La Escuela Napolitana (también conocida como Escuela de Caravaggio), encabezada por Caravaggio, surgió en la región de Nápoles, al sur de Italia, influenciada por la pintura holandesa, se opuso al rígido dogma de la academia y a la exageración del Barroco. Arte llamativo; que busca una expresión natural simple, fresca y directa; con su luz y sombra puras y fuertes, sus contornos rigurosos y sólidos y su estilo sin pretensiones sin precedentes, evolucionó desde la pintura humanista del Renacimiento en los siglos XV al XVI hasta el realista. Pintura del siglo XVII. Jugó un papel clave e importante en la transformación y tuvo un profundo impacto en las corrientes artísticas contemporáneas española, francesa, holandesa y realista del siglo XIX.
"Fruits Basket" es una de las primeras obras maestras de Caravaggio. Según investigaciones históricas, se trata del primer bodegón de la historia del arte. Este contorno claro y sólido; esta luz pura y simple; esta vívida y real manzana, uva, limón, higo, verde bambú, hojas, hojas muertas, esta verdadera representación de los ojos de insecto en la manzana ilustran la naturaleza muerta. que pueda existir como tema pictórico independiente también demuestra que el espíritu franco y realista de Caravaggio era incompatible con la moda idealista de la época. En su opinión, todos los objetos, ya sean naturalezas muertas, figuras u otros objetos, son objetos naturales. Por eso, siempre refleja la naturaleza con veracidad basándose en la naturaleza misma, dejando de lado todas las normas y modelos de sus predecesores. Llena de dramatismo y violencia, "La hija de Sipas del ladrón" es una obra típica del barroco. La palabra "barroco" proviene de la palabra portuguesa García da Orta, que se refiere a la Perla de Oriente de forma irregular. Posteriormente, el significado se amplió, significando áspero, irregular, irregular, retorcido, arbitrario y único. El estilo artístico barroco se extendió por Europa entre los siglos XVII y XVIII, penetrando en diversos campos, desde la literatura hasta las artes plásticas, y tuvo una profunda influencia. El estilo barroco es obviamente diferente del Renacimiento en espíritu y técnicas artísticas. El "drama humano" es un elemento importante de la pintura barroca. Las pinturas de estilo barroco enfatizan tanto el realismo como la apreciación, logrando a menudo este efecto con dinámicas expresivas exageradas y colores brillantes con fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad. Resalta la alegría, aumenta la pasión e intensifica la estimulación y la tentación de los sentidos con un juego espectacular. La composición de las pinturas barrocas se diferencia del estilo clásico equilibrado y estable. En cambio, le gusta utilizar formas en forma de S, onduladas o radiales con giros severos y una fuerte dinámica, que a menudo son deslumbrantes.
La obra maestra "El robo de la hija de Lyusipas" tiene más de dos metros de largo y dos de ancho. Cuenta la historia de los héroes Castor y Polokus de la mitología griega que robaron a Lyusipas. hija. Castor y Pronio eran ambos hijos de Leda, y Pronio era hijo de Leda y Zeus. Los dos hijos nunca fueron separados. Son valientes e invencibles y son los santos patrones de los antiguos caballeros romanos. Se enamoraron de las dos hijas del rey micénico Lucipas, pero estaban prometidas a otro par de gemelos, por lo que los dos hermanos se las arrebataron por la fuerza y las convirtieron en sus esposas. Lo que se mostró en la pantalla fue que dos hombres morenos y fuertes habían arrebatado a las dos hermanas dormidas y las estaban subiendo a la fuerza a sus caballos. En la pantalla, las imágenes de cuatro personas y dos caballos se entrelazaron y chocaron ferozmente, ocupando todo el espacio y creando un poderoso impulso. La composición casi cuadrada debería ser estable, pero estas imágenes cortan la imagen en forma de X, creando una sensación muy inestable e inquietante. Todos los componentes de la cabeza de caballo, las manos humanas, las patas de caballo y los pies humanos continúan fluyendo según la melodía de la curva en forma de S. Junto a los dos caballos, un pequeño cupido alado sostenía las riendas. Sugieren que este lugar no es sólo un saqueo violento, sino un juego de placer, la violencia del amor.
