YBa (Youth British Art), conocido por su estilo vanguardista y moderno, logró un éxito asombroso en la década de 1990. Cuando mencionas a yBa, ¿te recuerda a Dami? ¿Damien Hirst y su taxidermia, Rachel? "El llenado y la configuración del espacio" de Rachel Whiteread, Chris? La virgen negra excesiva y su estiércol de elefante. La "Exposición de Percepción" celebrada en la Royal Academy de Londres y en el Museo de Brooklyn de Nueva York durante 1997 no sólo causó controversia, sino que también aumentó la popularidad de yBa y confirmó el estilo típico de yBa: temas simples como el sexo, la muerte, la religión y un Actitud cínica, estética popular de vulgar a sublime, en definitiva, un estilo fuerte que enfatiza la experiencia de vida perceptiva de la sociedad de consumo.
En 2003, ¿Dami? Hirst realiza su primera exposición individual "Romance in an Age of Impermanence" en WhiteCube, la galería privada más de moda de Londres. La primera obra que ingresa a la galería es “El hijo pródigo”, un ternero partido por la mitad, sumergido en una de sus famosas cajas de cristal. Hearst, que decía ser cristiano, dijo una vez que todos los animales empapados en líquido Vermalin simbolizaban la crucifixión de Cristo. Las paredes y el aire de la galería estaban llenos de olor a sangre. ¿Ver una exposición como esta te recuerda a Woody? Allen dijo la famosa frase: "Parece que estás llevando la sombra de la muerte a través del valle". La sala principal tiene vitrinas que representan a los 12 apóstoles y a Cristo incrustadas en la pared. Frente a cada apóstol se colocó una pequeña caja de vidrio llena de líquido Vermalin empapado en cabezas de vaca desolladas y picadas. 12 armarios de cocina llenos de diferentes cristalerías, calaveras y cruces para experimentos científicos. Lo que es aún más emocionante son las manchas de sangre (sangre de venado) esparcidas por el suelo. Hay 12 vitrinas monumentales de acero y vidrio contra la pared de la habitación, que representan a los 12 discípulos sacrificados y los diversos extremos de crueldad que sufrieron. Cada vitrina está bajo la atenta mirada de una cabeza de vaca cortada. Mueble de cocina de mal aspecto que representa a San Bartolomé desollado y sacrificado. La cabeza del toro que mira hacia Judá es negra, está de espaldas al pueblo y tiene los ojos vendados. Un tubo de plástico se deslizó de la vitrina, simbolizando las entrañas desmembradas de Judas, con la sangre de Judas goteando hasta el suelo. Al contrario, la escena de la Ascensión de Cristo es pura e inocente, sin sangre alguna. Las puertas de cristal abiertas, los estantes de cristal brillante y las palomas de cristal voladoras simbolizan el camino del Espíritu Santo al cielo. La vitrina al frente de la galería está vacía, al igual que la caja de vidrio al frente. Contiene únicamente vimarina, que simboliza la pureza de la fe o la ausencia de fe.
Dos grandes relieves, "Rapto" y "Consagración", se encuentran frente a los apóstoles. Mariposas brillantes y vidrieras simbolizan la gloria de la Iglesia Católica. El miedo y la crueldad del mundo reflejados en el destino de los apóstoles formaron un enorme contraste con las magníficas imágenes de la gloria de Dios en la iglesia. En la galería de arriba hay más pinturas de cabezas de vaca y manchas blancas, pastillas y especímenes geográficos, pinturas monocromáticas con moscas muertas y cabezas de vaca con fragmentos de vidrio. Dos cabezas de toro atravesadas por espejos de cristal rotos crean un caleidoscopio de luz refractada. Representan a Adán y Eva, los antepasados humanos que fueron expulsados del Jardín del Edén por Dios. Esta obra sobre la tentación y el castigo parece simbolizar la fuente de la introspección humana. De la pared cuelga un óleo negro de la serie 13 Cáncer, pintado con resina transparente de color ámbar. Cada imagen lleva el nombre de una enfermedad mortal en la historia de la humanidad: lepra, viruela, sífilis, cáncer, SIDA y más. Parece decirnos que la vida no sólo es corta, sino también fatal en cada momento.
