1. La antigua Grecia y la antigua Roma
La antigua Grecia es la cuna de la cultura y el arte europeos. En la antigua Grecia, su música era principalmente música monofónica. , y la forma de cantar Hay solos, coros, voces principales, rap y canto. Los géneros incluyen elegías, villancicos, canciones de sacrificio, canciones de bebida, canciones de boda, canciones de amor, etc.; los temas son principalmente mitos y poesía. La música y la poesía de este período estaban estrechamente integradas, y los cantantes de esa época eran a la vez poetas y compositores. La antigua Grecia tuvo tres períodos famosos de prosperidad cultural, a saber, el período homérico (alrededor del siglo XII a. C. al siglo VIII a. C.), el período clásico (alrededor del siglo V a. C. al siglo IV a. C.) y el período helenístico (siglo III a. C.). siglo antes de Cristo). Los poemas épicos "Heríada" y "Odisea" con base histórica en la época de Homero fueron escritos por Homero, el poeta y cantante de "Ilíada", y se transmitieron en forma de rap. Durante este período surgieron tres tipos vocales básicos: Fran, Pan y Jifilami. El duelo de Fran era parte del rito funerario; Pan era un himno a Apolo; la "Canción de Dioniso" era una letra dedicada a Baco. El período clásico fue la edad de oro del desarrollo del arte griego antiguo, que dio origen a un nuevo género artístico integral: la tragedia griega antigua. Los tres trágicos más famosos de esa época fueron Asheros (alrededor de 525-456 a. C.), Sófocles (alrededor de 496-406 a. C.) y Eurípides (alrededor de 485-406 a. C.). La tragedia griega fue de gran importancia para el desarrollo posterior de la música occidental. La ópera italiana producida en el siglo XVII nació bajo el lema de "resurgimiento de la tragedia griega antigua". La reforma de la ópera de Wagner en el siglo XIX también estuvo influenciada por la tragedia griega antigua. Al mismo tiempo, también apareció durante este período la "comedia griega antigua", que estaba relacionada con los sacrificios masivos y los carnavales de canto y baile de la época. El comediante más famoso de la época fue Aristófanes (ca. 450-388 a. C.). Durante el período helenístico aparecieron actores y cantantes profesionales, y sus habilidades artísticas se desarrollaron enormemente. Además, se dice que a finales del siglo VII a. C. y principios del VI existían escuelas de música en Grecia, de las cuales la escuela de Lesbos era la más famosa.
En la antigua Roma, los antiguos romanos heredaron la herencia musical de la antigua Grecia, pero abandonaron las funciones educativas y éticas de la música griega y enfatizaron el desarrollo de su entretenimiento. Los eventos musicales eran populares en una época en la que prevalecían los eventos musicales sociales y la música house. Desde músicos profesionales hasta músicos aficionados, desde nobles hasta esclavos, todo tipo de personas estudiaron música, lo que condujo a la prosperidad de la educación musical. Además, la música folclórica (principalmente el canto) también floreció en los primeros días de la antigua Roma. Las obras del poeta lírico Virgilio y "Love Song" de Ocevid tienen características de canciones populares. Además, en los festivales folclóricos del carnaval hay muchas actuaciones de música y danza, así como muchas canciones y poemas alegóricos que reflejan la vida cotidiana, como canciones de boda, canciones de bebida y canciones de soldados. Debido a la invasión y expansión del antiguo Imperio Romano, diversas culturas, religiones y músicas extranjeras continuaron intercambiándose e integrándose, dando lugar a la germinación de la cultura musical cristiana. Por lo tanto, la antigua Roma sirvió como puente entre la cultura musical griega antigua y la cultura musical medieval.
En segundo lugar, el período medieval
En la Edad Media (alrededor del siglo V hasta principios del siglo V), la religión dominó otras formas de conciencia social. Con la llegada del cristianismo, muchos compositores, cantantes y teóricos de la música aparecieron en la iglesia. ¿Tres de las primeras estatuas de monjes de Milán? 6?1 Amrupolus (340-397), escribió muchos himnos religiosos utilizando melodías populares. En los siglos VIII y IX surgió el canto gregoriano, que es una forma musical de una sola parte con voz humana pura y sin acompañamiento (voz masculina). Absorbió los tonos del antiguo Oriente y Grecia, así como las características de las melodías populares de esa época. Se cantó en latín y el contenido fue seleccionado de la Biblia. Se divide en cuatro métodos de canto: solo, coro, canto alternativo (el coro se divide en dos partes y se hacen eco entre sí) y canto de respuesta (el coro se repite después del solo). Al mismo tiempo, para ampliar su poder religioso, la Iglesia instaló escuelas en muchos lugares para difundir himnos, como en la Abadía de San Galo. En el siglo XI, la notación cuantitativa creada por el monje italiano Guido (alrededor de 995-1050), así como la aparición de los modos eclesiásticos (es decir, los modos medievales) y los seis acordes, dejaron muy clara la dirección de la melodía, que no solo ayudó al cantante a cantar bien. Memorizar varias melodías.
