Ve a ver las películas de Alfred Hitchcock
Para muchas personas, el nombre “Hitchcock” ya no es sólo un nombre, sino que representa el espíritu de una técnica cinematográfica y se ha convertido en sinónimo de suspense. y thriller; y la famosa silueta de una cabeza de Hitchcock no es solo una simple silueta, también se ha convertido en el símbolo de este "espíritu de Hitchcock". Una intención totémica.
El director Hitchcock, el maestro del arte cinematográfico, no parece ser muy conocido en mi país. ¿Quizás has visto sus "Butterfly Dream", "Beauty Trap" y "Doctor Edward"? Se puede decir que es una omisión imperdonable hablar de cine sin conocer a Hitchcock. Ha sido clasificado como uno de los mayores creadores de cine del mundo. Lo que es más importante es que su arte no sólo no se ha visto empañado por el paso del tiempo, sino que se ha mantenido fresco con el tiempo, mostrando su eterno y gran poder.
Para Hitchcock, hacer películas es evitar que aparezcan cosas mediocres en la pantalla. Creó y perfeccionó el arte de crear suspenso, para que el público fuera de la pantalla pueda "sumergirse" y participar. trama, por lo que controla no solo la película, sino también la atención del público, lo que lo convierte en un maestro de las películas de entretenimiento que siempre pone al público en primer lugar, su profunda comprensión de la naturaleza humana y el estado psicológico y su excelente y concisa expresión visual en la pantalla subliman; sus películas en clásicos del arte únicos e inimitables; al mismo tiempo, ningún director ha dominado un determinado tipo de películas como lo hace en los thrillers, por lo que es bueno para "asustar" al público en la pantalla y con razón se llevó el título de "Maestro". del Terror".
Los padres de Hitchcock eran católicos devotos. La familia tenía una fuerte atmósfera religiosa y reglas familiares estrictas. Pero en un país cristiano como Gran Bretaña, los católicos son raros. Sus películas no son tanto un arte de crear suspenso como un canal para aliviar la ansiedad. Utiliza historias de aventuras que trascienden la vida cotidiana y emocionantes efectos cinematográficos para permitir que aquellos que sufren de culpa y ansiedad inexplicables ""Screen Adventure" olviden temporalmente la situación. dolor, y él mismo encuentra una sensación de seguridad en el arte que crea con todo su corazón.
Cuando Hitchcock estaba a punto de graduarse de la escuela secundaria, sus padres lo enviaron a una escuela que coincidía con su "elección", la "Escuela de Ingeniería y Navegación", donde el futuro director de cine estudió Cubriendo mecánica, electricidad. , acústica y navegación. Después de completar sus estudios, llegó el momento de ganarse la vida por su cuenta, por lo que Hitchcock, de 19 años, ingresó en la Henry Telegraph Company. En aquel momento era un experto en cables submarinos y se encargaba de la tasación técnica. Para aprender a dibujar, trabajó mientras estudiaba bellas artes en la Universidad de Londres. Durante este período, los teatros y cines se convirtieron en lugares que lo atraían, y las películas obviamente eran más atractivas. Le gustaban especialmente las películas americanas. Como resultado de sus estudios en la Universidad de Londres, fue transferido al departamento de servicios de publicidad para dedicarse al diseño gráfico (escribir descripciones de texto y hacer dibujos para anuncios). "La mayor ventaja de este trabajo es que me acercó a mí". películas", dijo en una entrevista con un periodista. Poco después ingresó a la industria cinematográfica, donde encontró trabajo escribiendo y diseñando subtítulos. En aquella época todas eran películas mudas y había que añadir diálogos o subtítulos narrativos entre planos. "Mi trabajo consistía en escribir frases sencillas en cartulina y unirlas con imágenes sencillas. Lo más interesante es si los actores realmente actúan". Era tan malo que daba risa, por lo que Hitchcock lo combinó con un diálogo cómico, lo cual fue un gran éxito porque el público pensó que era una sátira. Su interés por el cine lo llevó a intentar escribir guiones y también trabajó como diseñador de arte y asistente de dirección, y a menudo le asignaban filmar algunas escenas menos importantes.