Fuera de la galería hay obras igualmente impresionantes. Esta enorme escultura de 22 pies de altura se llama Caridad. Se basa en una caja de caridad inspirada en las iglesias cristianas occidentales tradicionales para jóvenes discapacitados. Esta versión de la década de 1950 de una caja benéfica presenta como modelo a una niña con una pierna discapacitada. Sin embargo, lo que no esperaba era que esta pobre niña discapacitada se convirtiera en blanco de robo. La caja de caridad que sostenía fue abierta, solo unas pocas monedas estaban esparcidas por el suelo y la barra de hierro utilizada en el crimen fue arrojada a sus pies. Esta obra de estilo pop es una gran sátira de la era material secular: el espíritu cristiano de tolerancia, fraternidad y ayuda a los demás ha sido robado durante mucho tiempo, y la caja de caridad de la iglesia se ha convertido en una etiqueta falsa para que la iglesia promueva estándares morales. Ante una exposición como ésta, es difícil adivinar qué estaba pensando Hirst. Algunos dicen que habla muy en serio, otros dicen que está bromeando, otros dicen que crea conmoción por el simple hecho de conmocionar.
Esta exposición cargada de emociones satisface la curiosidad de la gente sobre el miedo, el misterio y la moda, atrayendo a muchas audiencias. También es un gran homenaje a Francis, el maestro del arte moderno británico, y una conmemoración eufemística del estilo artístico violento de Bacon. El "Guardian" británico comentó que cada obra es muy "ruidosa" y no "morirá ni desaparecerá".
Estilo neogótico
En 1992, Hirst expuso su famosa obra "La imposibilidad de la muerte física en la mente viva" en la Galería Saatchi (1991). Un tiburón tigre de 14 pies de largo, lo suficientemente grande como para tragarse a un humano, fue empapado en una solución de formalina incolora e inodoro. Su cuerpo recto y aerodinámico es fuerte y poderoso, sus ojos aún están alerta y su boca ligeramente abierta revela dos hileras de dientes afilados, que son tan crueles y aterradores como cuando estaba vivo. El tiburón tigre de Hirst recuerda al gran tiburón blanco devorador de hombres de las películas de terror de Hollywood de Spielberg. Todos simbolizan el poder de la muerte, la crueldad y la destrucción. En los "Orígenes" de la Biblia, Dios le dio al hombre el privilegio de cazar todos los seres vivos. Sin embargo, el tiburón de Hearst ha sacudido el sistema de creencias y valores más fundamental basado en la religión en Occidente, haciendo que la gente sienta que los humanos no somos sólo cazadores, sino también presas, y que somos sólo un eslabón en la interminable cadena alimentaria de la naturaleza.
Experimento científico vs arte experimental
Dami. Hirst es conocido desde hace mucho tiempo por sus animales empapados en formalina, y sus medios de exhibición comunes eran gabinetes médicos y cajas de vidrio. Al igual que las obras de muchos otros artistas de YBa, sus experimentos científicos están estrechamente relacionados con la historia del desarrollo del arte visual británico, además de con artistas de la corte extranjeros y Fan? Aparte de Dyck y Rubens, la contribución de Gran Bretaña a las artes visuales mundiales comenzó principalmente con la invención de Newton en 1704. La serie del espectro de siete colores de Newton tuvo una influencia de mayor alcance que la de cualquier otro artista británico de la época. La "Teoría de la pintura" publicada en Inglaterra en 1740 exigía que todos los paisajistas británicos estudiaran sistemáticamente a Newton: "Las leyes de la luz y del color, propiamente hablando, pueden producir los diversos fenómenos del mundo visible y pueden proporcionar un disfrute infinito y placentero. "Tratar el arte con un espíritu científico promovió la tradición paisajística británica representada por Turner y Constable, y creó el impresionismo en el siglo XIX.