¿Autor Pedro? 6?1 Pablo? 6?1 Rubens (Peter Paul Rubens, 1577-1640) fue el pintor más destacado de Flandes en el siglo XVII y un representante típico del estilo pictórico barroco. Su arte combina el arte tradicional de Flandes e Italia y tiene una gran influencia en el desarrollo de la pintura europea. Prefería las obras de gran formato y la composición de sus cuadros era muy dinámica.
Ya sean imágenes masculinas o femeninas, todas son tridimensionales y plenas, fuertes y poderosas, llenas de color, llenas de entusiasmo, mostrando un estallido de energía e incluso un fuerte sentido de sensualidad.
En esta obra típica del Barroco, Rubens demostró plenamente su maestría en la representación del cuerpo humano. Sobre el fondo de dos hombres de piel oscura y caballos erguidos, las figuras regordetas de las dos hermanas están listas para revelarse. La pincelada superpuesta o de pintura fina del pintor es fascinante, y los movimientos giratorios del pincel están secretamente coordinados con los bultos de los músculos. El manto rojo contrasta con el paisaje verde y el pañuelo de seda dorado contrasta con el cielo azul. Toda la obra reproduce una sinfonía tormentosa y frenética. Rubens tenía sólo 40 años cuando pintó este cuadro. En la atmósfera apasionada que mejor encarna el estilo barroco, cantó la alegría y la gloria de la vida a su gusto. Rembrandt Harmenschoon van Rijn (Rembrandt Harmenschoon van Rijn, 15 de julio de 1606-4 de octubre de 1669) fue uno de los pintores más importantes de Europa en el siglo XVII y el pintor más importante de la historia holandesa. Las obras cumbre de Rembrandt fueron los retratos, incluidos autorretratos y pinturas de la Biblia. Se le conoce como el "Profeta de la Civilización". Una película sobre Rembrandt dirigida por Jannik Johansson; un ensayo sobre Rembrandt, uno de los más grandes pintores holandeses pero olvidado durante dos siglos. La mayoría de las obras de Vermeer son pinturas con temas personalizados, que se basan básicamente en la vida cotidiana de los ciudadanos. La imagen general de sus pinturas es cálida, cómoda y tranquila, dando a la gente una sensación solemne, lo que demuestra plenamente la preferencia de los ciudadanos holandeses por un ambiente limpio y una atmósfera elegante y confortable. Su estilo artístico también es único. Sus pinturas tienen formas tridimensionales, estructuras exquisitas y colores brillantes y armoniosos. Es especialmente bueno para expresar la luz y el espacio interior. Las pinturas de Vermeer dan a la gente un sentido de la realidad, además de la realidad de la vida diaria, también hacen que la gente sienta la realidad de su fe. Sus pinturas no tienen mucha luz, pero dan a la gente una sensación de luminosidad. Aunque carece de un contenido social profundo, las emociones simples de sus pinturas desempeñan un papel en la purificación del corazón de las personas.
Calle Delft.