En 1922, se ofreció como voluntario y se convirtió en guionista por primera vez. La película se llamó "De mujer a mujer". El escenario es la Primera Guerra Mundial, en la que un oficial británico se enamora de una bailarina mientras está de permiso en París. Más tarde, regresó al frente y perdió la memoria en una batalla. Después de regresar a Inglaterra, se casó con una mujer de la alta sociedad. Pronto, la bailarina apareció frente al oficial con su hijo; la historia terminó con la muerte de la bailarina. La importancia más importante de esta película es que presentó a Hitchcock a su primera novia, Alma, quien era la editora de la película. El joven católico de 23 años le confesó a la chica que "nunca había salido con una chica y nunca había tomado una copa de vino".
"Parece que la niña creyó lo que dijo. Cuatro años después, Alma se convirtió al catolicismo y se casó con él. Se convirtieron en compañeros de toda la vida. Pronto tuvieron su única hija, Pat.
La primera película dirigida por Hitchcock, de forma independiente, "Happy Garden" (1925), le hizo pasar por una serie de penurias, pero el resultado final no fue malo. Tras el estreno de la película, la opinión pública se mostró bastante optimista con el novato, llamándolo "un joven con. la mente de un maestro. "En ese momento, Hitchcock tomó oficialmente el timón de su barco cinematográfico y condujo todo el camino sin detenerse. En la segunda película, "El águila" (1926), Hitchcock pensó que "no era una buena toma", y en la siguiente, "El inquilino". " (1926) es una auténtica película hitchcockiana. La trama de "El inquilino" gira en torno a un hombre inocente sospechoso de ser el asesino de un asesinato en serie. Contiene algunos de los elementos más importantes de las obras de Hitchcock: una persona es injustamente acusado - que se convirtió en el tema de casi todas las películas posteriores de Hitchcock; la forma de crear suspenso para promover la narrativa; y lo más importante, todo esto se muestra maravillosamente en la pantalla a través de excelentes habilidades visuales en ese momento. Arte ingenuo, y fue en este punto que Hitchcock dijo que las posibilidades de expresión visual tenían mucho espacio para la exploración. De hecho, toda su vida ha consistido en mejorar continuamente el proceso visual del cine. Debido a que sus obras encarnan el verdadero significado del arte visual, todavía es digno de una cuidadosa apreciación por parte de los estudiosos posmodernos. Respecto a su creencia en las películas: "Siempre me ha inspirado el deseo de expresar mis ideas en una forma puramente visual. "El elemento esencial más divertido de sus películas es que siempre aparece en su trabajo, y "The Tenant" fue su primera aparición (como un tipo ocioso sentado en la oficina editorial). Casi se convirtió en" el símbolo de la "serie de Hitchcock". ", apareció en la pantalla en cada oportunidad en sus 56 películas posteriores. En "Butterfly Dream", esperaba junto a la cabina telefónica, y en "The Birds" tomaba ambas manos. Un cachorro salió de la tienda de mascotas. -----Lo mejor es que en "Lifeboat", toda la película se desarrolla en un barco, con un total de 9 supervivientes y ninguna persona irrelevante. ¿Qué tal si Squeeze quisiera interpretar a un cadáver flotante en la pantalla? el agua, pero tenía miedo de ahogarse. Un día, de repente tuvo una idea e inmediatamente implementó un estricto plan de pérdida de peso (Hitchcock había estado plagado de obesidad toda su vida, después de perder 100 libras, posó para fotos antes y). después de perder peso, y luego copió las fotos de los periódicos que los personajes de la obra leyeron como publicidad innecesaria de la bebida adelgazante "Ledogo". Hitchcock estaba muy preocupado por este movimiento. Estoy orgulloso: "El papel que interpreté fue. ¡un gran éxito! "De hecho, porque muchos espectadores escribieron y llamaron para preguntar sobre los detalles de esta "bebida". De hecho, el público no sólo se sintió atraído por el suspense que creaba, sino que también le gustó el ingenio y el humor que destilaban sus películas". " volvió a ganarse una reputación, considerada la mejor película británica de la época.