A principios del siglo XIX, el mundo de la pintura británica estaba dominado por las pinturas de paisajes. Constable y Turner eran extremadamente agudos observadores de la naturaleza. Las observaciones y registros de las nubes de Constable fueron tan meticulosos como un experimento científico. En el reverso de un cuadro de nubes escribió: "Hammerstead. 2 de septiembre de 1821". De 10 a 11 de la mañana, despejado: nubes grises plateadas que cubrían el bochornoso suelo, viento del suroeste, despejado durante el día. Llovió. por la noche. Constable fue un naturalista y poeta. Sentía un gran cariño por los arbustos, los ríos, los caballos, los caminos y los pajares de su ciudad natal. ¿Uno de los libros favoritos de Constable era Gilbert? Historia natural de Salboni de Gilbert White, escrita en 1813. Elogió a White por "expresar su sincero amor por la naturaleza con una observación clara y detallada", que incorporó a sus imágenes poéticas. Turner fue otro poeta que celebró la naturaleza. Descubrió el salvaje e increíble poder de la naturaleza. Su búsqueda de las fuerzas sublimes y salvajes de la naturaleza es como el elogio de la tormenta que hace el poeta Byron: "Déjame ser parte de tu violencia y éxtasis, déjame ser parte de ti". Turner es el arte más importante de la historia británica. ¿Crítico, John? Ruskin elogió esto. Ruskin creía que Turner no era sólo un observador de la superficie de la naturaleza, sino un científico, analista y filósofo que podía revelar el poder sublime de las montañas y los mares. Su obra trasciende a todas las demás, no sólo porque es bella, sino también porque es verdadera.
La ciencia de Newton no sólo influyó en la pintura de paisajes, sino que también creó una atmósfera cultural de observación en profundidad. Del 18 al 19, la observación científica se convirtió en un concepto común en el Reino Unido. ¿José de Derby en exhibición en la Galería Nacional? La influencia de las ideas científicas en la cultura visual está mejor documentada en El experimento con un pájaro en la bomba, pintado en 1769 por Joseph Wright de Derby. Esta pintura registra una horrible escena de experimento científico al estilo Frankenstein: un científico está demostrando el principio de una bomba de aire, un loro se está asfixiando lentamente en una caja de vidrio que drena gradualmente el aire y la niña que mira desde un lado está triste. y no podía soportar mirar más. Escenas así demuestran verdaderamente la crueldad que se esconde tras la sombra de la ciencia y la racionalidad.
Los maestros de la historia del arte europeo son inseparables de la comprensión detallada de la estructura del cuerpo humano obtenida a través de la anatomía médica. ¿Papá? Finch participó personalmente en experimentos de anatomía y dibujó una gran cantidad de bocetos del cuerpo humano. Sus esculturas del útero femenino son inolvidables.
¿Papá? En ese momento, Finch dudaba de cuántas personas tendrían el coraje de diseccionar un cuerpo humano como lo hizo él. Puede que haya mucha gente a la que le guste el arte corporal, pero ¿cuántas personas están dispuestas a pasar una noche con esos aterradores cadáveres desollados?
¿Universidad de Xiang? Al igual que Finch, la curiosidad del artista británico del siglo XVIII por la naturaleza también se manifestó en la anatomía. George, ¿el pintor de animales más famoso de la historia de la pintura británica? Las fotografías de carreras de caballos de Stubbs cuelgan junto a los experimentos científicos de performance de White en la Galería Nacional de Londres, lo que también muestra su persistencia y pasión por el estudio de la naturaleza. Stubbs pintó jirafas de caja de caballos y leones. Sus pinturas capturan el amor británico por la caza y las carreras de caballos en los siglos XVIII y XIX. Mientras tanto, el conocimiento de Stubbs sobre los caballos lo adquirió mediante la disección. Era bueno dibujando caballos porque tenía un conocimiento detallado de su estructura interna. En 1766, Stubbs publicó Anatomía del caballo. Sus descripciones precisas y detalladas de la anatomía del caballo tienen el mismo estatus en la historia natural y en la historia del arte.
La disección de caballos es solo una parte de la cultura británica de observación de la naturaleza. El entusiasmo del pueblo británico por la observación natural finalmente dio origen a la teoría de la evolución de Darwin, que tuvo un enorme impacto en la civilización mundial. La curiosidad de Darwin por varios animales, especialmente su afición por criar palomas, jugó un papel crucial en su descubrimiento e interpretación de la teoría de la supervivencia del más apto.
Cuando Constable pintó el cielo; cuando Darwin publicó "El origen de las especies", el arte y la ciencia disfrutaron de una experiencia basada en el optimismo: el conocimiento enriquece el mundo y hace más feliz la vida humana. Desde el siglo XX, el conocimiento se ha vuelto aterrador. El desarrollo de la ciencia y la tecnología no ha eliminado las enfermedades físicas y mentales humanas, y la prosperidad económica no ha traído la paz global. Los horrores previos a la modernidad (muerte, enfermedad, miedo al fin del mundo y dudas sobre la realidad) reaparecen en el arte, pero lo que permanece sin cambios es el espíritu de exploración científica en la historia del arte, y los artistas continúan cuestionando con el espíritu del experimento científico. vida real.