Vermeer pintó la Puerta de Rotterdam en el lado derecho de Delft, que consta de un edificio principal alto y una cabeza de puente de dos torres. Un puente doble atirantado delante de la puerta conduce la vista hacia el muelle junto al río Shisi, a lo lejos a la derecha. Vermeer colocó a Steinmann en el centro del cuadro. A la izquierda de la puerta de Sidan está la puerta de Ketel, y a través de la puerta está el muelle de Sidan. En la época de Vermeer, las torres gemelas de los Steinmen habían desaparecido y sólo sobrevivió la puerta principal. La muralla de la ciudad está hecha de ladrillos rojos y las capas de ladrillo están incrustadas con arena y piedra (este tipo de piedra de construcción se produce localmente y la importación de otros lugares es muy cara). A la izquierda, detrás de la puerta, podemos ver el tejado de la Armería. Las casas todavía están allí hoy. Meindert Hobema (hobe ma, Meindert, 1638 ~ 1709) fue un pintor holandés. 1638 65438 fue bautizado en Ámsterdam el 31 de octubre y murió allí en 1709. En sus primeros años, estudió pintura de paisajes con J. van Restal. La mayoría de sus obras representan caminos rurales, granjas, piscinas, etc. Sus obras maestras como "Boulevard" y "The Mill" realmente muestran las escenas siempre cambiantes de la naturaleza y son elogiadas por su perspectiva precisa. Pintor español. Nacido en Sevilla el 6 de junio de 1599 y fallecido en Madrid el 6 de agosto de 1660. En sus primeros años estudió pintura en el antiguo estudio de Elena y más tarde se convirtió en discípulo del pintor F. Paričko. Las primeras pinturas "Sailor" y "Old Lady Frying Eggs" son realistas y están llenas de vida. En 1623 ingresó en la corte de Madrid para servir al rey, pero fue rechazado y menospreciado por los pintores conservadores que trabajaban en la corte. En 1627 pintó según las mismas ideas que los pintores conservadores, convocó un concurso de arte y obtuvo una gran victoria, consolidando su posición en la corte. El óleo "Baco" (también conocido como "El Borracho"), dos años más tarde, muestra que finalmente trajo la fragancia de la tierra a la corte. En 1629 tuvo la oportunidad de visitar Italia y vio las pinturas originales de los maestros del Renacimiento en Venecia, Roma, Nápoles y otros lugares, prestando especial atención al color y al consumo de luz de la Escuela Veneciana. Después de regresar a China, sus obras se volvieron más suaves y cristalinas, y sus imágenes se volvieron más vívidas y delicadas.
La obra más destacada de este período es "La rendición de Breda" (ahora traducida generalmente como La rendición de Breda), que es una pintura histórica de gran tamaño. El autor describe el complejo estado psicológico de los personajes de la guerra hispano-holandesa con una actitud justa: España es la vencedora, pero es feroz y arrogante, lo que da a la gente una sensación desagradable. Los holandeses fracasaron, pero no perdieron su dignidad; . Su gran número de retratos se adhieren al principio del realismo y se centran en representar la perspectiva espiritual de los personajes. Desafortunadamente, la atmósfera de la imagen es demasiado pacífica y obviamente inconsistente con los hechos históricos, pero esto no afecta el valor de esta obra. Para la imagen de representantes de la clase dominante, como Felipe IV, es importante mostrar su hipocresía, indiferencia y superficialidad, y nunca adularlos. Para amigos y trabajadores de la base de la sociedad, como "La mujer fanática" y "Antonio el bajito", se los retrata como accesibles y, en algunos casos, socialmente críticos. 1651 ~ 1660 fueron los últimos 10 años de su vida. No estaba contento por la controversia sobre el honor que se le había otorgado, pero aun así produjo muchas obras excelentes. Sus obras maestras "Damas en el palacio" (también conocidas como "Odalisca") y "La tejedora" se consideran obras maestras realistas raras en la Europa del siglo XVII. Esto también demuestra que, aunque ha sido un pintor de la corte durante mucho tiempo. , nunca ha perdido los estribos.
Otra traducción china de Velásquez es "Velásquez". Francisco Goya Goya fue un pionero en el desarrollo del arte romántico en la historia del arte occidental. En sus inicios le gustaba dibujar caricaturas que satirizaban la religión y aludían al gobierno. Monjes codiciosos, ladrones, asaltantes y parteras fueron pintados como demonios por él. Una vez sus pinturas se convirtieron en naipes. Su estilo de pintura, crudo pero veraz, fue muy popular entre el público y le atrajo varias pruebas. Sin embargo, sus patrones monjes siempre lo defendieron. Una vez escribió sobre Maha desnuda y pintó los defectos de la apariencia de la reina.