Con el fin de la era del cine mudo, Hitchcock rodó su primera película sonora "Chantaje" en 1929. La película sonora La era de la película apareció al principio es en realidad un arma de doble filo. Por un lado, aportó nuevos métodos de expresión a la película. Por otro lado, casi provocó los resultados visuales casi perfectos logrados en el cine mudo tardío. La película será abandonada. "Sonido" Además de hacer hablar a los personajes de la obra, está lejos de tener una función artística, sino que la película, que ya tiene un alto nivel artístico, ha vuelto a caer del punto de partida. y se enfrentó a la exploración de la composición formal (la combinación de sonido e imagen, y la funcionalidad del sonido). En resumen, lo que el "sonido" aportaba en ese momento era un estado 1 1 < 2. Esto le dio a Hitchcock otra oportunidad. una persona que estaba especialmente dispuesta a experimentar constantemente con nuevos métodos y técnicas en su propio campo. En su primer cine sonoro intentó integrar el sonido en todo el sistema de imágenes y asumir la función de expresar el estado psicológico y potenciar el efecto dramático. Por ejemplo, después de que la heroína mata con un cuchillo al pintor que quería violarla, regresa a casa y come con su vecina. Estaban discutiendo el caso de asesinato que acababan de transmitir y la niña no pudo escuchar más. Esta vez, la discusión se convirtió en un rugido, ruidoso y poco claro. Sólo la palabra "cuchillo" fue escuchada claramente por la niña, y la palabra siguió repitiéndose "cuchillo--" ---Cuchillo------" De repente, escuchó claramente la voz de su padre: "Alice, por favor pásame el cuchillo del pan.
"El cuchillo en la mano de Alice se veía exactamente igual que cuando mató al pintor. Las voces de los vecinos hablando sobre el asesinato continuaron------Esto parece nada ahora, pero la gente todavía no sabe cómo. La era de El uso creativo del sonido es sin duda un ejemplo de cómo el sonido y la imagen se complementan.
Hitchcock atravesó entonces un período de baja carrera, durante el cual filmó "La carrera de Elstridge (1930), "El asesino". (1930), "El engaño" (1931), "El extraño rico" (1932), "Número diecisiete" (1932), "Vals en Viena" (1933), etc. No es ideal por varias razones. Hitchcock está lleno de introspección y concluyó: "Después de este período de tiempo, aprendí a ser bueno criticándome a mí mismo y aprendí a dar un paso atrás para evaluar mi pasado. Crear es como mirarse a uno mismo a través de los ojos de los demás. Especialmente cuando se te ocurren nuevas ideas creativas, debes dejar que tu corazón experimente alegría. Si realmente sientes alegría con tus ideas, sucederán cosas buenas. "
"El hombre que sabía demasiado" de 1934 parece presagiar un punto de inflexión en la vida. No sólo llevó la carrera cinematográfica de Hitchcock a su período pico en el Reino Unido, sino también al cine en los Estados Unidos. Fue un gran éxito, lo que significó que Hitchcock ganara reputación internacional gracias a esta película, lo que le abrió la puerta para ser invitado a Hollywood, donde las condiciones de producción eran mejores, para comenzar otra vida con más logros artísticos. p>
"Los treinta y nueve pasos" (1935) es considerada la mejor película que rodó en el Reino Unido. Esta es una película de espías, y su mayor característica es también la más exitosa del director. De lo que está orgulloso es de la rápida y repentina transición entre escenas. La velocidad aquí crea tal efecto de visualización: el público está siempre en un estado de concentración y, si no se pone al día, siente que toda la película se mueve a la velocidad del rayo. Sin embargo, el suspense, uno tras otro, cautivó por completo a la audiencia. Hitchcock se comparó una vez con "un maestro pastelero que hace deliciosos pasteles", y sus "pasteles" son historias llenas de suspenso. La gente aprecia su famoso dicho: "Generalmente, las películas son rebanadas". de la vida, pero mis películas son todas rebanadas de pastel con relleno". "Porque cree firmemente: "El llamado drama son los acontecimientos de la vida que han eliminado esos fragmentos ordinarios y anodinos. "Por eso sus películas siempre son trepidantes. "La mujer desaparecida", terminada en 1938, también fue aclamada y ganó el "Premio de la Crítica de Cine de Nueva York" en los Estados Unidos antes que él.
Hitchcock, la última película que hizo dirigida en el Reino Unido fue "Jamaica Inn", que fue un éxito comercial inesperado aunque él mismo expresó su descontento con ella (quien fue el productor de "Lo que el viento se llevó", una de las películas más taquilleras de la historia del cine). un telegrama invitándolo a ir a Hollywood para hacer una gran película de Hollywood sobre el desastre del Titanic, Hitchcock anhelaba un trabajo en un estudio porque siempre creyó: "En lo que respecta al cine, sus métodos y técnicas para hacer películas son verdaderamente profesionales. y superan con creces a los de otros países." "Más tarde, cuando recordó sus creaciones en el Reino Unido y Estados Unidos, concluyó: "La creación en el Reino Unido fortaleció y desarrolló mi capacidad intuitiva, es decir, mi capacidad intuitiva de concepción, pero mi método de uso de técnicas y cámaras Ha sido lo mismo desde The Tenant. Así pues, mi primer período se puede resumir en una palabra como "sentimiento del cine"; mientras que el segundo período es "formación de conceptos". "Durante sus décadas en Hollywood, Hitchcock dio rienda suelta a sus dones y talentos como director profesional, dejando tras de sí muchas obras maestras.