En términos de música vocal, existen métodos de canto de música secular representados por artistas errantes, juglares, cantantes de amor y cantantes famosos. La música polifónica se hizo popular en Europa a partir del siglo XIII y surgió un nuevo género polifónico: las canciones clásicas. El coro polifónico se ha convertido en la forma dominante de música polifónica, utilizada en los coros de iglesias. En el siglo XIV aparecieron coros polifónicos seculares en Francia e Italia, concretamente la escuela "Art Nouveau" en Francia y las canciones pastorales y de caza en Italia. En resumen, en la Edad Media el canto estaba casi monopolizado por la iglesia, y la música religiosa era la corriente principal de este período histórico.
En tercer lugar, el Renacimiento
Durante el Renacimiento (alrededor de 1430-1600), para oponerse al oscuro gobierno de la iglesia medieval y realizar los requisitos de una nueva cultura, la emergente La burguesía gritó. El lema "Regreso a la Antigua Grecia" lanzó un movimiento ideológico y cultural, el Movimiento Renacentista. El arte musical del Renacimiento no es tanto el renacimiento del estilo clásico griego como la creación de un nuevo estilo. La Escuela Holandesa surgió en Francia en el siglo XV. Presta gran atención al flujo de la melodía en cada parte del coro. Tenía requisitos estrictos en escalas rápidas, arpegios, ritmos complejos, intervalos y sonidos decorativos en su canto, y su estilo de canto cambió de la solemnidad de los himnos a uno hermoso y animado. En el siglo XVI, sobre la base de la escuela de música holandesa, se desarrolló la "a cappella", representada por Lasso y Palestrina. En esta época apareció en Alemania el género de canciones polifónicas lied, que fue la continuación y desarrollo de cantantes famosos de la Edad Media. Un nuevo género musical secular importante apareció en Italia en el siglo XIV: el madrigal, que no estaba directamente relacionado con el madrigal. Durante este período aparecieron una tras otra voces infantiles y cantantes de falsete. Según registros escritos, en la primera mitad del siglo XVI comenzaron a aparecer voces femeninas. Al principio, la mayoría de las cantantes eran prostitutas, pero luego también hubo damas nobles. La figura representativa fue la cantante e intérprete Isabella d'Estaing (1474-1593). Además, durante este período aparecieron algunas teorías sobre la música vocal, como los "Principios de armonía" de Zarino (G. Zarino, 1517-1590) y la "Música práctica" de Zacconi (Zacconi, 1555-1627).
En 1597, nació la primera ópera "Daphne" en Florencia, Italia. Es un resumen de la experiencia práctica en todos los aspectos del arte musical durante el Renacimiento, un nuevo género musical bajo la guía de una nueva teoría estética y la cristalización del desarrollo común en varios campos. Con el nacimiento de la ópera comenzó el desarrollo de la música vocal moderna en Europa. Para adaptarse a la recitación en la creación de ópera, surgió el bel canto, impulsando aún más el desarrollo del arte vocal.
Cuarta Época Barroca
La música del período Barroco (1600-1750) tiene algunas características similares a las artes plásticas de la época. Esta es una pieza de música majestuosa, apasionada y enérgica que enfatiza la expresión emocional y el contraste dramático, y presta gran atención a la decoración detallada. En la música vocal, han surgido algunos géneros nuevos, como los solos (refiriéndose a canciones de estilo recitado con acompañamiento continuo), óperas, oratorios y oratorios. Los cantantes eunucos aparecieron durante este período histórico, formando así la "edad de oro" del canto. Al mismo tiempo, se plantean algunos requisitos técnicos para el canto del Bel Canto, como la respiración, el ataque, la unidad del área vocal, la coherencia de la voz, el control del volumen, la flexibilidad de la voz, la calidad del tono, el vibrato, etc. Algunas de estas opiniones son hasta cierto punto científicas, lo que hace que la formación técnica del canto forme un sistema relativamente completo. En las escuelas de canto de la iglesia emergentes, la enseñanza se basa principalmente en métodos de demostración e imitación, organizando cuidadosamente los cursos de los estudiantes, de modo que los estudiantes puedan recibir una formación integral y rigurosa, para que puedan convertirse en cantantes bien entrenados, y algunos cantantes y cantantes excelentes también han Se han producido profesores de canto que han contribuido al desarrollo y mejora del arte vocal. En cuanto a profesores de canto, obras vocales y colecciones de canciones, se encuentran G.B. g. Caccini (1548-1618) y su colección de canciones "Nuove music he"; l. Zac coni (1555-1627) y los conocimientos musicales prácticos que proporcionó a compositores y cantantes.