En 1792, Napoleón invadió España y Goya quedó sordo. Al mismo tiempo, cambió su estilo pictórico, centrando el tema en satirizar la moral hipócrita de Napoleón y criticar las estúpidas excusas para la guerra. Albert Le Brun, 1871-1950) político francés, último presidente de la Tercera República Francesa (1932-1940).
Jeannanantoin Watteau (1684 ~ 1721) era descendiente de un empresario de la construcción educado. Cuando Hua Tuo tenía casi 15 años, sus padres le pidieron que aprendiera a pintar con un pintor de modesta reputación. Posteriormente, a partir de 1704, Hua Tuo también colaboró con un pintor dedicado a la decoración teatral. Fue con este maestro que Hua Tuo, de 18 años, llegó a París y participó en la renovación de la Ópera. Aunque Hua Tuo sólo trabajó unos meses, le benefició mucho. Probablemente el sentido escénico en las obras posteriores del pintor esté relacionado con esto. En 1708, Hua Tuo tuvo la oportunidad de entrar en contacto con la colección del Palacio de Luxemburgo. Quedó profundamente impresionado por las obras de Rubens. Al mismo tiempo, conoció a un pintor que sabía representar representaciones cómicas. El concepto de "cuadros de entretenimiento" que más tarde pintó Hua Tuo puede haber surgido de esto. La llamada "pintura del placer" representa una fiesta romántica y hermosa, con hombres y mujeres disfrazados jugando y coqueteando elegantemente con música en un ambiente similar a un jardín al aire libre. Este método de pintura se remonta a Giorgione e incluso a las pinturas medievales del "Jardín del Amor". Hua Tuo solo aceptó encargos que estaba dispuesto a aceptar. Una vez, Hua Tuo trabajó duro para ganar el Premio de Roma y poder ir a Italia a ver las obras maestras de sus predecesores. Sin embargo, no consiguió lo que quería. En el proceso de visitar el teatro de vez en cuando, Hua Tuo comenzó a pintar sus "cuadros de placer". La carrera artística de Hua Tuo duró sólo 15 años. Probó varios géneros (como tapices, pinturas de techo, murales, pinturas de abanicos, pinturas de decoración de instrumentos de teclado, pinturas alegóricas, pinturas cómicas, pinturas de género, pinturas militares, pinturas escénicas, pinturas religiosas, pinturas de paisajes, pinturas de retratos, etc.) y Materia y técnicas. Por supuesto, se dedicó a la "pintura de placer", que mostró su especial talento para representar el mundo onírico relajado y melancólico del período rococó. "Pintura de placer" es un nombre temporal que le dan otros cuando no pueden clasificar sus obras. De hecho, sus "cuadros de placer" son la cristalización de su espíritu artístico y pertenecen a un nuevo género de pintura de género, por lo que más tarde ganó fama internacional. Hua Tuo es un artista muy independiente.
No se doblegó casualmente ante la voluntad de sus mecenas o funcionarios, pero la originalidad y frescura de su obra distanció la pintura francesa de los académicos italianos y estableció así un verdadero paisaje "parisino" que perdió gradualmente su influencia hasta la llegada del neoclasicismo. El poeta Gautier obviamente utilizó un tono muy agradecido en el poema "Hua Tuo" (1838):
Me detuve durante mucho tiempo frente a la puerta de la valla,
Con Hua Tuo Contemplar el jardín con estilo;
Finos olmos, tejos, setos,
decoración de peaje recto;
Mientras caminaba me sentía triste y feliz.
Mirándome, lo sé en mi corazón;
Mi felicidad está aquí.
