momento se refiere principalmente a música electrónica con un tempo ligeramente más lento pero melodías/temas etéreos y psicodélicos y muestras diversas (en su mayoría sonidos naturales). Su propósito ya no es hacerte ignorar la música en sí. Muchas veces, involuntariamente moverás tu cuerpo cuando estás relajado. Esto es muy diferente de la atmósfera sin ritmo del pasado.
Desde 1994 hasta finales de la década de 1990, el lanzamiento de las obras londinenses "lifeforms", "ISDN" y "Dead City" Future Sound fue un símbolo importante de la rápida hibridación de la electrónica experimental europea en el post. -era rave.
La estrecha relación entre icehouse y la cultura de la música rave es de gran importancia para la música. Al tomar prestados elementos del acid house y el techno, comenzaron a circular términos híbridos como ambient house, ambient techno y ambient dub.
Hacia el año 2000, el Chill out empezó a abarcar bastantes tipos diferentes de música del distrito financiero de Downton, desde las playas de Ibiza y los bares informales de Berlín hasta grandes fiestas al aire libre por todas partes. Es innegable que el Chill Out, al igual que el New Age en aquel entonces, puede convertirse fácilmente en un truco comercial insidioso. También es cierto que las grandes marcas acuden en masa para lanzar este tipo de discos juntos, pero lo importante es que la música ambiental se ha transformado a través del mestizaje y la hibridación. El gen se ha extendido a otros tipos de música y su nombre puede no ser tan importante en este momento.