Además, durante este período aparecieron dos músicos importantes, a saber, J.S. Bach (1685-1750) y G.F. Handel (1685-1759). Entre ellos, los oratorios, las obras de música apasionada y las obras de música instrumental de Bach. Período Clásico
El Período Clásico (1750-1790) también se denomina “Período Postbarroco”. Bajo la influencia de la "Ilustración" y el "Movimiento Desenfrenado", el arte y la cultura musical europeos experimentaron enormes cambios y prosperaron en el siglo XVIII. Después de casi cien años de desarrollo, la ópera ha formado dos facciones principales centradas en Italia y Francia. Sin embargo, la ópera italiana se desvió gradualmente de los ideales originales del "Grupo Metara" y se convirtió en una forma exagerada. En ese momento, el compositor alemán Gluck propuso la idea de una reforma de la ópera, exigiendo que "la música obedezca a la poesía y persiga una belleza simple" y practique su propia creación. Sus reformas operísticas se opusieron al formalismo musical y sentaron las bases para una dirección realista de la creación operística. En las décadas de 1820 y 1930, la ópera italiana atravesó un período de estancamiento y decadencia. Nuevas óperas de estilo comedia ligera aparecieron en los países europeos, como las óperas cómicas italianas y francesas, las óperas alemanas y austriacas y los dramas folclóricos británicos. Además, durante este período aparecieron tres grandes músicos: Haydn, Mozart y Beethoven. La principal contribución de Haydn radica en su sinfonía, y las generaciones posteriores lo conocen como el "padre de la sinfonía". Pero hay una gran cantidad de misas, oratorios y oratorios en música vocal, entre los cuales los oratorios "Génesis" y "Cuatro estaciones" son obras representativas. Mozart es aclamado como un "prodigio musical" por las generaciones futuras. Creó más de 20 obras de ópera a lo largo de su vida, involucrando varios tipos de óperas. Combina hábilmente la estructura melódica de la música con las acciones argumentales del drama, convirtiéndose en un verdadero arte del canto y el teatro. Sus diversas óperas aún conservan su conmovedor encanto. La contribución más importante de Beethoven fue el desarrollo y la innovación de la estructura de la suite sonata-sinfónica. En cuanto a la música vocal, compuso una ópera "Federio", dos misas solemnes y un gran número de canciones y coros, especialmente su suite vocal "An die ferne Geliebte", estrechamente relacionada con el romanticismo Contacto, se convirtió en la precursora de la de Schubert. suites vocales y proporcionó una referencia para los compositores de canciones artísticas posteriores.
Hay varios profesores vocales famosos en la enseñanza de la música vocal, como N.A. Porpora (1686-1767), P.F. Tosi (1646-1728), Mancini (G.B. Singer). La mayoría de ellos eran eunucos, como como Fili, Nicolino y Senesino, pero también hubo cantantes, como Buldoni
Sexto, el período romántico
El isismo romántico es producto de la Revolución Francesa, la democracia europea Movimiento y movimiento de liberación nacional. La música del período romántico (1790-1910) tiende a elogiar la naturaleza humana, reflejar las emociones e instintos humanos y enfatiza los sentimientos subjetivos personales, la música y la poesía forman un todo unificado, y los términos de expresión son. Más ricas y precisas en la música vocal, las canciones de concierto (es decir, canciones artísticas) y las óperas tienen un estilo romántico típico y han logrado logros notables: Schubert (F.P. Schubert, 1797-1828) y Schumann. (R. Schumann, 1810-1856) surgió en Austria y Alemania en el siglo XIX, Ma Le (g. Mahler, 1860-1911), Wolf (h. Wolf, 1860-65438). Con el auge de las canciones artísticas, también ha habido cantantes independientes que se ganan la vida cantando en conciertos y utilizando métodos de canto diferentes al canto de ópera.
Hay un gran número de escritores de ópera en la ópera, como D. Ober (1782-1871) y G. Meyerbeer (1791-65438). 1792-1868), Bellini (v. Bellini, 1801-1835), Donizetti (g. Donizetti, 1797-1835). En la segunda mitad del siglo XIX estuvieron el alemán R. Wagner (1813-1883) y el francés Offenbach (J. Offenbach, 1819-1880).