Hitchcock se hizo famoso como productor. Selznick abandonó el plan original y recurrió a "Butterfly Dream". ". Esta película que se ha representado en nuestro país es similar a una historia de Cenicienta. A primera vista, no parece una película de Hitchcock. Para ser precisos, lo es. Un drama psicológico. Pero Hitchcock infiltró creativamente elementos de suspenso en puro Dramas psicológicos compuestos por enredos de personajes, que también agregaron un nuevo elemento a las películas posteriores de Hitchcock, es decir, el uso de materiales psicológicos para influir en la película para enriquecer y nutrir, pero el conflicto psicológico de "Butterfly Dream" lo proporciona el original. novedoso.
La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en 1940, pero este fue otorgado al productor Selznick. El Premio al Mejor Director del mismo año fue para John Ford por "Las uvas de la ira". Pero "Butterfly Dream" es muy popular entre el público y se considera un éxito lograr tales resultados dirigiéndose por primera vez en los Estados Unidos. A esto le siguió el thriller "El corresponsal" (1940). Hitchcock estaba muy orgulloso de la secuencia de acrobacias de la película: el avión se hundió en el mar y el piloto ya no podía levantarlo. Esto fue diseñado por el propio Hitchcock. Dijo: "Ningún artista de efectos especiales puede imaginar cómo se rodó". A Hitchcock siempre le gusta probar cosas nuevas en sus películas y resolver algunos problemas técnicos aparentemente difíciles, por lo que siempre hay efectos inesperados. la pantalla. En 1941, filmó la única comedia de su carrera cinematográfica, "Mr. and Mrs. Smith". Ese mismo año se estrenó "Mystery", protagonizada por Joan Fontaine, la heroína de "Butterfly Dream". Se trata de una esposa que sospecha que su marido va a envenenar su leche y asesinarla. La hermosa y emocionante toma de la película es cuando el héroe sube lentamente las escaleras llevando un vaso de leche en una bandeja. Hitchcock ilumina con fuerza el vaso de leche. Su originalidad es dejar que el foco brille sobre la leche en lugar de hacerlo. la copa, que es más brillante. Cuando el protagonista masculino se acerca, el público se concentra en el vaso de leche. Ésta es una de las formas que tiene Hitchcock de controlar la atención del público.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Hitchcock regresó a Inglaterra y realizó dos películas para el Ministerio de Inteligencia Nacional alabando la Resistencia francesa porque "siempre sintió que debía hacer todo lo posible para librar la guerra antifascista". No fue fácil cruzar el océano Atlántico hasta Inglaterra. Tomó un bombardero sin asiento y se sentó en el suelo de la cabina. Sin embargo, de repente se ordenó al avión que regresara a mitad de camino y Hitchcock partió de nuevo dos días después, lo que demuestra su sinceridad al hacer todo lo posible por el país. Su primera película después de la guerra fue "Doctor Edward", que se estrenó en mi país y fue protagonizada por las famosas estrellas de cine Ingrid Bergman y Gregory Peck. Hitchcock, con su perspicacia para captar las nuevas tendencias de pensamiento emergentes, tomó la iniciativa al introducir en su película el tema del análisis psicológico simplificado que causaría furor en las películas estadounidenses en el futuro. La película invirtió 1,5 millones de dólares y obtuvo ganancias más de 7 veces, lo que la convirtió en un gran éxito comercial. Hitchcock volvió a elegir a la entonces extremadamente popular estrella Ingrid Bergman para su próxima película, protagonizada por ella en "Beauty Trap". Esta es la obra más romántica y elegante de todas las películas de Hitchcock y, al mismo tiempo, encarna perfectamente el estilo de Hitchcock. La historia de la película se inspiró en un artículo del "Saturday Evening Post": la heroína, acompañada por un agente del FBI (interpretado por Carlyle Glenn), llegó a América Latina y quiso infiltrarse en una mansión nazi para explorar el país. secretos de sus actividades. Un alto grado de estilización y un alto grado de simplicidad son la base del éxito de la película, y la fotografía exquisita y el reparto cuidado también le dan a la película un buen complemento. Además, aunque "Honey Trap" es una película de espías, evita los medios violentos al mostrar el mal, lo trata con un toque humano y muestra apropiadamente la sutil batalla psicológica entre los personajes en un ritmo tenso, lo que fortalece el encanto emocional y la profundidad humana. de la película. También fue amado por la audiencia y logró altos ingresos de taquilla que excedieron 8 veces el costo. De hecho, el nombre de Hitchcock siempre ha sido una garantía de taquilla que tranquiliza a los productores.