¿La marca de yBa? ¿El genetista John producido por MarcQuinn? Al igual que Lord Salston, el ADN clonado de Salston se cultivó en bacterias. De esta manera, desafió la lógica simple de la evolución y la unión del arte y la ciencia desde el Renacimiento. Nominado al Premio Turner 1995, ¿Mark? de yBa. En 1994, Mark Wallinger revisó el estilo pictórico de Stubbs y el tema de las carreras de caballos. Desde la perspectiva de la sociología y la cultura visual, Wallinger le da a este tema un significado contemporáneo. El caballo simboliza la libertad y la belleza salvaje, simboliza la fuerza masculina. El psicoanálisis de Freud alguna vez consideró a este animal como un símbolo sexual masculino; el caballo también simboliza el privilegio masculino y la jerarquía social. La identificación de un caballo siempre ha estado relacionada con la naturaleza de su nacimiento. En inglés, la palabra carrera tiene el doble significado de carrera y carrera. La caza a caballo seguía siendo un privilegio reservado únicamente a la familia real británica. ¿Sobre el uso de la magia, psicólogo Bruno? Baertl Hamm explica la pasión de muchas chicas por la equitación en términos de vocabulario sexual: "Al controlar a este poderoso animal, ella puede sentir su poder sobre el macho o su instinto sexual interno. Las carreras de caballos La equitación y las carreras de caballos eran originalmente un placer". para la familia real británica y la clase privilegiada. ¿En la reunión de carreras de caballos de 1913, Emily? Para luchar por el derecho de las mujeres a participar en política, Emily Davidson detuvo la montura del rey a costa de su vida, lo que mostró la mayor resistencia de los grupos vulnerables representados por las mujeres en la sociedad moderna. Hoy en día, las carreras de caballos ya no son privilegio de la nobleza y se han convertido en la forma más popular de juego, pero la clase alta con riqueza, estatus y poder todavía disfruta de privilegios en este juego. Al igual que otras industrias del juego, las carreras de caballos todavía están monopolizadas por el gran capital, lo que muestra claramente las transacciones monetarias en la sociedad capitalista, y la relación metafórica entre esta transacción y el mercado del arte es evidente. El propio Wallinger compró un caballo de carreras al que llamó True Art. Los caballos en sus obras parecen dóciles, pero sus posturas poderosas simbolizan el potencial explosivo y reproductivo del macho. Con títulos como raza, género y clase, las obras de Wallinger critican poderosamente "la representación de la política" y "la representación de la política" en el arte
"Apocalipsis" (también conocido como Infierno, 1999- Escenas de 2000), un grupo de pequeñas esculturas de los hermanos Dinos y Jack Chapman, parecen ser una combinación de historia natural y pintura paisajística británica contemporánea, con maquetas de ferrocarriles y escenas de erupciones volcánicas que recuerdan a las pinturas de Turner. Hay una sensación única de sublimidad y extrañeza en el arte británico, y lo que emerge de un volcán es un grupo de muñecos tristes vestidos con uniformes nazis.
Fueron torturados o maltratados en ambientes absurdos, y algunos mostraban características de mutaciones genéticas. Fueron encerrados en un ambiente tan cruel como el infierno y sufrieron torturas y dolores sin fin. Hay más de 5.000 grupos de esculturas en miniatura en 9 plataformas con símbolos nazis. El Libro del Apocalipsis no es sólo otra versión de la denuncia del Holocausto nazi, los hermanos Chapman también hacen referencia a muchas imágenes clásicas de la historia cristiana como metáforas, como las estampas de Goya y Kahlo, especialmente el manierismo y el arte barroco, expresiones que representa la escena. la doctrina del sacrificio cristiano para ilustrar el tema del desastre humano. Estas escenas de erupciones volcánicas simbolizan el origen y el fin del mundo, satirizando el modelo de pensamiento lineal de la teoría de la supervivencia del más fuerte de Darwin.