Por supuesto, el mundo de Walter es muy artificial. Además de escenas de amor, también pintó temas dramáticos. A menudo hay una especie de melancolía que fluye silenciosamente bajo la frivolidad, que parece recordar a la gente todo el tiempo que todos los placeres sensoriales son de corta duración. Esto a menudo añade un sabor poético especial a sus obras.
La melancolía en las obras de Hua Tuo está relacionada con su vida. Hua Tuo nunca tuvo su propia residencia fija y siempre vivió en casas de amigos y patrocinadores. Sufrió tuberculosis durante toda su vida. En 1719, viajó a Inglaterra en busca de un médico famoso para quien pintó comediantes italianos. Al año siguiente, el pintor regresó a París y vivió en la casa de un amigo que era marchante de arte, y abrió para este último el taller de pintura de Gerson. Antes de morir, el pintor fue persuadido por un monje para que destruyera un gran número de pinturas eróticas. El 18 de julio de 1721 el artista falleció a la edad de 37 años.
Debido a que la mayoría de las pinturas de Hua Tuo estaban relacionadas con aristócratas, fueron ignoradas durante la Revolución. No fue hasta mediados del siglo XIX que sus pinturas recuperaron popularidad. Tanto a Delacroix como a Seurat les gustaron las obras de Hua Tuo. Se dice que muchos músicos ya han entrado en la atmósfera de la música cuando aprecian las obras de Hua Tuo. Sibelius, Ravel, Debussy, Chopin, etc. Todos ellos obtuvieron una inspiración especial de las obras de Hua Tuo. Algunos historiadores del arte incluso creen que los logros de Hua Tuo en el procesamiento del color y el estudio de la naturaleza lo convirtieron en uno de los pioneros del impresionismo.
El dibujo es un elemento clave en las pinturas de Walter. El pintor nunca deja de escribir y empieza a dibujar cuando tiene tiempo. Están acostumbrados a capturar rápidamente los gestos vívidos y las sonrisas de amigos y conocidos. También solía pedir a las modelos que se cambiaran de ropa y posaran una y otra vez. A veces dibujaba varios gestos diferentes del mismo modelo en una sola hoja de papel. Hua Tuo conservó cuidadosamente estos bocetos para referencia futura al crear pinturas al óleo. Al hacerlo, seguimos el estilo del maestro Rubens del siglo XVI. Sin embargo, a diferencia del poderoso lenguaje morfológico de Rubens, Hua Tuo utiliza líneas cortas y esbeltas para formar formas elegantes. Los tres bocetos de "Mujeres con sombreros" son un buen ejemplo. Uno de ellos está sentado y los otros dos están de pie con gracia. La imagen de la derecha apareció más tarde en el cuadro "Boda campesina". Al mismo tiempo, incluso en los bocetos se puede ver la habilidad y la grandeza de Watteau en el uso de la tiza. Utilizó tiza rosa para dibujar líneas y luego tiza blanca para enfatizar el efecto de la luz, mientras que los elementos decorativos de la ropa de las figuras se representaron de manera particularmente brillante, sus pliegues y texturas se mostraron vívidamente en el papel.
"Roading on Xitai Island" es una pintura de género, que es bastante similar a "Pilgrimage to Xitai Island (escondida en el Palacio de Charlottenburg, Berlín)" que el artista realizó en ese momento, lo cual es un "placer". cuadro". Es un símbolo importante del éxito del pintor después de muchos años de lucha. Como todos sabemos, el amor ha sido un tema tradicional de la poesía francesa desde la Edad Media. Se la ha llamado "una enfermedad mental que hace que las personas estén sanas". Se dice que la isla Setai es el lugar donde aterrizó Venus poco después de su nacimiento. Después de que ella nació del mar, el Dios del Viento la envió a la isla Setai. Por tanto, esta isla fue una ofrenda a Venus. Durante la era Hua Tuo, la isla Xitai se convirtió en un tema muy popular. Desde el siglo XVIII, muchos ballets y óperas han expresado repetidamente el tema "Construyendo un barco en la isla Xitai". Esta pintura también es una representación de este tema y se inspira en la obra. Las parejas de la imagen van vestidas con trajes para un baile y algunas incluso llevan mantones en una romería. Sin embargo, en lugar de dirigirse hacia la legendaria Isla del Amor, se mostraron reacios a irse.