Si bien el público y los inversores eran optimistas sobre los thrillers de Hitchcock, él mismo intentó abandonar este "viejo camino" e hizo nuevos intentos no sólo en términos de contenido sino también en términos de forma y técnicas cinematográficas. sin innovación, el arte se volverá aburrido tanto para el creador como para el público. Aunque las obras de este período como "El caso Palatino" (1947), "La cuerda" (1948), "Bajo la estrella de Capricornio" (1949), "Miedo escénico" (1951), etc. no tuvieron éxito, Experimentos extraordinarios en forma cinematográfica (por ejemplo, en su primera película en color, "Rope", rodó "toda la película de una sola vez, lo cual es único en la historia del cine"), así como su estudio en profundidad a largo plazo. de temas humanos. Sus pensamientos le dieron un nuevo punto de partida. Comenzó a "regresar" a una nueva altura y entró en el período más glorioso de su creación cinematográfica.
"La ventana indiscreta" (1956) es una película con habilidades sofisticadas y un profundo significado. Jeff, un fotoperiodista con una pierna lesionada, se sienta todos los días frente a su ventana y observa la vida cotidiana de sus vecinos en el edificio de enfrente. Como resultado, descubre un asesinato. Toda la obra solo tiene una escena, pero el director editó lo que vio el protagonista y sus reacciones en una combinación de montaje variada, creando efectos tensos e interesantes en la pantalla. Las historias en esas ventanas también evolucionaron hacia diversas situaciones del mundo. de. Al mismo tiempo, su estructura rigurosa, su fuerte pasión y su riqueza en detalles la han convertido en la mejor obra de Hitchcock, comparable a "Beauty Trap". Lo que vio Jeff, el voyeur, no fue tanto la atrocidad de un asesinato sino una imagen de la debilidad humana. La actriz principal de la película, Grace Kelly (que ganó un Oscar), era la estrella femenina favorita de Hitchcock. Cumplía con los requisitos de Hitchcock para las mujeres de la pantalla: elegante y fresca por fuera, pero apasionada por dentro. Esta "visión de las mujeres" proviene del concepto cinematográfico de Hitchcock de que "el suspenso lo domina todo" (creía que si alguien como Monroe fuera demasiado llamativo, no habría suspenso, por supuesto, esta es sin duda su imaginación interna del ideal). mujer. Pero Kelly más tarde se convirtió en princesa de Marruecos y los dos perdieron la oportunidad de cooperar.
"Vértigo" (1958) es una película que narra la historia desde la perspectiva de un hombre emocional. Su ritmo es lento y da al espectador una sensación meditativa no vista en otras películas. El propio Hitchcock también apreciaba mucho este trabajo. Su biógrafo creía que la película contenía elementos autobiográficos de las tendencias emocionales del director y mostraba una actitud obstinada a la hora de incluir a las mujeres en sus ideales. En cualquier caso, la creación de una atmósfera misteriosa en la película y el famoso disparo en el campanario muestran una vez más el encanto incomparable de las películas de Hitchcock.