Tracy. La cama de Tracy Emin simplemente es una prueba de la presencia física del artista. Hay huellas de ella durmiendo en esta cama: ropa ajustada, botellas de agua vacías, manchas... todo tipo de huellas personales que nunca han sido atendidas. Esta es una exposición de la experiencia de vida de la artista, y sus sentimientos están completamente ocultos detrás de las huellas materiales. El artista enfatiza la experiencia práctica que es tangible y tangible, en lugar de un vago "idealismo". El público puede sacar sus propias conclusiones sobre tales obras. Ésta es también la característica más importante del arte británico desde finales de los años 1980: el uso de experimentos empíricos para combatir las ideas vacías y los dogmas del posmodernismo. ¿Un ejemplo importante de experiencia es Richard? La instalación creada por Richard Wilson en 1988 es 20:50. El artista transformó toda la habitación en un confuso tanque de petróleo. Esta es la mejor prueba de la percepción humana y un testimonio de una gran experiencia práctica. Esta obra apareció el mismo año que la exposición "Frozen" de yBa comisariada por Hirst y reflejó una nueva tendencia: el arte se volvió tangible y más realista, y la estética pura y los conceptos puros en el arte ya no eran confiables.
Dami. El trabajo de Hirst siempre ha demostrado claramente su actitud hacia el arte experimental. Insistió en que el valor de la anatomía debe verse desde adentro hacia afuera, como en su obra "Separated Mother and Child" (1995), ganadora del Premio Turner. Su "Himno" (2000) muestra directamente un modelo anatómico del cuerpo humano de 6 metros de altura (Figura 7). Dami. Hirst es mejor conocido por mostrar animales empapados en soluciones de vimarina, y su trabajo demuestra la naturaleza efímera de los seres vivos. Su obra "Out of Love" (1991) muestra la corta vida de una mariposa desde que nace hasta que muere. La instalación de 1990, que tardó mil años en construirse, consistía en una cabeza de vaca podrida, solución de azúcar, gusanos y pesticidas. En una caja de cristal, puedes ver cómo los gusanos dentro de la cabeza de una vaca se transforman en moscas. Sin embargo, estas moscas mueren sin exposición al aire exterior. Si "mil años" es un microcosmos de la historia humana o de la historia natural, entonces su metáfora es pesimista y todo termina antes de comenzar. En esta sombría realidad, Hirst combina la historia natural con la desaparición de la sociedad comercial.
En la reciente exposición de Hirst, mariposas muertas revolotean por la pantalla, como si el artista, queriendo captar la belleza de la naturaleza, tuviera que matar a su amada, como se hace en el cuadro de Wright Los científicos que experimentan; del paseo en carro de Constable, un niño pescando entre los juncos; o la niña persiguiendo una mariposa en el cuadro de Thomas Gainsborough. La naturaleza que admiran está muerta, pero gracias a los experimentos del arte y la ciencia, y a la búsqueda interminable de la verdad por parte de la humanidad, la naturaleza se ha vuelto inmortal.
¿Tiene el arte un fundamento moral?
En la historia del arte occidental existen multitud de obras con temática religiosa. Para celebrar el fervor religioso, la Iglesia católica a menudo enfatiza deliberadamente las escenas de crucifixión de Cristo y los apóstoles. Desde el Renacimiento hasta el apogeo del Barroco, estamos bañados en sangrientos relatos de representaciones católicas. Para alguien que nunca ha estado expuesto al catolicismo, la imagen central del catolicismo: el Cristo sangriento crucificado en la cruz con una corona de espinas, es una escena sangrienta, violenta e impactante. Las escenas sangrientas del arte religioso europeo reflejan la tradición de la "cultura oscura". En la historia del arte europeo, el origen de la cultura negra se remonta a la tragedia griega y los sacrificios de las tribus primitivas. Esto se ha visto a lo largo de la historia del arte, especialmente reflejado en la influencia de Blake, Bosch, Bruegel, Goya y el surrealismo. . La herencia de la estética absurda. El tema de la cultura negra también se refleja en obras maestras de la literatura británica, como los poemas religiosos de Donne, "Lycidas" de Milton, "Hyperion" de Shelley y "Memorandum" de Tyson, todos los cuales se analizan a través de El aterrador tema de la muerte contrasta y amplía la dimensión humana. deseo de amor y belleza. Dami.
"La muerte imposible" (1991) de Hirst tiene las características del humor negro británico, con un tiburón devorador de hombres en una caja de cristal. Los hermanos Chapman de yBa incluso hicieron referencia directa a las imágenes artísticas de Goya. Su obra Gran contra los muertos (1994) reproduce las horribles escenas registradas en el grabado de Goya del siglo XIX "El desastre de la guerra". Ampliaron una de las 83 escenas (dos soldados con extremidades cortadas colgando de un árbol) a modelos de plástico de tamaño natural.