Esta es una pintura de género de estilo Hua Tuo que intenta representar la posición de las personas en la vida diaria. A diferencia de las pinturas anteriores, el fondo de amor aquí ya no es el jardín con ángeles voladores, sino el taller de pintura de un amigo parisino, la música social se ha cambiado al proceso de compra y venta; Como han señalado algunos historiadores del arte, la pintura no tiene otro significado que su significado ético. En cierto sentido, esta pintura es una obra maestra del arte y un "documento" importante. Los artistas del siglo XVIII se interesaban por la decoración (esos cuadros colgantes probablemente no los manejó Gerson, el cuadro estaba dividido en dos, engañando la vista de la realidad, etc. Los personajes ya no vestían ropa elegante, sino ropa a la moda). El pintor no sólo hizo atractivos los encajes y las texturas sedosas de la ropa, sino que también pintó meticulosamente prendas de lino comunes, como la camisa estilo bufón del hombre que llevaba un retrato de Luis XIV. Todos los personajes no tienen diferencia de tamaño o precedencia. En el cuadro, la chica que entra al taller de pintura desde la calle parece atraer la atención del espectador hacia la tienda. Su pareja de baile da un paso adelante con gracia, como si bailara un minueto. Se convirtieron en los últimos amantes en las obras de Hua Tuo. La representación del amor en algunas de las pinturas expuestas en la tienda (como la pintura circular de la derecha) es, naturalmente, una confirmación, un énfasis y una interpretación. La joven vendedora le mostró al cliente un espejo, pero ¿estaban los hombres mirándose en el espejo o mirando a la linda chica? Al mismo tiempo, el espejo reflejaba la imagen de una dama de gala y ojos tristes. Aunque no hay una pista clara de la historia en la pintura, parece que todos los personajes no son sólo para la obra de arte. Por lo tanto, cuanto más mires esta pintura, más reflexionarás sobre el mundo interior de las personas. No es de extrañar que algunos investigadores crean que la pintura de Hua Tuo pertenece al "realismo psicológico", completando así el máximo respeto y trascendencia de Hua Tuo por Rubens. Es una pena que el artista muriera joven y que esta búsqueda no pudiera continuar ni desarrollarse. Fragonard fue alumno de François Boucher (1703-1770). Continuó estudiando a Chardin y logró avances significativos. También estudió en Italia y no inició verdaderas actividades creativas hasta que regresó a París a la edad de 31 años. Sus obras son diversas en técnica, desde descripciones audaces y desenfrenadas hasta descripciones detalladas y rigurosas.
Las obras de Fragona son diversas en estilo, coloridas y llenas de erotismo. En sus últimos años, su estilo pictórico ya no estaba de moda y decayó gradualmente. Una de sus obras maestras, "Swing", utiliza hábilmente los cambios de luz y oscuridad para representar la belleza del patio y el bosque con delicadas pinceladas, lo cual es muy exquisito. Sus líneas esbeltas tienen un encanto morboso y colores elegantes. A juzgar por esta actuación, Fragonard, aunque era un artista talentoso, era un poco menos serio en su tema. Mirando a esos jóvenes nobles que vacilaban de abajo hacia arriba, puede que no hayan sido criticados en ese momento, pero hoy parecen bastante frívolos. Sólo podemos suponer que Fragonard atendía el estilo frívolo de la aristocracia. Si Waldo es un buen pintor rococó, entonces tenemos que decir que Fragonard tiene el espíritu maligno del rococó. Precisamente por eso es el más rococó. En definitiva, tanto Boucher como Fragonard demuestran plenamente la vida, los sentimientos y los intereses de los nobles y damas de la dinastía Luis, amantes del ocio y el lujo.