1818-1893), G. Bizet (1838-1875), G. Verdi (1813-Italia).
Además, el auge de la música nacionalista en la segunda mitad del siglo XIX hizo que la música vocal ya no se limitara a los principales países europeos, sino que se desarrollara en las zonas periféricas de Europa. Los músicos representativos de este período incluyen a los compositores rusos del "grupo poderoso", Tchaikovsky (1840-1893), etc. el checo Smetana (B. Smetana, 1824-1884), Dvořák (a. Dvořák, 1841-1904); F. EEKEL (1810-1893); el polaco Moniuszko (1819-1872); 1907); Sibelius de Finlandia (j. Sibelius, 1865-1957).
En el siglo XX surgieron un gran número de grandes músicos en el siglo XIX, como el francés C. Franck (1822-1890), G. Faure (1845-1924), Debussy (D. C. el austriaco Bruckner). (a. Bruckner, 1824-1896), Mahler (g. Mahler, 1860-19165438), Wolf (h. Wolff, 1 ·R. Strauss (1864-1949); el ruso Scriabin (1872-1915); 1873-1943); Mascagny (p. Mascagny, 1863-1945), Cavallo (R. León, 1857-1965438), Puccini (G. Puccini, 65438), ya sea en canciones artísticas, canciones u óperas, se ha desarrollado y promovido aún más. El desarrollo del arte vocal.
La investigación vocal en este momento ha logrado ciertos resultados en fisiología, física, acústica, enseñanza, canto, teoría, etc. Existen varios efectos fisiológicos sobre la voz y la voz humana. Funciones. Varios estudios En 1854, García inventó el laringoscopio, que marcó una época en la historia de la música vocal y la medicina. Al mismo tiempo, también propuso el método de "enmascarar los sonidos del pecho" y la respiración diafragmática. La figura representativa es H.L.F. Holtz (1821-1894). Su libro "La sensación del sonido como base fisiológica de la teoría musical", publicado en 1862, sentó las bases de la física acústica en la enseñanza, el canto y la teoría. Escuelas principales: método de enseñanza tradicional representado por. Lamperti; la teoría de la "oscilación glotal" representada por García; el método de canto "cover" representado por Dupree; la "máscara" representada por Resker Singing. Los cantantes famosos de este período incluyen a Pasta, Mary Bran, Super Ancient Long Melba, Calve, Du Rebo y Mario. , etc.
Siglo VII, XX<. /p>
En la música del siglo XX, "brotaron cien flores y compitieron cien escuelas de pensamiento", y compitieron varios estilos y géneros. En cuanto a la ópera, además del canto de ópera tradicional, también se presentan actuaciones de Lyshard Strauss y Lage. Nueva ópera romántica representada por Maninov, ópera impresionista representada por Debussy y Ravel, y ópera neoclásica representada por Stravinsky, Bartók y Hindemith. la ópera representada por Schoenberg y Berger, la ópera realista representada por Dalbert, la ópera con un fuerte color folklórico representada por Falla y Koda, etc. en la enseñanza de la teoría de la música vocal y la investigación de la música vocal, hay aproximadamente ocho escuelas, a saber, la escuela Lamper representada. por William Shakespeare; la teoría García representada por la pareja Marchesi; la escuela "progresista" representada por Lily Lyman; la escuela "atrasada" representada por Stanley y Cesari; obras vocales representadas por Trazzini y Caruso y la nueva escuela del mecanismo representada por Vennard. También hay una gran cantidad de obras vocales. Sin embargo, con el avance continuo de la ciencia y la tecnología y el desarrollo de la fluoroscopia de rayos X, la acústica, la física y la fisiología en el siglo XX, algunos países establecieron laboratorios de música vocal.
La aparición de temas como la interpretación del canto, la fisiología del canto y la psicología del canto no solo explica claramente los conceptos vagos del canto en el pasado, sino que también proporciona un enfoque más amplio para el desarrollo de la música vocal y promueve aún más el desarrollo de la música vocal. En cuanto a cantantes, ha habido una gran cantidad de grandes cantantes, como Caruso, Chaliapin, Callas, Sutherland, Gilly, Tebaldi, Jouve, Berganzi, Pavarotti, Domingo, Carreras et al. Algunos de ellos han fallecido y otros siguen activos en los escenarios. No sólo enriquecieron la cultura del canto en todo el mundo, sino que también hicieron contribuciones destacadas a la herencia del canto humano.