Goya fue un artista español del siglo XIX con muchos temas violentos en sus obras. Su vida atravesó la época más convulsa de la historia de España. En su famosa "La masacre del 3 de mayo de 1808", registró las horribles escenas de la masacre en España por las tropas invasoras de Napoleón. Goya abogó por la Ilustración y apoyó la Revolución Francesa. En su temprana rapsodia en cobre, expuso y ridiculizó profundamente la decadencia del gobierno feudal español y la mala naturaleza de la tradición nacional de esa época. Sin embargo, cuando el ejército francés, que representaba la civilización avanzada del mundo en ese momento, invadió su atrasada patria, Goya vio el horror de la revolución violenta y la oscuridad bajo el aura del racionalismo en las atrocidades de los invasores. En su serie de grabados, Los desastres de la guerra, representa repetidamente escenas horribles para oponerse a los valores autoritarios. Oponerse a la simplificación y conceptualización de las ideas de progreso y desarrollo defendidas por la Ilustración; oponerse a hacer la guerra en nombre de la razón y la justicia. Goya creó imágenes aún más horribles en sus últimos años. La serie de obras llamadas "Pinturas Negras" que colgó en la pared de su casa son las obras más impactantes y horribles de la historia del arte occidental. Entre ellas, "Saturgar" incluso representa una escena de canibalismo. Los fenómenos artísticos horribles y extraños son a menudo reflejos del absurdo y violento mundo real. Goya creó impactantes pinturas violentas no para conmocionar y conmocionar, sino para resistir la guerra y la violencia reales en la vida real y exponer las terribles tendencias violentas de la naturaleza humana. En el mundo actual, donde están reapareciendo las políticas de poder y la guerra, se ha explorado más a fondo la naturaleza ideológica del arte de Goya. Su "Pintura Negra" y John? La canción pacifista de Lennon de hace 70 años ha vuelto a recibir la atención y el reconocimiento de la gente y es citada constantemente por artistas contemporáneos.
Al mismo tiempo que la exposición “Perception” de yBa, tuvo lugar en Londres un evento artístico que conmocionó aún más al público: se trataba del escándalo del arte del cadáver creado por el artista británico Anthony Noel Kelly. En la Feria de Arte Contemporáneo de Londres de 1997, pintó una serie de moldes plateados de cadáveres y los clavó en la pared. Los cuerpos que Kelly utiliza en su arte provienen del Royal College of Surgeons de Londres. Sobornó a técnicos del laboratorio para que contrabandearan el torso, la cabeza, los muslos y otras partes de un cadáver para hacer modelos. El artista explica que su propósito al crear cadáveres es cuestionar las nociones de belleza y fealdad en una sociedad materialista, y cuestionar la fragilidad, la privacidad y el voyeurismo del cuerpo humano.
¿Existe alguna diferencia entre el arte de vanguardia que crea shock y el comportamiento que apunta a shock? ¿Tiene el arte de vanguardia un fundamento moral? ¿Cómo juzgar si pertenece a la categoría de arte? Éstas son preguntas difíciles de responder. Definir el fundamento moral del arte es complicado, pero cuando aclaramos el significado moral de una obra, no podemos ignorar algún significado social mínimo y normas morales. ¿Según el filósofo del arte Richard? Richard Derich explica que el arte debe cumplir al menos con dos principios:
Primero, esta creación artística debe ser una acción humana significativa. Por lo tanto, es diferente de una simple reacción natural (como temblar) o de un comportamiento fisiológico (como respirar), y necesita ser explicado y evaluado con razones hasta cierto punto. Podemos preguntarle al artista por qué hizo lo que hizo. Si la respuesta es "simplemente por shock, autopromoción, fama o estimulación emocional, entonces concluimos que este comportamiento cuestionable no tiene como objetivo crear arte (sincera o completamente) y no es lo que el arte debería buscar por encima de todo". sino buscar otras recompensas y efectos."
En segundo lugar, Aird Reich cree que "debido a que los temas presentados por el artista se centran en actitudes ideológicas y emocionales, son una exploración material imaginativa única, la creación de. una obra de arte como campo definido se basa en la integración de factores comunicativos y formales, donde los sorprendentes arreglos formales del artista interactúan con su actitud emocional y su intención temática”. Marcia Eaton tiene exactamente el mismo punto de vista. Ella cree: “La experiencia humana, incluida la experiencia de crear y participar en el arte, es inseparable de la moral, la estética, la religión, la política, etc.