La película de espías "North by Northwest" (1959) es, por el contrario, asombrosa por su ritmo vertiginoso y su imaginación inesperada. Si "Los treinta y nueve pasos" es un resumen de la creación de Hitchcock durante su período británico, entonces "North by Northwest" es un resumen de la creación de Hitchcock durante su período americano. No hace mucho, para conmemorar el centenario del nacimiento de Hitchcock, algunos de los directores más destacados del mundo fueron invitados por la famosa revista de cine británica "Picture and Sound" a seleccionar una de las películas más destacadas de Hitchcock. El resultado fue "Psychopath". . "(1960) derrotó a "Vértigo" para ganar el primer lugar de un solo golpe. En las décadas de 1960 y 1970, alguna vez se consideró una película sangrienta filmada por un director al que le encantaba utilizar técnicas sensacionales. Hoy en día, es cada vez más respetada. Parece que Hitchcock siempre está adelantado a su tiempo. Ha dicho durante mucho tiempo: "'Psycho' supera todas las películas que he hecho antes; si la gente piensa que es pequeña o grande, no me importa. Cuando estaba filmando, No quería convertirla en una película significativa. Para mí, lo importante era aprovechar al máximo el montaje de una gran película, la fotografía, el sonido y todas las técnicas que puedan hacer gritar al público. El poder expresivo del arte cinematográfico es lo que quiero hacer, y lo hice en esta película; es una película pura, por lo que conmovió profundamente al público "Para evitar la sangre, Hitchcock rodó "Psicópata" en blanco y negro. pero algunos espectadores dijeron que vieron sangre roja en la emocionante escena del asesinato en el baño. Una vez, cuando dije que quería ver esto, durante la película, mi amigo me detuvo y me dijo: "No la veas. No te atreverás a tomarla". Una ducha después de verlo". El "horror realista" de Hitchcock es algo a lo que no puedes resistirte, pero no muestra cosas sangrientas de manera realista. De hecho, en la escena del baño, el cuchillo asesino ni siquiera tocó el cuerpo de la otra persona. Hitchcock utilizó magníficas técnicas de montaje cinematográfico para lograr su objetivo. Además de hacerte gritar, la película también deja al público espacio para la imaginación sobre la complejidad y riqueza de la naturaleza humana. Si las personas dedicadas al arte pueden dividirse en dos categorías: artistas y artesanos, entonces Hitchcock es un maestro del arte que desdibujó los límites entre ambos. Otro aspecto de "Psychopath" que enorgulleció al propio Hitchcock fue que obtuvo una elevada ganancia de 13 millones de dólares con una pequeña inversión de 800.000 dólares. De hecho, Hitchcock quiso intentar utilizar las condiciones de hacer televisión para hacer un largometraje a gran escala, y lo consiguió.
La dificultad en "Los pájaros" (1963) era cómo expresar los pájaros que acudían en masa para atacar a los humanos, pero este desafío fue un placer para Hitchcock: "Para esto tenemos que usar efectos especiales, vamos a intentarlo". ." Hoy en día, cuando la tecnología digital se ha utilizado ampliamente en las películas, los efectos especiales de "Los pájaros" no parecen torpes. La película plantea un tema que preocupa cada vez más a la gente de hoy: la venganza de la naturaleza contra los humanos. No hay música en toda la película, sólo los sonidos de varios pájaros, que a menudo resultan espeluznantes. Aunque Hitchcock expresó contenidos que trascendieron la vida cotidiana, siempre le dio gran importancia a la realidad de los detalles de la vida. Por ejemplo, antes de filmar "Los pájaros", hizo que la gente tomara fotografías de todos los residentes de Bodega Bay, el lugar donde filmó". Los Pájaros." Hacer disfraces. Por lo tanto, aunque sólo filma cosas inusuales con toques personales obvios, el público no acusará la película de ser falsa después de verla, sino que disfrutará de las historias que contiene.
En 1972, Hitchcock, de 70 años, regresó al Reino Unido después de una ausencia de 20 años y realizó "The Killing", que recibió elogios unánimes en el Festival de Cine de Cannes de ese año. Cuatro años más tarde, "Family Plot" se convirtió en la última película de Hitchcock. El 29 de abril de 1980 falleció en Los Ángeles, Estados Unidos, Hitchcock, quien había dedicado más de 50 años al cine.
Debido a su contribución al cine, recibió numerosos honores durante su vida, aunque en aquella época la gente todavía tenía más o menos prejuicios contra él y sus obras. En 1968, la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias otorgó a Hitchcock un premio honorífico especial: el Premio Irving Thalberg; en 1979, el American Film Institute le otorgó el "Premio a la Trayectoria"; en 1980, la Reina Isabel II del Reino Unido; el título de Hitchcock para el Jazz.
Ha habido innumerables imitaciones de las obras de Hitchcock a lo largo de los años, y en los últimos años ha habido una tendencia a hacer remakes de las obras de Hitchcock. Los directores que admiran a Hitchcock han creado sin darse cuenta un subtipo de película: La nueva escuela de Hitchcock. creen: "Hitchcock es como un libro de gramática, que contiene todo lo que aprenderás". En resumen, es uno de los pocos directores que tiene la mayor influencia en el arte cinematográfico del mundo.