A finales de 2016, en Florencia, Italia, un grupo de humanistas formó un grupo llamado "Camerata con Buena Sociedad" para revivir el arte escénico de la antigua Grecia. Creen que la parte del "coro" del drama griego antiguo es en realidad la parte del coro. Algunos incluso piensan que el drama griego antiguo es en realidad lo mismo que la ópera actual, y que todas las tramas se explican en canciones.
Por eso, cuando en 1597 se estrenó "Dafne", la primera ópera de la historia conocida compuesta por Jacob Pelli y basada en la mitología griega antigua, fue elogiada por todos porque creían que "el espíritu dramático". de la antigua Grecia ha sido resucitado con éxito."
Sin embargo, lamentablemente Daphne no tuvo éxito al final, pero todavía hubo ensayos ocasionales para otra serie de la ópera "Eurídice" de Perry, que se estrenó en 1600. Pero hoy en día, la ópera con un repertorio estándar más antiguo en el mundo de la ópera es la obra de Claudio Monteverdi, que se estrenó en 1607 en el Palazzo Mantua.
El desarrollo de la ópera: En el siglo XVII nace la ópera en Florencia, Italia. La primera ópera reconocida en el mundo es "Oflo", compuesta por Monteverdi en 1607. Desde entonces, la ópera se ha convertido gradualmente en el género musical más importante de Europa con su encanto único.
1, finales del año 17
La escuela más influyente de Roma fue la Escuela de Ópera Napolitana representada por Scarlatti. Su ópera "El bueno y el malo", escrita en 1681, estableció el patrón típico de las oberturas de ópera, es decir, el patrón de tres partes "rápido-lento-rápido".
Al mismo tiempo, también se estableció durante este período el formato de canto Aba. En ese momento, a menudo se usaban grandes escenas y coros en la música, lo que le dio a la ópera una tendencia a enfatizar la música sobre el drama. Esta tendencia hizo que el desarrollo de la ópera fuera cada vez más rígido en el futuro. Por lo tanto, en la década de 1820, surgió el género de ópera Xi con temas de la vida cotidiana, tramas humorísticas y música sencilla.
La primera obra representativa de la ópera cómica italiana es "La criada como ama de casa" de Paglasi (estrenada en 1733), que originalmente fue un interludio de ópera y se representó en París en 1752. Fue vilipendiada por los conservadores cuando fue escenificado.
Esto dio lugar al famoso "debate sobre la ópera cómica" de la historia de la ópera. La primera ópera cómica francesa, "El adivino del pueblo", escrita por Rousseau, se inspiró en este debate y en esta ópera.
La ópera italiana se transformó por primera vez en Francia y se combinó con la cultura nacional francesa. Lu Li es el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). No sólo creó melodías solistas estrechamente integradas con el francés, sino que también fue el primero en aplicar escenas de ballet a la ópera.
En Inglaterra, Purcell creó la primera ópera nacional británica, Didon y Eneas, basada en su propia tradición de teatro de máscaras. En Alemania y Austria, Haydn, Dieterdorf, Mozart y otros convirtieron las óperas populares en óperas nacionales alemanas y austriacas, incluida "La flauta mágica" de Mozart.
En el siglo XVIII, Gluck insistía en que las óperas debían tener un contenido profundo, la música y el drama debían estar unificados y las representaciones debían ser sencillas y naturales. Sus pensamientos y obras como "Oflo y Eurídice" y "La Efigenia de Orid" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera posterior.
2.Después del siglo XIX.
Maestros de la ópera italiana como Rossini, Verdi y Puccini, el alemán Wagner, el francés Bizet, el ruso Glinka, Mussorgsky y Tchaikovsky hicieron una importante contribución al desarrollo de la ópera. La opereta, formada en el siglo XVIII, evolucionó y se convirtió en un género independiente.
Sus características son: estructura corta y música popular. Además del canto solista, dúo, coro y baile, también utiliza el inglés popular. Los fundadores de este género son el compositor austriaco Sobel y el compositor francés Erwin Bach de Alemania.
3.Siglo XX
Entre los compositores de ópera, Richard Strauss (Salomé, der rosenkavalier), que fue influenciado por Wagner, fue uno de los primeros representantes. Después de la Guerra Mundial, fue; Berger (Wozzek) quien aplicó el principio de atonalidad a la creación de ópera.
Desde la década de 1940, han estado: Stravinsky, Prokofiev, Miyue, Manotti, Barbiere, Orff, Janus De La, Henze, Moore y el famoso compositor británico Britten.
Datos ampliados
Las óperas suelen contar historias dramáticas y conmovedoras. En las actuaciones, la música vocal puede incluir solos, dúos, coros femeninos, coros masculinos, coros infantiles, coros mixtos, etc., además de actuaciones de una gran orquesta.
Además, en el espacio tridimensional del escenario, además de las actuaciones de los actores, la exhibición de relaciones entre personajes y tramas dramáticas, métodos artísticos escénicos como vestuario, maquillaje, iluminación y herramientas de pintura. También se utilizan accesorios y dispositivos mecánicos.
Su parte musical suele constar de las siguientes partes:
Obertura: pieza musical al inicio de una representación de ópera. Las oberturas de la mayoría de las óperas entrelazan los principales motivos musicales de los personajes que aparecen en la ópera con melodías distintivas, que aparecen en la interpretación de la obertura. Algunas oberturas son sólo preludios del comienzo y tienen poca conexión con la música que sigue.
2. Recitación: Forma de canto, más cercana a la recitación dramática, con la armonía como fondo. Suele utilizarse para conectar párrafos, y se utiliza sobre todo para diálogos entre personajes y monólogos de personajes.
3. Aria: se refiere al canto solista, en contraposición a recitar o recitar. A menudo se utiliza para expresar las emociones de los personajes de las óperas.
4. Dúo: Hay muchas formas de dúos en las óperas, como dúo, trío, cuarteto, quinteto e incluso once. Conjunto significa que, al mismo tiempo, varios personajes usan sus propias melodías diferentes para formar una textura polifónica o armoniosa para cantar las mismas o diferentes emociones de cada personaje y describir o narrar sus sentimientos internos.
5. Coro: El coro es la forma más expresiva de música vocal, que puede expresar plenamente los pensamientos y sentimientos de los personajes de la ópera y promover el desarrollo de la trama. La ópera también utiliza el coro como una rica forma de expresión durante los clímax dramáticos. El coro en la ópera puede reflejar mejor un estado de fuerza y sublimación del grupo. Chorus amplía la expresión musical con texturas monocromáticas musicales de varias partes.
6. Producción de arte escénico: La ubicación de la escenografía y la selección de materiales de producción deben considerar primero la entrega de canciones que sean beneficiosas para los actores en el escenario. La producción refleja a menudo los conceptos artísticos de pintura, arquitectura y vestimenta de la época.
7. La aplicación de la danza en la ópera: En las grandes óperas que enfatizan escenas lujosas, hay escenas de danza para ajustar la atmósfera y coordinar con el desarrollo del drama, como las de dos y cuatro actos. Actúa escenas de baile en "Carmen". El uso de escenas de danza hace que la representación escénica de la ópera sea más dinámica, visual y ornamental.
8. Ópera Capella: La Ópera Capella es un concierto de ópera centrado en apreciar la música de ópera. Por lo general, se conserva el contenido musical puro de la ópera y se reducen algunas representaciones dramáticas y pasajes musicales de transición sin afectar la integridad de la música y el drama, de modo que la interpretación musical está relativamente concentrada y más en línea con la atmósfera en vivo del concierto. .
Fuente: Enciclopedia Baidu-Opera