La experiencia estética es única, pero eso no significa que pueda divorciarse del resto de la vida. ”
Estos son dos estándares muy simples y prácticos. Basándonos en este estándar, cuando miramos nuevamente el trabajo del artista Kelly, no es difícil encontrar que no puede considerarse una obra de arte. Aunque Kelly es un artista que espera romper los tabúes de los conceptos de la vida social humana en nombre del arte, después de todo, sus obras son comportamientos sociales e inevitablemente serán probados por la sociedad. No podemos mirarlos solo desde una perspectiva artística y no. Desde una perspectiva social, es imposible no considerar las normas sociales y los factores integrales relacionados. El trabajo de Kelly viola la ley y la ética más básica. Este trabajo ni siquiera está calificado para ningún juicio artístico. Los medios británicos también son bastante maduros en esto. Compararon a Kelly con los ladrones de tumbas victorianos y con los payasos sensacionales. La sentencia de nueve meses de Kelly por robar cadáveres no sólo no atrajo la atención del mundo del arte, sino que tampoco recibió ninguna discusión valiosa en los medios populares.
Aunque. Las obras de Hirst pueden parecer crueles y controvertidas, no tocan las normas legales e interpersonales y, por lo general, las exhibe en museos de historia natural anticuados. Se utilizan especímenes para exhibir sus obras. La cristalería que exhibe no es solo una ventana para ver. a través de las obras, pero también un obstáculo creado deliberadamente que atrae deliberadamente la atención del espectador y utiliza formas geométricas minimalistas, frías y estrictas para objetivar y racionalizar el tema interno, por un lado, brinda a las personas estimulación psicológica emocional y, por otro, Por otro lado, está en línea con la idea de Kant de oponerse a las grandes narrativas. Kant dijo una vez: Por pura razón práctica, la pasión es lo más importante, al igual que el cáncer, por lo general no hay cura para él, la sensibilidad. Es sólo una superficie, y el contenido interno es el concepto racionalista de Kant de búsqueda constante de la verdad.
En cuanto a Hirst, es difícil para nosotros concluir si Goya y los negros occidentales son grandes artistas. Pueden ser sensacionales, puede que no resistan la prueba del tiempo, pero de lo que podemos estar seguros es de la gran contribución de Goya a la historia del arte y la pasión cultural de los negros occidentales. El arte de vanguardia, como el sentido de la vida, la existencia de Dios y los límites de la muerte, a menudo de una manera más directa y poco convencional, estimula tus nervios, atrae tu atención y te obliga a pensar en temas que te interesan. Quizás nunca haya pensado y nunca quiera pensar en ello. De hecho, no importa cómo intervenga el arte en la vida, solo puede ser una ilusión en comparación con la vida real. Los artistas británicos contemporáneos intentan utilizar obras iconoclastas y métodos impactantes para exponer lo más profundo. violencia escondida en la economía monopolista, la política de poder, el rígido sistema artístico y la sociedad material bajo la bandera de la globalización
Publicado en "Literary Research" Número 6, 2006
Nota: <. /p>
1. Respecto a yba, consulte "YBa and the Post-avant-garde" de Shao Yiyang, Art Research, 2005, 1. p>
2.Damien Hirst, "Romance in the Age of Uncertainty". , 10 de septiembre al 19 de octubre de 2003, dirección: Whitepool, Londres, 48 Hoxton Squaren 16pb.
3. Adrian Thrall, The Troubled Paradis, The Guardian, martes 2 de marzo de 2004.
4.
5. Georgetown Bull, Ancient Paintings, 1740, A. Miller, Londres, reimpresión, Munich, W. Fink [1971], x.
6. Bruno Bettelheim, Los usos del encantamiento, Penguin Books, 1978, 56.
7. Ligardrich, Introducción a la Filosofía, Cambridge, Miller Publishing House, 2003, págs.
8. Igual que el anterior.
9. Marcia Don, "Moral y ética: estética y ética contemporáneas", editado por Michael Kelly. "Enciclopedia de teoría estética", Oxford University Press, volumen 3, páginas 282-285.
10. Véase la versión china de la "Crítica de la razón histórica" de Kant. Traducido por He Zhaowu, The Commercial Press, 1990, 11.