La composición de "Mujer tomando un baño" de Fragonard es abrupta y el cuerpo femenino parece girar bruscamente con las nubes, los árboles y los ríos. Es único y fascinante. "Tibor Falls" es aún más singular. El brillo y la riqueza producidos por la fuerte luz que incide sobre la ropa en el balcón pueden incluso rivalizar con las pinturas de paisajes de dos siglos después. Pero lo que mejor hace Fragona son los retratos. Los colores gruesos y las pinceladas voladoras en grandes áreas son completamente diferentes a las técnicas tradicionales. Pinturas como Diderot, Reading y Guimard siguen siendo populares por su técnica desenfrenada.
Levitan (es aak Iliich) nació en Litovan Kibalta en agosto de 1860 y murió en Moscú el 22 de julio de 1900. Levitan fue un destacado pintor de bocetos ruso, un maestro de la pintura de paisajes realista y miembro del grupo de exposiciones itinerantes. Las obras de Levitan son muy poéticas y muestran profunda y verdaderamente las características multifacéticas y la belleza de la naturaleza rusa. La singularidad de sus bocetos radica en el hecho de que sus pinceladas son delicadas, integrales y llenas de emoción, representan el estado de la naturaleza y los sentimientos espirituales en constante cambio, y están llenas de contemplación y melancolía.
Menser (Adolf von Menzel 1815-1905), Adolf? 6?1 Menser es un dibujante de fama mundial, el mayor pintor alemán del siglo XIX, uno de los pintores históricos y de género más famosos de Europa y un destacado dibujante. El hijo de la familia Shiyin. Comenzó a aprender pintura a los 13 años. Creó más de 15.000 bocetos y más de 7.000 bocetos a lo largo de su vida. Estas impresionantes piezas son la culminación de su arduo trabajo. No importa a dónde vaya, siempre lleva consigo sus herramientas de pintura. Se le puede ver pintando por todas partes, en las calles, callejones, campos rurales y encima de los ríos. Algunas personas decían que tenía una "adicción al dibujo lento", y él dijo alegremente: "Espero que esta enfermedad no se pueda curar. Es bueno dibujando y ha escrito innumerables bocetos y bocetos". Los pintores se esforzaron por reflejar la vida real desde muchos aspectos y pintaron muchas imágenes de trabajadores y otros trabajadores, algo poco común entre los pintores europeos contemporáneos de la época. Sin embargo, hoy no podemos confirmar la conciencia política de Menser desde un punto de vista mecánico. Por ejemplo, en algunas publicaciones nacionales, Menser parece ser etiquetado subjetivamente como carente de sentido de los tiempos. Al igual que cuando pintaba a los emperadores y a la clase alta de la clase dominante, visitaba con frecuencia el palacio y participaba en banquetes y diversas ceremonias, pero él mismo no era un reaccionario. Pintó a muchos trabajadores, pero sería inapropiado decir que creó el mundo para mostrar el poder de la clase trabajadora y del trabajo. Por muy interesado que estuviera en el color y la luz, no era en modo alguno un impresionista. A menudo realizaba pequeños óleos sobre papel que representaban escenas de la vida cotidiana. Su obra más famosa es "Rolling Mill", una pintura al óleo que refleja el trabajo y la vida de los primeros trabajadores. Sus temas creativos cubren una amplia gama de temas, incluidas pinturas históricas, pinturas de género y pinturas de paisajes. Entre sus obras se incluyen pinturas históricas como "El banquete de Sanssouci", "El concierto de Sanssouci" y "La coronación de Guillermo I", así como "El laminador", "La cena en el baile", "El ferrocarril Berlín-Potsdam". " y "Cuadro fúnebre de los mártires" y otras pinturas de género. Dibujó más de 5.000 bocetos y bocetos de memoria, que se caracterizan por un modelado riguroso, una anatomía clara y unas pinceladas potentes.